2023北美館展覽總整理！「一一重構：楊德昌」呈現創作軌跡、瑞士攝影大師勒內．布里回顧個展等必看亮點

臺北市立美術館（北美館）宣布2023年度重點計畫，展覽規畫囊括北美館策劃的兩檔旗艦展覽：「一一重構：楊德昌」與第13屆台北雙年展、7檔臺灣各世代藝術家個展，以及3檔國際合作展。另為迎接北美館40周年慶，館方亦推出數項特別企畫：向大眾分享文獻與典藏資料庫建置成果；發表促進藝術創生的新型態網絡平臺；召開研討會邀請大家開放討論北美館的下一階段。

年度旗艦展覽：「一一重構：楊德昌」與第13屆台北雙年展

一一重構：楊德昌｜2023.07.22－2023.10.22 【一樓1A、1B展覽室】

展覽由臺北市立美術館與國家電影及視聽文化中心共同主辦，王俊傑館長與國立臺北藝術大學孫松榮教授共同擔任策展人，歷經三年時間由團隊整理與研究楊德昌導演遺留下來各式手稿、文件與檔案，一方面透過五個轉化楊氏創作核心題旨的主題展間，體現這位臺灣導演獨樹一幟的美學精神；另一方面，則結合已故導演彌足珍貴的文物檔案，首次公布於眾。作為臺灣新電影運動開創者之一的楊德昌，其作品對於都市再現、性別權力、政治反思、歷史暴力、社會變遷及多重媒介有著超越時代的洞察力與批判視域，為臺灣電影留下難以被取代的資產。將楊德昌電影世界帶入美術館展陳，乃是對於其名作展開共時性的影音造形，讓觀眾沉浸於電影世界，展開視聽感受。

同時，就歷時性的展映佈局而言，觀眾既會看見也會聽見導演交匯著生命經驗與創作生涯的種種驚艷瞬間。此外，楊德昌在劇情長片之外的許多重要作品，包括四部劇作（《如果》、《成長季節》、《九哥與老七》、《李爾王》）、動畫遺作《追風》及各種手稿等，也計劃在展覽中重現其迷人神采，完滿導演畢生創作軌跡與思想藍圖。展覽開幕時將舉辦國際論壇，展期間國家電影及視聽文化中心將同步舉辦楊德昌電影回顧影展。

2023第13屆台北雙年展｜2023.11.18-2024.03.24【地下樓、一樓、二樓】

展覽由臺灣策展人周安曼（Freya Chou），作家、編輯與教育推廣者穆柏安（Brian Kuan Wood），以及策展人莉姆．夏迪德（Reem Shadid）共同策劃，三人團隊共同製作與創造、有機協作的策展方法學，期能捲動知識與記憶的反芻與再生產，為台北雙年展帶來新的動能。第13屆台北雙年展將以展覽、音樂表演、駐地研究與創作、工作坊等各種敘事及體驗形式的公眾計畫為基礎，聚焦在大型產業外的不同世界，探索日常生活和生存的壓力是如何在超高性能現代機制上翻轉尺度；使尺度經驗複雜化、讓感知處於恆常波動。本屆雙年展希望能帶領觀眾一同重新發現，並訴說某種抒情生命及創造的可能。

臺灣前輩藝術家個展與新生代創作實踐

「何德來回顧展」、「生活決定意識：高重黎」、2020臺北美術獎首獎張碩尹個展「BODO」，以及4檔藝術家個展，北美館將展呈從前輩至新生代藝術家、跨越不同世代的創作！

何德來回顧展｜2023.07.08－2023.10.22 【二樓2A、2B展覽室】

何德來（1904-1986）是日治時期於官展系統之外，另闢個人藝術創作道路的重要藝術家之一。幼時居於新竹苗栗地區，求學期間曾於臺、日兩地學校就讀。平生主要居住生活於日本東京。1927年考入東京美術學校，隨和田英作習畫。畢業後投入推廣繪畫、發展個人創作。何德來對藝術充滿熱情，曾加入七星畫壇、參與共組「赤島社」、「新竹美術研究會」。1958年起擔任日本在野藝術團體「新構造社」重要運營委員至辭世，亦參與「佳德會」、「飛鳥會」等藝術團體，致力推廣繪畫、提攜後進。

