董陽孜《讀衣》最終章!細看五位設計師選字靈感及作品亮點

董陽孜《讀衣V》藝術時尚跨界展_01

台灣當代藝術家董陽孜自2016年發起《讀衣》計劃,以時尚設計為媒介,喚醒大眾對中華文字的重視,每年陸續攜手華文圈時尚設計師,用服裝傳達文字故事,展現漢字的藝術與文化底蘊;2021年《讀衣》邁入第五屆,此次策展人董陽孜以「至大無外」作為命題,邀請陳劭彥、周裕穎、蔡宜芬、詹朴、齊振涵五位服裝設計師提出各人有感的字詞延伸創作,於5月8日至5月23日在華山1914文化創意產業園區展出作品,更找來草字頭操刀展場空間,以飛舞的筆墨線條引領觀者進入遼闊的文字世界,解讀衣裳裡的字詞信號。

董陽孜《讀衣V》藝術時尚跨界展_01
藝術家董陽孜與原作「至大無外」(攝影/汪德範)

第五屆《讀衣》最終章,向世界展現中華文字藝術底蘊

《讀衣》用「讀」字暗示「衣」中有深意,用服裝的流行樣態深入淺出傳達文字的藝術和智慧,2021年來到第五屆,亦是「讀衣」計劃的最終章,策展人董陽孜以「至大無外」為題,點出文字的「無限制、無盡藏、無處不在、無所不達、無可限量」,「至大無外」同時也是董陽孜內在心境的投射,他認為文字藝術內涵深遠廣闊、沒有界限,而文字不單只有溝通的功能性,亦有美學與悠久的藝術性,如果只講究應用而忽略其藝術內涵,太可惜了;而共同策展人暨創意總監馮亞敏則提出:「語言文字是人們最輕便的裝備,它流淌在血液裡,也時刻出現在日常之中,然而這看似輕便的裝備卻有著撼動世界的力量,既能記錄歷史,也能形塑人與文化。」無非就是希望透過「衣」這項世界共同語言對國際發出中華文化訊號,也為當代華人樹立標竿,期許喚醒觀者對文字的意識,重新看見遍佈在我們生活裡、早已司空見慣卻不凡的文字重量。

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《讀衣》策展人董陽孜與共同策展人暨創意總監馮亞敏(攝影/汪德範)

陳劭彥、周裕穎、蔡宜芬、詹朴、齊振涵五位設計師作品亮點

常說「衣」是自我認同的一環,穿著會默默體現一個人的想法與個性,文字亦是,第五屆《讀衣》找來陳劭彥、周裕穎、蔡宜芬、詹朴和齊振涵,各自挑選有感的字詞與「至大無外」對應,並以此為創作靈感,延伸至服裝設計上。連續參展五年的陳劭彥,這次以「山」字為主軸,「董老師的『山』字中有『人』,這個『人』字對我來講很重要,因為服裝跟人有很大的連結,也蘊含了人跟大自然的關係。」陳劭彥運用大大小小的山形延伸出不同的服裝輪廓,再將半透明布料上的「點」與墨暈層次般的「線」化為山中的流水、星辰與生態,呈現「山」的多重意境;此外,陳劭彥也大量運用堆疊,製造重量,除了思考支撐衣服的輪廓跟型態,也思考了色彩的運用,包括藍色、黑色、粉紅色、黃色等,都不是一般人對山巒所聯想的大面積綠色或大地色,希望呈現大自然的多種樣貌,激發觀者更多想像。

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陳劭彥展區(攝影/汪德範)

