由古至今，「人」一直是藝術領域中不退流行的主題與描繪對象，不同時代的藝術家透過自身擅長的媒材，轉譯了時下的人物群像；同一時期、不同創作者的作品雖主角各自有別，擺在一起看卻仍能窺見相應之處，並能從中逐步梳理時代脈絡。藝術彷彿是捕捉每一世代社會群貌的照相機。

在社群媒體興盛的今日，人們在網路社群「表現自我」的方式常是藝術家的創作主題，比如美國藝術家Rine Boyer與阿根廷藝術家Ramiro Smith Estrada，雖來自不同文化背景，卻共同經歷數位社群興起的大時代，他們分別以柔軟、復古並挾帶細膩觀察的文藝風格，與強烈、華麗又帶點街頭感的憤青美學，不約而同地探索著時下網路族群自我認知的議題——我是誰？而我們又如何看待彼此？兩人創作風格、觀察角度截然不同的作品，在台北藝廊Bluerider ART的牽引之下共同在《社群圖鑑》雙人展中亮相，即日起至2023年2月19日展出。

Rine Boyer｜以溫煦色彩細膩描繪人物特質、捕捉人際之間的微妙互動

長駐於美國芝加哥的Rine Boyer，常以身邊的親朋好友為描繪對象，透過細膩的觀察捕捉每個人的獨特性格，並將之轉譯到以單色調油畫為基底的作品中，巧妙利用個性化的符號圖騰、色彩、特定物件等元素呼應，在佈滿和煦油彩的畫布上，彰顯主角強烈的個人特質。除了對單一人物的描繪，Rine也喜歡透過作品呈現人際之間的互動、捕捉互動之間流露的微妙情感，搭配上啞色烘托出的溫柔、復古氛圍，以及內斂藏於背景中、猶如懷舊壁紙的圖騰紋理，形塑出令觀者會心一笑、讓人想一看再看的舒適視覺感。

《Hipster Culture》：紀錄芝加哥文藝青年群像

身為藝術家，Rine身邊自然少不了同為藝術工作者的友人，早期他以《Hipster Culture》系列畫作再現芝加哥的「文藝青年」群像，畫中以人為主角，輔以卡匣式磁帶、打字機、澆水盆⋯⋯等圖像，透過肖像呈現人物的穿著、肢體語言、使用物件等，令觀者想像其生活風格——有人是熱愛老物、鍾情復古的老靈魂；有人崇尚有機、返璞歸真，選擇定居於郊區，擁有屬於自己的都市菜園——畫中的每個人擁有不同的興趣，卻也共同享有對藝文的熱愛，而Rine則透過畫作進一步將個人連結到一種對於特定社群或者文化的團體描述，廣泛地闡述了現代城市中屬於文青的次文化。

《Ins》：以IG貼文為創作靈感，於現實世界再現網路內容

在《社群圖鑑》雙人展現場，Rine帶來全新系列作品《Ins》，顧名思義其創作靈感源自Instagram，藝術家以芝加哥藝術圈友人們的IG貼文為藍本，並特別選用呼應貼文比例的方形畫布，透過繪畫形式再現原本僅存在於網路上的內容。在《Ins》系列中，有姿態霸氣、神情自信的藝廊經營者InJung；有性格低調的收藏家Abraham和活躍於視覺戲劇領域、對動植物展現深切關懷的Jamie；也有個性熱情、幽默，總是朋友們的開心果的Cesar⋯⋯，他們雖身在同一社群，卻因不同身份而展露出不同的氣場與氣質，而Rine的細膩觀察與轉譯更是讓作品充滿趣味性。

透過《Ins》，Rine將網路內容拉到現實世界。隨著社群媒體越趨發達，衍生出許多人際之間的猜忌與顧慮，你是否曾認為社群上的美好都是假象，或是他人精心包裝下的產物？曾對互相標記、發限時才算有見面的新時代慣俗感到厭倦？對社群媒體提出反思的作品不在少數，但Rine卻溫柔地提醒了我們，那些存在社群的影像和照片，都源自我們在日常生活中的真實經歷與交流，本質上充滿人情與溫度，引領觀者重新憶起網路社群最初的想望，難道不是要拉近人跟人之間的距離？

Ramiro Smith Estrada｜以充滿反叛感「憤青美學」反思時代氛圍

來自阿根廷的Ramiro Smith Estrada，同樣對當代的社群媒體現象有細膩的觀察，但有別於Rine的柔軟和溫煦，他擅長運用鮮豔色彩、清晰的輪廓線跳，探討網路社群的社會、政治和身份議題，並以一種華麗且強烈的「憤青美學」呈現。畫中那帶有街頭風格的圖樣、刺青般的圖騰、如時尚雜誌和電影海報的構圖手法，都是Estrada創作風格深受大眾文化影響的線索，也是他對時代氛圍的反諷。

