北美館《未來身體：超自然雕塑》！衝擊你對後人類時代的肉身想像

by Carol Chien 2023-02-17

北美館 2023展覽

不論是擁有臃腫上半身、可承受劇烈衝擊的奇特人體，或是捧著水滴魚的悲傷男子，這些曾於網路上掀起話題、擁有深刻記憶點的雕塑作品，現在在北美館都能見到本尊！由德國圖賓根藝術館館長妮可．芙麗茲（Nicole Fritz）發想、德國圖賓根文化交流協會麥斯米蘭．雷澤（Maximilian Letze）共同策劃之《未來身體：超自然雕塑》，匯聚23位（組）國際藝術家、共33件超寫實及寫實雕塑作品，即將衝擊你對後人類時代的人體想像，展期2023年2月18日至6月4日。

萊納・瑪麗亞・馬蒂希克，《生物（系列雕塑選件展示）》，1997–2020，加框橡皮泥及各種材質 _ 橡膠 _ 聚氯乙烯，尺寸依場地而定。圖像由臺北市立美術館提供。

什麼是「超寫實」？

超寫實主義興起於1970年代，多見於繪畫以及雕塑領域，包括起源於紐約、以攝影為基礎的照相寫實主義繪畫，以及能精準複製人體的超寫實雕塑。本展主要聚焦超寫實雕塑領域，透過直觀、貼近現實的擬像，將議題思考包裹進觀者的認知錯覺中，藉以帶動更多的投射和沉浸思考。

至聖，《體內（M1）》，2013，矽膠雕塑、塑膠玻璃、各種材質，197 × 76 × 47公分。圖像由臺北市立美術館提供。

《未來身體：超自然雕塑》著眼於人類世時代的科技發展，如機械義體、擴增實境、人工智慧、基因改造等數位演進與遺傳學工程，將人的身體與科技技術相互結合的「後人類」現象。不僅人體「自然」的定義逐漸模糊，過去僅能在藝術或影視創作中看見的未來想像，也正逐漸實現。藉由展出藝術家所演繹虛實交錯的科幻情境，提出問題——未來的人類會是「誰」或「什麼」？我們將如何定義自身與他者、如何面對嶄新的道德議題？

超活力，《西方神明》，2019，陶瓷、飛機座椅、紡織品，104 × 60 × 130公分。圖像由臺北市立美術館提供。

跟隨四大展區引導，探索人類未來樣貌

本次的四個主題皆有理念重疊而相互對話之處，透過精選展品一起感受吧：

混種人

在〈混種人〉展區，主要探討科技（如基因工程技術等）對人體帶來的可塑性，甚至包含混種生命體的演化概念。

《未來身體：超自然雕塑》展場照：〈混種人〉。圖像由臺北市立美術館提供。

《犬頭》｜山姆・詹克斯（Sam Jinks）

一位將右手置於心上、有著狐狸頭的男子，以毫無防備的姿勢倒臥著，藝術家透過人類和動物的混合形貌以及其肢體語言，細膩捕捉生命百態的脆弱以及共同性。

山姆・詹克斯，《犬頭》，2008，矽膠、人類毛髮、毛皮，30 × 140 × 60公分。圖像由臺北市立美術館提供。

《幼苗》｜派翠西亞・佩奇尼尼（Patricia Piccinini）

與男子互動彷彿親子的「生物」，為人體與樹苗的混合體，藝術家透過既親暱又古怪的氛圍，挑起大眾對基因改造倫理、自然環境的反思與敬意。

派翠西亞・佩奇尼尼，《幼苗》，2020，矽膠、玻璃纖維、毛髮、衣服，201 × 94 × 46公分。圖像由臺北市立美術館提供。

後自然

著眼於大自然如何在基因轉殖與人工科技中被交互挪用，亦傳達人類所帶給環境的破壞性變化及物種的極限。

《未來身體：超自然雕塑》展場照：〈後自然〉。圖像由臺北市立美術館提供。

《古菌機器人：後奇異點與後氣候變化時代的生命形式》｜安娜・杜米楚與艾力克斯・梅伊（Anna Dumitriu & Alex May）

仿作古生菌的微生物樣態，反思若生態系走向崩塌，還有哪些物種可以存活至最後。其創作採用3D列印、微型電腦和感應器等新技術，和展區〈藝術家4.0〉談論科技如何介入創作的概念遙相呼應。

安娜・杜米楚與艾力克斯・梅伊，《古菌機器人：後奇異點與後氣候變化時代的生命形式》，2018，3D列印人工智慧神經網絡水下機器人（聚乳酸、電子零件、樹莓派電腦），40 × 40 公分（機器人尺寸）。圖像由臺北市立美術館提供。

