「紙」在生活中無所不在，是大眾熟悉的古老材料，它除了具有供書寫、清潔、經塑形後可轉化為日常容器⋯⋯等實用功能以外，也是許多藝術家擅用的創作媒材。為了讓大眾看見紙的多重面貌，臺北市立美術館（北美館）首度與樹火紀念紙博物館合作，並邀請FENKO鳳嬌催化室策展，於館內三樓3C迴廊推出「崎」年度計畫。這場展覽以紙為主角，展陳由李育昇、林煥盛、瓦豆製作3組藝術家，透過紙張再造、重塑技藝搭配燈光設計所演繹的「山中奇景」主題，在白盒子內建構起一處可隨意穿繞、漫步的奇山異域，邀請觀者前來探索。

北美館年度計畫「崎」背後兩大推手

成立於1995年的「樹火紀念紙博物館」，是全台灣首座以紙為主題的博物館，館長陳瑞惠連結擁有60年造紙經驗的紙廠團隊，運用博物館典藏、研究、展示、教育功能，也投入文創領域，讓紙張更貼近大眾生活。而「鳳嬌催化室」則是由紙廠演化而來的實驗平台，其跨界藝術、設計、保存修復、建築等專業領域，發展各種紙材裝置計畫，翻轉紙的既有樣貌。

「崎」邀請觀者在美術館中遊山、細賞紙張

鳳嬌催化室本次受邀至北美館策展，總監李依耘表示，「崎」帶有打破大眾對紙的既定印象之意涵。展覽中，紙不僅作為材料，也作為空間的結構、溝通的介面而存在；形態既是平面的，也可獨立成為立體雕塑物件。而紙張的輕質、透光與可塑性，更是豐富了現場觀展體驗，不妨試想——在美術館裡產生遊山的體感，同時雙眼 還可觀察各式紙張的細部質地。

三大主題建構紙的奇山異域

本展選在北美館3C迴廊展出，場域具備通透、開放、流動特性，鳳嬌催化室正是針對這些特質構思展覽。展名「崎」具山路不平、不易行走之意，文字拆解後成「山」與「奇」則延伸出似幻境的意向；展覽動線根據3C迴廊走向規劃，依序為「山徑」、「漂浮之境」、「流光」3個主題區域，形成一個由紙與複合媒材所建構的空間，包含各種紙材纖維的獨特性，以及大幅度紙張形塑空間的流動感。當中，各式紙材幻化為自然萬物，小至土壤、苔蘚和岩層，大如山壁與巨石，觀者無論微觀、宏觀各有意思。

李育昇、林煥盛、江佶洋3位藝術家跨界共創

為了更多樣、深入探尋紙材，策展團隊與劇場服裝設計師李育昇、書畫修復師林煥盛與「瓦豆製作」燈光藝術家江佶洋跨界合作，結合如染、揉、撕、摺、塑、畫、裱、曬、壓等工法所衍生的非均質（heterogeneous）創作語彙，運用材質多層次的堆疊、組合和變化重構空間語序，再現山中樣貌。

⭔ 書畫修復師林煥盛｜裝裱工藝

步入展場，可見首區「山徑」左側帶人為線條感的長柱，對照著右側形態有機紙質山壁，李依耘表示：「展覽有許多『二元對照』的表現形式，呼應文明與自然、重與輕、光明與黑暗的對照關係。」左方長柱由書畫修復師林煥盛採紙張「裝裱」傳統技法表現，柱面並未修飾至平滑，反而刻意保留紙張銜接處的痕跡，凸顯裝裱工藝的嚴謹與工整，與對面山壁的隨機性形成鮮明對比。

⭔ 劇場服裝設計師李育昇｜玩轉多元紙張纖維材質

從這面山壁至後續類岩石表面、地層的紋理，都出自劇場服裝設計師李育昇雙手，他的作品過去多在劇場、表演藝術領域發表，當談及本次創作心得，李育昇說：「以往是用『加法』做設計，要把多種媒材做成華麗、精美的樣子；這次則是用『減法』，媒材只有紙，主題鎖定台灣的山與石景觀，現場有如北海岸金瓜石的裸露岩層，也有像被河流沖刷得圓滑的鵝卵石。」媒材與主題聚焦，成品如何做出豐富性，對創作者來說是種考驗。