周裕穎的創作靈感則源於《莊子》開篇之作《逍遙遊》中莊子對人生觀的神奇想像,希望將其哲學中「乘物以遊心」中「遊」字的重要性與價值觀,透過三套服裝呈現出「遊覽、遊戲、遊玩、遊樂」的創作態度;而身為改造好手的周裕穎,這次充分落實永續再造的精神,使用工作室廢棄的包裝氣泡袋、不同年代的二手皮衣、丹寧外套與運動夾克回收分類,透過解構、重組,打破既有的版型限制,轉化為帶有西方符號細節的東方袍服;再以塗漆、褪色等手工處理方式,打造光照下顯現的全白視覺,並循著文字線條畫上淡藍色蓄光塗料,在燈光變換下,「逍遙」二字躍上全白服裝,彷彿夜間幻蝶飛舞般浪漫美麗。本次亦是周裕穎第五年參展,他將「至大無外」比擬成對量子領域的理解,即人的意識會組成世界,各自的意識又會創造各自的宇宙,而選擇「逍遙」進行創作,他說道:「隨著人的成長,那種逍遙的心態會逐漸消失,人越來越逍遙不起來,因為有太多的事情會去框架自己,我慢慢體會唯有放開,打破框架方能逍遙。」他更強調,在《讀衣》的專案裡,從不打安全牌,而是盡情去思考新的可能性,挹注新的觀點。

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周裕穎展區(攝影/汪德範)

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周裕穎展區(攝影/汪德範)

蔡宜芬從「一沙一世界,一花一天堂」進入創作思考,「有一次去海邊,看到沙灘上的小螃蟹吐沙,壯闊而齊整,沙丘被挖的地方很像書法字。對我來說,董老師的字就像大自然的生物一般,像雲、像海、像螃蟹吐沙,都會讓我聯想到主題裡。」不過面對此次的命題,蔡宜芬反其道而行,從反面「至小」來解讀,意即世界由很多小物質所組成,遠看則是宏觀的大世界;而蔡宜芬過去的作品色調以黑灰白居多,為了因應主題壯闊的意象,挑戰高彩度創作,將天空、河流、草地搬進服裝,呈現一個童趣感、色彩斑斕的世界;有趣的是,三套服裝拆開看各自成形,放在一起便會成為一幅畫,呈現出一個個小世界的概念。

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蔡宜芬展區(攝影/張承恩)

首度參與《讀衣》的齊振涵有感於「萬物生於有,有生於無」,以「無」字為靈感創作,傳達自身對未知探索的無窮無盡而至於窮盡至無;對齊振涵來說「至大無外」有種走向宇宙、走向太空的氛圍,再從董老師回寫的「無」字看到了一艘飛行器形象,好似即將前往一片未知之地,因此以充滿未來科技感的太空服呈現「無」字意象,並運用衝擊性的色彩與布花排列,呈現出文字迷彩的時代潮。

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齊振涵展區(攝影/汪德範)

三度參與《讀衣》的詹朴,此次借「湍流」對應命題,既反應了詹朴對時間議題的情有獨鍾,亦從「湍流」看到對時代變化的心境。擅長以不同織品技法訴說服裝故事的詹朴,此次運用緹花、印花、針織、梭織體現「湍流」的狀態,詹朴希望用紗線感受並詮釋董老師所寫「湍流」線條的轉折、弧線、力道、濃淡,再透過織品的排列組合,保留服裝上線條分佈的呼吸感,讓人感受到文字的筆觸波動。

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詹朴展區(攝影/汪德範)

看更多五位設計師創作草圖

董陽孜《讀衣V》5月華山開展!攜手5位設計師探索文字博大精深

「草字頭」操刀展場空間、「博物映項」彭冠傑執行視覺設計

本屆《讀衣》展覽團隊集結了「草字頭」操刀展場空間,以飛舞的筆墨線條烘襯氣場,圍塑出五大服裝展區,與幅寬近八米的「至大無外」題字相呼應,結合薩克斯風名家張坤德專門製作的展場音樂,從鋼琴的律動到薩克斯風果決的句法與留白,交響出明媚而詩性的空間氛圍;不僅如此,由主展區過渡至副展區,S型架上展示了30幅由實踐大學服裝設計系學生創作的印花作品,繽紛的色系與構圖持續激發觀者對文字藝術的想像,沿著S型架的兩側安置了數張僅容單人體驗的習字桌,「草字頭」更發揮巧思,特於S型架上設計多串小水桶的掛置點,每一位觀者都能拎著水桶到座位上,以輕鬆好玩的方式重溫毛筆書寫的溫度。而本屆也找來「博物映項」彭冠傑執行視覺設計,主視覺以活潑奔放的桃紅渲染,營造視覺張力,也象徵《讀衣》即使來到最終章,仍帶著期許,將中華文字的藝術延伸至觀者內在、生活、甚至未來的世代。

