社群媒體是溫暖巢穴或令人迷失的漩渦？Bluerider ART《社群圖鑑》以藝術呈現當代網路族群群像

由古至今，「人」一直是藝術領域中不退流行的主題與描繪對象，不同時代的藝術家透過自身擅長的媒材，轉譯了時下的人物群像；同一時期、不同創作者的作品雖主角各自有別，擺在一起看卻仍能窺見相應之處，並能從中逐步梳理時代脈絡。藝術彷彿是捕捉每一世代社會群貌的照相機。

在社群媒體興盛的今日，人們在網路社群「表現自我」的方式常是藝術家的創作主題，比如美國藝術家Rine Boyer與阿根廷藝術家Ramiro Smith Estrada，雖來自不同文化背景，卻共同經歷數位社群興起的大時代，他們分別以柔軟、復古並挾帶細膩觀察的文藝風格，與強烈、華麗又帶點街頭感的憤青美學，不約而同地探索著時下網路族群自我認知的議題——我是誰？而我們又如何看待彼此？兩人創作風格、觀察角度截然不同的作品，在台北藝廊Bluerider ART的牽引之下共同在《社群圖鑑》雙人展中亮相，即日起至2023年2月19日展出。

Rine Boyer｜以溫煦色彩細膩描繪人物特質、捕捉人際之間的微妙互動

長駐於美國芝加哥的Rine Boyer，常以身邊的親朋好友為描繪對象，透過細膩的觀察捕捉每個人的獨特性格，並將之轉譯到以單色調油畫為基底的作品中，巧妙利用個性化的符號圖騰、色彩、特定物件等元素呼應，在佈滿和煦油彩的畫布上，彰顯主角強烈的個人特質。除了對單一人物的描繪，Rine也喜歡透過作品呈現人際之間的互動、捕捉互動之間流露的微妙情感，搭配上啞色烘托出的溫柔、復古氛圍，以及內斂藏於背景中、猶如懷舊壁紙的圖騰紋理，形塑出令觀者會心一笑、讓人想一看再看的舒適視覺感。

《Hipster Culture》：紀錄芝加哥文藝青年群像

身為藝術家，Rine身邊自然少不了同為藝術工作者的友人，早期他以《Hipster Culture》系列畫作再現芝加哥的「文藝青年」群像，畫中以人為主角，輔以卡匣式磁帶、打字機、澆水盆⋯⋯等圖像，透過肖像呈現人物的穿著、肢體語言、使用物件等，令觀者想像其生活風格——有人是熱愛老物、鍾情復古的老靈魂；有人崇尚有機、返璞歸真，選擇定居於郊區，擁有屬於自己的都市菜園——畫中的每個人擁有不同的興趣，卻也共同享有對藝文的熱愛，而Rine則透過畫作進一步將個人連結到一種對於特定社群或者文化的團體描述，廣泛地闡述了現代城市中屬於文青的次文化。

《Ins》：以IG貼文為創作靈感，於現實世界再現網路內容

在《社群圖鑑》雙人展現場，Rine帶來全新系列作品《Ins》，顧名思義其創作靈感源自Instagram，藝術家以芝加哥藝術圈友人們的IG貼文為藍本，並特別選用呼應貼文比例的方形畫布，透過繪畫形式再現原本僅存在於網路上的內容。在《Ins》系列中，有姿態霸氣、神情自信的藝廊經營者InJung；有性格低調的收藏家Abraham和活躍於視覺戲劇領域、對動植物展現深切關懷的Jamie；也有個性熱情、幽默，總是朋友們的開心果的Cesar⋯⋯，他們雖身在同一社群，卻因不同身份而展露出不同的氣場與氣質，而Rine的細膩觀察與轉譯更是讓作品充滿趣味性。

透過《Ins》，Rine將網路內容拉到現實世界。隨著社群媒體越趨發達，衍生出許多人際之間的猜忌與顧慮，你是否曾認為社群上的美好都是假象，或是他人精心包裝下的產物？曾對互相標記、發限時才算有見面的新時代慣俗感到厭倦？對社群媒體提出反思的作品不在少數，但Rine卻溫柔地提醒了我們，那些存在社群的影像和照片，都源自我們在日常生活中的真實經歷與交流，本質上充滿人情與溫度，引領觀者重新憶起網路社群最初的想望，難道不是要拉近人跟人之間的距離？

