自農曆年前於新竹「春室 Glass Studio +P STORE」開展的〈half full half empty  ———   看待玻璃的雙向方式〉，由朋丁擔任策展、設計師楊水源操刀，以回收玻璃打造〈half full half empty〉限量概念作品，不僅以循環材質和設計語彙演繹環境永續的美意，於技術上的突破更展示傳統與當代工藝思維的相輔相成，展覽在好評之下將延至3月13日（日）。

走進回收廠，一座山形的玻璃砂丘映入眼簾，被碾碎的玻璃碎從高處落下，堆疊成巨大的意象，帶著清透的白綠色，在日光下閃爍著迷人的色調。

這是辛苦的回收玻璃產業中意外浪漫的一景。回收的過程既厚工又複雜，透過不停歇的機械運轉，將廢棄的玻璃物件分門別類處理成能夠進入循環流程的小粒子單位，等待著重新被燒熔、賦予型態，再一次前往新世界。

正是透過這樣的往復循環，建立起重視重生的環境意識。設計師楊水源擷取了玻璃碎從高空中落下的動態意象，將其與沙漏的型態做結合，與開業甫一年半的「春室 The Pool」合作，推出一系列專屬的限量概念周邊商品，並於二樓的「+P STORE」中進行首度的店中店展示。

沙漏的靈感來自於春室「裝載各種可能性的透明容器」概念，撇除了古老的計時功能，此系列作品從容器的角度來重新定義沙漏，完成品有栗子與圓柱兩款造型，分別命名為〈half full〉與〈half empty〉。在不斷上下倒置、把玩的過程當中，封存於沙漏中的玻璃砂反覆地在兩端游走，象徵每一粒砂都能在循環中擔負起無法替代的角色，將春池玻璃致力結合回收與創造的理念，以具象而詩意的視覺表現，實踐在這輕巧的物件當中。

典型沙漏採管玻璃直火加熱，做出輕薄、帶一點儀器感的準確外型，而以口吹玻璃為技法的〈half full half empty〉系列，得先以口吹成型、再以鐵鉗緩緩夾出向內的凹痕，過程中得進出窯爐數次，才逐步形成可供玻璃砂通過的細縫；而條狀的細縫也製造出流沙瀑布般的傾瀉效果。特意選擇極細款粒徑300微米的玻璃細砂，務求此特別款沙漏從裡到外皆以玻璃製成。當使用者凝視著每一粒玻璃砂通過，分秒之間的時間空隙似乎都被放大，更添療癒感受。

楊水源：「不同的玻璃加工方式，都有它適合製作的物件形狀。這次利用常見於工坊的鉗子『夾』出微微的流沙孔，而非依循常見的滾壓縮孔方式來製作。和師傅以春室拿手的口吹玻璃技法一同開發製程，像是將春室最適合製作的外型慢慢找出來的過程。」作品取名〈half full〉與〈half empty〉，原意是描述人們看待事物或悲觀、或樂觀的立場。在不長不短的流沙過程中，希望讓人思考自己所見究竟是半空亦或半滿。

在長達半年的產品開發期，楊水源以駐村型式進駐春室一樓的玻璃工坊，與玻璃工藝師一同克服了回收玻璃膏較難掌控的特性，開發出全新製程、且水準均質的品項。此系列沙漏作品背後投注了精準的設計邏輯與職人師傅無數次失敗的心血嘗試，可視為傳統口吹玻璃技藝與當代工藝思維的嶄新結合。

若想更深入了解創作背後的概念，楊水源將於2月26日（六）下午進行現場專場導覽，親自解析〈half full half empty〉的概念與製作，從如何拆解玻璃砂粒的循環流程開始，發展出一套擁有春室專屬工法的限量玻璃沙漏作品！

half full half empty  ———   看待玻璃的雙向方式

展期｜ 2022. 1. 14 Fri. - 3. 13 Sun.

地點｜春室 +P STORE

地址｜300 新竹市東區東大路一段2號2樓 

half full half empty 導覽專場

時間｜2022. 2. 26 Sat. 2:30pm 

設計師楊水源將於現場進行導覽解說，包含概念發想與製作過程：如何透過細膩的流程與變因控制，發展出一套專屬春室口吹玻璃沙漏的工法與製程。

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資料提供｜朋丁 Pon Ding

史上最大規模的威廉・透納全球巡迴展覽「威廉．透納特展-崇高的迴響」，繼摩納哥、上海站之後，全球第3站於今年6月到台灣展出，包含素描、油畫、水彩等高達80件的威廉．透納真跡畫作。

