奧山由之的魔幻視覺之外!不停解構自我風格的攝影歷程

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日本寶礦力水得廣告的青春瞬間,膠捲底片下的街頭日常,米津玄師、星野源等藝人的魔幻視覺,這些都是奧山由之的攝影風格,但也不完全是。2021年步入攝影職涯第11年的他,在台出版《BACON ICE CREAM台灣限定版》,用攝影集直面現階段的自己,再不斷解構以迎向未來的自己。

水花反光的效果,是目前奧山由之攝影作品的醒目特色之一。
水花反光的效果,是目前奧山由之攝影作品的醒目特色之一。

日本寶礦力水得2021年的夏季篇廣告中,15歲女星中島Sena奮力為青春奔跑的身影,在粼粼水波與光影變幻間留影在觀眾心中。執導此一廣告的奧山由之,2017年即以寶礦力的一系列春夏廣告形象照,用鏡頭捕捉近300位高中生在海邊揮舞青春的魔幻一瞬而走紅亞洲。從攝影師到影像導演,如今坐擁豐富作品質量的奧山由之,其實是1991年出生、今年剛步入30代的新銳世代,靠著18歲自學攝影,以底片的高濃度色彩和顆粒走出個人風格。如今回首過往,他將2015年出版的攝影集《BACON ICE CREAM》重新編輯、加入30多張新作,在台灣推出《BACON ICE CREAM台灣限定版》。他認為這本攝影集象徵了自己踏入攝影的初心,睽違6年重新面對自身,La Vie特別專訪奧山由之,聽他道來長年的攝影歷程與哲學。

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攝影集書名BACON ICE CREAM(培根冰淇淋)源自1970年代英國整人遊戲的懲罰食物,迥異元素搭在一起也別有風味。奧山由之藉此隱喻看待攝影的多重視角,書中風格各異的作品也是他不斷進化的攝影旅程。

La Vie:請和我們分享《BACON ICE CREAM台灣限定版》的出版契機!和日本原版有哪些不同,是否有個人特別推薦的亮點?

奧山由之:2015年《BACON ICE CREAM》在日本出版後,我收到許多來自台灣讀者的回饋,告訴我他們也非常想看這本攝影集。我一方面感到十分榮幸,另一方面也苦惱於這本攝影集在台灣的取得不易。幾經思量後,決定與其在台灣鋪貨,不如直接透過台灣的出版社製作限定版。當台灣限定版確定能夠實現時,心中便想著:難得有這次的機會,不如製作一本與原版截然不同特色的作品。

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《BACON ICE CREAM台灣限定版》當中可見日本原版的舊作,奧山由之也認為這是本可以代表自己初心的攝影集。

對我個人而言,日本原版的書名也好、整體概念也好,都已經是我傾盡全力的成果。既然如此,那就得在裝幀設計上下一番功夫才行。大概在8年前,我從朋友手上拿到了聶永真設計的筆記本,在設計的同時傳達了製作者的美感品味與強烈個性,讓我留下深刻印象。因此在討論設計師人選時,腦海中最先浮現的便是他。台灣版的設計、排版,甚至是用紙全權委由聶永真操刀,最終誕生的作品抑揚頓挫分明、具有強烈節奏感。台灣讀者們在翻閱時,還請務必特別留意書籍裝幀設計上的巧思。

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奧山由之認為底片可以跳脫方形螢幕箝制,盡可能貼近觀看者的角度審視照片。

La Vie:您曾經將攝影集比喻為「送給10年後、20年後的自己的時空膠囊」,睽違6年重新面對這本攝影集,是否有和過去不同的感觸?

奧山由之:6年後的我重新翻開《BACON ICE CREAM》,能夠更清楚地指認出某些照片「因為這樣那樣的因素,所以這是奧山由之的作品」。比如說我一直將目光投射在「矛盾」之中,試圖捕捉日常中的非日常、科幻與寫實的交界點。對我而言,攝影集除了是放在書店裡的商品之外,更是一種可以重新梳理自我的時空膠囊。10年後、20年後翻閱過去出版的攝影集時,一方面能夠冷靜地回顧:「啊,原來當時的我是這樣拍照的啊」,一方面也能夠重新擾動自己當下的攝影觀點。攝影集往往在一陣慌亂中製作而成,過程很難保持客觀,完成後也會留下許多疑問。在攝影表現上,我認為所謂「深入了解自我」正是毀滅的開始。創作者必須不斷地對自己提出質疑,否則將會失去表現自我的意義與目的。因此某種層面而言,攝影集也是一種讓自己擺脫穩定、陷入混沌狀態的裝置。如果沒有這樣的裝置,攝影師很容易就會安逸於現狀,甚至就此停滯不前。身為攝影師,如果不對世人以及未來的自己發出「這本攝影集等同於現在的我」這樣的宣告,我想很難持續地按快門下去。透過製作攝影集,逼迫當下的自己面對「何謂攝影?」「何謂自我特色?」這些模糊不清的命題,多年後再藉由攝影集本身,去印證自己現在和當時的差別。