Ramiro Smith Estrada｜以充滿反叛感「憤青美學」反思時代氛圍

來自阿根廷的Ramiro Smith Estrada，同樣對當代的社群媒體現象有細膩的觀察，但有別於Rine的柔軟和溫煦，他擅長運用鮮豔色彩、清晰的輪廓線跳，探討網路社群的社會、政治和身份議題，並以一種華麗且強烈的「憤青美學」呈現。畫中那帶有街頭風格的圖樣、刺青般的圖騰、如時尚雜誌和電影海報的構圖手法，都是Estrada創作風格深受大眾文化影響的線索，也是他對時代氛圍的反諷。

出生於80年代的Estrada，成長於社群網路興起的世代，他認為社交媒體不僅重塑了人類對於文化的思考方式，某種程度也成為企業行使策略的平台——利用拍照並標記地理位置的圖像，遊擊式的廣告轉化成金錢——不論是品牌或個人，皆尋求無時不在的關注與成名的渴望，好像都在大量資訊流竄的社交日常中，主動或被動地編織著一個「我是誰？」的幻夢。

因此，他以繪畫展現「世俗性」以及在文化社交壓力下的衝突，本次在《社群圖鑑》展覽中展出的作品，皆以社群媒體為題，利用挑釁與諷刺方式呈現時下注重「表像」的審美現象，對當代習以為常的網路社群生活拋出問號及對談。

比如在〈Relics and Ruins〉、〈Young and Getting it〉及〈It's just Jenna〉三件作品中，人物的身體與臉龐幾乎只剩輪廓，如壁紙般的花卉圖案佔據大半身形，軀體、臉孔逐漸被物質取代，好似物件已然成為主角，而人僅是作品中的裝飾元素。對此，Bluerider ART在觀展動線上做了個很有趣的安排——剛走入藝廊門口，左手邊第一幅作品就是Estrada的〈Live, Life, Loathe〉，其乍看如綴以文字的抽象畫；看完全展、補足創作脈絡後，在離開前不妨再多看它一眼，也許你會有全然不同的視野，至於實際上會新看見些什麼，這邊就先不爆雷了。

Estrada的創作，傳達了網路社群這種藉由重塑自我對外表現的管道，或許就是當下年輕世代看待世界的方式——我們如何被看待，似乎是存在的理由，而你我好像都無能反抗地需要這些「酷東⻄」。

《社群圖鑑》Ramiro Smith Estrada X  Rine Boyer 雙人展 

展期｜2022年12月24日～2023年2月19日

地點｜Bluerider ART 台北．敦仁（台北市大安區大安路一段101巷10號）

開放時間｜週二至週日10:00～19:00

門票資訊｜免費參觀

資料、圖片｜Bluerider ART

洪建全基金會自2015年起舉辦的「問問題計畫」，每年都會提出一個單純的問題，探討社會、文化與生命內涵，並妥託藝術家透過新創作回應問題。2026年由藝術家張書瑋透過個展《代理之窗》，藉4組影像裝置、互動雕塑和錄像作品，探討人工智慧（AI）與人類之間的「親密關係」。

你曾與AI建立「情感關係」嗎？

在科技以親切形象滲透日常的今天，人與機器早已互為義肢，「陪伴」甚至已演變為一種低廉的產品，一種「沒有人」的新關係正被大量生產。只要算力足夠，AI就能化身成為密友、戀人、心靈導師，或者是神明，突破螢幕提供我們最佳的心靈解方。但這種「不需要對等，不需要協商，也不會有拒絕」的新關係，正在悄悄改變我們對情感的認知。

張書瑋以「I or AI?」為題，探討人類與科技的義肢關係

張書瑋長期關注科技產物與人類貼身浸染、相互侵蝕的創作脈絡，以使用者介面、人體工學和可愛為方法探索當代科技環境，透過3D列印、動態影像、複合媒材繪畫與裝置，探索數位裝置作為非人類卻具有智能生命形式，以及它們和人類相互寄生的義肢關係。

透過此次於洪建全基金會呈獻的《代理之窗》，張書瑋提出「I or AI?」的核心思考：「我們看似出於自身意願、實則毫無選擇地將意識交付予大型人工智慧系統。又或者，我們早已成為『不分彼此』的存在，在無限延展的通道中，排練著全新的生存姿態？」