出生於80年代的Estrada，成長於社群網路興起的世代，他認為社交媒體不僅重塑了人類對於文化的思考方式，某種程度也成為企業行使策略的平台——利用拍照並標記地理位置的圖像，遊擊式的廣告轉化成金錢——不論是品牌或個人，皆尋求無時不在的關注與成名的渴望，好像都在大量資訊流竄的社交日常中，主動或被動地編織著一個「我是誰？」的幻夢。

因此，他以繪畫展現「世俗性」以及在文化社交壓力下的衝突，本次在《社群圖鑑》展覽中展出的作品，皆以社群媒體為題，利用挑釁與諷刺方式呈現時下注重「表像」的審美現象，對當代習以為常的網路社群生活拋出問號及對談。

比如在〈Relics and Ruins〉、〈Young and Getting it〉及〈It's just Jenna〉三件作品中，人物的身體與臉龐幾乎只剩輪廓，如壁紙般的花卉圖案佔據大半身形，軀體、臉孔逐漸被物質取代，好似物件已然成為主角，而人僅是作品中的裝飾元素。對此，Bluerider ART在觀展動線上做了個很有趣的安排——剛走入藝廊門口，左手邊第一幅作品就是Estrada的〈Live, Life, Loathe〉，其乍看如綴以文字的抽象畫；看完全展、補足創作脈絡後，在離開前不妨再多看它一眼，也許你會有全然不同的視野，至於實際上會新看見些什麼，這邊就先不爆雷了。

Estrada的創作，傳達了網路社群這種藉由重塑自我對外表現的管道，或許就是當下年輕世代看待世界的方式——我們如何被看待，似乎是存在的理由，而你我好像都無能反抗地需要這些「酷東⻄」。

《社群圖鑑》Ramiro Smith Estrada X  Rine Boyer 雙人展 

展期｜2022年12月24日～2023年2月19日

地點｜Bluerider ART 台北．敦仁（台北市大安區大安路一段101巷10號）

開放時間｜週二至週日10:00～19:00

門票資訊｜免費參觀

資料、圖片｜Bluerider ART

從長居花蓮、對地震的感知記憶出發，台灣藝術家邱承宏用403花蓮大地震的斷垣殘壁，及其他震災後留下的建築遺構為材料，重構了書櫃、螺旋樓梯等生活物件，試圖在崩壞後，以物質材料為媒介、自身經驗為見證，建構一種生活新秩序。這片由災後廢墟重生的風景，現正於台北耿畫廊旗下藝術空間TKG+《柔韌之餘》展覽展出中。

為何以震災遺構為材？

台灣島位處環太平洋火山帶，地震等天災對生活在這座島上的人們並不陌生——從經歷震盪時的不安、面對生死的苦痛，到災後如何面對、感受、記憶那破碎後的日常，是伴隨台灣人成長經歷的個人和集體經驗。《柔韌之餘》主角藝術家——邱承宏，生於花蓮，現也在花蓮居住和工作，對此感受尤為深刻。

考古藝術家的記憶修補術

邱承宏的創作過程，如一場又一場「修補記憶」的歷程。他常以「考古探險」般的姿態，潛入時空縫隙，挖掘那些曾經存在的身影和軌跡，並將這些細膩觀察，透過裝置、雕塑生動地重塑，藉此發展一套獨到的「記憶修補術」。在《柔韌之餘》展覽中，邱承宏從長居花蓮的經驗出發，以地震倒塌建築中回收的鋼筋、磚瓦與混凝土為材料，重構出旋轉樓梯、櫃體結構、燈具等雕塑，這些作品悄然佇立展間，彷彿在災難崩壞後形成一種生活新秩序。

斷垣殘壁重生後的生活場景

展間內，〈失衡的螺旋〉像是一座扭曲的螺旋階梯，其造型取法自然界生命生成與自我複製的基本法則——以0、1、1、2、3、5、8……為節奏的費波那契數列，以及DNA雙螺旋結構。然而在此，螺旋不再穩定向上、循環不息，而是帶著偏斜與裂縫，顯露出斷裂、錯置與再生的痕跡。每一階梯面承載來自不同災難場域的殘片，表面以磨石子封存時間與磨損的痕跡，像是將強烈的地質運動，凝結為一種看似建構、實則失衡的螺旋結構。