雖然媒材鎖定紙，但有趣的地方在於，紙有非常多種類與形態、各自呈現的視覺感也不同，比方說機器紙銳利、手工紙相對柔和，不同紙材纖維或纖弱、或強韌，斷裂後所產生的視覺效果很不一樣，而李育昇特別不以工具剪裁、而以手撕方式分離紙張，就是為了彰顯紙張纖維的細節。

李育昇特別提到一種帶「布料」視覺感的紙張，其原料為纖維極為強韌的「馬尼拉麻」，經抽絲後製成紙漿、加工為極細的條狀紙帶，再撚成紙紗線後編織成面，兼具服裝布料的材質紋理與紙張的自然纖維感，非常有意思，也巧妙回扣李育昇過往常以服裝作為創作載體的特質。

⭔ 燈光藝術家江佶洋｜創造現場豐富光感

負責「崎」燈光設計的瓦豆製作藝術家江佶洋提到，這是他第一次如此頻繁、親密地接觸紙張，而光需要媒介才能停留並映射出媒材的多樣性，北美館良好採光更是為展場增添變化，當光注入紙纖維交織的空隙，以及揉捏、壓摺過的複雜紋理，將形成自然溫潤的光影，「加上展期將走過四季，觀眾可以體驗不同時節的光感。」紙張隨著時序流轉，表現出瞬息萬變的姿態，恰如自然界地質樣貌隨時間產生的形態轉變。現場升起與消融共存的狀態，邀請觀者往返於物理、心理空間，共感山中奇事。

崎Heterogeneous

展期｜2022年9月17日開展

地點｜臺北市立美術館 3C迴廊

備註｜展覽期間將不定期推出與紙材相關的講座、工作坊等活動，相關資訊請至臺北市立美術館官網查詢。

資料、圖片｜臺北市立美術館

部分攝影｜izzie pang

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）

氣溫微降的11月到來，若不想只是窩在家中發懶，就跟著我們的腳步，一起走進北中南展覽活動現場，展開藝文探索之旅！

基隆｜We Are Me－我（們）到此一遊

展期：2025.10.30～2026.2.1
地點：基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」，首度以策展人身份策劃《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》。本展邀集英國、法國、日本、泰國、台灣等10位當代藝術家的經典舊作與全新委託創作，透過28組作品的多重視角切入展覽主題。

展覽試圖回應當代最迫切的問題：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？「我」與「我們」的界線，究竟如何被生成、被消解？當「WE」置於鏡面之上，反射出的既是「ME」，又是無數被轉譯的身份與場景：觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。當你走進展場，你不僅是觀者，更將成為作品的一部分。

值得一提的是，本展主視覺由設計師聶永真操刀，畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——他們注視的是藝術，還是經由藝術映射出的自己？

台北｜2025 C-LAB 聲響藝術節：DIVERSONICS

時間：2025.10.23～11.30
地點：臺灣當代文化實驗場

由C-LAB臺灣聲響實驗室策劃的C-LAB聲響藝術節，以當代音樂聲響創製為主軸，並結合展演、裝置、國際論壇、講座、工作坊、大師班等多樣化活動，打造跨世代、跨感官的聲音藝術盛會。

本屆藝術節規劃6大單元：當代大師／經典、當代新聲、躍舞樂音、MR新聲境、聲響裝置展演與校際單元，邀集來自德國、法國、美國、阿根廷、盧森堡、日本、韓國、越南等國家的聲音創作與演出者來臺分享作品，其中近7成為新創或重製作品，展現出聲響藝術的前瞻性與多元面貌。

更多資訊可至官網查詢

台北｜劉星佑個展《纏耽？還愚？》

展期：2025.11.1～11.31
地點：尊彩藝術中心 一樓展館（台北市內湖區瑞光路 366 號）

2024年，藝術家劉星佑以作品《地址不再有效》榮獲京都國際攝影節「KG＋ SELECT」大獎；隔年4月，更受邀成為該攝影節首位參展的台灣藝術家。《地址不再有效》為劉星佑於2022年依據戶籍資料展開的返鄉行動。「住所不明」這一看似自尋煩惱的結論，實則揭示了他在地方與性別認同間的探索。2024年，他順應父親宿願，造訪金門與大膽島，在雙口海灘以中國製迷彩玩具擺拍，構築出台灣獨有的「住所不明」。