展場如一段親密關係的模擬現場

展覽將「你＋我＋人工智慧」共同建構的世界封裝成一個情感景觀，一段「親密關係」的模擬現場，一場由裝置、介面、系統、使用者自身的投射共同鋪設而成的遊戲；動線如同一道逐步深入的程序，映照出人與機器緊密互動之間，所產生的肉體或情感上的關係變化。看展過程中，親近與不適的感受並存，觀眾將能感覺到身體與意識逐漸被切片、解構，隨後迷失於遊戲之中。

遊戲開始！先建構身份，再感受暖意和酷寒

步入《代理之窗》展場，觀眾得先將自己轉換為數位系統更能夠理解的模樣，這段體驗就如玩遊戲前的角色建構。現場，由影像裝置〈變身×交換〉傳授特定「咒語（prompt）」，教導觀眾如何將自己的意識，轉譯為AI可理解的語言；互動雕塑〈New Conversation〉則透過臉部識別感應技術，為觀眾即時捏塑出「數位新臉孔」，這張對數位系統來說更親切的面容，正是人類登入非人類代理世界的鑰匙。

接續而來的是遊戲核心。位在展場中心的互動雕塑〈A.L.I.Z.E.〉，結合嵌入式視覺小說（Embedded Visual Novel）形式呈現。作品以1966年初代聊天機器人「ELIZA」為原型，藝術家賦予其「理想二次元伴侶」的特質，並混雜網路情感對話、藝術家文本和實驗性字句，將記憶、扮演和真實攪拌在一起。觀眾需以身體緊貼雕塑延伸出的發熱觸手，同時透過螢幕視窗選擇對話角色，與作品展開互動，在過程中感受「即時滿足的欲望」如何一步步推向虛無。

作為壓軸的錄像作品〈代理之窗〉，讓觀眾在體驗過機器模擬的溫度和全然肯定後，隨影像步入一片冷酷異境，一窺平時看不見、藏於系統背後的權力編碼。

對比60年前第一代聊天機器人拙劣的模仿，如今非人類情感代理的技術已大幅降低了那扇「窗」令人不適的反光。讓我們試問，當視窗彼端的真實性不再重要，互動中悄然湧現的情感本身，是否已足以宣示一種全新、陌生主體的誕生？ 

當機器決定我們認識世界的方式，之後呢？

談及本展，洪建全基金會執行長張淑征表示：「書瑋的觀點很有趣。網路對他這一代人來說是血液裡的自然狀態，他同時又對九〇年代的東西感興趣，這正是我觀察到現在Z世代正在經驗的事，把上一個時代的老東西抓回來，重新體驗一次。我期待他的創作能把年輕世代和當代藝術術接起來，帶我們一起思索：當我們習慣於透過機器消化對世界的認識，下一個版本的自我會是什麼樣子？」

2026問問題計畫：張書瑋個展《代理之窗 Agent’s Window》

展期｜2026.09.12－11.22

開放時間｜週二至週日 11:00－18:00

展場｜洪建全基金會（台北市中正區羅斯福路二段9號12樓）

資聊提供｜洪建全基金會    文字整理｜Izzie Pang

在日本創下20萬人次朝聖紀錄的《恐怖心展》，正式於9月登陸台北！本展由怪談作家梨、株式會社闇代表頓花聖太郎，以及東京電視台製作人大森時生共同打造，3位創作者也與我們分享展覽誕生的起點、創作理念與幕後故事，帶領人們直面內心那些難以言喻的「恐怖心」。

什麼是恐怖心？

「恐怖心（きょうふしん）」指的是人們面對某種事物或情境時，從生理層面所產生的恐懼與不安。而這些恐懼，有時也伴隨著難以解釋的不合理性。《恐怖心展》便是以人們面對「尖銳物品」、「密閉空間」、「視線」等各種事物時所產生的恐懼感為主題，並讓參觀者從中重新面對自身的恐怖心。

事實上，早在《恐怖心展》前，這3位創作者聯手打造的《行方不明展》，便在日本掀起風潮。來自東京電視台的製作人大森時生，憑藉一系列偽紀錄片作品引起廣泛討論，也是在日本電視圈相當受到矚目的製作人；從事恐怖創作的作家梨，負責撰寫展覽中出現的大部分文字；專門打造恐怖體驗的「株式會社闇」，過去也推出過許多與恐怖題材相關的作品。

