隈研吾設計和風摩登佛壇「薄院」！自然融入日本家屋的洗鍊外觀

隈研吾攜手日本佛壇公司「はせがわ」推出「薄院（はくいん）」新商品，其以「建在心底的建築物」為設計理念，「縱格子」的外觀設計，也讓人想起隈研吾曾操刀過的建築作品，而這現代洗鍊的佛壇設計，也能自然地融入日本人的家中。

隈研吾設計「薄院」佛壇

常看日劇的人應該不陌生，日本人家中大多會有可以供奉神明或祖先牌位的佛壇，其在住宅空間更是特殊且讓人感到內心平靜的存在。而日本最大的佛壇公司はせがわ，邀請建築大師隈研吾設計此次的「薄院」新商品，期盼以其標誌性的「負建築」風格，打造出融入現代日本家屋之美的和風摩登佛壇，守護著房屋裡的人們。

猶如簡約洗鍊的木建築外觀

而薄院佛壇主要以天然木材質製成，並採用了「無双格子（有兩扇門的雙格子拉窗）」的設計，同時木格子也一直延伸到佛壇內側，以讓溫馨的氣息由外持續蔓延至內，而當人們打開時，裡頭的感應燈便會慢慢點亮、散發出柔和的光線，猶如佛像給人的溫柔慈悲感，也讓敬拜者自然而然靜下心來、展開與佛像的對話。

藏有巧思的上下兩層空間設計

佛壇內的空間設計，主要分成上下兩部分，表現出上層「佛祖住的來世」，與下層「人住的今世」兩種世界觀，放置佛像與祖先牌位的上層棚板表面，經過職人的手工處理、呈現出魚鱗狀凹凸感，既營造出獨特的陰影感，也帶出雲海的意象；放置佛具的抽屜，則運用了漆藝技法，顯現出其美麗溫潤的光澤與木紋，也是人們能實際能摸得到的部分，同時與上層的意境表現方式區隔開來。而薄院佛壇售價為220萬日圓，並將於2022年6月18日正式開賣。

帶有雲海意象的上層

以漆藝技法展現的下層

hasegawa_hakuin from はせがわお仏壇・お墓 on Vimeo.

圖片、資料來源｜はせがわ

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大膽用色、充滿玩心的跳動線條，丹麥設計大師 Verner Panton 徹底顛覆了北歐設計那理性、木質調想像。適逢他誕辰 100 週年，除了那張家喻戶曉的經典 Panton Chair，創意人私下會挑選哪些作品？

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 MOT品牌總監｜Millais 

▼ Vitra ／ Heart Cone Chair

原版設計：1959｜品牌量產：2004～

過去一直沒有皮革版本，100週年紀念版算是新嘗試。而為了讓皮革能夠貼在大弧面上，必須在細部加上額外的輔助結構，才能呈現出那圓滑的樣貌。這件事打到我了，我不是完全的本格派，自己開90年代的老車，但不是所有東西都非要復原原狀的態度，在可接受的範圍內會導入一些現代元素，讓它更符合當下的使用情境。皮革版也是同樣邏輯：沒有背離原本的設計精神，只是找到了一個辦法，讓這作品在現代更好地被使用。我喜歡原版，但如果可以更好，為什麼不可？

 O.OO 負責人｜盧奕樺 Pip 

▼ Innovation Randers ／ Phantom Chair

原版設計：1997｜品牌量產：1998～2008

第一次看到Phantom Chair，我以為那是街角的公共藝術。不坐的時候，它像一件安靜卻很有氣場的雕塑，不張揚，卻讓人移不開視線。我喜歡它的成型方式，1人、2人、3人坐都可以，甚至能當茶几，這種打破常規的自由感，正是那個年代代理程迷人的叛逆。多數人選桃紅或橘色，我卻喜歡黑色，一形狀已經夠奔放了，對我來說，它就像空間中的一筆畫過去，就留在那裡。我不喜歡圍積，家裡陳列總在流動，理解過、喜歡過、用過它，這份經驗已經足夠珍貴。（Pip 個人經營 Vintage 家具設計帳號 @fwd_forwardobjects。）

 美菊創辦人｜鄭宇勝 

▼ Montana ／ Pantanova

原版設計：1971 ｜品牌量產：2019 ∼

我滿早就開始收 Panton Chair 了，手上大概有 7 張，店裡放 4 張黑色塑膠版，家裡也有幾張黑色，還有兩張由 Herman Miller 推出的紫色初代。而我一直很想收 Pantonova 系統，但一般室內空間根本放不下，而且一張單椅就要 2,000 美金左右，買起來不是小數目。它的造型很特別，單椅繞著圓桌組起來可以成為完整的圓，很有它的邏輯性。真要買的話，我會選全鍍鉻鋼、沒有皮革的版本，而且一定要能組成一整個圓圈，缺一不可，單買一張不會滿足的。

