社群媒體是溫暖巢穴或令人迷失的漩渦？Bluerider ART《社群圖鑑》以藝術呈現當代網路族群群像

由古至今，「人」一直是藝術領域中不退流行的主題與描繪對象，不同時代的藝術家透過自身擅長的媒材，轉譯了時下的人物群像；同一時期、不同創作者的作品雖主角各自有別，擺在一起看卻仍能窺見相應之處，並能從中逐步梳理時代脈絡。藝術彷彿是捕捉每一世代社會群貌的照相機。

在社群媒體興盛的今日，人們在網路社群「表現自我」的方式常是藝術家的創作主題，比如美國藝術家Rine Boyer與阿根廷藝術家Ramiro Smith Estrada，雖來自不同文化背景，卻共同經歷數位社群興起的大時代，他們分別以柔軟、復古並挾帶細膩觀察的文藝風格，與強烈、華麗又帶點街頭感的憤青美學，不約而同地探索著時下網路族群自我認知的議題——我是誰？而我們又如何看待彼此？兩人創作風格、觀察角度截然不同的作品，在台北藝廊Bluerider ART的牽引之下共同在《社群圖鑑》雙人展中亮相，即日起至2023年2月19日展出。

Rine Boyer｜以溫煦色彩細膩描繪人物特質、捕捉人際之間的微妙互動

長駐於美國芝加哥的Rine Boyer，常以身邊的親朋好友為描繪對象，透過細膩的觀察捕捉每個人的獨特性格，並將之轉譯到以單色調油畫為基底的作品中，巧妙利用個性化的符號圖騰、色彩、特定物件等元素呼應，在佈滿和煦油彩的畫布上，彰顯主角強烈的個人特質。除了對單一人物的描繪，Rine也喜歡透過作品呈現人際之間的互動、捕捉互動之間流露的微妙情感，搭配上啞色烘托出的溫柔、復古氛圍，以及內斂藏於背景中、猶如懷舊壁紙的圖騰紋理，形塑出令觀者會心一笑、讓人想一看再看的舒適視覺感。

《Hipster Culture》：紀錄芝加哥文藝青年群像

身為藝術家，Rine身邊自然少不了同為藝術工作者的友人，早期他以《Hipster Culture》系列畫作再現芝加哥的「文藝青年」群像，畫中以人為主角，輔以卡匣式磁帶、打字機、澆水盆⋯⋯等圖像，透過肖像呈現人物的穿著、肢體語言、使用物件等，令觀者想像其生活風格——有人是熱愛老物、鍾情復古的老靈魂；有人崇尚有機、返璞歸真，選擇定居於郊區，擁有屬於自己的都市菜園——畫中的每個人擁有不同的興趣，卻也共同享有對藝文的熱愛，而Rine則透過畫作進一步將個人連結到一種對於特定社群或者文化的團體描述，廣泛地闡述了現代城市中屬於文青的次文化。

《Ins》：以IG貼文為創作靈感，於現實世界再現網路內容

在《社群圖鑑》雙人展現場，Rine帶來全新系列作品《Ins》，顧名思義其創作靈感源自Instagram，藝術家以芝加哥藝術圈友人們的IG貼文為藍本，並特別選用呼應貼文比例的方形畫布，透過繪畫形式再現原本僅存在於網路上的內容。在《Ins》系列中，有姿態霸氣、神情自信的藝廊經營者InJung；有性格低調的收藏家Abraham和活躍於視覺戲劇領域、對動植物展現深切關懷的Jamie；也有個性熱情、幽默，總是朋友們的開心果的Cesar⋯⋯，他們雖身在同一社群，卻因不同身份而展露出不同的氣場與氣質，而Rine的細膩觀察與轉譯更是讓作品充滿趣味性。

透過《Ins》，Rine將網路內容拉到現實世界。隨著社群媒體越趨發達，衍生出許多人際之間的猜忌與顧慮，你是否曾認為社群上的美好都是假象，或是他人精心包裝下的產物？曾對互相標記、發限時才算有見面的新時代慣俗感到厭倦？對社群媒體提出反思的作品不在少數，但Rine卻溫柔地提醒了我們，那些存在社群的影像和照片，都源自我們在日常生活中的真實經歷與交流，本質上充滿人情與溫度，引領觀者重新憶起網路社群最初的想望，難道不是要拉近人跟人之間的距離？

