2023台灣燈會在台北，本篇開箱本次腹地最大的展區——「光展區」，其遍佈東區商圈，燈飾散落SOGO忠孝館、瑠公公園、敦仁公園、延吉公園、捷運國父紀念館站2號出口沿線地帶，且來看16組藝術家如何以光為繪筆、街頭為畫布，在作品中表現出台北的城市意象；另有43件「藝術入店」作品進駐東區店家，邀請人們漫步共賞燈藝之美。

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盤點5大地標亮點作品！

01. 蔡筱淇 X 吉川公野〈初光之曜〉 延吉公園

本作生機盎然的樣態，像是前衛時尚的風格再現。在延吉公園鬱鬱蓊蓊的大樹上，藝術家透過輕盈標誌性的剪紙圖騰，以樹木做為載體，結合周遭環境日夜鮮活的色彩張力，白天像花叢，夜晚又如斑斕星雲，象徵著台北時刻洋溢著迷人的都會光采。

02. 范承宗〈仁愛帆城〉 敦仁公園

創作基地位於仁愛里，這裡是70年代知名建築師們的住宅作品競技場，眾多深受包浩斯與現代主義影響的建築，合成獨特的街廓樣貌。藝術家范承宗延續《帆城》系列創作，將建築聚集而成的城市面貌視為如海上船隻聚集的景致，並透過裝置藝術，凝結作品周遭建築的集合輪廓。

范承宗以木構張起數面錯落的船帆，詮釋仁愛里內水平垂直特徵建築林立的集合輪廓，他在敦仁公園搭起一座讓人駐足、穿梭的儀式裝置，那是眾人團結相聚的所在，也是城市新舊記憶的疊合。登上船、揚起帆、迎著風，邁向大海。我們出發，我們回家。

03. 陳怡潔〈安安〉 國父紀念館站2號出口

藝術家陳怡潔嘗試在熙來人往的城市交通點，透過光影變化於捷運出口周遭，創造出繽紛耀眼的色彩，象徵東區的繁華與時髦氣息，亦展現國父紀念館站入夜後周圍餐酒館林立的熱鬧氛圍。同時，為呼應台北由群山環繞的盆地地形，藝術家特別在作品投射的GOBO燈片中，描繪了屬於台北的生態圖像，搭配城市意象的剪影，呈現東區人文與自然交集的一面。

04. 路瓦 · 里維拉〈榮容〉 瑠公公園

路瓦 · 里維拉將東區巷弄文化的靈魂以「水」為代表，人文與城市的發展以「油」為象徵，透過〈榮容〉這件編織藝術品表現水、油在接觸時形成的形狀，象徵城市走過的歷史。同時，水與油交融猶如彩虹的足跡，展現台北作為亞洲推動同志遊行的第一座城市，以及在移工、勞工及原住民等人權議題上所帶來的共榮與包容。

05. 吳騏〈Hi Hide〉 SOGO忠孝館

身在這個世代裡，有時候很想躲起來，但卻又想讓別人看到自己，於是露出一隻耳朵，向世界默默地打個招呼，彷彿愛說著：「如果你發現了我，那就走進我的世界裡看看吧。」

「城市意象燈區」3大主題共11件作品，演繹台北城市意象

⭓ 自由‧首都｜3件作品   復興南路一段到大安路一段之間

首都台北是接納不同聲音的最前線，歷經威權到民主，到近年通過同婚，放眼亞洲，是各方面都最體現自由平權的城市，人的價值大大彰顯。

01. 朱志康〈彩虹教堂〉

彩虹，因為包容各種色彩而美麗。在彩虹的教堂裡，見證神聖誓言，讓婚姻不再是承擔傳統的包袱，而是承接絢爛的幸福。溫暖耀眼的教堂拱門，如圍巾般將兩人緊緊牽起、包圍，給予滿滿的誠摯祝福；懸吊的音叉鳴奏美妙旋律，將幸福化為音符傳至遠方，與眾人分享。

02. 峇岦嵐偲．旮札涅灆〈巢詠〉

城市就像是人們學習的鳥巢，是築夢的起點。藝術家想要以排灣族的語彙展現出台北的多元性格，人不管來自何方，在台北總是可以找到一個棲息的地方，也可以展現出台北海納百川的城市性格。峇岦嵐偲．旮札涅灆以鳥巢為發想，使用圓鐵為支架，再以竹、扇型樹皮創建風動及鳥巢型態；通道內部3顆樹皮造型燈，安裝不同強度之燈光，透過燈罩上的細孔透出圓光點散射至內部壁面上，樹皮燈則能隨風自然轉動，營造出鳥巢充滿生命力的景象。

03. 陳普〈未來 · 穿梭 · 兔子洞〉

捷運是大眾每日生活的必須，也是城市最重要的動能，它連結了在這座城市打拼每一個人的日常與未來的夢想。陳普的創作以「Future Shuttle」為題，象徵捷運不只是交通工具，而是帶給人們充滿想像的未來場景。本作以「兔子洞」象徵想像力與捷運站體通道的意象，在不同出入口進出的市民就在這樣的場域穿梭，為美好的未來打拼，而背後的通道以LED牆面呈現出不斷變幻的想像空間。