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攝影集書名BACON ICE CREAM(培根冰淇淋)源自1970年代英國整人遊戲的懲罰食物,迥異元素搭在一起也別有風味。奧山由之藉此隱喻看待攝影的多重視角,書中風格各異的作品也是他不斷進化的攝影旅程。

La Vie:您的影像多呈現底片顆粒感及鮮豔高濃度色彩,這樣的風格是如何形成的呢?為什麼不傾向數位拍攝?

奧山由之:我最一開始拍照其實是使用數位單眼相機,直到大學一年級跟朋友借了底片相機,才拍攝了人生第一捲膠捲底片,也第一次嘗試在暗房沖洗。當時大概只有1/3的底片成功顯像,可以說是失敗了也不為過。但過了一段時間再重新拿起那些失敗的相片時,卻覺得「啊,這些照片⋯⋯其實挺不錯的呢。」當時才領悟到,和數位相片檔案相比,膠捲底片是一種有形的物件。因為有形體,讓人能夠反覆把玩、觀看,藉由不同時間點的反覆觀看,也讓照片產生了多重的意義。如果是數位相機的話,按下快門後就會忍不住想立刻確認成品好壞,視野也被侷限於四方形的螢幕之中。對我來說,以底片拍攝時能夠更冷靜地審視照片的魅力與本質。照片是一種捕捉瞬間的藝術,會隨著觀看者的視角而產生不同解讀,也因此如何以觀看者、讀者的角度挑選照片非常重要。以底片相機進行拍攝,就是一種盡可能地貼近觀看者角度的方法。但我也會隨著不同的攝影手法需求改用數位相機,最近數位拍攝的作品也逐漸增加。只是我自己沒有數位相機,都得跟別人借就是了(笑)。

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奧山由之認為底片可以跳脫方形螢幕箝制,盡可能貼近觀看者的角度審視照片。

La Vie:例如寶礦力水得的廣告,您的商業作品經常表現出強烈的瞬間和速度感;另一方面攝影集《As the Call, So the Echo》、雜誌《家族》的作品,則傳達了濃厚的生活感與時間的緩慢流動。創作不同取向的作品,有沒有心態上的差異或特別注意的細節?

奧山由之:我不會因為作品取向、商業委託與否而改變自己的拍攝心態。專注於以真摯、誠懇的態度進行拍攝,我認為這就是最有效、也最具個人特色的創作方式。稍微誇大一些,不僅限於創作,面對生活、人生亦同。儘管非常困難,最關鍵的永遠是如何時刻保持正直、誠實的態度。至於為什麼我的作品看起來會有某些不同的傾向呢?我想是因為我沒有在那些作品中強調「自我」。換句話說,是因為將主題或拍攝對象放在第一優先順位的緣故。所謂作品,往往很容易直接反映出創作者本身的思想。但我認為作品是一種創作者和他人互動下所積累的成果,比起表現自我,在創作時最好竭盡所能地將目光投射到自己以外的他人之上,並且將他人反映到自己的作品之中才行。

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攝影集書名BACON ICE CREAM(培根冰淇淋)源自1970年代英國整人遊戲的懲罰食物,迥異元素搭在一起也別有風味。奧山由之藉此隱喻看待攝影的多重視角,書中風格各異的作品也是他不斷進化的攝影旅程。

La Vie:您對於好照片的定義是什麼?在當今人手一機、人人都能夠輕易拍照的時代,您如何看待攝影的意義?