而在作品〈夜與靈魂〉中，邱承宏將地震災後遺留的鋼筋與混凝土，轉化為書櫃與書本雕塑，構築出一座承載記憶的微型圖書館。邱承宏提及，這件作品揉合了他在高壓狀態下反覆出現的夢魘，以及2024年403花蓮大地震中倒塌建築所留下的斷垣殘壁。他將扭曲的鋼筋，重構成書櫃的骨架，把碎裂的混凝土、混合水泥重新鑄造成書本的形體，交織創傷、夢境、物質，與工作燈投射出的微光，讓空間迷漫著一股幽謐、近乎潮濕的氣息，彷彿某段被覆於瓦礫之下的時間重新滲出表層。

回到《柔韌之餘》這一題目，邱承宏作品之「柔韌」不只是以人本出發所展現的堅韌，更是關於材料作為一種見證，也關於雕塑作為一種當代紀錄，側寫下了這個時代人類、物質與自然之間依存又緊繃的關係。

回顧更多邱承宏的「記憶修補術」

《柔韌之餘》是一場邱承宏對於災難的「記憶修補」，再回溯他的其他作品，主題更為廣泛。如雕塑作品〈繡燕〉，源自2020年他在花蓮找到一批老舊的水泥動物雕塑，這些斑馬、豹、老虎……出自不知名工匠之手，外表粗糙滑稽，用料和比例缺乏考究，在70年代的台灣蔚為流行，常見於校園或遊樂空間。

邱承宏對這些動物雕塑的缺口、風蝕痕跡等「傷口」進行掃描，並利用3D列印將其放大200倍，做成磨石子雕塑，表面以混凝土、礦物、銅線縫補點綴，讓缺陷再次豐盈，令人工雕塑以「石」的形態回歸自然。在〈繡燕〉當中，邱承宏是穿梭回70年代台灣搬運記憶的時空行者，也是用雕塑重構記憶的工藝家。

雕塑是「經修補後的圓滿」

隨時代演變，雕塑早已不像在古典藝術中，單純作為紀念碑或宗教、英雄史觀的載體，而從「崇高」象徵逐漸轉向對現實處境的回應，開始觸及勞動、性別、族群與記憶等具體而微的生命經驗；媒材也從講求「永恆」的大理石、不鏽鋼等，擴延至工業材料、現成物等，甚至引入聲音和行動。

邱承宏的雕塑也是如此，他不用雕塑重現某種形體、指涉特定事件，並將金屬工具、災難遺跡、吊車等素材融入創作，以作品作為回應時間、空間、身體的媒介，具象化自身抽象意念的視野。對他而言，雕塑是「經由修補後的圓滿」，無論是將缺口與殘片重新修復，或是讓缺口透過藝術的形式獲得美學上的新生——這樣如日本「金繼」工藝中對「碎片與缺失的關懷」，貫穿了邱承宏的創作價值觀。

《柔韌之餘 — 邱承宏個展》

展期 | 2026.03.07－04.25

地點 | TKG+（台北市內湖區瑞光路548巷15號B1）

國家兩廳院首度製作數位導覽《廳院顯影》，攜手「在地實驗」與兩廳院駐館藝術團隊「僻室 House Peace」，利用 AR 擴增實境與互動介面，將戲劇院和藝文廣場的「空間記憶」數位化，導覽自4月20日至8月31日啟動試營運，開放免費報名，邀請大眾走進場館，共同創造屬於當代的劇場集體記憶。

作為亞洲具指標性的當代劇場，即將滿40歲的兩廳院推出全新的導覽系統《廳院顯影》，期待透過虛實整合的技術，觀眾得以由淺至深，理解空間承載的歷史時刻，並藉由科技體驗在觀眾眼前逐層「顯影」，讓劇場不再只是定格的空間，而是能與觀眾即時互動的時空現場。

《廳院顯影》採用 AR 技術，讓觀眾跳脫單向接收資訊的被動模式，獲得主動探索場域的沉浸遊玩感受。觀眾在導覽員的帶領之下，操作專用平板電腦，探索戲劇院一樓大廳的場域細節與歷史時刻。在導覽中更可看見京劇女王魏海敏、歌仔戲國寶唐美雲、臺灣鼓王黃瑞豐、鋼琴家許郁瑛、兩廳院駐館藝術家王宇光及馬戲藝術家陳星合等各界大師共同參與，讓觀眾在數位探索中與國寶級藝術家跨時空交會。

時刻｜走過廣場與劇場的歲月

導覽以長約兩分鐘的影像作品拉開序幕，並透過導覽員輕快的講述，帶領導覽觀眾「從廣場走進劇場」。此導覽環節分為「歷史篇」與「生活篇」。歷史篇以劇院及廣場空間的重大事件、時代節點為主，映照出兩廳院見證臺灣社會變遷的歷史定位；而「生活篇」則轉向劇場的日常溫度，呈現兩廳院如何從嚴肅的藝術殿堂轉變為大眾共享的文化空間，並透過各項共融行動，讓劇場成為每個人都能自在參與的日常場域。