京都國際攝影節首位台灣攝影師！劉星佑為父母拍攝「再婚照」：以家庭為鏡，映射近代台灣社會圖像

今年，他因駐村首次來到熊本，廣袤的草原與火山地景，使他重新思考影像與自然、技術之間的距離。當影像從數位轉化為紙本，反而在失誤、遺忘與偶然中，捕捉創作最真實的片刻。「纏耽」（tîng-tânn）源自台語，意指卡住、出錯；「還愚」則為佛家語，象徵回歸初心與自知的狀態。展覽以此為主軸，叩問創作的方法與心境，也回望與雙親共同創作的歷程。

此次在台灣的首場個展，除延續獲獎系列脈絡，也首度在台公開〈住所不明〉立體裝置。另外，熊本駐村期間的新作，也將於個展首度發表。

台北｜台北雙年展「地平線上的低吟」

展期：2025.11.1～2026.3.29
地點：臺北市立美術館             

本屆台北雙年展由柏林漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長Sam Bardaouil與Till Fellrath共同策展，邀集來自全球37個城市、72位藝術家參與，約150件作品中，包含34件全新委託創作與現地製作，涵蓋繪畫、雕塑、錄像、攝影和表演等。

「地平線上的低吟」探討「思慕」作為持續推動人類的內在驅力——那種超越可及之物，明知無法掌握、卻仍不願退讓的動能。「低吟」（Whispers）喚起交流的脆弱性——那些即便在靜寂中仍持續的聲音、即使被抹除仍存續的故事；「地平線」（Horizon）象徵已知與所盼之間的交會。因此，「地平線上的低吟」暗示著最微弱的呢喃也能重新定義距離，而最細微的舉動也能改寫我們想像世界的方式。

本屆雙年展概念源自三件看似平凡、卻富有象徵性的物件。它們未以實體現身於展場，卻是引導展覽情感和時間脈絡的核心隱喻。侯孝賢電影《戲夢人生》（1993）中的尪仔，象徵布袋戲大師李天祿奉獻於技藝的一生，體現歷經殖民統治與戰後重建的堅韌；陳映真短篇小說〈我的弟弟康雄〉（1960）中的日記，記錄一位自盡的年輕人在信仰與絕望之間的掙扎，反映出一個世代於信念與幻滅間的困境；吳明益小說《單車失竊記》（2015）中的單車，則象徵兒子尋找失蹤父親的旅程，承載失落、傳承與歸屬的意象。這些文學和電影文本也是對「思慕」的不同詮釋，並在場中交織迴響：尪仔代表延續性，日記代表內在世界，單車則隱喻追尋。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》在北美館！72位藝術家共譜「思慕」意義，映現世界各處的渴望與失落

台北｜2025 Camping Asia

時間：2025.11.10～11.21
地點：臺北表演藝術中心

由北藝中心、法國國家舞蹈中心與香奈兒品牌共同合作的第三屆的Camping Asia將於11月10日至21日，在臺北表演藝術中心展開。本屆活動除了為新生代創作者打造為期12天的沉浸式營隊，也開放了多場讓一般觀眾也能參與的活動，包含論壇、影展，以及藝術家帶領的大堂課。而工作坊與學校馬拉松則集結跨域講師與學員，展現未來的表演藝術能量，並開放部分名額供北藝中心會員參加。

每週五上午舉行的大堂課，是所有學員共同參與的通識課程，今年特別於11月14日下午14:00–15:30開放公眾參與，並由布拉瑞揚舞團帶領。11月16日進行兩場重量級的論壇：上午場《我們的身體・時代的律動》、中午場《舞動未來：給下個十年的舞蹈宣言》，均為免費報名參加。

而首次於Camping Asia登場的舞蹈影展， 11月11日至16日將在北藝中心太陽廳東南角，連續放映多部關注舞蹈與創作議題的影片。於11月16日舉行的「學校馬拉松」，則是一場校際匯演，每所受邀院校將帶來25分鐘表演。今年更開放部分名額給北藝中心付費會員參與，觀眾將能欣賞到各院所從系所展演到新作的嘗試。