英國最偉大的畫家，約瑟夫．馬洛德．威廉．透納（Joseph Mallord William Turner，1775-1851），素有「光之畫家」的美名，他擅長通過對色彩及光線的卓越掌控能力，生動捕捉大自然的動態與力量，並重新定義了何謂「風景畫」。英國民眾更票選他作為新版20英鎊紙鈔上的封面人物，充分體現了他作為英國最受尊崇畫家的巨大影響力。

「威廉．透納特展」全球第3站在台灣

2025年適逢威廉．透納250週年誕辰，英國泰德美術館發起「Turner 250」一系列的紀念活動，當中的重頭戲，也是史上最大規模的威廉・透納全球巡迴展覽「威廉．透納特展-崇高的迴響」，將繼摩納哥、上海站之後，全球第3站於今年6月到台灣展出，包含素描、油畫、水彩等高達80件的威廉．透納真跡畫作，完整體現他一生精采的創作歷程。

英國泰德美術館於1897年由利物浦糖商亨利・泰德（Henry Tate）爵士創立，早年以國家藝廊的方向發展，至今在英國已有4座美術館的規模，包括歷史最悠久的泰德不列顛美術館（Tate Britain） 、英國北方藝術重鎮泰德利物浦美術館（Tate Liverpool）、深耕在地文化發展的泰德聖艾夫斯美術館（Tate St Ives）、以及人氣最旺的泰德現代美術館（Tate Modern）等。

而作為英國最具代表性、參觀人數名列前茅的泰德美術館，其館藏涵蓋英國及西洋藝術史500年來的珍貴鉅作，其中尤以威廉．透納臨終捐贈的數百件油畫及上萬件水彩及素描作品最受矚目，更是世人參觀必訪的重點。近年泰德美術館更以打破年代界線的主題式策展開創新局，是全世界最具前瞻性美術館之一。

展出80件透納的真跡畫作

威廉．透納在世時就創立了基金，意在幫助貧窮的藝術家，這也成為泰德美術館成立英國最著名的藝術獎「透納獎」最重要原因。在他逝世後部分畫作遺贈國家，大部分作品保存在泰德美術館，而擁有最多透納作品收藏的泰德美術館，本次將帶來80件透納的真跡畫作，以英國風景、阿爾卑斯山、威尼斯、海上風暴、海天之間、歷史故事、崇高美學，分為7大展區，貫穿他整個創作生涯。為了凸顯透納作品的劃時代，泰德美術館另精選近30件當代藝術家作品加入展出，打造出前所未有、最大規模也是最全面的威廉．透納特展。

展品聚焦「崇高」美學

展覽精選了透納最具代表性的畫作，這些作品不僅充滿激情且極富表現力，更聚焦在「崇高」（Sublime）美學的核心概念。展覽將透納真跡鉅作與當代藝術家作品並陳展示，呈現經典與現代橫跨250年的歷史與現代對話，觀眾不僅能體驗到自然中的崇高意象在藝術發展歷程中重要意義，也能深刻感受到透納跨越時代的恆久影響力。策展人伊莉莎白．布魯克（Elizabeth Brooke）表示：「展覽最希望能呈現的就是透納畫作的『永恆性』，他永遠都能與當代發生的事情做連結，期望觀眾在欣賞畫作的同時可以透過想像力讓自己置身在透納繪製的景色中，並透過當代藝術作品理解創作者們透過藝術關注議題的共同性。」

精選當代藝術家作品加入

據說透納曾邀請賓客造訪他位於倫敦的住所與畫廊，並讓他們先在一間昏暗的房間中稍作停留。他相信，短暫的黑暗能清除人們眼中原有的視覺印象，提升視覺敏銳度，從而強化對光線與色彩的感知力。就如同透納在藝術生涯中專注光線和光影一般，當代藝術家凱蒂．帕特森（Katie Paterson）的作品《全食》（Totality），亦在探索自然界中光與暗的戲劇性交錯，她提到：「《全食》這個作品透過人類觀測到的日全蝕影像來展現宇宙浩瀚的運行週期，從數百年前精緻的手繪圖，延伸到現在最先進的望遠鏡技術所捕捉的畫面，超過一萬張獨特的影像在展間中追隨著日蝕的軌跡，日蝕投射在觀眾的身體上，讓所有人都被它的存在所籠罩。」影像最終組成一件懸浮球體裝置，當球體旋轉時，觀眾將置身於白天與黑夜、光明與黑暗界模糊的空間當中，彷彿穿越自然現象的瞬息與永恆。

