楊士慶拋開美醜對錯的瘋狂設計世界！探索與突破全來自一句「為什麼」

關於設計，楊士慶有很多「為什麼」。對外界，他問為什麼要符合美感標準？為什麼每筆線條都要有理由？對自己，他問為什麼要一再創新？為什麼不能做出大氣又安全的視覺？從繪畫走入設計，從唱片裝幀到金曲視覺，他把這些疑問都表露在作品裡。

採訪途中快遞送來一件精品禮盒，目測長寬高超過50公分，透明外殼可見裡頭好多彩色愛心氣球，合理推測打開後會如經典求婚橋段般向上飛起。「這什麼意思？好瘋噢哈哈哈。」楊士慶脫口而出。先等一下，楊士慶自己的設計不也是玩得很瘋？在漂漂亮亮的明星照片畫上狂亂線條，水、油漆、氣囊、車縫機⋯⋯越違和的媒材就越容易出現在他的專輯裝幀。他大笑，「欸我跟你講，我自己是很浮誇的人，有時候看到比我更浮誇的人，就會覺得哇這也太浮誇了吧？但這就會反映到，別人在看我作品的時候是不是也會說，這也太誇張了吧？」

答案為何他早有自覺，「國高中的時候，我的心態有點反骨，想要跟大家喜歡的東西不一樣。」他買的東西一定要很鮮豔很亮，還會提阿嬤菜籃去上課，當大家在迷偶像歌手，他卻每個禮拜從新竹上台北，到敦南誠品逛小白兔唱片櫃位。高中就讀廣設科，有次要做海報，他拍下自己全裸身軀當成設計元素，「老師們都傻眼，覺得這學生怎麼會那麼瘋？」他的Flickr和Behance都留有學生時期創作，不難看出圖像裡的情色意涵，「我當時看很多國外作品，發現他們根本不care這件事，但我們卻認為這些東西不應該出現在課堂作業，我就想用作品去挑釁老師。」不斷被老師提醒風格太強烈不是好事，設計還是得符合一定的美感標準，「我那時候就覺得，為什麼？」

不認識楊士慶的人，單看作品或上述言論，都會直覺這人必定很兇很酷。「我其實是一個很乖的學生，我只對喜歡的事情有所叛逆，不會有個性上的叛逆。」這也難怪許多客戶見到他，都會驚訝於作品和本人反差之大。說起反差，他可以舉證的案例還真不少，作品充滿手感自己卻有點3C控，還聊起家裡的空氣清淨機有多神奇。「很多人也會問我，你的東西看得到很多童趣，是不是看很多漫畫？但我看不懂漫畫欸，每次都搞不懂，看完這格應該要對應到哪一格？」那他的童趣是從何而來？「國高中的時候，我自發性地去一間身心障礙幼稚園，教了一個月的畫畫。他們畫圖的過程讓我很感動，即使是一個不經意的線條、用色，對我來說都很有魅力。我有發給他們筆，但他們會用手或其他東西作畫，當下看到的時候有點雞皮疙瘩，對欸，為什麼所有東西都一定要用筆創作？」這也影響到他後來做設計常捨棄電腦，用樹枝等不同工具繪出線條或圖像，再透過印表機重複印製產生不同肌理。

金曲視覺，風格與方法的翻轉

楊士慶的設計路從繪畫出發，到現在都可見拼貼媒材、插畫等美術手法。不過這標誌性的瘋狂手感，在今年金曲32主視覺有了翻轉。「每個領域都不應該被任何雇主貼任何標籤，大家認為我只能做很瘋、很年輕的東西，不見得啊，為什麼我不能做出畫面美、大氣的設計？」他與3D團隊合作，從典禮主題「看見聲音軌跡」想到1977年發行的《航海家金唱片》（Voyager Golden Records），這張收錄地球各式聲音的唱片，隨著探測器發射到太空，彷彿在向未來證明現在的存在，因此有了「探索」、「通往新世界」、「數字32軌跡」的3款前導視覺。

概念先行的創作，對他來講是方法上的挑戰，「其實我很多設計都是視覺先出來，在做的過程中慢慢思考，為什麼我要用這樣的元素？再去賦予它概念。我覺得很多創作者應該都是這樣子⋯⋯的吧？」除了金曲視覺每個元素都有事先設想概念，其他的多數創作，他都是聽過好幾次專輯的歌、讀了好多份歌手資料，轉為視覺時就是當下的情感跟感受，若客戶詢問為什麼要畫這個線條，他的答案就是「感覺」。這也令他反向思考，「為什麼所有設計都得告訴大家概念或原因？每個人都有思考能力，他們看完這個東西會聯想到某些事情，我反而可以用我的架構、材質、視覺元素，帶給大家新的啟發。」