何德來的作品真率展現對生命的思考，透過短詩和繪畫創作，表達對造化自然的觀察領悟、對至親摯愛的深情厚意，以及對人類社會廣博的省思關懷。本展梳理藝術家畢生作品，展出各時期部分代表作，結合書法、水彩、素描、短詩、筆記、手稿，期能立體而完整地呈現藝術家開拓個人藝術道路的歷程。

生活決定意識：高重黎｜2023.03.25－2023.06.25 【一樓1A展覽室】

展覽由李威儀策劃，探討感知、影像與歷史的生產活動。透過呈現藝術家的全新創作與系列作品——自1983年起陸續發表的《ASA的N次方》、「光化學機械式活動影像裝置」、「幻燈簡報電影」、「物像書」、「時間的位置」，乃至雕塑、圖像、物件與檔案等，回應第二次工業革命至今的現代性歷程，以及控制社會下形成的集體制約。藉由考掘結合時間流與意識流的影音機器，在顯現我等自身與技術產物的歷史性失聯中，嘗試重新發明現實，創造自身感知、記憶與圖像的生產條件。展名引自馬克思（Karl Marx）與恩格斯（Friedrich Engels）合著《德意志意識形態》（Die deutsche Ideologie）的關鍵名句，反映了藝術家聚焦在唯物史觀下的批判論題——對於影音工業生產與自體感知經驗的鬥爭，以及對於「物」的成像史之關注。

臺北美術獎2020年首獎展 BODO—張碩尹個展｜2023.03.11－2023.06.04【地下樓E、F展覽室】

本展展名來自黃明川導演於1993年執導的《寶島大夢》，如同電影中所刻畫的怪誕夢境與虛實交錯的性慾，藝術家張碩尹從個人經驗出發，描寫其海軍陸戰隊軍旅中，處在熱帶叢林中男性世界裡的奇想、慾望、與暴力，藝術家並藉此探討所謂「男人」之抽象概念、如何在迷彩服與殺人工具中一步步操演而成為一社會真實。展覽結合現地製作、多重敘事、互動科技、與多頻道聲音，將美術館轉換成一混合現實與虛擬的自動劇場，在其中，觀眾所行走之路線、所做之選擇都將影響故事之進行，在此複雜的多線故事當中，觀眾如同一場「角色扮演遊戲」的參與者，每個人之觀看經驗都因其在冒險路徑上的選擇，而成為獨特、彼此不同的存在。

TFAM年度個展：王耀億、施懿珊、張永達、饒加恩｜2023.07.15－2023.10.08 【三樓3A、3B展覽室】

王耀億個展「最後一人、越南士兵、遊客、阿遠、獵人和遊手好閒者」由六件錄像組成，主題圍繞冷戰離散與全球化移動的家族史，利用擱淺於戰爭回憶、國家圖幟、臺灣新電影等集體潛意識和個人記憶，成為建構自我認同的關鍵。施懿珊個展「數位孿生技術下的未來判罰形式」透過一套架空於近未來世界的判罰程序、一個與機器共治的介面，以及藝術行為與藝術行動參與，來達成相關議題探討。張永達個展「Without Composing」嘗試釋出創作者對作品的絕對控制權，任由來自宇宙中的無形放射性粒子，以無法預測的方式運動與衰變，形成人工智慧的電腦程式所無法比擬的隨機，藉此探討隨機的真正本質。饒加恩個展「勞道爾收藏」延續與人類動物園文獻收藏者克雷蒙‧勞道爾（Clemens Radauer）的合作，重建關於影像、展示機制與發言權的敘事架構。本次個展以英國、維也納、日本、臺灣的帝國遺留物出發，使之與今日的日常相互對話。

三檔國際合作展，囊括攝影、錄像裝置、雕塑

2023年北美館亦帶來三檔國際合作展：瑞士攝影大師勒內．布里（René Burri）回顧個展、比利時錄像裝置藝術家大衛．克拉耶伯（David Claerbout）個展，以及主題展覽「未來身體：超自然雕塑」。