 橘豆Deco Orange主理人｜林秀蔓 & 李驊方 

▼ WEGA ／ 3300 Hi-Fi System

原版設計：1963｜品牌量產：1967～1972

我們收的是鍍鐵刷黑色版本，大概40幾公斤，玩了10年也只遇到這一次。上面是收音機面板，面板上印著慕森堡、里斯本這些城市名，很可愛；下面轉開是黑膠盤，需要外接喇叭。當年在音響界，WEGA跟西門子可說是勁敵。百靈音響有Dieter Rams設計，而說到WEGA人們往往想到後來Esslinger的作品，根本不知道Panton也會設計過。這也是我們著迷這台的原因，那年代將最好的材料、技術全部進去，60年前的東西現在看還是這麼前衛。後來才知道它有橘色版本，這輩子真希望能親眼見到。

 瑪黑家居品牌總監 Samson 

▼ &Tradition ／ Wire Stool VP11

原版設計：1981｜品牌量產：2024～

它的鍍鉻金屬絲構成幾何螺旋線圈，輕盈通透、有種漂浮感，卻同時兼具清晰的雕塑形體，承面而迷人。可以是椅子、坐凳、茶桌，放上花瓶也好看，跨越品類的自由度是我最喜歡的地方。我會優先選沒座墊的原始版本，想保留最純粹的樣貌；若要更加坐會選灰色，羊毛絨花材質經緯各異、細節細膩，磁鐵扣直接吸附椅面不會滑動。而且在Panton的語彙裡，欠代表平衡與中立。Panton在設計時就思考了未來的生活，所以Wire Stool到現在仍有生命力。每次接觸這些物件，都讓我覺得很有共鳴。

_{文｜吳哲夫　圖片提供｜各單位}

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大膽用色、充滿玩心的跳動線條，如同那經典Panton Chiar，丹麥設計大師Verner Panton的作品，一舉顛覆了我們對北歐設計慣有的極簡想像。他的創作生涯與太空時代（Space Age）交相輝映，那是一個對新技術、合成新材料與烏托邦式未來，懷抱無限樂觀想像的年代。適逢Panton誕辰100週年，Vitra特別推出了限量版家具，展覽《Verner Panton：Form, Colour, Space》更帶著觀眾進入這位大師觸動感官的設計世界。

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推開Vitra Schaudepot那磚紅大倉庫的大門，躍動的色彩率先迎面而來。一整條援引自Verner Panton經典裝置作品〈幻想地景〉（Fantasy Landscape，1970）的色帶，像是一筆寬闊的筆觸，從入口一路延展至展覽商店。走進那沉浸式裝置，全面包覆的曲面與色彩讓人徹底陷入恍惚又歡快的感官刺激；轉身回到一旁的陳列架前，節奏忽然放緩，經典物件各自保有呼吸的餘地，供觀眾細細凝視。展覽共同策展人Nina Steinmüller分享，「挑戰在於，如何讓Panton的色彩世界在這空間裡變得具體可感，同時又讓每件作品保有足夠的獨立空間。」深處那面完全以藍色包覆的後牆，是向Panton最鍾愛的顏色致敬，靜靜展示著館藏中的藍色系物件。沉浸與凝視、包覆與間離，你或許感受到體感與某種情感先於理智被觸動，這正是Panton畢生追求的設計體驗。

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告別節制，一把塑膠懸臂椅的誕生

自哥本哈根皇家藝術學院畢業後，Panton於1950～1952年任職於丹麥現代主義大師Arne Jacobsen的建築設計事務所，主要負責家具設計。那時正值著名的Ant Chair研發期，一體成型、以單一曲面膠合夾板熱壓成型的木材實驗，啟發他日後對於材質、造型的探索；而Jacobsen將建築、家具、照明及紡織品全面性一體化的設計概念，也深深影響了Panton日後的「整體藝術」（Gesamtkunstwerk）思考。

然而Jacobsen那北歐現代設計經典的理性風格、追求自然質感的木料傳統，明顯與Panton日後的不羈大相逕庭，從1950年代末，Panton最早的作品Bachelor Chair與Tivoli Chair便可看出端倪。Nina Steinmüller解釋：「Panton早期作品流露幾分功能主義氣質，而他對金屬、PVC 繩帶等材料的偏好，在當時丹麥現代設計中並不多見，或許正是源自Jacobsen工作室的經歷；而他後來愈趨奔放的設計語彙，則更像是對Jacobsen那種節制現代主義有意識的告別。」

作為紀念大展，他最具代表性的Panton Chair自然是展覽焦點之一。Nina Steinmüller回顧，這把單椅的構想早於1956年成形，1963年起Vitra創辦人Willi與Rolf Fehlbaum開始與Panton攜手開發，最初以手工積層玻璃纖維製成並上漆，工序極為費工，直到1967年才由Herman Miller公司推出第一批小量系列。1968 年，Vitra 研發主管Manfred Diebold在杜塞道夫國際橡塑膠展上，受一款硬質泡棉汽車引擎蓋啟發，改用強化聚氨酯（PU）泡棉，成功量產出全球第一把完全以合成材料製成的單件式懸臂椅，並推出濃烈的白、紅、橙、沙色選擇；即便如此，每把仍需打磨、整平、上漆等後製，才能呈現理想表面質感。

