台南市美術館2館（新館）5樓，以「南美春室The POOL」於1月27日新開幕，由春池以循環經濟為主題，賦予空間新生命，這裡將結合選物、餐飲與公園等多功能概念，讓南美春室成為觀展後最好的休憩空間、屬於大家的天空公園。

室內空間設計以坂茂設計師之碎形樹蔭延伸 

「亞洲的地獄與幽魂展」限定飲品

2022年6月25日至10月16日、於南美2館展開的「亞洲的地獄與幽魂展 」，南美春室也推出特展限定「孟婆湯芒果冰搖美式」開蓋後冒起一縷煙霧，如人生僅一次漫長又短暫的過程。

傳說中的孟婆湯，是孟婆在各河畔採集藥草，加上有迷魂作用的「忘川」河水，加上「世間多情種子之淚」，熬製成一種匯集酸、甜、苦、辣、鹹、澀、腥、沖八味的迷湯，俗稱孟婆湯。服用者會立即完全地失去記憶。要過奈何橋離開地府，就必須喝一碗，確定洗去所有過去的記憶後，才可以抵達來生。南美春室特展限定的「孟婆湯，芒果冰搖美式」建議以湯匙攪拌飲用，剛喝到會有微苦、微酸、甜感，最後吃到芒果果肉香甜在口中發散。

南美春室的複合式空間

現在大家可以搭電梯或走樓梯到5樓南美春室，向「右轉」享用木更咖啡企劃（有低消餐廳），攜手晶英酒店、ASHA阿霞飯店、蜷尾家的超強餐飲組合，也可以向「左轉」，前往由朋丁企劃的選物空間，更可以直接坐在入口階梯，來一杯香醇的興波咖啡。以各種方式走入南美春室，找到最適合休息的姿態在空間停留。

把空間當作畫布

南美2館，是由日本建築師坂茂，以樹為概念設計，門口會先看到有如樹幹的電梯直通5樓，屋頂是透明玻璃、如葉片般覆蓋金屬鋁片，春池攜手彡苗空間製作，重新設計空間，在顏色選擇上以「白」為主要色彩計畫，彡苗表示：「白色的空間就像畫布一樣，陽光是非常有表情的自然狀態，白色能讓光與空間對話。」

無氏為南美春室特製燈具 idea of Loop

為了不讓空間變得太冰冷、有距離感，部分餐椅選擇捷克Ton 18號和35號穿插使用，每張桌子上都有帶著暖光的小桌燈，這是無氏設計為W LOOP設計的識別燈具 idea of Loop，燈罩以口吹玻璃製成，仔細看可以發現每盞燈的大小都不同，這裡選用的「底座」是回收大理石，每個部件都可以被拆解，春池玻璃負責人吳庭安說：「這是燈的原型，未來它可以出現在不同地方，依照不同需求，把燈座換成回收木料、鐵件，」做出不同的變化。

由無氏製作設計之W LOOP識別燈具，未來可因應不同店家變化 

南美春室是能乘載各種內容的容器

新竹春室也是由彡苗做空間設計「新竹的空間，是以窯爐和玻璃容器為概念設計，當春室拓展第二間店，我們期待它不是一間長得跟新竹一樣的二店而已，而是以春室『循環經濟』的底氣，加上空間因地制宜的品牌與空間結合。」這件事說來容易，但落實在實際空間設計上會是什麼？「南美春室不像新竹，用可見玻璃作為基底素材，我們還考慮阪茂原本以『公園』為設計核心，加上循環經濟做空間融合。」如果說新竹的具象就是一座窯爐，南美春室就是一個「容器」乘載著坂茂「公園」的概念，「這裡就像大家走進公園，隨意找到自己喜歡的地方、有各種座位，」我們也利用建築本體的空間條件，用設計做意義上的延伸。

以循環經濟為核心自製傢俱

玻璃回收過程中，必須把玻璃碎成小塊「碎片」，彡苗擷取玻璃回收過程中的這個階段，作為空間設計切入角度，南美春室使用的傢俱，是彡苗委由幸中傢俱製作，每張桌面都像不規則的玻璃碎片，散落在空間中「這些看似造型隨機的桌椅，是經過計算的結果，其中幾張桌子是一樣的，轉個方向又有不同的表情。」

目前擁有100個座位的餐飲區，有如碎片的不規則桌面，可以依照人數多寡併桌或獨立使用，每張桌子都是從餐盤擺放的尺度計算，看起來不成形，用起來卻意外順手。被擺在牆邊的高腳椅面，是用回收玻璃珠和金屬碎屑、加Epoxy灌注，坐板顏色擷取春室基本「綠」，做成三種不同漸層；沙發特別選擇柔軟的坐墊，讓看完展覽的人，可以舒服地坐在這裡消化剛看完的展覽內容。

高腳椅的座面

使用現成的傢俱很方便，卻很難找到符合「循環經濟」核心的商品，「這次終於有機會可以自己設計傢俱，從製作原料，到傢俱做成可拆卸式的多功能使用等，以既有框架延伸未來更多可能。」還有一個很有趣的是，雖然春室是做「玻璃」，在南美春室玻璃傢俱數量卻很少，「這次我們講的是玻璃型態的改變，循環經濟是可以無限延伸，也意味著，春室未來在循環經濟的基礎下，可以是橡膠、木頭、鐵件等，」甚至未來春室的空間中，沒有玻璃，而是用其他材料發展不一樣循環經濟的新樣貌。

最美的南美春室

在這裡沒日沒夜待了幾個月的彡苗說「我們最喜歡早上10點（美術館10點開館），陽光從東邊升起，映照在春室Logo上的倒影，像在替大家上班加油打氣；傍晚夕陽也很漂亮，是另一種不同的風景。」

圖片提供｜春室The POOL

攝影｜Kris Kang、丰宇影像 Yuchen Chao Photography、鄭又維、elif chan

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

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_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}