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《讀衣》於華山主展區局部景(攝影/汪德範)

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《讀衣》於華山主展區局部景(攝影/張承恩)

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《讀衣》於華山主展區局部景(攝影/汪德範)

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《讀衣》於華山副展區局部景(攝影/張承恩)

董陽孜《讀衣V》藝術時尚跨界展_12
《讀衣》於華山副展區局部景(攝影/張承恩)

《讀衣V》藝術時尚跨界展

展覽日期|2021年5月8日(六)-2021年5月23日(日)

展覽時間|11:00-19:00

展覽地點|華山1914文化創意產業園區紅磚區西一和西二館

(臨北平東路與杭州北路口)

展覽票價|免費參觀

圖片提供|團團創新社

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走進勤美術館《Net & String Taichung》!奧地利設計團隊 Numen / For Use量身打造兩件沉浸式大型裝置

走進「可參與的空間建築」!勤美術館《Net & String Taichung》將登場,奧地利藝術團隊 Numen / For Use打造沉浸式大型裝置

勤美術館2025夏季展《Net & String Taichung》將於6月20日至11月2日展開。來自奧地利維也納、活躍於概念藝術與空間實驗領域的設計團體 Numen / For Use,首度來台展出,以全球巡迴經典〈Net〉與〈String〉系列全新版本,量身打造勤美場域限定的裝置創作,為台中城市注入一場體感與結構交織的當代藝術實驗。

奧地利維也納Numen / For Use團隊首次登台

團隊 Numen / For Use 成立於1998年,由斯帆.瓊克(Sven Jonke)、克里斯托夫.卡茲勒(Christoph Katzler)和尼古拉.拉德利科維奇(Nikola Radeljković)三位工業設計師共同創立,活躍於概念藝術、舞台設計、空間與家具創作等領域。以極簡主義出發再加入實驗與創意,長年致力於探討觀眾、身體、材料與空間之間的詩性關係,並模糊建築、雕塑與舞台之間的界線。

奧地利藝術團隊Numen For Use (Photo credit:Numen / For Use;photography by Aurélie Cenno)
奧地利藝術團隊Numen / For Use(圖片提供:Numen / For Use,攝影:Aurélie Cenno)
此次展覽以兩件裝置作品《Net Taichung》與《String Taichung》連動呈現,參展民眾可實際穿越、攀爬、匍匐於作品之中,身體不再是旁觀的工具,而是觸發空間變化的關鍵。(圖片提供:勤美術館)
此次展覽以兩件裝置作品《Net Taichung》與《String Taichung》連動呈現,參展民眾可實際穿越、攀爬、匍匐於作品之中,身體不再是旁觀的工具,而是觸發空間變化的關鍵。(圖片提供:勤美術館)

量身打造兩件沉浸式互動裝置

策展人卡茲勒與團隊於2023年9月即開始本展合作的前期溝通,也於奧地利進行多次技術模擬,歷經形體測試、材質拉力調整、視覺範圍校正,最終得以精準安裝於勤美術館的挑空區與室內樓層之中。卡茲勒表示:「這次的創作不是單純展示兩件作品,而是讓它們融合成一個連續的感官旅程。參展觀眾先在《Net Taichung》裡解放身體,以兩層繩網構築出懸浮的平台,線條極簡卻富含動能,觀眾可以實際走入、穿梭其中;再於《String Taichung》中沉浸視覺,將日常的素材賦予全新意義,再從解構與重組間得到轉化。」

他也強調這是團隊迄今最大規模的空間裝置嘗試,特別挑戰在精準限制的室內場域中完成作品。卡茲勒更表示欣賞台灣人的幽默感,儘管跨文化的溝通一定會有困難,但自己也非常喜歡這次與勤美術館的合作,這場冒險與嘗試很值得。