直面內心的恐懼與不安

談及《恐怖心展》的誕生起點，大森時生分享，他平常和人聊天時發現，大家感到喜歡或幸福的事物都很相似（比如有很多錢），但對不安或恐懼的事物卻千奇百怪，因此若是將大家各自害怕的事物收集起來，會是件很有趣的嘗試。梨說明，「我的職業是靠讓人感到不愉快的恐怖小說作家，我一直很好奇大家為什麼願意為了體驗不快去消費花錢、聚集在展覽空間裡。除了喜歡的事物之外，大家對於討厭的情感究竟懷有怎樣的心思？我想這會是我人生一直在探尋的課題。」頓花聖太郎表示，他自己是個非常膽小的人，像是在狹窄黑暗的地方，他也會感到害怕。而他內心的恐懼，其實很大程度上是來自於小時候看過的電視劇、電影等作品與素材所塑造而來的。因此，這次展覽希望將深藏於每個人心中的不安呈現出來，讓大家在尋找、面對自身內心感受的過程中體驗展覽。

海外首展，更融入台灣特有文化

這次在台北的展覽，除是《恐怖心展》的首次海外展出，更特別加入於台灣全新製作的限定展示。而為什麼選擇台灣？大森時生說，其實他們一開始也考慮了海外很多國家，但對他而言，雖然歐美電影中有許多嚇人的情節，他內心深層卻似乎沒有很能共感這份恐懼。相較之下，台灣創作的恐怖作品，比如柯孟融導演的《咒》，能夠讓他從內心深處接收到電影所傳達的恐懼。他認為，這可能源自於日本與台灣文化之間的親近感，以及台灣恐怖電影中特有的「潮濕感」。

梨表示，他在大學時主修宗教文化，期間對於台灣的文化與神明信仰產生了極大興趣。「我認為，『恐怖』是由文化所形塑出來的，台日文化雖有相似之處，卻又不是完全相同，這種文化差異與魅力深深吸引著我。我很喜歡台灣文化，展覽中也融入了台灣在地的文化元素，像是乖乖、神龕這些展品。」頓花聖太郎說，在創造恐怖、思考人們為何感到恐懼時，人們如何看待生與死的「生死觀」，其實是恐懼非常重要的根源。「在亞洲文化中，尤其是台灣與日本，彼此的生死觀相當接近，正因為雙方有許多共通之處，我們所感到恐懼的事物，台灣觀眾應該也能在一定程度上感受到。當然，雙方的感受可能會存在一些細微的落差，但這反而能成為觀展時的樂趣。日本與台灣之間，正好具有一種既親近、又保有些許差異的適當距離感；這也是我們這次選擇在台灣舉辦展覽的原因。」

那些安靜醞釀的「恐怖心」

若要再進一步解釋「恐怖」與「恐怖心」之間的差別，大森時生說，在他的想象中，「恐怖」主要來自外部，比如當你走在昏暗的路上，突然有一個身分不明的人對你大喊，當然會感到可怕，之所以會感到害怕，是因為眼前存在著某個具體的對象、物體或事件，而那個人事物本身，便構成了「恐怖」。不過，這次展覽沒有那種伴隨突然驚嚇而產生的恐怖瞬間，甚至有些作品看起來，可能會讓人覺得：「這好像沒有什麼可怕的。」因此，他認為這種因人而異的落差，以及在每個人心中安靜醞釀、逐漸形成的感受，就是他所理解的「恐怖心」。

梨分享，在籌備台灣展覽的過程中，他發現人們許多的恐懼往往會與各式各樣的回憶相連。比如阿嬤家裡祭祀用的神桌，或是某些帶有童年回憶的物件，都可能讓人進而產生一種恐怖感。

