新竹公園裡外型現代、實則取材自傳統玻璃窯爐的「春室Glass Studio + The Pool」建築物，包含了一樓玻璃工坊、二樓春玻選物，與三樓春室咖啡，整座建築更是天然的展場，不定期與藝術家合作，讓每一位踏入空間的人，都能感受一場前所未有的玻璃巡禮。而為老品牌「春池玻璃」賦予新生，並催生「W春池計畫」、與打造這座「春室」的靈魂人物，就是2012年回春池接棒的第二代吳庭安。

春寒料峭，新竹下著小雨，推開位於春室三樓的咖啡廳大門，整面的落地窗伴著樹影映入眼簾，復古的洗石子地板襯得室內晶瑩清透，定睛一看，原來一顆顆石子都換成了玻璃。陽台上桌椅排列的方位，引導著顧客望向新竹公園，面向綠意與自然。

這座外型現代、實則取材自傳統玻璃窯爐的「春室Glass Studio + The Pool」建築物，包含了一樓玻璃工坊、二樓春玻選物，與三樓春室咖啡，整座建築更是天然的展場，不定期與藝術家合作，讓每一位踏入空間的人，都能感受一場前所未有的玻璃巡禮。而為老品牌「春池玻璃」賦予新生，並催生「W春池計畫」、與打造這座「春室」的靈魂人物，就是2012年回春池接棒的第二代吳庭安。

坐擁自信的城市　讓回家成為理所當然的選項

一身黑的吳庭安，颯爽地坐在春室咖啡與員工討論工作。父親為春池玻璃創辦人吳春池，自1961年投入玻璃產業至今六十載，每年消化了台灣70%的廢玻璃，在新竹苗栗一帶已有五座廢玻璃處理廠。如今的春池玻璃除了處理廢玻璃，還跨足工業原料、科技建材與觀光工廠等，而接手近十年、職稱已升至副總的吳庭安更是責無旁貸，每日驅車往返各工廠、辦公室巡點打理，就是他熟習的日常。

吳庭安的童年記憶裡，蹲點工廠撿玻璃、跟著工人處理回收，就是他理所當然的生活，沒有所謂情不情願。「那時候只要能躺在樓梯下的窄小空間睡午覺，就覺得好棒喔，還有冷氣可以吹。」此刻的他笑得輕鬆，然而也就是走過這一遭，讓他早早就明瞭第一線人員的辛苦；而這一段同甘共苦的過往，也讓老員工都記得這位自小被喚來廠裡工作的小毛頭，因此儘管吳庭安大學時離開新竹，先後前往台南、英國劍橋求學，回台還選擇先進入台積電就職，直到2012年才回春池上工。在老員工的眼中，他依然是那位——與大家站在第一線工作，後來外出歷練一輪，最終會回來的吳庭安——如此理所當然的存在。

「新竹這座城市，本身有一種隱性的驕傲。」儘管吳庭安的人生少不了遷徙，但他認為，在新竹這樣的地方長大，本身就不會有「非離開不可」、或「不想回來」的選項，他自己更未曾有叛逆的念頭，「當你每天回家看到父母都是那麽疲憊的模樣，就不會想要叛逆了啦。」他笑說。

有趣的是，不管是新竹、台南或劍橋，吳庭安待過的城市幾乎都有著同樣對自身的驕傲感，也隱微地在他的性格中留下痕跡，「我認為在一個有文化底蘊的地方，你就會自然而然地感受跟累積。」在他心目中，這三座城市的美學都存在生活中的每一個角落，讓身處其中的人自然積累，並對自己充滿自信。因此回到新竹、回到春池工作，一直是吳庭安從未懷疑也未曾抗拒的方向。

經驗形塑人格　走過的路不會白費

「我覺得人生經歷過的事情，都會留在身上，不會白費。」

有著原生的回收玻璃歷練，與大學主修的資源工程加乘，進入台積電彷彿是一種叛逆。但對吳庭安來說，這卻是讓他認識到截然不同企業文化，並幫助他站上更高的位置去看事情的重要經歷，也讓他學習到完整的管理脈絡，補足這端能力所需。

離開台積電隔天，他一天假都沒休就直接進入春池上班，職稱亦從工程師開始，慢慢從小事情開始把事情做好，員工也自然而然接納了這位與大家平起平坐的二代。「我從來沒有覺得自己是接班，只想著『接』應該會失敗。」吳庭安笑說，精準一點來說，是他從小就在為這份工作累積各式經歷，從第一線回收工人到幕後行政事務，以至後來的咖啡餐飲工作等等，他永遠是親身去參與和學習累積的那一位，因而此刻才能設身處地理解員工的狀況。

這樣的經歷與累積，讓現在的春池與其他產業合作都能格外的順暢。「我自己有個很深的體悟，是絕不把合作視為甲乙方，一定要把合作方當成夥伴。」他認為，當一件事情不是由甲交付給乙，而是由甲乙雙方共同為了目標而努力時，才能達到120分的成果。2017年忠泰建設「想家計畫」媒合了春池與自然洋行曾志偉建築師，打造「冥想屋」展現回收玻璃之美，受啟發的吳庭安隔年更進一步發起「W春池計畫」，推出線上募資，偕眾人之力推動玻璃回收產業的資源永續，也為往後推廣「循環經濟」的理念，埋下重要的種子。

循環經濟　自然生成的企業使命

從春池玻璃到春池計畫，吳庭安這幾年無論到哪裡，談的都是同一件事：「循環經濟」。一般人以為環保跟回收就是循環經濟，但其實都只是其中一環；回收後若沒有找到對的地方再使用，就只是廢棄管理而已。「重點是創造廢棄玻璃的價值，讓回收跟創造成為一個循環鏈。」吳庭安更強調，很多人以為這是新的理念，但其實這本來就是春池玻璃在做的事情，「五十年來從未間斷，我只是再往前延伸一點。」

舉例來說，春池與不同咖啡廳合作玻璃杯，若這些玻璃杯都是能回收循環再製的，就算杯上沒有印春池的LOGO也沒關係，符合循環的理念已然落實春池的品牌價值。吳庭安認為，把循環的概念放進品牌的作為，久而久之找上門的合作都會知道這是春池的堅持，品牌價值自然浮現。「玻璃回收確實很辛苦，但對社會很有意義。」吳庭安也強調，就算沒有做春室，春池也還是在做玻璃回收，因此循環經濟的理念在根本上就緊扣春池玻璃，也深植所有員工的基因。他樂觀地說，一但春室成為其他企業模仿的model，循環經濟的概念就能一再地被複製、流傳下去，最終改變這個社會。

疫情這一年，甫開張的春室確實因觀光的停滯而受到影響，但春池的代工，反倒因各地工廠停工而有所成長。吳庭安也更加穩住步伐，穩穩地做，也不間斷延伸與其他產業的跨域合作。如今位於新竹公園內的春室不但有固定的展覽、穩定經營的體驗工作室，與引起眾人注目的絕美咖啡廳，外部環境對於春池／春室的想像，也多能直接連結到循環經濟，並在合作中落實。吳庭安笑說，「能找到一份一輩子都覺得有意義的工作，很不容易耶。」他從小就覺得春池玻璃在做的事對社會是有貢獻的，至今依然。這個念頭與價值於他而言就像是北極星，朝著它走就對了，就算中間繞了點路、被其他風景吸引，只要記得朝北極星的方向走，就不怕迷路了。

文／Stella Tsai

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/10月號《韓國設計特搜》

想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group