1970 年代初，為提升效率改用可射出成型的Luran ® S熱塑材料，一次成型、重量更輕，卻不耐久，椅身常於幾年後斷裂，Vitra於1979年被迫停產；Horn公司短暫接手後，1990年才重回 Vitra，1999年推出聚丙烯（PP）版本，終於實現Panton最初輕巧、實惠、可堆疊的心願。「這段歷史說明，其間經過許多挑戰與蛻變才走到今天，Panton Chair至今仍如此具有代表性與當代感，很難想像問世之初究竟帶來多大的震撼。」

從幻想地景走進無邊的感官世界

展覽的另一大亮點，自然是那以1／8比例重現的裝置〈幻想地景〉。1970年Panton受化學公司Bayer委託，為科隆家具展（Cologne Furniture Fair）劃了傳奇展覽《Visiona II》，以一艘遊船作為舞台，讓觀眾穿梭於多個風格迥異的空間之中。〈幻想地景〉又稱作「生活洞穴」，座落在主甲板上，是一處沒有窗戶的有機空間，流動的形體彷彿一體成形、由同一個模具澆鑄而出，外部以冷冽的藍色調為主，愈往內部愈轉為暖紅，整個結構猶如自體發光，迷離夢幻。Nina Steinmüller分享，「它的突破之處，在於徹底打破了傳統的空間界線，讓就座、移動與身體感知，都變成一種流動而無階層之分的狀態。」

事實上，早在1958年第一件室內設計作品中，Panton便已經將一整套色彩系統貫徹到整個空間裡。這正是他「整體藝術」的體現，把色彩、形式與空間視為一個整體的感官經驗，說明設計遠遠不止於功能性，更能傳達理念、挑戰既有習慣，進而形塑人們的生活方式。Nina Steinmüller認為，《明鏡》週刊總部（Der Spiegel publishing house，1969）正是這套色彩理論落實得最徹底的案例之一。「他後來在1991年出版的一本小書裡，把這套理論做了梳理——與其說是一套嚴謹的系統，不如說更接近一種色彩心理學，他讓不同的色彩對應到特定的空間機能。比如橙色、粉紅與紅色能夠促進交流、帶來身心舒適感，所以他特意將這些顏色用在食堂、酒吧這類社交場合。」她進一步解釋道，「整體藝術」的核心精神，就是跨過多個學科之間的界線，將不同專業都收攏進同一個設計概念之下，「透過這樣的方式，他等於親手『編排』了每一個空間，用色彩、光線與材料去營造氛圍，進而牽動人們在其中的情緒與行為。」

極簡之後，重新看見色彩與情感

Vitra的Panton檔案庫典藏逾4萬份文件，展覽中也首度公開他晚期許多未能實現的建築與空間提案手稿。「Panton的建築提案至今仍鮮少被深入探討，一部分原因就在於真正落成的案子實在太少。」Nina Steinmüller覺得其中最耐人尋味的，莫過於他曾參與1971年龐畢度中心的競圖，當年部分寄往巴黎的文件與模型，卻因法國郵政工人罷工而不知去向，究竟有沒有機會勝出已無從得知。她也分享，即使到了晚期，Panton依然保有一貫的實驗精神。他與IKEA推出的Vilbert Chair，流露出他對時代氛圍的敏銳調適，也如同Phantom Chair，他重新翻出許多早年的構想，換上新材料，結合1990年代的美學語彙為更年輕的世代重新詮釋。「這些晚期作品透露出的，是一位不斷回應時代變化，卻始終堅守自己概念的設計師。」

Nina Steinmüller認為，走過一段極簡主義當道的年代之後，如今人們重新有意識地運用色彩、材料與遊戲性，就像Sabine Marcelis或Hella Jongerius等設計師正在嘗試的方向，喚回大家對設計中感官豐富性與情感共鳴的重視。「他的作品提醒我們，設計不只關乎物件本身，更關乎一種態度、想像力與眼界，這也是Panton至今依然令人著迷的原因之一。」

Nina Steinmüller

Vitra 設計博物館典藏策展人，2017 年起任職於此，2020年起升任現職。巴塞爾大學藝術史博士學位。曾任《Night Fever：Designing Club Culture 1960 – Today》（2018）助理策展人，並擔任《Atlas of Furniture Design》（2019）編輯統籌與共同編輯。其後共同策劃《Here We Are! Women in Design 1900 – Today》與《Spot On. Women Designers in the Collection》（2021），以及《Colour Rush! An Installation by Sabine Marcelis》（2022）。2024年與Susanne Graner共同策劃《Science Fiction Design: From Space Age to Metaverse》，近期兩人再度合作策劃《Verner Panton: Form, Colour, Space》（2026）。

_{文｜吳哲夫　圖片提供｜各單位}

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