奧山由之:針對照片的主題或概念沒有多餘的算計、以誠實的態度所拍攝的照片,我想都是好照片。而這個時代的攝影,最有趣的在於人們接觸影像的管道變得越來越多元。螢幕裡的照片、攝影集裡收錄的照片、雜誌上印刷的照片、海報等,因為展示環境條件不一、尺寸大小的不同或用紙的差異等等,這些都會影響著人們解讀照片的方式。就算是同一張照片,用手機看,以及放大輸出後在美術館展示時,偶爾也會產生彷彿判若兩者的錯覺。換句話說,只在電腦或手機螢幕裡觀看影像,是一件很可惜的事。正因為身處於這個時代,人們更應該活用不同媒材的特性,持續探索更多未知的表現方式。

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水花反光的效果,是目前奧山由之攝影作品的醒目特色之一。

奧山由之(Yoshiyuki Okuyama)

1991年生於東京。2011年以攝影集《Girl》獲第34屆寫真新世紀優秀獎。2016年以攝影集《BACON ICE CREAM》獲得第47屆講談社出版文化獎寫真獎。其他攝影作品集包括《flowers》、《As the Call, So the Echo》、《君の住む街》、《POCARI SWEAT》等。重要個展有《Girl》Raum1F(2012)、《BACON ICE CREAM》PARCO MUSEUM(2016)、《君の住む街》表參道Hills空間O(2017)等。近年專注於電視廣告、MV等影像導演工作。

文|廖怡鈞

圖片提供|原點出版《BACON ICE CREAM 台灣限定版:奧山由之的攝影初心》© yoshiyuki okuyama

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25張影像帶你看展!德國藝術家Wolfgang Tillmans個展成龐畢度閉館作:橫切40年創作歷程,從天文到人文構築脆弱之境

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巴黎龐畢度藝術中心即將閉館5年整修,德國藝術家Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》作為落幕之作,即日起至2025年至9月22日進駐中心內公共資訊圖書館,以其標誌性策展概念「自剖」近40年創作歷程,展示多樣化藝術實踐。同時,展覽合作夥伴Celine首度與中心攜手推出在特定日期向公眾免費開放的「Accès Libre par Celine」計畫,邀你7月3日、8月28日及9月22日共赴這場毫(萬)無(般)準備之旅。

巴黎龐畢度藝術中心(Centre Pompidou)由已故英國建築大師Richard Rogers、普立茲克建築獎得主Renzo Piano設計的原始建築,即將於2025年至2030年閉館改造,並在此前請來了德國藝術家Wolfgang Tillmans呈獻意義非凡的最後一舞。龐畢度中心3館之一的公共資訊圖書館(BPI)2樓、總面積達6,000平方公尺的空間,於是全面交到這位當代影像藝術家手中,憑他的原創性構想開辦個展:圍繞圖書館兼備的「建築」和「知識傳播場所」雙重身分展開創作與對話,打造能與作品相互呼應並激發思考的沉浸式空間。

德國藝術家Wolfgang Tillmans為龐畢度中心帶來「暫別」之作,亦是他個人睽違20餘年再度登上巴黎機構級別場館舉辦個展。(圖片提供:Celine / Wolfgang Tillmans à la Bpi, janvier 2025 © Centre Pompidou)
德國藝術家Wolfgang Tillmans為龐畢度中心帶來「暫別」之作,亦是他個人睽違20餘年再度登上巴黎機構級別場館舉辦個展。(圖片提供:Celine / Wolfgang Tillmans à la Bpi, janvier 2025 © Centre Pompidou)

Wolfgang Tillmans近年陸續進駐多個全球頂級藝術機構舉辦重要回顧展,如2017年於倫敦泰德現代藝術館(Tate Modern)、2022年於紐約現代藝術博物館(MoMA);2018至2022年間更在非洲進行了一場名為《Fragile》的大型巡迴展,作品足跡遍及金夏沙、奈洛比、約翰尼斯堡、阿迪斯阿貝巴、雅溫德、阿克拉、阿比讓、拉哥斯等城市。

此次睽違20餘年回訪巴黎機構級別場館,展覽題名《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備(RIEN NE NOUS Y PRÉPARAIT - TOUT NOUS Y PRÉPARAIT)》,由法國國立現代藝術博物館(龐畢度中心3館之二)主任策展人Florian Ebner,偕Olga Frydryszak-Rétat、Matthias Pfaller兩位助理策展人共同規劃。全區展品橫跨Wolfgang Tillmans將近40年創作歷程,一步步將觀者「誘入」他以多樣化藝術構築的迷人之境。以下分3大關鍵字簡析其作品脈絡,並穿插帶來編輯精選的25張影像。