而理查德．朗（Richard Long）採集英國山區的石頭為媒材，將「風景即藝術」的理念發揚光大，直接在大地中創作，呼應了透納的藝術創作中對戶外寫生的重視；與透納同樣關注壯麗冰川的奧拉弗．埃利亞松（Olafur Eliasson）運用冰河碎片創作，透過冰塊與顏料的交互作用，展現出自然的力量、不可預測性與脆弱之間的矛盾共存；馬克．羅斯科（Mark Rothko）簡化至極的構圖，則強烈呼應透納晚期對光與空間的深刻沉思，成為連結浪漫與現代主義的精神橋梁，據傳羅斯科曾於1966年參觀紐約現代藝術博物館的透納回顧展後，半開玩笑地評論：「這位透納先生，從我這裡學了不少東西呢！」。

→ 威廉．透納特展7大展區亮點

本次由泰德美術館策劃的「威廉．透納特展：崇高的迴響」，展出的珍貴透納真跡，包括廣受推崇、充滿詩意的「威尼斯」系列，景象壯闊的「海天之間」，以及氣勢磅礴的「海上風暴」等主題作品，透過7大展區，展現透納自早期初試鋒芒，至晚期藝術高峰的創作生涯，完整勾勒透納藝術風格的演變與轉折。其中，耗費超過2億新台幣，由英國全民募資保存的國寶級鉅作《藍色瑞吉山之日出》（The Blue Rigi, Sunrise），更是展覽中最為矚目的亮點之一。這幅被譽為「全球最知名的水彩畫」，在台北展出結束後將返回英國，封存長達10年，別錯過一窺這位「光之畫家」不朽的藝術魅力。

▍始於英國風景

透納因早期探索英國風景，而成為大自然崇高力量的熱情觀察者，他詳細描繪這些自然的景象，更讓他聲名遠播。為了真實捕捉環境的氛圍，透納經常沉浸在大自然中進行研究，並將現場草圖、記憶和想像融入其中，並將這些元素變成令人驚嘆的畫作。  

▍走入山間

透納在1802年第一次遊歷歐洲時，立即受到阿爾卑斯山的壯麗景色強烈吸引。他開始穿越山脈進行探險，並使用素描和水彩畫直接記錄他的經歷。透納同時對山脈獨有的光線與氛圍十分著迷，他觀察雪、水和天空的色彩反射，完成了數千項基本元素研究，運用出人意料的大膽色彩，創造出引人注目的效果。他對光線和色彩的掌握，啟發了莫內和法國印象派畫家，而他的創新手法更影響了一代又一代的藝術家創作。 

▍歷史故事

透納身處的十八世紀，認為栩栩如生地呈現神話或聖經故事的畫作，是高雅藝術中最尊貴的形式，其畫風大多偏向如詩如畫的古典主義風格。而透納卻開創出獨特的新局，他採用古典場景，運用創新的繪畫技巧呈現出不會太理想化、在情感上更具感染力，且符合新興品味的畫作，不僅獲得同時代人們的讚賞，甚至讓之後數個世紀的觀賞者也驚嘆不已。

▍威尼斯：壯麗的城市

在眾多以威尼斯為主題創作的藝術家中，透納是少數幾位可以將這座壯麗水上城市的獨特氣質，找到情感共鳴的藝術家之一。他的藝術生涯因其成就和創新而引人注目，而他所描繪的威尼斯畫作在第一批觀眾參觀後，立即被認定為他最神奇、最亮眼的作品之一。直至今日，透納的視角依然別具意義，它表達出威尼斯的美麗與哀愁，以及面對大海吞噬的恐怖威脅。

▍海上風暴

在透納的作品中，海景畫佔了一半以上，包括捕鯨船、漁船、沉船和戰爭的畫作。這些是他最具爆發力、最令人回味的作品。他在畫中捕捉了海洋的危險，以及人類在大自然面前的渺小與無力。

▍海天之間

透納不僅在畫作中體現大自然的偉大力量，更強調其具有詩意和催眠的特質。他在海洋與天空的描繪中，將飄渺的雲彩、充滿能量的浪花、和洶湧的海浪等細節，進行了數百次近距離研究，若將這些細節放在一起觀察，便可看出透納對海洋和天空最深的敬畏感。

▍大自然的崇高美學

透納在晚年時期創作了許多純粹描繪光線和氛圍元素的畫作，此類抽象作品包含極少的具象或地形元素，甚至在當時被認為是「未完成的」作品。然而，從透納工作室中保存此類的作品數量來看，他已經將這些件品完成到令他滿意的程度。這些體現透納晚期風格的作品，為他贏得現代繪畫先知的美譽。

