休士頓美術館螺旋編織藝術！穿梭在美術館的漂浮迷宮

by 陳岱華 2021-06-20

編織 2021展覽

美國休士頓美術館的大廳內，近日出現了一個大型的懸吊編織藝術創作《Ernesto Neto: SunForceOceanLife》，蜿蜒的裝置看起來就像是兒童樂園中的遊具，來參觀的民眾還可以走上裝置，感受漂浮與搖晃的行走樂趣。

巴西概念藝術家Ernesto Neto創作

這件作品是巴西概念藝術家Ernesto Neto至今最大型的一件創作。對Neto而言，身體的感官能引領人們體驗這個世界，因此他的作品總是邀請參觀者透過觸摸、觀賞和嗅聞，感受五感帶來的想像。

關注傳統社會與自然生態

過去他的作品融合建築、文化、哲學和社會學等思考，並持續關注傳統社會與自然生態關聯，像是近年在蘇黎世中央車站打造的大型樹狀編織藝術裝置《GaiaMotherTree》，便以亞馬遜雨林和巴西邊境部落Huni Kuin為靈感，透過融合叢林氣味的編織創作，展現部落美學、自然觀和世界觀，也為繁忙的車站大廳創造一個可稍停腳步、欣賞眼前風景的區域。

傳達太陽和海洋創造地球生命的週期性

這次在休士頓美術館的作品，Neto以和緩向上升起的大型螺旋結構，傳達太陽和海洋創造地球生命的週期性。整體透過手工方式編織橘、黃、綠等顏色的織線，並以兒童遊樂場中常見的塑膠球作為走道，當人們走上這條3公尺高的懸浮迷宮，就需要特別專注在身體平衡與穩定，「它直接鼓勵身體在其中快樂地舞蹈或冥想，進而邀請我們放鬆、呼吸和解構身體意識。」Neto表示。

身體與空間互動的趣味性

對Neto而言，《SunForceOceanLife》是有關火的作品，因為火是地球生命生成的能量之一。每當一段螺旋織網完成時，他會以火燃燒線體的兩端，象徵對太陽、土地、海洋的感謝儀式。這項作品融合藝術家對生物和宇宙等領域的想像，編織的手法也讓人想起祖先的勞動手藝，當人們走上這個漂浮的作品時，也像走在原始社會的吊床上，感受身體與空間互動的趣味性。

Ernesto Neto: SunForceOceanLife

展覽地點：The Museum of Fine Arts, Houston

展覽時間：即日起～2021.09.06

我們如何能不被遺忘？安卓藝術《陰性空間》用「修復」和「慢工」證明存在，對抗被忘記的恐懼

by Izzie Pang 2026-10-21

2026展覽藝文展覽安卓藝術

人們追求鮮活和不朽，背後是對「被遺忘」的恐懼。暫且不談如何被深刻記著，先思考，我們能如何「不被遺忘」？

在安卓藝術推出的新展覽《陰性空間》中，8位女性藝術家試圖透過「修復」和「慢工」之勞動，讓自己與創作時相伴的材料，有重新被觀看和記得的機會。她們以舊木窗、舊衣服、香蕉皮、織線……各種零碎材料為起點，透過織、縫、刺與編等慢工，重新整理記憶、身體和生活經驗，逐步建構一處安頓身心的精神棲居。

「這不是一場單純談論女性身份的展覽。」

《陰性空間》集結來自台灣、菲律賓、羅馬尼亞的8位女性藝術家，包含陳家翊、陳妍伶、羅懿君、謝鴻均、瑪莉娜．克魯斯（Marina Cruz）、派翠西亞．伊斯塔柯（Patricia Eustaquio）、安德利亞．梅達爾（Andreea Medar）與安娜・瑪瑞亞・米庫（Ana Maria Micu）。