Power Station (Low Clouds), 2023.(圖片提供:Celine)
Power Station (Low Clouds), 2023.(圖片提供:Celine)
Freischwimmer 93, 2004.(圖片提供:Celine)
Freischwimmer 93, 2004.(圖片提供:Celine)
Sendeschluss / End of Broadcast VI, 2014.(圖片提供:Celine)
Sendeschluss / End of Broadcast VI, 2014.(圖片提供:Celine)
Work A for Blutsturz Party at Front, Hamburg, 1988.(圖片提供:Celine)
Work A for Blutsturz Party at Front, Hamburg, 1988.(圖片提供:Celine)

#01 自剖

轉化空間結構,突出展品意涵

此次展覽揭示了Wolfgang Tillmans攝影作品的一個橫切「面」,呈現順序依循的是空間結構,而非「線」性時間。展出內容融合錄像、音樂、聲音作品,以及龐大的印刷品收藏和個人物品。Wolfgang Tillmans巧妙利用圖書館本身的基礎設施,突出其創作與此一知識多元共存場所之間的相似性,更勝以往地體現了藝術家對空間的直接介入——這是他自1990年代中期以來的策展標誌:一方面轉化現有結構,一方面發明出全新展示形式,藉此構造出一個包羅萬象的裝置場所,重新定義攝影展覽的可能性。

himmelblau, 2005.(圖片提供:Celine)
himmelblau, 2005.(圖片提供:Celine)
Quelle est la probabilité que je sois le seul à avoir raison à ce sujet, 2017.(圖片提供:Celine)
Quelle est la probabilité que je sois le seul à avoir raison à ce sujet, 2017.(圖片提供:Celine)
Junger Hausrotschwanz, 2022.(圖片提供:Celine)
Junger Hausrotschwanz, 2022.(圖片提供:Celine)
The Cock (kiss), 2002.(圖片提供:Celine)
The Cock (kiss), 2002.(圖片提供:Celine)
Miss Kittin, 2001.(圖片提供:Celine)
Miss Kittin, 2001.(圖片提供:Celine)

#02 尋根

捕捉物質世界的脆弱不安,以自有審美語言追探人文主義

1968年出生於德國雷姆沙伊德的Wolfgang Tillmans,在其藝術生涯中不斷挑戰可見性邊界,捕捉物質世界既脆弱迷人、又令人不安的瞬間。他也進行無相機攝影,致敬將被淘汰的感光材料所擁有的純粹性或不純粹性。從早期對天文現象的觀察,到對1990年代次文化的記錄,再至如今融合錄像和音樂等多元創作,Wolfgang Tillmans形塑出自成一體的審美語言;而這種緊貼時代的探索,不僅推動他不斷追探人文主義與共存的當代表達形式,亦對當代藝術以外的領域產生深遠影響。

Sahara reflex, 2018.(圖片提供:Celine)
Sahara reflex, 2018.(圖片提供:Celine)
Stauchen eines Blocks auf einer Freiformschmiedepresse, Dirostahl, Remscheid, b, 2024.(圖片提供:Celine)
Stauchen eines Blocks auf einer Freiformschmiedepresse, Dirostahl, Remscheid, b, 2024.(圖片提供:Celine)
Lighter 83, 2010.(圖片提供:Celine)
Lighter 83, 2010.(圖片提供:Celine)
Panoramabar morning, 2002.(圖片提供:Celine)
Panoramabar morning, 2002.(圖片提供:Celine)
左上 Markt (c), 1989 / 右上 Markt (a), 1989 / 左下 Markt (g), 1989 / 右下 Markt (b), 1989.(圖片提供:Celine)
左上 Markt (c), 1989 / 右上 Markt (a), 1989 / 左下 Markt (g), 1989 / 右下 Markt (b), 1989.(圖片提供:Celine)

#03 反思

今昔之作並呈——我們對此毫(萬)無(般)準備

通過將早期檔案與最新創作並呈於展覽中,Wolfgang Tillmans回應了自1989年以来持續主導全球局勢的辯證狀態:那些曾經艱難爭取來的社會進步與自由,如今再次面臨質疑。展覽標題「我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備」作為藝術家自身多年來珍視的一種表達,可被理解為對我們對時間、現實,以及如何塑造現實,這般複雜感知的反思。