Ramiro Smith Estrada｜以充滿反叛感「憤青美學」反思時代氛圍

來自阿根廷的Ramiro Smith Estrada，同樣對當代的社群媒體現象有細膩的觀察，但有別於Rine的柔軟和溫煦，他擅長運用鮮豔色彩、清晰的輪廓線跳，探討網路社群的社會、政治和身份議題，並以一種華麗且強烈的「憤青美學」呈現。畫中那帶有街頭風格的圖樣、刺青般的圖騰、如時尚雜誌和電影海報的構圖手法，都是Estrada創作風格深受大眾文化影響的線索，也是他對時代氛圍的反諷。

出生於80年代的Estrada，成長於社群網路興起的世代，他認為社交媒體不僅重塑了人類對於文化的思考方式，某種程度也成為企業行使策略的平台——利用拍照並標記地理位置的圖像，遊擊式的廣告轉化成金錢——不論是品牌或個人，皆尋求無時不在的關注與成名的渴望，好像都在大量資訊流竄的社交日常中，主動或被動地編織著一個「我是誰？」的幻夢。

因此，他以繪畫展現「世俗性」以及在文化社交壓力下的衝突，本次在《社群圖鑑》展覽中展出的作品，皆以社群媒體為題，利用挑釁與諷刺方式呈現時下注重「表像」的審美現象，對當代習以為常的網路社群生活拋出問號及對談。

比如在〈Relics and Ruins〉、〈Young and Getting it〉及〈It's just Jenna〉三件作品中，人物的身體與臉龐幾乎只剩輪廓，如壁紙般的花卉圖案佔據大半身形，軀體、臉孔逐漸被物質取代，好似物件已然成為主角，而人僅是作品中的裝飾元素。對此，Bluerider ART在觀展動線上做了個很有趣的安排——剛走入藝廊門口，左手邊第一幅作品就是Estrada的〈Live, Life, Loathe〉，其乍看如綴以文字的抽象畫；看完全展、補足創作脈絡後，在離開前不妨再多看它一眼，也許你會有全然不同的視野，至於實際上會新看見些什麼，這邊就先不爆雷了。

Estrada的創作，傳達了網路社群這種藉由重塑自我對外表現的管道，或許就是當下年輕世代看待世界的方式——我們如何被看待，似乎是存在的理由，而你我好像都無能反抗地需要這些「酷東⻄」。

《社群圖鑑》Ramiro Smith Estrada X  Rine Boyer 雙人展 

展期｜2022年12月24日～2023年2月19日

地點｜Bluerider ART 台北．敦仁（台北市大安區大安路一段101巷10號）

開放時間｜週二至週日10:00～19:00

門票資訊｜免費參觀

資料、圖片｜Bluerider ART

今年秋天，循著光探索嘉義！由嘉義在地創意團隊「諸羅設計塾」發起的《森林夜遊》將於9月11日至9月25日登場。

2026《森林夜遊》以「燈火迴響」為主題，延續對嘉義地方脈絡的探索，讓地方故事與當代藝術創作相互映照。3大主題路線領你看見嘉義的不同面向：「城中有光」以遍佈街巷的木造建築為主角，展現「木都」特色；「家中有光」以私人住宅為創作場域，聚焦更私密的家族敘事；「手中有光」探索在地老店與產業，映現經營者的堅持與手藝何以對抗時間洪流。

在嘉義《森林夜遊》，遊的竟然不是阿里山？

人們總說，嘉義有「兩座森林」，一是自然名勝阿里山，另一則是遍佈近6,000棟木造建築的城市街區。2023年起，嘉義在地由建築、設計、藝術人組成，致力梳理在地文化脈絡，並將其與藝術策展結合的創意團隊「諸羅設計塾」，便以「城市是森林」為核心理念，發起《森林夜遊》，讓嘉義城區化為一座「夜間樂園」，每年入秋時邀請人們化身「暗光鳥」，穿梭老屋之間，聆聽空間故事，探索木都嘉義。