《輓歌》｜派翠西亞・佩奇尼尼（Patricia Piccinini）

水滴魚來自深海，我們所看見的樣貌，其實是因其無法適應劇烈水壓變化而轉變而成的，藝術家藉由男子悲痛地捧著水滴魚，表達人類過度捕撈的環境悲歌。

派翠西亞・佩奇尼尼，《輓歌》，2011，矽膠、玻璃纖維、人類毛髮、衣服，110 × 65 × 60公分。圖像由臺北市立美術館提供。

藝術家4.0

未來的機器人是否得以擁有幻想、直覺等人類獨有的創造性特質，而我們又該如何與之共處與同理？

《未來身體：超自然雕塑》展場照：〈藝術家4.0〉。圖像由臺北市立美術館提供

《無題》｜安德羅・韋庫亞（Andro Wekua）

鋪著粉紅色地毯的房間裡，懸掛著一位面無表情的半機器人女孩，被數位科技淹沒的她，只剩右手稍微抖動，尚存一絲活著的氣息。科技讓我們喪失對環境的感知能力，究竟是機器人像我們？還是我們更像機器人？

安德羅・韋庫亞，《無題》，2014，假髮、矽膠、蠟、高分子石膏、聚胺酯泡棉、鋼材、玻璃、合成繩索、鋁材鑄件、布料、馬達、電子零件、機械裝置，212.1 × 101.6 × 68.6 cm。圖像由臺北市立美術館提供。

《邏輯癱瘓人心》｜林恩・何許曼・雷森（Lynn Hershman Leeson）

由生化人女性輕聲闡述，她如何在數位調控的時代中，於渴望更貼近人類與畏懼化為數據流中擺盪。藝術家甫獲得第59屆威尼斯雙年展特別獎，而這項受提名的作品也是首次於台灣亮相。

林恩・何許曼・雷森，《邏輯癱瘓人心》，2021，影像裝置，13分35秒。圖像由臺北市立美術館提供。

科技、人類、變體

反詰各種科技和數位轉型的發展交合之間、對於人類生活內在—外在、心理—生理層面的影響。

《未來身體：超自然雕塑》展場照：〈科技人類變體〉。圖像由臺北市立美術館提供

《葛拉姆》｜派翠西亞・佩奇尼尼（Patricia Piccinini）

由藝術家與墨爾本醫院的創傷外科醫生共同創作，模擬能承受車禍等致命衝擊的人類構造，例如結構加大的頭骨結構、類似安全氣囊的軀幹、粗糙化的皮膚和去除頸部等特徵，試圖以科技重塑我們存在，卻也反映人體在無常中的脆弱程度。

派翠西亞・佩奇尼尼，《葛拉姆》，2016，矽膠、玻璃纖維、人類毛髮、衣服、水泥，140 × 120 × 170 公分。圖像由臺北市立美術館提供。

《演員III之3》｜伊薩・根澤肯（Isa Genzken）

本作品由一系列身穿日常配件、服飾與電子音樂等次文化元素的假人雕塑組成，觀眾可把自己想像為其中一員，思索當代消費社會下的片段化身分認同。

伊薩・根澤肯，《演員III之3》，2015，9個假人、混合媒材，196 × 275 × 268公分。圖像由臺北市立美術館提供。

《野蠻人#7（零重力）》｜安娜・烏登伯格（Anna Uddenberg）

扭曲的女性雕塑與行李箱融為一體，誇張變形的人物姿態，呼應社群媒體對於女性「理想形象」的荒誕追求。

安娜・烏登伯格，《野蠻人 #7（零重力）》，2017，玻璃纖維外塗水溶性樹脂、行李箱、水晶指甲、假髮、絎縫人造皮革、羽絨外套、人造皮草、網布、水晶、Ugg雪靴仿品、背包、風箏、仿牛仔褲，108 × 105 × 75公分。圖像由臺北市立美術館提供。

未來身體：超自然雕塑

展期：2023.02.18-2023.06.04

地點：臺北市立美術館2A、2B展覽室

更多展覽及活動資訊歡迎至北美館官網查看。

資料、圖｜臺北市立美術館、各藝術家

忠泰美術館10週年展覽計畫揭曉！藤本壯介建築展8月登場，近距離一探大阪世博「環形大屋頂」局部模型

by La Vie 2026-06-30

忠泰美術館 2026展覽台北展覽藤本壯介

忠泰美術館10週年展覽計畫揭曉！藤本壯介建築展8月登場，近距離一探大阪世博「環形大屋頂」局部模型

2016年創立的忠泰美術館，在今年邁入10週年。而10週年計畫將以「城市策展力」、「國際對話力」與「學習資源建構」為3大核心，並由重量級國際巡迴大展《藤本壯介建築展：原初．未來．森》在今年8月領銜開跑。