※ 2月1日－2月19日 17:00－22:00 每10分鐘展演一次。

⭓ 流動‧城市｜4件作品  大安路一段到延吉街之間

良好的道路系統規劃、人行道與Youbike接軌捷運，台北的交通規劃大大提升了「人」生活在城市之中的方便，且台北盆地四周環山，不用多遠的車程，便容易從城市移動而親近大自然；而流動的第二個意思，是指台北為台灣面向國際的第一線，與國際人才交流、串連，維持順暢的文化輸出與導入，拓展更廣闊的視野。

01. 王振瑋〈時間的瞬息〉

沙漏是一種可以度量時間的器具。不同的量體在不同的高度，因為重力的物理性，也改變了時間的一致性。王振瑋以海芋的外觀結合沙漏的寓意，勾勒出由城市進入郊山的體感時間逐漸從緊張趨於平靜，不妨佇足其中觀想一株植物的禪意。

02. 蔡潔莘〈城市後花園〉

便利的捷運網絡，讓城市就如同一個後花園，民眾可以悠遊地探索台北市。〈城市後花園〉將臺北捷運的五條線路化作貓草，臺北市民對大眾運輸的喜愛就像貓對貓草的渴望，在這繁忙的都市裡，人們仍可輕鬆搭乘捷運找到一片綠地，享受大自然的美好。

03. 張為雲、Tim Hong〈城市x程式對話〉

城市中的人們，比起與他人真實接觸溝通，已逐漸偏向進入虛擬世界中的社交。透過與AI演算法溝通，讓我們窺探數以兆計種的未來。試想，當城市建築以生物姿態活起來時，會與我們如何相處呢？在黑夜中，城市又會如何為我們帶來光源與希望呢？

〈城市x程式對話〉透過工程師與AI軟體間虛實的協作，進行圖像堆疊創作，讓燈光藝術同時有了人類與虛擬世界AI的共生記憶。在邁向嶄新的世代，未來的我們將生存於虛實交錯的世界，願共存榮光的希望泉源始終與我們同行。

⭓ 印象‧台北｜5件作品  延吉街到捷運國父紀念館站之間

人們眼中的台北是什麼模樣？是某個街角的光影，龍山寺虔誠地祝禱聲，還是傳統市場美食的香味？散步在城市之中，感官的訊息變成身體的記憶，從街弄小巷到繁華商場，從近郊山區到臨海河堤，拼湊出不同面向的印象台北。在此藝術家以感性眼光，重現自身對於台北的五感印象。

01. 大岩奧斯卡〈光兔現蹤〉

大岩奧斯卡在某次造訪巴黎的旅程中，發現傍晚的戴高樂機場跑道上有數百隻野兔，當一些野兔跳起來的時候，有一瞬間它們會發亮。這壯觀的畫面震撼了大岩奧斯卡，回到工作室後，他創造了一個叫「光兔」的角色。正巧2023年是曆法中的兔年，首次親自來臺參展的大岩奧斯卡，以光兔為作品主題展出〈光兔現蹤〉，透過光兔仰望地球上的大型城市，表現出臺北也是地球村上的一員，充滿國際性、現代性的特性。

02. 黑川互動媒體藝術 x 山影藝術實驗所〈城市光點〉

城市的街角是與社會最直接的連結，商店與行人、影像與聲響，藝術之光進駐發亮。〈城市光點〉討論光與數據、建築空間之間的互動演譯，光在空間中是城市與藝術間的連結、碰撞，也能有真實與虛擬交界的結合，在5分鐘的燈光節目中，音樂也結合城市聲響、車水馬龍等元素，是能與燈光同步的音像表演藝術。

03. 辛綺〈北回光線〉

臺北是座「光」的城市，各式各樣的路燈、招牌，都努力的想照出點什麼；即使是小小巷弄的角落，也常常亮的不可思議。那彷彿恆久的光明，充滿了文明的自豪和自信，猶如光的家鄉。而〈北回光線〉講的是光之生命的回歸。我們都想要踏上探險的旅程，往四處去漂泊遊蕩，像是光的生態系，吸收所有溫暖的力量、成長茁壯，再帶著生命中所有的細碎痕跡，群游北回，點亮這光之故鄉。

04. 禹禹藝術工作室〈光城〉

連續排列的垂直線性光束與台北城市的大樓群相呼應，繁榮耀眼的華麗景象是台北的印象；向上發展的光束是一種累積，光的切口形塑出山與河的輪廓，大自然在華光的邊上是台北的印象；流轉的人們也如這耀眼的光束，形成圈、成圓的流動穿梭與交疊，圈是多元的和諧存在與力量，圓是360度多面向觀點與聲音，自由、自律、自信、自我是台北的印象。

05. 有電互動〈美好時光〉

兩輛復古腳踏車是時光凝結的動態意象，猶如相視再錯身而過某個瞬間。台北城的交通綿密而繁，科光幻影中光陰荏苒，若如放映機喚出過往的幻影和情懷，那個錯身的懷念和流動城市的風景。右上方停駐在車軸上的鳥，緩速隨著燈光展翅；左上方燈光的動態裝置旋繞如巨輪前進。期待著城市的進步，也握著台北城給予的溫暖，緩緩地牽起我的手在時光隧道中前進。

2023台灣燈會在台北 光展區

展期｜2023年2月5日～2月19日

資料、圖片｜原物創意（攝影：定影影像工作室）、臺北市商業處

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

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_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}