以舊城區為創作場域，用藝術召喚嘉義時代記憶

桃城聚落的篝火、廟宇的香火、木都的老街燈、老診所的日光燈、家戶內的燈火，乘載著的代代人的生活記憶，亦伴隨著嘉義城的時代變遷。由此發想，2026《森林夜遊》以「燈火迴響」為題，邀請藝術家以舊城區為創作田野，挖掘在地故事，以藝術召喚時光長河中的嘉義記憶，藉當代藝術創作與地方故事相映，產生新的迴響。

今年《森林夜遊》規劃了3大主題路線，邀人們循「城中有光」辨識木都紋理，感受嘉式生活；在「家中有光」打開私人住宅，一窺家族記憶與情感；在「手中有光」探索在地老店與產業，看見手藝的歷史。

2026《森林夜遊》3大主題路線亮點整理！

⟢ 路線1｜城中有光

從嘉義「嘉屋計劃」的「涼適、活力、新木都」宣言出發，邀請創作者回望嘉義作為木都的發展歷程，以木構建築特色與在地城市生活為靈感進行創作。

諸羅設計塾帶來共創裝置作品《嘉式生活模擬器》，其取材自兩屆「嘉屋計畫」示範案，將專業建築圖紙轉化讓觀眾自由選取、拼貼與重新排列的元素，引領觀眾認識「嘉屋精神」，並拼貼出自己的「嘉式生活配方」，想像未來居住的更多可能。

馬來西亞藝術創作者楊健生，以長期參與美術館、畫廊木工佈展的「工人視角」觀看建築，探索殖民歷史與跨地域的聲音、記憶及身分連結。裝置作品《建築皮層－屋瓦》取材自老屋拆卸後留下的屋瓦，透過馬達驅動窗簾連珠摩擦瓦片，讓人聽見建築材料發出的獨特聲響，喚起對原有建築與空間的想像。

台灣新媒體與聲音藝術家張晏慈將帶來互動演出《夜間召喚術－噴水池篇》，邀請觀眾現場吹奏夜鷹造型的夜鳴笛，與環境中真實夜鷹啼叫及電子聲響交織，在集體演奏中想像都市與自然共存的可能。

跨領域建築師與設計教育者周佳怡將帶領共創工作坊，帶領參加者漫遊嘉義街巷，觀察木造建築，並將建築印象轉化為可自由組合的幾何物件，最後製作成點亮廟埕的燈籠。

⟢ 路線2｜家中有光

以在地屋主的住家為創作場域，並以家族敘事為靈感發展藝術創作。

空間攝影師與藝術創作者許志綱作品《家庭相簿》，從「葉天祐律師家宅」屋主陳女士對成長空間的記憶出發。創作過程中，作品以物質性的破壞與介入，對影像進行疊加、刮除與修改，使影像不再只是記錄，而成為記憶持續變動的痕跡。

多媒材藝術家劉濬磊作品《地上太陽》位於「蘭井街楊家木屋」，以現地錄像裝置再現1945年美軍空襲嘉義的歷史。錄像投射至轟炸機形狀的鏡面，經反射呈現在老屋牆壁上，並於院落中播放居民對空襲前後生活的口述音軌。

身體藝術家林修瑜的表演《從前這裡有座城堡》，將於經營超過50年的「滎陽小兒科」展出，以現地創作表演開啟這座已歇業的「城堡」，重新召喚這棟屋宇內故事與記憶。

⟢ 路線3｜手中有光

參展創作者們以嘉義產業空間為軸發想創作。樂器設計師靖傑的作品《在呼吸與黯光之間》於「coffee PANTRY」櫥窗展出，其建築前身為歷史悠久且知名的滎陽小兒科。創作者以蘇聯時期「X光片黑膠唱片」為題材，象徵在壓抑之中仍持續流動的聲音與記憶，也將烏克麗麗轉化為人體，並以毛線構成器官，同時呈現醫療的理性與療癒的溫度。