忠泰美術館成立10週年

忠泰美術館自2016年開館以來，始終秉持「平台、觸媒、智庫」角色，持續針對「未來議題」、「城市建築」、「當代藝術」3大策展主題提出觀點。10年來，合作對象橫跨歐、美、澳、非、亞洲等地，累計26檔展覽，銜接起「建築」與「城市」的跨領域議題，回應臺灣在跨學科策展領域的缺口。

從歷史思潮的《SOS 拯救混凝土之獸！粗獷主義建築展》、《臺灣建築的解嚴世代》，到引進國際視野的建築大師個展《挑戰—安藤忠雄展》、《創造即生活──愛諾、艾莉莎與阿爾瓦．阿爾托》，對未來生活思辨的《生生LIVES：生命、生存、生活》、《燼光之城──文明之後的迴響》，以及媒合跨領域創作者的《感知現場─建築×藝術跨界展》等實驗性跨界展覽；美術館透過「轉譯」功能，將複雜的都市與未來議題，轉化為公眾可參與的觀展體驗與公共對話。同時，透過「奧夫塞計畫」將藝術與建築美學延伸至企業大廳、公園、商場等日常公共空間中，打破展演場域限制，實踐藝術生活化的公共價值。

忠泰美術館於2025年8月曾推出Alvar Aalto大型回顧展《創造即生活──愛諾、艾莉莎與阿爾瓦．阿爾托》。（圖片提供：忠泰美術館）

2022年在台北登場的「挑戰—安藤忠雄展」，由忠泰美術館聯手安藤忠雄建築展實行委員會共同主辦。（圖片提供：忠泰美術館）

邁向開館10週年，忠泰美術館以「城市策展力」持續透過展覽研究、國際合作與公共對話，轉譯城市與未來議題。10週年計畫將由3檔指標性展覽領航：

《藤本壯介建築展：原初．未來．森》8月開展

10週年計畫將由今年8/15開展的《藤本壯介建築展：原初．未來．森》揭幕。忠泰美術館與日本森美術館跨國聯手，將東京大型建築師個展的海外巡迴首站移師臺北。展覽聚焦 2025年大阪．關西萬博精神象徵與主會場「環形大屋頂（大屋根）」的設計總監——藤本壯介30載的創作精華，除了帶來珍貴模型與手稿，更將於建國啤酒廠成品倉庫展出 1：5 的「環形大屋頂」大型局部建築模型。美術館期待透過藤本壯介「建築與自然共融」的哲學，邀大眾共探城市與社會的「未來學」。

十週年計畫將由今年8月15日開展的《藤本壯介建築展：原初．未來．森》揭幕 © Mori Art Museum, Tokyo_ photography by Tayama Tatsuyuki

梳理10年來26檔策展脈絡

2027年3月春季登場的「忠泰美術館十週年展（暫）」由美術館團隊自主策劃，打破編年框架，梳理10年來的26檔策展脈絡，並對應臺灣當代美術館生態進行深度盤點，呈現美術館如何持續以「平台、觸媒、智庫」的角色，回應城市與未來議題的演變。將這場關於時間與毅力，沒有終點的文化長跑，延伸至未來對城市與藝文風景的想像。

OMA建築展2027年登場

2027年8月推出「OMA建築展（暫）」，將是全球頂尖建築事務所 OMA*AMO（大都會建築事務所）首度在臺灣舉辦研究型展覽。聚焦文化資產、未來建築與都市設計的關鍵關係，並邀集國內外學者展開跨國對話，從國際視野回望臺灣城市發展的下一步可能。

2027年推出「OMA建築展（暫）」，將是全球頂尖建築事務所 OMAAMO首度在臺灣舉辦研究型展覽，圖中為Timmerhuis © OMA_ photography by Ossip van Duivenbode

聯手紐約哥大美術館展現臺灣韌性

邁向下一個10年，忠泰美術館將從在地深耕轉向國際對話，2027年將首度赴美策辦臺灣當代藝術家聯展《流變家園（暫）》。獲文化部「黑潮計畫」支持，美術館將聯手紐約哥倫比亞大學米里亞姆與艾拉．D．瓦拉赫美術館（Miriam and Ira D. Wallach Art Gallery, Columbia University），由總監黃姍姍與瓦拉赫美術館總監暨首席策展人 Betti-Sue Hertz 共同策劃。展覽邀請10位臺灣重要當代藝術家參與，以「無常」與「變動」為核心思考，展現臺灣在地緣政治與自然災害的雙重脆弱處境中，依然蓬勃的韌性與文化生命力，開啟與國際藝壇的深度對話。