Christopher Street Pier Summer, 1995.(圖片提供:Celine)
Christopher Street Pier Summer, 1995.(圖片提供:Celine)
Frank, in the shower, 2015.(圖片提供:Celine)
Frank, in the shower, 2015.(圖片提供:Celine)
Lüneburg (self), 2020.(圖片提供:Celine)
Lüneburg (self), 2020.(圖片提供:Celine)
Lacanau (self), 1986.(圖片提供:Celine)
Lacanau (self), 1986.(圖片提供:Celine)
Echo Beach, 2017.(圖片提供:Celine / Courtesy Galerie Buchholz, Galerie Chantal Crousel, Paris, Maureen Paley, London, David Zwirner, New York)
Echo Beach, 2017.(圖片提供:Celine / Courtesy Galerie Buchholz, Galerie Chantal Crousel, Paris, Maureen Paley, London, David Zwirner, New York)
Empire (US / Mexico border), 2005.(圖片提供:Celine)
Empire (US / Mexico border), 2005.(圖片提供:Celine)
The Glove That Fits, 2024.(圖片提供:Celine)
The Glove That Fits, 2024.(圖片提供:Celine)

集藝術家文本與訪談,《Tillmans Reader》同步發行

《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》為Wolfgang Tillmans自2002年在東京宮(Palais de Tokyo)進行大型裝置後,睽違23年於巴黎機構級別場館的首個個展。展覽將配套發行圖錄,以及匯集藝術家多篇文本與訪談內容的擴展版《Tillmans Reader》法文出版物。

Panoramabar, links, 2006.(圖片提供:Celine)
Panoramabar, links, 2006.(圖片提供:Celine)

Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》

  • 時間:即日起至2025年至9月22日(Accès Libre par Celine|7月3日、8月28日、9月22日11:00-23:00免費開放)
  • 地點:巴黎龐畢度藝術中心公共資訊圖書館2樓

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2025大阪世博攝影攻略!攝影師蔡耀徴親解,如何拍出獨特視角的場館與現場氛圍?

2025大阪世博攝影攻略!攝影師蔡耀徴親解,如何拍出獨特視角的場館與現場氛圍?

2025大阪世博於4月13日~10月13日登場,為期半年的展期,無疑是今年極具規模與吸睛度的國際盛事。而大家前往世博勢必會拍照留念,但在人潮眾多、天氣不可控等狀況下,該怎麼克服?面對各個場館,又要如何找到自己的獨特視角?這次攝影師蔡耀徴親自前往現場取材,不藏私分享拍攝經驗與技巧!

若問2025大阪世博是否「好拍」?答案為是,但也不完全是。以設計「大屋根」的藤本壯介為首,到獲普立茲克建築獎的伊東豊雄、坂茂、SANAA,再到隈研吾、平田晃久、Foster + PartnersLina Ghotmeh等一線建築師,每一座場館映寫在相機裡都獨具特色。

但世博現場人潮眾多,天氣亦不可控,實則考驗拍攝者的現場應變與取景技巧。加上根據世博官方規定,會場不得攜帶大型行李(以600mm×400mm×900mm為限),且有輪子的行李箱、相機腳架皆被禁止。然而現場值得拍攝的畫面非常多,舉凡場館、表演、世博大景等等,白天與夜晚亦有不同景致,因此在能帶入的攝影器材有限的狀況下,設備的選擇就得非常精準。

荷蘭館。(機身α7R V,鏡頭SEL70200GM2)
荷蘭館。(機身α7R V,鏡頭SEL70200GM2)

世博拍攝的行前準備

此次蔡耀徴選擇以Sony α7R V作為主力機身,其具備雙卡槽、高畫素等特點,能給予專業攝影師穩定支援;加上AI對焦、防手震、四軸多角度翻轉螢幕等多元功能,亦讓取景更靈活。鏡頭則以3種不同焦段搭配使用:16-25mm的廣角鏡頭,可以同時容納展館和人潮,呈現世博各場館的氣勢與張力;中長焦選擇70-200mm,能壓縮景物作為畫面的前景或點綴;而針對現場的多變狀況,40mm的定焦鏡機動性高,且定焦鏡的特性能凸顯被攝主體,成為拍攝細節的好幫手。

拍攝展館前,先觀察建築特性

來到世博,每個人首先想拍攝的莫過於「場館」。蔡耀徴觀察,本屆世博許多場館色系都偏白、灰,甚至選用鏡面材質,這類顏色與材質的建築會反映天空色調,善加運用則能拍出不單調的場館照。例如「泰國館」就有一面偌大鏡面,彷彿建築與天空融合在一起,就算遇到陰雨,也能在不同的天空顏色映照下,形成晴天拍不出的氛圍。他也補充,這張照片拍攝於傍晚,快門非常慢,此時相機的防手震功能就很重要。