彭漪婷／協槓青年創作體的戲劇作品《如果房子會寫筆記》以「林信義內兒科診所」為創作場域，透過小丑、物件與身體表演，引領觀眾穿梭建築不同樓層，重新觀看一棟房子如何承載醫療需求與家族生活。

食物設計師胡椒工作室將於「慈龍寺」帶領共食工作坊《如果十年：煙燻嘉義》，以嘉義在地素材進行集體煙燻，並以「城市裡正在消失的事」為對話入口，透過信件交換、共食與討論，分享各自生活中的觀察，辨認城市改變的痕跡。

開幕遊行、主題走讀等活動亮點

《森林夜遊》開幕遊行「星火行動」將於9月11日與嘉義城隍夜巡同日登場，邀請觀眾以沉浸體驗點燃活動序幕；9月19日活動高潮「滿城月光」將集結最完整的展演作品，並推出套票方便觀眾一次解鎖。

主題漫遊則邀請3位專業背景迥異的引路人，從不同視角帶大家走進嘉義：文史與建築史工作者路款豪帶來《城中有光：木屋不要只看外面》，專業解說嘉義木都歷史與今日的「嘉屋計畫」；諸羅設計塾設計長許家茵以《家中有光：別人家的事最好聽》，分享嘉義值得一看的建築與不為人知的地方故事；嘉義在地堅果雜糧老店「永昌行」四代董耀鴻主講《手中有光：這間店有點意思》，分享一間店如何陪著一座城市一起長大。

創意真的可以改變一座城市嗎？

自2023年舉辦至今，《森林夜遊》已累計打開超過80處場域、吸引240人次參與共創，並累計超過2600位觀眾。這樣的成果，也讓諸羅設計塾「以創意改變一座城市」的理想逐步實踐——從屋主打開老屋、返鄉青年回「嘉」創作，再到外地志工與在地居民交流，《森林夜遊》逐漸串起一張人與人、人與老屋、創作者與地方的關係網絡；同時透過走讀、創作與城市行動，累積嘉義的地方記憶與生活知識，也讓參與者重新想像「身在嘉義可以如何生活」。

展演期間，裝置皆免費開放，部分演出與工作坊需事先報名，完整節目與報名方式，請見《森林夜遊》官方IG帳號和活動報名頁面。

《2026森林夜遊：燈火迴響》

活動時間｜09.11 城隍夜巡－09.25 中秋月圓

展演場域 | 林信義內兒科診所、滎陽小兒科（coffeePANTRY）、葉天祐律師、天空之鏡、蘭井街楊家木屋、安和街陳宅、慈龍寺、嘉義仁武宮、諸羅設計塾、大長新百貨行

擁有近60年選品資歷、來自日本的家居美學品牌「ACTUS」，登台展開長期計畫「Formflow with ACTUS」，以遊牧者般的自由節奏，將各式選品和設計帶入不同場域和城市，為人們打開看待家具、空間和生活的不同視野。即日起至9月20日，本計畫登陸大稻埕時尚選品店「Road Sign」，以德國包浩斯（Bauhaus）經典家具品牌「TECTA」作品為主軸，在古色街屋內讓家具和時裝交會——這場名為《Formflow MIT TECTA》的展覽，現場沒有白盒子背景的拘謹，也無華麗佈景襯托，而是一幅歷史建築與現代設計自然交織的美好生活場景。

從家具、空間到城市，ACTUS半世紀來持續擴張美學視野

1969年起家的ACTUS，早期率先將IKEA等歐洲設計家具引進日本，逐步建立橫跨家具、空間與生活文化的美學視野。1981年，ACTUS參與靜岡縣「MOA美術館」的空間規劃，並邀請丹麥現代家具設計巨擘Hans J. Wegner為館舍量身設計經典單椅「Japan Chair」，進一步將家具美學從居家延伸至公共空間。

數十年來，ACTUS從家具、空間到《123人の家》、《ACTUS STYLE BOOK》等出版刊物，持續探索「人、家具與生活」之間的關係，並始終相信：美好的居住體驗，是讓空間中的設計真正為日常服務。2026年，ACTUS正式於台灣展開長期計畫 「Formflow with ACTUS」，結合Form（形式）與Flow（流動）雙重概念，將設計帶入不同場域、文化與城市，為觀者建立看待家具、空間和生活的新視角，也從中探索新的使用方式。