勒內．布里：視覺爆炸｜2023.03.18－2023.06.18 【三樓3A、3B展覽室】

瑞士攝影大師、馬格蘭攝影通訊社成員勒內．布里（René Burri），為當代最具影響力的攝影師之一。無論是在古巴拍下了革命領袖切．格瓦拉（Ernesto Guevara）叼著雪茄的標誌性照片，抑或是 1957 年和畢卡索相遇為他拍下了紀念性的系列肖像，又或是紀錄 1960 年代起步建設的巴西首都巴西利亞及同時期的中國北京，布里皆以黑白影像展現了視覺的政治性以及二十世紀的重大文化事件。展覽除呈現多張他的經典作品外，更加入了許多來自洛桑艾麗舍攝影博物館（Photo Elysée）、布里基金會（Burri Foundation），以及巴黎與紐約馬格蘭攝影通訊社中的檔案文件，試圖翻轉以事件或作品內容為主體之影像展出，而是讓攝影家個人成為論述中心、事件的匯聚點，期能為當代觀者提供一個全新的觀看視角。本展預計展出500餘件作品與文件檔案，包含原版古董照片、印樣、筆記、素描、書籍、書信等。

大衛．克拉耶伯個展｜2023.04.01－2023.06.25 【一樓1B展覽室】

錄像裝置藝術家大衛．克拉耶伯（David Claerbout）1969年出生於比利時科瑞克（Kortfijk），畢業於安特衛普皇家藝術學院（Royal Academy of Fine Arts in Antwerp）及阿姆斯特丹皇家視覺藝術學院（Rijksakademie van Beeldende Kunsten）。克拉耶伯最初接受的是繪畫訓練，以其結合攝影、錄像、聲音及數位技術之創作聞名。透過對於動態和靜態、時間和速度以及聲音的操控與實驗，鬆動傳統視覺媒介界線，在其影像畫面中挹注多層次的時間性。克拉耶伯曾參與2004年台北雙年展展出，本次個展精選呈現自1996年以來創作之大型錄像作品，搭配系列繪畫手稿，運用展場獨特挑高空間，建構有別以往的觀展體驗。  

未來身體：超自然雕塑｜2023.02.18－2023.06.04【二樓2A、2B展覽室】

本展覽探討人類世時代裡人體的未來；生物基因在未來科技發展之下，人類得以對所有生物進行存在性修正。身體在未來將會是什麼型態？我們將會是「誰」或者是「什麼」？而我們又將生活在什麼樣環境之中？展覽透過超寫實與寫實雕塑作品，針對上述疑問，提出可能的答案。創新的科技對於現代雕塑影響甚鉅，藝術家透過3D 列印技術完善製作過程，將雕塑創作界線擴展至機器人和生物合成技術層面，藝術家藉此打開人工製品、生物和科技上擴展新設計的可能性。這些具有前瞻性的作品不僅應證了數位演進和基因工程在「後人類」和環境上的影響，同時也說明這些混合性創作，是如何日漸模糊自然、科學與文化之間的界線。本次展覽共分為、「混種人」、「後自然」、「藝術家4.0」及「科技 人類 變體」四大主題，分別探討混種生命體、基因轉殖生物、未來人類與機器人及科技對生活的影響等議題。

北美館40周年慶特別企畫，分享歷年積累、激盪前瞻視野

迎接40周年慶，北美館將推出經多年建置的線上資料庫與藝術家主題網頁，與大眾分享豐碩的工作成果；同時，為呼應未來北美館新館朝向新類型跨域或混種藝術創生的平臺角色，將啟動新型態網絡計畫；此外，將與中華民國博物館學會合辦國際研討會，共同激盪北美館的下一個想像與動向。