參展藝術家
約瑟夫．馬洛德．威廉．透納（Joseph Mallord William Turner）
(以下依姓氏字母順序)
約翰．亞康法（John Akomfrah）
愛德華．伯汀斯基（Edward Burtynsky）
彼得．多伊格（Peter Doig）
奧拉弗．埃利亞松（Olafur Eliasson）
霍德華．霍奇金（Howard Hodgkin）
羅尼．霍恩（Roni Horn）
彼得．蘭永（Peter Lanyon）
理查德．朗（Richard Long）
麗莎．米爾羅伊（Lisa Milroy）
科妮莉亞．帕克（Cornelia Parker）
凱蒂．帕特森（Katie Paterson）
馬克．羅斯科（Mark Rothko）

「威廉.透納特展:崇高的迴響」英國泰德美術館典藏
日期：2025.6.27-10.12
地點：中正紀念堂一、二展廳
更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜聯合數位文創、文字整理｜Adela Cheng}

以設計實驗性建築聞名的英國建築大師彼得．庫克（Sir Peter Cook）在台北當代藝術館帶來「山／市—彼得．庫克個展」，本次展出2件現地裝置與13件數位版畫作品，以《秘密街道》與《共融地景》兩個端點展開，呈現庫克在多次造訪臺灣之後，深入島嶼內部，以一系列混合建築的隱喻，描繪對未來臺灣的想像。展覽自6月21日至8月10日於MoCA Studio當代實驗展場展出。

透過手繪探索建築的邊界

彼得．庫克是英國建築團體「建築電訊」（Archigram）的創辦人之一，他最廣為人知的建築作品，當屬位於奧地利格拉茲，被暱稱為「友善的外星人」的格拉茲美術館（Kunsthaus Graz）。庫克的繪畫創作與他的建築設計密不可分，他透過手繪來探索建築的邊界，並在圖紙上以繽紛的色彩、富有想像的構圖創造另一種看待未來城市的方式，這種創作方式不僅豐富了他的建築實踐，也對建築界產生了深遠的影響。

充滿裂縫與幻想的「山／市」地景

臺灣可以從兩個面向來觀察：西部地區由一連串繁華密集的城市構成，高樓林立、道路縱橫，資訊與資本在此迅速地流動。相比之下，東部連綿起伏的山脈則呈現出截然不同的風貌，原始而寧靜的海岸線蜿蜒綿長，低聲地訴說著另一種生活節奏與時間感。若將視線自平原延伸向內陸，可以看見湖泊，與地震留下的深刻裂痕錯落其間，在這樣一個地景多變的土地上，人們的潛意識也不自覺地受到地貌的牽引與塑形。

本次展出的現地裝置作品，源自藝術家對這一現象的長期思索。作為一位來自歐洲的創作者，彼得．庫克在多次造訪臺灣之後，感受到這片土地的氣息悄然滲入他的創作想像之中。於是，在近期的繪畫實踐裡，他將觀察到的矛盾轉化為一個充滿推想與想像的場域。

呈現城市的雙重面貌

作品從兩個端點展開——《秘密街道》（Street of Secrets）與《共融地景》（Inclusive Landscape），呈現城市的雙重面貌，一方面反映人們對交流與連結的渴望，另一方面則展現了當代文化語境中勇於冒險的姿態。

「街道」（Street）是作品中反覆出現的元素，蘊含著模糊與曖昧的層次。而「都市化森林」（Urbanized Forest）這個概念，更指向一種深邃而神秘的變異。因此，當我們凝視這條「街道」，也像是朝向一座金碧輝煌的「希望之殿」前行，儘管旅程充滿裂縫與曲折繞行。

開展對未來可能性的思考

從另一個方向望去，在看似「自然」的景觀中，時而出現怪異的隆起物，以及突然插入的物件，大概是某種建築、裝置，或各種機械設備吧？也許這兩種景觀彼此交融，甚至相互滲透轉化？本次展覽試圖透過一系列關於混合建築的隱喻，描繪對未來臺灣的想像：深入島嶼內部，探究製造與科技的奧秘，同時挑戰並探索由此激盪而生的種種可能。

彼得．庫克即將訪台

值得一提的是，彼得．庫克將於7月12日（六）下午親臨台北當代藝術館，與田中央聯合建築師事務所建築師黃聲遠進行一場精彩對談。該場講座由當代館與忠泰美術館共同主辦，並邀請忠泰美術館總監黃姍姍主持，帶領觀眾走入兩位建築師的世界，聽聽庫克的紙上想像與黃聲遠如風般自由的建築語言，如何共同勾勒超越建築框架的島嶼風景。

「山／市彼得．庫克個展」
展期：2025/6/21(六) - 8/10(日)
展覽地點：台北當代藝術館實驗展場MoCA Studio 
參展藝術家：彼得．庫克（Sir Peter Cook）
更多資訊請見展覽官網  

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}