時差｜穿透虛實的劇場探索

第二部分為導覽的核心互動環節，由導覽員引領觀眾遊走於戲劇院一樓前台空間，透過專用平板與互動探索，觀眾不但可化身舞監操作舞臺燈光特效，還能透過場館知識的快問快答與舞臺地板木雕作品《時時。刻刻》的限時小遊戲，在趣味氣氛當中認識戲劇院。觀眾亦將在此觀賞由魏海敏、唐美雲及陳星合等各界名家跨界合作的多媒體影像，共同見證舞臺上的魔幻時刻。

時常｜劇場人與物的日常炫技

最後一站聚焦於舞臺機關的無限可能。現場透過影像作品，搭配鼓手黃瑞豐、鋼琴家許郁瑛的音樂創作，與馬戲藝術家陳星合和兩廳院駐館藝術家王宇光精彩的動作設計，在舞臺機關變幻間的精彩共演；觀眾更能藉由平板翻閱技術手冊來了解舞臺機關的硬體奧秘，一窺國家級劇場設施的科技之美。

透過數位導覽推廣劇場文化

參與《廳院顯影》多媒體創作的藝術家們，皆與兩廳院有著深厚的情感連結。國家兩廳院藝術總監劉怡汝表示：「這項計畫是兩廳院多年數位基礎建設的階段性總結，科技為表演藝術創造更深邃的敘事維度，讓劇場成為社會集體記憶與未來創意交匯的起點。我們想打破劇院高聳的圍牆，用數位互動讓大家以最輕鬆的方式走進藝術，不論什麼背景的觀眾，都能在這次探索中，找到自己與這座劇場的專屬連結 。」

京劇藝術家魏海敏與兩廳院的緣分始於 1987 年，不僅參演了國家戲劇院的開館首檔節目《句踐復國》，此後數十載更持續在戲劇院舞臺上推出無數經典作品。此次參與演出，魏海敏表示，回望當年能演出開館首作，感到無比榮幸；而多年來見證兩廳院從傳統走向多元、從單一走向開放的轉變，更令人由衷欣慰。

歌仔戲表演藝術家唐美雲多年來致力於精緻歌仔戲的創新與傳承，並多次與兩廳院攜手推動共融計畫。唐美雲分享，過去與兩廳院共創了許多溫暖的共融作品，觸及了許多不同的群眾；期許這次的數位導覽能讓劇場文化再度『破圈』，讓更多人在數位世界中接觸表演藝術。

兩位表演大師本次以「影像主演」的身分參與計畫，對兩廳院作為表演空間之外的公眾文化角色深有感觸，期待透過科技讓每一位參與者都能成為劇場的一份子。

從廣場走向劇場，實踐「人人劇場」參與精神

《廳院顯影》不僅是一套多媒體導覽，也保有擴充內容與形式的空間，未來將能在此基礎之上新增媒體內容與互動玩法，隨著觀眾需求與媒體型態的演變一同成長，並對參與者展現兩廳院場館與歷史的更深層次與多重面貌。導演吳子敬認為：「在劇場出現之前，戲劇的開端都是把眾人聚集在一起，而廣場正是眾人聚集的所在。戲劇與空間同樣是需要大家一起參與才能發展成長的。」他據此脈絡將「廣場」與「劇場」兩種場域相互連結，也呼應兩廳院成為「人人劇場」的核心理念。長期致力於技術創新的數位娛樂領導品牌鈊象電子股份有限公司，亦認同兩廳院以創新方式升級文化服務、打造友善觀演環境的努力，並秉持著支持藝文永續的精神，贊助兩廳院 2026 年度營運，攜手深化表演藝術與大眾的連結。

透過《廳院顯影》，兩廳院將場館的歷史積累轉化為輕盈且具啟發性的數位體驗，重新顯影對劇場空間的深刻感動。全新導覽系統自4月20日起正式啟動試營運，並將持續至8月31日止。試營運期間特別開放民眾免費報名體驗，導覽時間定於每月隔週的一、二上午 10 時。為提供多元視角，週一場次將以「歷史篇」為主題，週二則為「生活篇」。歡迎大眾把握試營運期間先行預約，體驗難得的數位探索之旅。

AR數位導覽《廳院顯影》

導覽時間｜每月週一、二上午 10 點（週一場導覽內容為「歷史篇」、週二場為「生活篇」）

導覽地點｜國家戲劇院（臺北市中正區中山南路21-1號）

即日起至 8月31日 試營運期間免費，報名請點此