推線上資料庫與藝術家主題網頁

北美館開館以來積累各種刻劃當代藝術發展脈絡與軌跡的珍貴文獻與檔案，館方首先針對開館前10年規劃建置「1983-1994展覽資料庫」，將當時所執行的展覽、研究與教育推廣活動等相關檔案進行數位化，總計10年來共辦理665項展覽，呈現北美館走過營運摸索期，逐步實現成為「現當代美術館」的歷程。繼7月的何德來回顧展後，12月亦將推出「藝術家特藏：何德來」主題網頁，將家屬何騰鯨所捐贈的藝術家畢生創作百餘件作品，以及另一批甚少曝光的書法、素描、版畫，以及筆記、書信等文獻資料，進行數位化與資料詮釋綜整，讓大眾深入且全面地閱讀這位獨特藝術家，其生命歷程、生死觀與藝術創造的共振，以提供臺灣藝術史更多元的研究視角。

啟動新型態網絡計畫

新型態網絡計畫「TFAM NET.OPEN」為跨類型藝術作品的線上展出平臺，配合不定期的虛擬與實體系列公眾活動，來回應當代科技社會對實體空間以外的想像。此計畫以「Net and networking」的概念為核心，不僅開放性地涵蓋各類創作領域以對應不斷變革進化的網絡生態，也藉此深化美術館與其他策展人及藝術機構之間的共創合作，首波預計邀請數位領域的國際策展人策劃。「美術館新視野：臺北市立美術館40週年國際研討會」預計於2023年10月4日至6日舉辦，針對當代美術館所面臨的挑戰與契機，以三大主題進行討論：「美術館與觀眾：少子女化與高齡化社會帶來的挑戰」、「美術館與區域再造」、「美術館與城市意象」。目前已開放徵稿，預計於2023年3月31日截止，詳細資料與相關說明請參考北美館官網活動網頁。

資料提供｜北美館

文字整理｜Adela Cheng

呼應夏日的燠熱暑氣，綠美圖之臺中市立美術館（中美館）推出《熱暑人》特展，展期自5月中旬延伸至8月底，在台灣烈日炎炎的時節，以「熱／暑的文化和當代藝術」為主軸，匯聚來自16國的33組藝術家，透過繪畫、雕塑、錄像、聲音裝置等媒介，展演熱帶氣候如何影響人們的生活和身體感受。

3國聯合呈獻「熱文化」的多元面向

《熱暑人》是中美館開館以來首次串聯國際館舍的展覽，由台灣、菲律賓、巴拿馬3國機構聯手呈獻。展覽以台中作為首站，後巡迴至菲律賓、巴拿馬，並結合國際駐村計畫，邀國外藝術家來台駐地創作，勾勒出台中與其他熱帶地域的關聯，邀觀者以藝術為窗口，發掘熱帶國家與「熱文化」的多元面向。

展覽內容涵納熱帶醫學史、民俗療法、氣候地理、跨域文化等面向，回應「熱」如何在日常身體感受與殖民歷史脈絡中被理解與建構，並在不同文化與生態環境中，衍生出多樣的生命經驗與藝術表達。回應策展命題，參展藝術家透過田野調查與跨地域研究，以氣候、身體、記憶與自然為關鍵線索，描繪台灣與熱帶國家之間彼此呼應的生活圖譜。

《熱暑人》亮點作品搶先看！

▌台灣在地的熱暑記憶

《熱暑人》回扣台灣在地文化記憶，展出中美館典藏的王守英油畫〈夏日時光〉、廖瑞芬膠彩作品〈夏晨〉，透過畫作對光線、空氣與時間的細膩描繪，再現台灣夏日的日常景象與身體感受。這2件作品不僅呈現燠熱氣候下的生活樣態，也讓「熱」成為一種帶有情感溫度的記憶媒介，令觀者憶起與暑氣共度的生活片段。

▌在暑氣之中，聽見社會的節奏

在國際藝壇享有高知名度的巴拿馬藝術家Donna Conlon與Jonathan Harker，這次帶來〈熱帶鋅鳴曲〉及〈飲酒歌〉2件錄像作品，取材自巴拿馬日常物件與街頭聲響，透過節奏編排與幽默的視覺轉化，將日常轉化為對國族認同、身份與集體經驗的隱喻，呈現「熱」如何滲透於生活細節之中，並成為築起社會結構的線索。