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台中｜綠美圖試營運

時間：2025.10.28～11.16
地點：台中綠美圖（台中市西屯區中科路2201號）

全台首座結合市立美術館與市立圖書館的臺中綠美圖於10月28日至11月16日展開為期3週的試營運，期間也推出一系列活動，為12月13日正式開館預作準備。其中，「打開，我們的美術館」系列活動，由策展人林昆穎策劃，邀集3組創作者以綠美圖為靈感，發展新作品，並規劃涵蓋視覺藝術、表演藝術、文學與教育推廣的跨域展演活動，讓建築空間成為藝術對話的平臺。

同步開展的典藏教育展「庫房裡的光」，以結合互動體驗的「可視性庫房」為概念延伸，揭開藝術品保存的幕後歷程。同時也舉辦國際論壇，邀集13 位國際重要機構專家，展現中美館關注方向，並共同探討文化機構的跨域合作與共融發展可能。

中市圖則推出「圖書館的閱讀新章和綠美圖的生活提案」系列活動，引領人們以嶄新的方式親近閱讀，感受文化空間的魅力。另外不可錯過，於11月7日登場的「環境與建築－SANAA專題講座」，同步開放現場轉播與線上直播。

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台中｜眾生共命：宮島達男

展期：2025.11.8-2026.5.10
地點：亞洲大學附屬現代美術館（台中市霧峰區柳豐路500號）

日本藝術家宮島達男的藝術生涯從行為藝術開始，並於1980年代末期，伴隨發光電子二極體（LED：light emitting diodes）的普及，開始大量運用LED以及積體電路數位計數器（IC [integrated circuit] digital counter）作為創作媒材而享譽國際。他於42歲時便成為威尼斯雙年展日本館的代表藝術家，展覽中由2400個計數器組合而成的大型空間裝置〈幻滅｜MEGA DEATH〉，看似是由程式與電子器材搭配的冰冷組合，然而在數字的明滅閃爍裡，卻傳遞出他對於不同生命狀態的深切關懷。

「眾生共命」是宮島達男在台灣的首次美術館個展，集結了從1993年到2025年的經典作品、全新創作以及難得一見的創作計畫和行為表演的概念圖。展覽中來自不同文化及語言的數字，各自有著不同的速度、音調或顏色，就像是世上眾多個體在社群中彼此交織、共存的集體生命狀態。本展還包含了5件與台灣、霧峰及中亞聯大參與者加入的共創作品。

另外，目前宮島達男於台北「TAO ART」藝廊中，推出《無盡的生命循環》個展，展出近5年的12件重要創作，引領人們一探他以數字藝術構築出的獨特生命哲學。

日本當代藝術大師宮島達男個展登陸TAO ART：集結12件重要創作，以數字藝術構築出獨特的生命哲學

台南｜福爾摩沙時代—臺灣美術百年建構

展期：2025.7.22～2026.1.4
地點：臺南市美術館2館 展覽室 E、F、H、I

今年3月啟動的「福爾摩沙時代」展，於10月25日迎來第三階段。而本期最大亮點，莫過於張大千〈廬山圖〉真跡來到府城公開展出。〈廬山圖〉不僅是張大千晚年的潑墨潑彩傑作，更是存世最大的整絹繪畫；技法精湛、氣勢磅礴。

「福爾摩沙時代」開展！展出黃土水《甘露水》、陳澄波之作等200件作品，回顧臺灣近現代美術的百年發展

而除了張大千的經典鉅作，本展也精選了反映臺南地緣特色的藝術創作，回應臺南的地緣性及豐富多元的藝術表現，包含：郭柏川記錄下府城過往地景的〈臺南運河〉、劉啟祥〈小憩〉、朱玖瑩〈安平鄉土館啟扉致詞〉、許武勇〈臺南普濟殿廟庭〉、沈哲哉〈臺南孔廟〉、曾培堯〈六道輪迴〉、金潤作〈觀音落日II〉等，帶領觀者從不同風格的藝術語彙，看見藝術家對於這片土地的情感。