十年能量轉化為公共智庫

忠泰美術館同時也將累積10年的文化能量轉化為可長期共享的學習資源，從出版研究與人才培育兩大面向深耕。美術館計畫出版《臺灣建築的解嚴世代》展覽專輯，深度爬梳1980 至 2010 年間臺灣建築的劇烈變遷。這不僅是一份時代文獻，更透過回看時代與個人的關係，為讀者建構出理解臺灣建築多元發展的重要初步脈絡。另一個規劃中的「忠泰美術館十週年專刊」，將以「文化馬拉松」比喻十年來持續前進的姿態。內容從城市、建築、藝術與未來4大面向出發，述說美術館從建立定位到接軌國際的進化歷程；並匯聚跨領域專業視角，討論當代趨勢與新型態美術館等前瞻議題，思考下一個10年的文化實踐路徑。

忠泰美術館也宣布啟動「忠泰建築學院：建築策展人才培育計畫」，預計在下一個10年，建立跨國串聯學術與專業資源的平台，推動「建築、都市與空間文化」的策展研究與實踐，規劃長期性的策展人學習培育計畫。

_{資料提供｜忠泰美術館、文字整理｜Adela Cheng}

百年歷史「台東舊站」迎新生！格式結合嶄新品牌視覺、飲食和展覽，將舊車站改造為文化新月台

by Izzie Pang 2026-06-29

2026展覽台東台鐵

曾見證台東城鎮發展的「台東舊站」，2001年退役後進入漫長的轉型歲月，如今適逢2026台東博覽會，迎新品牌「台東線 TAITUNG Line」滿血復活！由格式設計策劃的「台東線 TAITUNG Line」，從品牌識別到空間規劃，融視覺設計、聲音和飲食，將舊車站轉化為一處與歷史記憶共生的嶄新文化體驗場域。

百年歷史「台東舊站」迎新生！2026台東博覽會為契機，格式將舊車站改造為文化新月台 — （圖片提供：格式設計）

台東舊站20年漫漫轉型之路

2001年台東舊站走入歷史後，鐵道交通運輸重心轉移至台東新站，20年來舊站歷經漫長轉型，鐵道藝術村、台東轉運站皆短暫為此注入活水，然而少了人流的驛站，終究逐漸被遺落在人們的日常之外，僅存記憶之中。2021年，台東市政府推動「台東舊站特區城市願景形象計畫」，以重新整合、定位車站空間為目標，讓車站再次迎來新生契機。

帶著新品牌「台東線 TAITUNG Line」回歸

以「文化新月台」為理念，由格式設計提出的「台東線 TAITUNG Line」計畫，從台東鐵道歷史出發，運用大量鐵道元素作為設計語彙，復刻在地人記憶中的車站場景，同時結合當代設計，邀集各方職人跨界參與，為車站延展出品牌展售、鐵道遺構索引、常設展與休憩體驗機能。

品牌識別融入台鐵車票、站點意象

興建於日治時期的台東線，行經整座花東縱谷平原，往返花蓮、台東兩地，縱向鐵路軌跡綿延。格式設計操刀「台東線 TAITUNG Line」品牌識別，便由台東線鐵道軌跡取材，重新轉譯各種鐵道元素如：箭頭、車票剪孔、站點符號，巧妙將它們組構成象徵「TAITUNG」的字母「T」。

識別中，箭頭指向東方，呼應台東在台灣島上的地理方位，也象徵舊站持續向前，開啟新旅程。有趣的是，識別系統可持續向東延展，串聯不同節點，象徵臺東舊站從交通樞紐蛻變為串聯文化與生活新起點。

色彩靈感則來自台鐵經典的車站燈箱，格式取紅、藍雙色作為品牌主色。字體也延續了早期車站的招牌風格，展現百年車站的歷史底蘊。

「台東線 TAITUNG Line」7大亮點一次看！

01. 品牌中心｜車站新入口

作為車站的新入口，設置了長達36公尺的LED跑馬燈，成為臺東舊站標誌性的新門面。這裡除了向訪客介紹「台東線 TAITUNG Line」新品牌，也提供飛盤、風箏等特色商品展售與租借服務，另有鐵道遺構導覽，引導民眾從室內走向戶外，重新認識散落舊站周邊的歷史場景。若仔細留意，可見服務人員由台灣機能服飾品牌oqLiq訂製的制服，胸前紅藍「台東線 TAITUNG Line」標誌亦回應著品牌精神。