來自德國的TECTA，致力留存包浩斯經典作品和精神

帶著 「Formflow with ACTUS」第二檔展演活動來到Road Sign，ACTUS選擇德國家具品牌TECTA為主角，傳達風靡20世紀的包浩斯設計思潮。TECTA長期致力於保存、延續包浩斯的設計精神，獲柏林包浩斯檔案館（Bauhaus-Archiv Berlin）正式授權逾30款原創作品，涵蓋Marcel Breuer、Walter Gropius等包浩斯代表大師的經典家具。從鋼管、懸臂結構到幾何比例，TECTA延續包浩斯對功能、材質與結構的探索，並透過持續演進的製作工藝，使經典設計不只停留於收藏與展示，而能真正回到日常使用之中。

TECTA 5件經典包浩斯家具盤點！

▌D4摺疊椅 

源自現代主義設計先驅Marcel Breuer為大藝術家康丁斯基（Wassily Kandinsky）設計的經典作品，不僅是TECTA最具代表性的經典作品之一，亦獲紐約現代藝術博物館（MoMA）永久收藏。簡潔的鋼管框架搭配織帶，在提供舒適支撐的同時，也體現包浩斯對材質、機能與結構的探索。延續鋼管家具的革新精神，D4在1927年加入了摺疊機能，兼具俐落結構與靈活功能。

▌D42扶手椅 

由包浩斯末代校長、20世紀現代建築大師Mies van der Rohe設計。作品僅以流暢鋼管框架與天然藤編座背構成，在極簡結構中展現精準比例。沒有後腳的懸臂構造帶來富有彈性的舒適坐感，寬闊扶手與微傾輪廓則讓身體自然放鬆，是兼具建築理性與手工質感的經典之作。

▌S43-2金屬櫃 

由設計師Florian Borkenhagen操刀，以經典S41為基礎重新詮釋。金屬原色櫃體搭配6個造型各異的抽屜把手，打破傳統收納家具的單一樣式，在實用機能之上為作品賦予立體雕塑般的觀賞趣味。櫃體兩側亦配置細節把手，從不同觀看角度呈現其工藝與結構特色。

▌F51N扶手椅 

以包浩斯學校創辦人Walter Gropius的經典F51扶手椅為基礎，由德國設計師Katrin Greiling重新詮釋，為包浩斯代表作注入鮮明色彩。本作選用時裝大師Raf Simons與丹麥織品品牌Kvadrat共同開發的織物，以條紋與色塊強化作品的幾何構成；厚實座體彷彿懸浮於白蠟木框架之中，在雕塑般比例與舒適包覆感之間展現當代新意。

▌M21-1餐桌 

作為TECTA經典M21的縮小版本，M21-1以更適合都市空間的尺度，延續標誌性的有機形桌板。不規則輪廓能靈活容納多人使用，同時錯開對坐視線，在親密互動與個人空間之間取得平衡，展現TECTA對當代生活的細膩回應。

包浩斯家具展登陸Road Sign：歷史街屋、前衛潮流、設計家具碰撞

《Formflow MIT TECTA》展集結多件TECTA代表性家具，並將展示從家居空間延伸至Road Sign所在的大稻埕歷史街屋，屋內中庭、老牆、兩進建築之間承載著時光痕跡，現代材質的加入則碰撞出新舊混融的空間表情。此次TECTA進駐則讓表情更加豐富，包浩斯的金屬結構、俐落線條、幾何輪廓，與建築內既有的木構、石材形成鮮明對比——一邊是20世紀初期歐洲對現代生活的想像，一邊是台北百年古樸街區早已融入當代的日常，兩個地域的時區在此相遇，為看展添了幾分樂趣。

《Formflow with ACTUS Phase 2：Formflow MIT TECTA》

展期｜2026.08.21－09.20

地點｜Road Sign（台北市大同區迪化街一段256號）

開放時間｜週二至週日 13:00－21:00