瘋狂唱片裝幀的突破與反思

回到唱片設計，最新釋出的HUSH《支線任務》數位封面，熟悉的楊士慶風格又回來了。他向造型師借來拍形象照用剩的電子零件，結合膠帶、保鮮膜等重新拼貼出封面。除了把照片用印表機輸出、掃描，其餘均沒有用到電腦，甚至沒有文字排版，「即便沒有印出實體，還是想讓大家在數位上感受手作的溫度。」今年入圍金曲最佳裝幀設計的巴奈《愛，不到》，楊士慶直言是「近期最滿意的一張唱片」，他目前的工作室其實和巴奈所屬唱片公司子皿共用，從私底下一起打麻將，到為專輯學探戈、錄demo、正式錄音都全程參與。「這是我第一次遇到一個歌手，讓我從生活領域介入，這個設計也只有巴奈能這樣做。」他說專輯在講愛情，但每一個人喜歡的人都是無一無二的，所以用車縫機手工車出每一張樣貌不同的封面，「當下你看到這個封面很喜歡，如果不好好收藏它，可能下一秒就會被別人買走，就像是再也遇不到這個你喜歡的人了。」歌詞本每一頁都打上了洞，但翻到後面會發現有些洞沒有打到扎實，甚至沒有打出，象徵愛情從濃烈到淡忘的現實過程。

他在唱片設計總是玩得很瘋，Karencici《SHA YAN》用PVC袋裝水，做成像點滴袋的包裝；丁噹《愛到不要命》把油漆滴在數千張唱片上，搞得廠商很頭痛，質問要怎麼讓油漆在時限內乾掉？「我說拜託一定可以，拿了一堆大紙箱，每箱擺20張唱片，用電風扇狂吹了好幾個晚上。」去年黃偉晉《背光旅行》甚至以充氣氣囊製作包裝，「氣囊的確是為了想創新而去做的，覺得好像沒有人這樣做過。」

楊士慶說得誠實，做到現在會有很多壓力，不斷思索還有哪些材質可以突破之前自己用過的，「很多時候也會矛盾，這樣子做到底是好的嗎？為什麼要一直去找更特別的東西？其實我可能只是想滿足自己的慾望。」近期他想稍微收斂，回到最簡單最原始的狀態，但也不敢說到絕對，可能哪天受不了又玩起更新的東西。

設計初衷就是用手親自完成

除了大眾可見的商業案，他私底下一直保有繪畫創作習慣，「我沒有辦法一直坐在電腦前，這件事對我來講很不真實，比如說用了很久的電腦，去郵局時需要寫字，就會覺得手感怪怪的。」因此接到企劃案時，他常常會重新手抄一遍，「我想找回做設計的初衷，我是因為喜歡畫畫而踏入設計，而畫畫就是用手去完成。」他到現在都還會回去翻以前的作品，「我一直很喜歡我在學生時期的那個狀態。」他拿起手機打開Flickr，「我以前會掃描很多材質做一些拼貼。噢，這就是之前拍全裸照的時候，我以前很胖，哈哈哈。」這些作品現在看來還是很好玩，他很想再拿出來重新設計，「以前太重視要帶給大家吸睛的感覺，疏忽掉排版、用字等基本功，如果現在讓我重做又會是另一個方式。」

2021年步入30歲的楊士慶，和過去10、20代已有了不同，他也希望5年後再回看現階段的自己，同樣會覺得當時的設計不夠成熟，「雖然我的作品很大膽，但我的個性蠻保守，會給自己壓力，覺得幾歲之前一定要做到哪些事。」說來也妙，2021年初他許願能做到張惠妹的設計和金曲視覺，結果兩個願望今年一次達成。愛購物的他，今年入手最瘋狂的品項是一間房，還養了一隻黑白賓士貓，「跟屋主從下午5點一直談到晚上11點，成交那一刻心跳跳很快，想說完了，這輩子應該要一直過著付房貸的生活，又可怕又興奮，一整個禮拜都睡不好。」他不斷說著買房真的超瘋，但有經過縝密盤算，確認比租房來得划算。瘋狂行為卻有細膩思維，其實楊士慶和他的作品還是挺像的。