主創團隊私心推薦的展品！

被問到展覽中推薦的作品時，3人各自給了不同的答案。頓花聖太郎提到，他的工作中有製作鬼屋的經驗，裡面會有突然跳出來嚇人的NPC，不過這次展覽完全沒有這種驚嚇的元素，因此像是「偶爾會響起的電話」這種極其日常的物品，突然響起聲音時反而會讓人有種毛毛的感覺。梨認為，小說跟展覽最大的區別是在於「現場是否有其他觀眾」，基於這樣的差異，他推薦的是入口處會膨脹、縮小的巨大氣球，他說，在日本展覽期間，有遇到一對看展的情侶，女友直呼可怕、男友卻覺得有什麼好怕的，這截然不同的反應讓他覺得有趣。梨認為，當多人身處在同一個展場，能即時看見彼此的反應，並從中發現感受上的差異與共通之處，這也正是展覽與文字創作之間最大的不同。

大森時生分享，從電視節目的製作角度來說，影像在第一時間映入眼簾時，讓人產生「好像有點不舒服」之類的瞬間反應，是非常重要的，因此，他最推薦的是「夢核」影像作品。在日本展出時，他們是以高度經濟成長期的集合住宅為主題，當時的日本，大量興建了許多格局相似的住宅，而這樣的景象出現在夢境之中，本身就帶有一種詭異感，而這次則以台灣人比較熟悉的地下通道、地下商店街這樣的空間，希望能讓台灣觀眾從中感受到一絲詭異與不安。

另外，大森時生補充，「我很喜歡台灣導演楊德昌，他的作品中有很多對於影子陰暗面的處理。在台北街頭散步時，轉個彎就會遇到陰暗的巷弄。相比之下，東京整個城市被打造得極其明亮乾淨，台北則同時存在著明亮與陰影的對比。比如從明亮的店家走回飯店時，周圍突然變暗，這種強烈的光影落差常讓人感受到恐怖，但也能激發出創作靈感。」

《恐怖心展》為何創下話題？

那麼，究竟為何《恐怖心展》能在日本創下話題？3位創作者也從自身的經驗出發，分享這個展覽引起共鳴的原因。出生於1995年的大森時生以他為例，在日本，前來參觀這場展覽的人，年齡大多落在20多歲至30多歲，這個世代在日本被稱為經歷「失落的十年」的一代，也曾發生過許多負面事件，當他與同世代的日本人交流時，會發現大家並不認為日本的經濟接下來會突然好轉，或是每個人的生活會一下子變得非常幸福。在這樣的情況下，即使創作戀愛、搞笑或其他輕鬆愉悅的題材，有時反而會讓人覺得與現實生活相距甚遠。相較之下，那些帶著負面情緒、讓人感到些許不安的作品，反而更貼近他們實際生活時的感受。「所以我想，《恐怖心展》可能正好在情緒上與這個世代產生了某種契合，或許這也是展覽能夠引起大量二、三十歲觀眾共鳴的原因。」

今年26歲的梨說，在他成長的年代，電視上已經很少看到靈異現象節目，對他們這一代人而言，談論幽靈節目時，經常是以回憶的方式說：「大約20年前，這類節目好像很多」。「像我這樣的世代，可能正是《恐怖心展》最主要的觀眾族群，我想，我們這個世代其實對恐怖的事物帶有某種憧憬。」另外，人們也容易被帶有懷舊感、屬於稍早世代的事物吸引，像是《後室》也是如此。從這個角度來看，曾經存在於過去的恐怖形式，如今也重新獲得了很高的人氣。

頓花聖太郎表示，大森時生與梨在日本創作了許多新型態的恐怖作品，不是那種傳統恐怖作品中陰森、駭人或血腥獵奇的形式，而是採取了非常新穎的表達方式。因此，對很多日本年輕人而言，他們的恐怖作品也逐漸被視為「很有品味」或「很時尚」的內容。除此之外，這場展覽也探討了「FOMO」這種當代心理，也就是害怕錯過資訊、擔心自己跟不上他人的焦慮。「我認為，當愈來愈多人看過展覽時，尚未觀展的人可能會有『自己還沒有看過這場展覽而感到不安』的心情，也就是說，這或許反過來創造了還沒有看過《恐怖心展》而誕生的『恐怖心』。」這種心理與日本人的特質及當代社群環境相互契合，因此吸引了許多人前來參觀。他也非常期待這些內容來到台灣後，會以什麼樣的方式被台灣觀眾理解與接受。

恐怖心展 台北

日期｜2026.09.12～11.23
地點｜灰棚 （台北市中山區中山北路二段59巷16號B1）（近捷運中山站、雙連站，步行即可抵達）