泰國館。(機身α7R V,鏡頭SEL1625G)
泰國館。(機身α7R V,鏡頭SEL1625G)

而在拍攝「韓國館」時,為呈現外牆上裸視3D的震撼效果,他選用16-25mm的廣角鏡頭,且蹲在地上拍攝,運用翻轉螢幕得以輕鬆取景。

韓國館。(機身α7R V,鏡頭SEL1625G)
韓國館。(機身α7R V,鏡頭SEL1625G)

在展館拍攝上,蔡耀徴也建議,「視線不要只放在單一場館,可以試著將周圍元素放入構圖。」同樣以「泰國館」為例,他在拍攝途中發現鏡面在某個角度下,可以反射出旁邊的「西班牙館」,因此有了這張「看似後製、其實是實拍」的兩館合影。

左為泰國館,右為西班牙館。(機身α7R V,鏡頭SEL70200GM2)
左為泰國館,右為西班牙館。(機身α7R V,鏡頭SEL70200GM2)

靜態展覽與動態表演的不同技巧

進到展館室內,展覽又是另一項拍攝重點。蔡耀徴此次在展場內多搭配40mm的定焦鏡,他解釋,介於廣角與中長焦之間的40mm焦距,很適合在有限的室內空間裡發揮,且不會容納太多不必要的資訊。「定焦鏡的特性還能使物件的邊緣更為銳利,使主體更容易地被聚焦、凸顯。」他說,拍攝「瑞士館」展覽時,裝置藝術的光線就在定焦鏡下粒子分明。

瑞士館。(機身α7R V,鏡頭SEL40F25G)
瑞士館。(機身α7R V,鏡頭SEL40F25G)

場館裡面可不只有展覽,在世博主場館「EXPO Hall」亦有表演可以預約欣賞,各國家館也會不時在戶外空間展演,成為走逛世博的驚喜。若想捕捉表演者的畫面與動作,蔡耀徴建議可以開啟相機的AI對焦功能。此次他就在「EXPO Hall」欣賞演出時,就在台上眾多舞者中,快速對焦到主角。

EXPO Hall館內演出。(機身α7R V,鏡頭SEL70200GM2)
EXPO Hall館內演出。(機身α7R V,鏡頭SEL70200GM2)

巧妙運用人潮與前景,創造氛圍大景

除了將眼光放在各個場館,來到這個5年一度的國際展會,勢必會想拍下屬於世博現場氛圍的照片。蔡耀徴說,世博現場免不了人群眾多,若想拍出熱鬧但又不雜亂的大景,建議在會場尋找制高點,並使用70-200mm的中長焦鏡頭容納整體視野。

世博現場大景。(機身α7R V,鏡頭SEL70200GM2)
世博現場大景。(機身α7R V,鏡頭SEL70200GM2)

蔡耀徴也強調,不需要一味地把人潮當作「需要避開」的劣勢,善加利用反而能為畫面加分。其中,讓人群變成「剪影」就是個好方法。例如他運用「電力館」的純白外觀,與黑色人群剪影形成對比,以廣角鏡頭呈現人潮走逛世博的有趣畫面。

電力館。(機身α7R V,鏡頭SEL1625G)
電力館。(機身α7R V,鏡頭SEL1625G)

而最能代表本屆世博的建築「大屋根」,除了單純拍攝其木構之美,蔡耀徴此次使用中長焦鏡頭壓縮景物,讓大屋根通透的木頭結構成為前景,造就獨特視角。

大屋根。(機身α7R V,鏡頭SEL70200GM2)
大屋根。(機身α7R V,鏡頭SEL70200GM2)

夜晚拍攝要注意什麼?

最後不可錯過的是夜晚,開放到晚上10點的世博,幾乎每個場館都有針對夜晚設計燈光,且戶外空間也固定會有水舞秀演出。蔡耀徴說,拍攝夜景時,機身的對焦需要精準,且拉高ISO後畫面品質也要維持水準;加上夜拍經常需要透過後製調整,因此相機的性能十分重要。善用器材加上現場觀察,就能讓世博迷人且多樣的夜晚姿態,以照片的形式定格留存。

水舞秀。(機身α7R V,鏡頭SEL70200GM2)
水舞秀。(機身α7R V,鏡頭SEL70200GM2)

文|張以潔 攝影|蔡耀徴