「這並不是一場單純談論『女性身份』的展覽。我們更關心藝術家如何從材料、記憶與生活經驗出發，回應這個充滿不安與衝突的時代。」安卓藝術總監李政勇說道，他更進一步解釋：「這裡的『陰性』不是柔弱，也不是與生俱來的女性特質，而是一種面對世界的行動方式——透過照護、保存、修補與持續勞動，藝術家重新思考力量的樣貌。修復不是退讓，而是在斷裂之後，仍選擇重新建立關係。」

面對全球衝突、社會撕裂與氣候變遷，《陰性空間》不將女性簡化為和平或溫柔的象徵，而是透過材料的切削、縫補、編織與重組，將內在經驗轉化為可被看見、觸碰與感知的物質實踐。展覽所談的「修復」，實際發生在藝術家與材料長時間的相處中，比如舊木窗保存建築與生活的痕跡，舊衣承載家族記憶，植物與廢棄物則將觀看延伸至身體、環境與消逝。作品因此成為「記憶的容器」，也成為重新理解日常的入口。

從舊木窗到香蕉皮，讓材料成為「時間的證物」

陳家翊長期關注人、環境與物質的共生關係，她的《存在》系列作品將日治時期的建築遺構——舊木牛眼窗，重新製作為燈箱，藉此將城市發展中破損的建築與生活記憶，轉化為流動的發光窗景。

陳妍伶的《紅線》將紅線轉化為象徵臍帶與血液流動的牽繫，呈現母親面對未知的焦慮與超越視覺的生物性連結。

菲律賓藝術家瑪莉娜．克魯斯（Marina Cruz）從家族祖屋淹水的記憶出發，以微觀的寫實筆觸描摹舊衣、拉鍊、布料褶皺、陶盆與植物，使洪水留下的生活痕跡，凝結為一幅關於家族記憶與日常照護的私密情感風景。

羅懿君使用風乾香蕉皮、香蕉絲與生漆，將易腐敗的植物材料，轉化為近似皮膚的形體。作品回應馬奎斯小說《沒有人寫信給上校》中長年等待卻始終未獲回覆的張力，以及人物在困頓中維持尊嚴與信念的狀態，使脆弱的材料承載等待、失落與持續存在的重量。

藉「慢工」拒絕快速消耗和遺忘

以手工刺繡貫穿創作核心，安德利亞．梅達爾（Andreea Medar）追溯家族記憶與歷史起源。在她的作品中，線跡穿越紙張、畫布與透明塑料，成為連結日常光影、家鄉風景與時間記憶的路徑。

跨足繪畫、雕塑與織品創作的派翠西亞．伊斯塔柯（Patricia Perez Eustaquio），重新詮釋了菲律賓藝術家卡洛斯．「波東」．法蘭西斯科（Carlos “Botong” Francisco）描繪醫學史的壁畫，呈現傳統薩滿巫者「巴貝蘭」（babaylan）借助自然力量療癒的景象。她透過數位技術重新拆解、編排壁畫圖像，再將其轉化為織毯，邀請觀者從不同角度觀看歷史，並思考其與自我的關係。

修復自我與世界共生關係

修復也發生在個人記憶、生活空間與自然環境之間。比如謝鴻均為新作《在虛空中塗寫》重返臺北老家畫室，重新探訪「壁花」意象——油彩、羽毛碎片與帶翅膀的童年洋裝彼此交織，使畫面成為一處關於成長、記憶與自我重構的內在居所。

安娜・瑪瑞亞・米庫（Ana Maria Micu）則觀察居住與工作空間中的植物。在她此次呈現的新作品中，植物不再只是靜止的風景，而是與藝術家共同經歷發芽、伸展、枯萎與再生，成為理解時間、生活與共生關係的對象。

8位參展藝術家在《陰性空間》中，以身體、物件、光影與材質回應當代個體的生存處境與精神困境，共同構築出一處具有「再生能量」的修復場域。她們在物質的餘溫與時間留下的痕跡中，呈現「陰性」力量如何跨越內在經驗與外在世界的界線，並將「修復」延伸至材料、記憶與感知之間的關係。展覽由此為觀者提供一處安頓心靈的觀看空間，讓現實與內在經驗中的裂縫被看見，並保留持續縫補的可能。