策展人 克里斯托夫.卡茲勒(Christoph Katzler)置身於《Net Taichung》作品中。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
策展人 克里斯托夫.卡茲勒(Christoph Katzler)置身於《Net Taichung》作品中。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
 作品《Net Taichung》讓觀眾穿梭於層層堆疊的空間,成為作品的一部份。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
作品《Net Taichung》讓觀眾穿梭於層層堆疊的空間,成為作品的一部份。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)

《Net Taichung》:穿梭、躍動、伸展於空間之中

勤美術館入口處如脈動般的線條是《Net Taichung》重要的創作靈感,這些富有動態與光影的建築元素,戶外大樓梯與岩板牆面正如同大自然中丘陵般起伏的形狀,使人與空間對話。作品以張力懸吊在空間中的網狀結構,更猶如可行走於其內的立體畫作。策展人卡茲勒也表示:「單就《Net》系列來講,《Net Taichung》是我做過最大的一件。」

《Net Taichung》柔軟而靈動的結構體,將隨著觀者進入其中的腳步而變形。這件以充氣結構張力作為支撐基礎的網狀裝置,無需額外支架,即能自成穩定結構。其外膜不僅能充當「柔光箱」豐富視覺層次。觀眾可穿梭其中、躍動、伸展於空間中,感受結構隨行進而律動,更成為作品的一部分。

走進作品《Net Taichung》,感受作品結構隨著觀者穿梭、躍動而律動著。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
走進作品《Net Taichung》,感受作品結構隨著觀者穿梭、躍動而律動著。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
《Net Taichung》成為《Net》系列最大件的作品(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
《Net Taichung》成為《Net》系列最大件的作品(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)

《String Taichung》:立體且沉浸式的極簡藝術

《String Taichung》的靈感則源自勤美術館屋頂的斜線格柵,平行輪廓的反覆出現,正好啟發了編織繩線的三維線性空間。緊繃的繩索穿越空間,如同一座可穿越的社會雕塑。坐落於勤美術館地下1樓層空間,張力繩索結構創造出一種懸浮、輕盈卻又極具力量的體驗。

《String Taichung》的線條是一組立體且沉浸式的極簡藝術;觀者可實際在被繃緊的繩索網旁探索,猶如置身於未定義尺度的空間迷宮。身體位置與方向感變得模糊,觀者將產生「它是虛擬的」的感覺,又因是質材創作而帶出真實感,體驗的雙重情境,如同超現實主義的夢境拼貼。

作品《String Taichung》讓觀眾置身於作品感受空間中的虛與實。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
作品《String Taichung》讓觀眾置身於作品感受空間中的虛與實。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)

展場音樂設計加深沉浸感

而為深化展覽的沉浸感,本展特別委託蔡瑋德(Nick Tsai)原創音樂設計。創作以模組合成器製作聲響,融入「頻率組成」與「空間分佈」兩大聲音元素,分別對應作品的有機流動與張力線構。觀眾先行聽見開放明亮的環境音,引導出對結構與空間的想像後;音樂再轉為多層次的頻率律動與留白長音,建構出如置身生命體或結構網格間的聽覺場域,讓身體與聲音同步遊走於裝置之中。

(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)
《Net Taichung》與《String Taichung》是 Numen / For Use 為勤美術館量身打造的兩件沉浸式互動裝置,巧妙延伸館體獨特的建築視覺語言,轉化為觀者可親身介入的空間經驗。(圖片提供:勤美術館、攝影:楊承)