楊士慶

羊有四十七隻工作室創辦人。創作領域涵蓋唱片、書籍、展覽藝術活動等。合作藝人包括張惠妹、林宥嘉、孫燕姿、楊丞琳、華晨宇、盧廣仲、魏如萱、蘇慧倫、Karencici、宇宙人等。曾任金曲裝幀評委、入圍第18屆美國獨立音樂獎最佳音樂海報，2019年以美秀集團《電火王》入圍第30屆金曲獎最佳裝幀設計。2021年擔任第32屆金曲獎視覺形象設計，並以巴奈《愛，不到》入圍最佳裝幀設計。

文｜張以潔　　攝影｜KRIS KANG　　圖片提供｜楊士慶

更多設計人專訪與精彩內容請見La Vie 2021/8月號《咖啡理想生活》 

屢獲國際指標性設計獎項肯定的台灣設計團隊Bito，近日再傳來好消息！2026年紐約ADC大獎得獎名單正式公佈，Bito獲頒3座「銅立方獎」，藉勤美綠園道形象影片、FOCASA馬戲團動態識別系統、崑山科大創校60週年主視覺3件作品，再度將台灣設計帶向世界舞台，同時寫下台灣團隊於ADC的新紀錄。

創立於1920年的「紐約藝術指導協會年度獎（ADC Annual Awards）」，是全球歷史最悠久的設計與廣告獎之一，也是國際設計領域中極具指標性的大獎。獎項以「立方（Cube）」獎盃為標誌，大獎分為金、銀、銅3等，另設優選及特別獎項。過去，Bito曾獲金、銀、銅立方獎肯定，2026年再度拿下3顆銅立方和1座優選獎，以下分別看向4件得獎作品亮點！

銅立方獎｜勤美綠園道形象影片

▌在AI時代回歸手繪的純粹

位於台中的「勤美草悟」和「勤美綠園道」，結合購物中心、城市綠地和廣場，並與「勤美術館」串聯，在市中心構築一片人文交匯的多元生活圈。勤美集團深信：「因為有人，空間才有意義。」因此邀Bito以「開創精彩生活（Step into the incredible life）」為主題，為勤美綠園道訂製品牌形象影片。

人人都在談論AI的時代，Bito選擇回歸手繪逐格動畫，以取自勤美綠園道英文名「PARKLAND」的P、L兩字母為主要意象，結合6個場域和6段故事，串聯融入奇幻想像的日常場景、生動的人物表情與肢體動作，透過逐格手法，描繪在勤美生活圈中人與人、人與空間的相遇，如何化為一段段生活精彩故事。

銅立方獎｜FOCASA馬戲團動態識別系統

▌馬戲表演化為設計語言

在FOCASA馬戲團成立15週年之際，Bito為團隊打造一套全新動態識別系統，將馬戲表演中的各種意象，像是作為場地的馬戲棚、表演者的肢體動作等，化為設計語言，讓FOCASA的品牌門面自成一場精彩的馬戲表演！

Bito以馬戲人熟悉的丟球、走鋼索、疊高等表演為意象，創造一套屬於馬戲團的動態系統——當字母一字排開，如同演員們各就各位，好戲準備上演！有趣的是，新識別中特別選用兩種寫法的字母「a」，分別代表觀眾（audience）與表演者（artist）在同一頂帳篷內交會。

銅立方獎｜崑山科大創校60週年主視覺

▌翻玩漢字結構，用Loop展現「基本功」的力量

在崑山科技大學創校60週年，Bito以「基本功」為概念，將「崑山」二字拆解為山、日、比，山，透過重複循環（Loop）的形式展現「重複的力量」，將基本功具象化。這套主視覺有何涵義？Bito表示，每件作品身後，總有一群默默付出、精益求精的幕後工作者，正是他們日復一日地磨練基本功，才能成就每部電影、每個專案。他們透過反覆練習、不斷累積，讓基本功造就了崑山科技大學深厚的底蘊。

優選獎｜大阪世博TECH WORLD館展演作品

▌重現台灣山林的沈浸式展演

回望2025年在大阪舉辦的世界博覽會（EXPO），Bito為台灣館「TECH WORLD」打造動態展演作品〈A Tree Meets the Moon〉，其以東亞最高的針葉樹種——台灣杉——為靈感，考察從中海拔到中高海拔近50種台灣動植物，透過現場巨型的柱狀環形投影、560隻機械手臂，及12聲道環繞聲效系統，以打開五感的沉浸體驗帶領觀眾進入霧林帶自然場域，感受台灣多元、包容的韌性與精神。

資料提供｜Bito

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》