0km美術館商店選品呼應編織主題

另外,0km美術館商店也推出「Weaving the Future 編織未來」選品企劃,聚焦於編織結構與材質創新的多元可能。集結國內外設計品牌與藝術創作者,從織品工藝出發,探索編織作為建構空間與觀點的媒介。nafl設計品牌「+10・加拾」以《葛飾北齋》為主題的限量襪品系列,結合和紙纖維與墨染技法,演繹經典波紋;針織藝術家黃郁媚則透過手工Plisse Knit Bag,展現織品與身體、空間的深層連結;克羅埃西亞家具品牌Prostoria精選Numen/For Use經典家具作品,如Buffa、Toggle 與 Polygon 等桌椅;更與ohnoki設計品牌聯名推出0km限定黑白雙色展覽飲料杯掛繩,作為參與者與展覽之間的記憶編織物件。

勤美術館與ohnoki設計品牌聯名推出0km限定黑白雙色展覽飲料杯掛繩(圖片提供:勤美術館)
勤美術館與ohnoki設計品牌聯名推出0km限定黑白雙色展覽飲料杯掛繩(圖片提供:勤美術館)
Prostoria Polygon單椅作品(圖片提供:勤美術館)
Prostoria Polygon單椅作品(圖片提供:勤美術館)

小小樹食推出本展限定新品

小小樹食美術館店也特別推出本展限定新品,將展覽空間與結構意象延伸至味覺體驗。甜點「浮影」透過焙茶白巧甘那許、黑芝麻杏仁蛋糕與竹炭奶油霜層層堆疊,再以桂花清酒凍創造晶透視覺,呼應展中光影與結構交織的空間體驗。飲品「南國博士」則以博士茶與紅豆、豆乳、藍莓調製,象徵人與人之間流動與交織的網絡,呼應展覽以身體作為介質參與空間的精神,體現藝術、食物與感官的共鳴連結。

小小樹食美術館店也特別推出本展限定新品,將展覽空間與結構意象延伸至味覺體驗。(圖片提供:勤美術館)
小小樹食美術館店也特別推出本展限定新品,將展覽空間與結構意象延伸至味覺體驗。(圖片提供:勤美術館)

《Net & String Taichung》
展覽日期:2025/06/20(五)~11/2(日)
地點:勤美術館(台中市西區館前路79號)
展覽場次(須線上預約場次及購票)

資料提供|勤美術館、文字整理|Adela Cheng

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「美國大都會博物館名作展」在故宮!集結梵谷、塞尚等大師名作,梳理印象派到現代主義百年藝術流變

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作

美國大都會博物館(The Met)首度來台展出!故宮博物院將於2025年6月至10月呈獻《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》。

本展集結大都會博物館多達81件繪畫及素描珍藏,它們分別來自梵谷、雷諾瓦、馬諦斯、塞尚等38位大師級畫家,帶觀眾一覽1920世紀中,自現實主義遞嬗至印象派、現代主義等的藝術流變;更特別精選多位知名女性藝術家之作,如印象派名家瑪麗‧卡薩特、貝絲‧莫莉索等,藉此呈現女性在西方現代藝術發展中的崛起與獨特風格。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
(圖片來源:《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》官方Facebook)
「從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展」即日起於國立故宮博物院北部院區第二展覽館隆重開展。(圖片提供:時藝多媒體)
「從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展」即日起於國立故宮博物院北部院區第二展覽館隆重開展。(圖片提供:時藝多媒體)

穿越橫跨一世紀的藝術浪潮

美國大都會博物館被譽為全球四大博物館之一,收藏近200萬件橫跨5000年歷史的珍貴藏品,涵蓋世界各大文明與藝術流派。而故宮本次展覽時區鎖定1920世紀中,類別涵蓋現實主義、學術繪畫、印象派、後印象派至早期現代主義。印象派的出現,讓畫家們從室內走向戶外、繪畫主題自人物與肖像延伸到自然景致,藉畫筆捕捉光影流動,並影響了後續藝術流派如點描派、野獸派、現代主義等的誕生及演變,留下許多經典佳作。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
美國大都會博物館。(圖片來源:The Met)

以人體、肖像、大自然等「畫面主題」劃分5大展區

策展敘事跳脫傳統上以「時序」、「畫派」分類的形式,改以「畫面主題」引導觀眾透過「直覺」展開探索,感受畫中色彩、筆觸及其蘊藏的人文情感,沈浸於作品所營造的氛圍情境。讓我們分別看向5大展區亮點:

▍身體姿態

此區梳理自1860年代起不同藝術家對人體的詮釋,並闡述鉛筆、顏料等不同媒材與技法對裸體描繪的特殊性,看人體如何成為藝術表達的試驗場。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《大溪地的出浴女子 Tahitian Women Bathing》,高更 Paul Gauguin,1892。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍肖像與人物

18世紀歐洲迎來工業革命,撼動社會階層與城市風貌,藝術也從國家資助轉向更開放的大眾市場,肖像畫趁勢崛起為中產階級展現財力、地位之物。這一時期,藝術家描繪現代生活中的社交互動,讓親朋好友成為畫中人,賦予肖像更風格化的表現,模糊肖像畫與風俗畫的界限,開啟人物畫的新風貌。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《彈鋼琴的兩位少女 Two Young Girls at the Piano》,雷諾瓦 Auguste Renoir,1892。(圖片來源:The Met)
「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《春日 Springtime》,皮埃爾·奧古斯特·考特 Pierre-Auguste Cot,1873。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍徜徉自然

在歐洲各國隨政治與工業革命的推進逐漸轉變之時,藝術家將視野轉向自然風光,以風景為畫作主角,並在其中融入自身獨特視角與繪畫風格,徹底改變1920世紀初的畫風。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《花朵盛開的果樹園 The Flowering Orchard》,梵谷 Vincent van Gogh,1888。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍城市到鄕村

1920世紀之交,藝術家們不僅徜徉自然,也探索各地人們的生活方式,及人們與環境的互動,眾多畫作描繪的主角從不斷變化的巴黎城市景觀、塞納河畔及度假勝地享受悠閒時光的漫遊者,再到鄉村小鎮和田園風光。藝術家以現代眼光及創新技巧,各自展開對所處地方的景觀與人群的獨到詮釋。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《大碗島的星期天下午 A Sunday on La Grande Jatte》習作,喬治·秀拉 Georges Seurat,1884。(圖片來源:The Met)
「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《冬天早晨的蒙馬特大道 The Boulevard Montmartre on a Winter Morning》,卡米耶・畢沙羅 Camille Pissarro,1897。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍水岸風光

工業革命帶動鐵路運輸,人們能以更便捷的方式前往海灘、漁村、港口等各地觀光,藝術家們也踏上旅途,留下許多描繪水景風光的美作,無論在法國各海岸、威尼斯或阿爾及爾等地,都能看到不同藝術家詮釋的畫作紀錄。

皮耶‧波納爾,《聖特羅佩舊港一景》,1911年。(圖片來源:The Met)
皮耶‧波納爾,《聖特羅佩舊港一景》,1911年。(圖片來源:The Met)

票價資訊總整理

《從印象派到現代主義美國大都會博物館名作展》規劃3波售票期間,提供各式票組選擇,有興趣者請見下方詳細售票資訊。

《從印象派到現代主義美國大都會博物館名作展》

展期|2025.06.1410.12

展場|國立故宮博物院 第二展覽館 一樓特展廳

開放時間|每日 9:0017:0016:30展覽現場停止售票及入場)

 

▬▬▬ 購票請點此 ▬▬▬

▍早鳥票 3/13-3/31

・雙人紀念套票|$770

內附雙人入場憑證1組、紀念套票1

請於觀展驗票時出示入場憑證,以兌換紀念套票組

▍預售票 4/7-6/13

・單人票|$400

THE MET 限定零錢包套票|$499

內附單人入場憑證1個、THE MET限定零錢包1

請於觀展驗票時出示入場憑證,以兌換限定零錢包

▍展期票 6/14-10/12

・全票|$500

・優待票|$4506歲以上持有效學生證件者,每證限購一張(碩博士生、社區大學、空中大學及在職進修等恕不適用)

・特惠票|$25065歲(含)以上者、持本國或外國身心障礙手冊之陪同者,需出示證件正本,每證限購1

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