▌用藝術表達「與熱共處」的生活知識

藝術家也從身處熱帶與亞熱帶地區的生活經驗出發，展現「與熱共處」如何成為一種順應自然、且深植於文化之中的實踐與知識系統。

巴拿馬藝術家Andrea Santos的〈太陽雨〉系列作品，透過錄像、繪畫與雕塑方式呈現，轉化加勒比海與拉丁美洲流傳的諺語：「太陽雨，是老太婆談戀愛！」在陽光與雨水同時存在的矛盾情境中，構築魔幻的視覺語言，並延伸出對身份認同、情感投射與土地關係的想像。

菲律賓藝術家Costantino Zicarelli經常結合史實與虛構，反思神話、身分與文化記憶的建構。這次展出的油畫作品，將菲律賓熱帶叢林的自然紋理，與影像製作中的「綠幕」機制並置，呈現方式呼應在地電影工業的綠幕概念。

▌氣候變遷，熱成了全球共同面對的現實

當氣候暖化帶來的衝擊逐一影響全球時，「熱」也從個體身體的感知，轉變為當代社會共同面對的環境現實。南方國家長期發展的避暑與解熱方式，不僅回應環境條件，也蘊含面對環境壓力時的生命韌性。

台灣藝術家蔡宗祐以獨特的當代水墨風格呈現〈拔罐圖〉、〈刮痧圖〉及〈針灸圖〉，表現應對中暑的民俗療法，描繪令台灣人會心一笑的「背部圖騰」，使身體成為文化書寫的載體。

設置於綠美圖大廳的作品〈It’s too late to give up〉出自克羅埃西亞藝術家Neli Ružić，她為台灣特別設計中文版燈光文字作品〈來不及放棄〉，其作品名原文被翻譯成多種語言，透過光讓一句文字在公共空間中形成可被理解的訊號，既指涉當代社會的壓力與臨界狀態，也隱含保有力量、繼續前行的希望。

▌熱竟也影響殖民歷史、地緣政治？

展覽也進一步觸及「熱」與殖民歷史及地緣政治之間的關係。台灣、菲律賓與巴拿馬都曾經歷殖民統治，殖民政權所引發的政治衝突，以及以利益為導向發展的「熱帶醫學」，在當前全球地緣局勢變動之際，透過歷史文獻與當代影像的並置，提供觀眾重新理解歷史並反思當代議題的契機。

策展團隊特別與國家攝影文化中心、台大醫院合作，展出醫療防疫史上珍貴的儀器與影像，揭示「熱帶醫學」在公共衛生發展與殖民治理之間的雙重角色。

以紀實攝影關注社會的台灣藝術家張乾琦，隻身前往坦尚尼亞，於混亂危險的現場拍攝錄像作品〈邦戈熱〉，記錄當地毒品氾濫及傳染病問題，呈現「熱」在社會失序與生存壓力的意涵。

邱子晏的錄像作品〈高砂深山鍬形蟲〉，回望日本殖民時期的科學研究與知識建構，揭示其中隱含的權力關係與意識形態，映照台灣在歷史轉換中，身份拉扯的矛盾。

葉忠宜以「熱扭曲影像」為主軸設計主視覺

展覽主視覺由設計師葉忠宜操刀，畫面呈現熱擾流造成的熱扭曲影像，像是滾水蒸氣、炎夏模糊街景、海市蜃樓……各種日常熱感的物理表徵。視覺概念直觀地以紅色熱浪為主題，搭配冷藍底色形成強烈冷暖對比，讓扭曲光影更具層次和深度，引導觀者藉此感受熱暑的體感晃動。

從台中出發，連結世界的藝術行動

《熱暑人》不僅是一檔展覽，更是一項跨國藝術行動。本展推動2組國際駐村計畫，邀請國外藝術家深入台中在地進行創作：菲律賓藝術家Corinne de San Jose與東海大學合作，從城市環境聲音出發，建構與地方節奏相關的聲音作品；瓜地馬拉藝術家Edgar Calel則與台中在地鯉魚藝廊合作，呈現瑪雅文化與傳統儀式，使文化記憶在跨地域的交流中重新被感知與理解。

《熱暑人》

展期｜2026.05.13－08.30

地點｜綠美圖 臺中市立美術館

門票資訊｜全票100元／臺中市民、兒童及樂齡族群享優惠票50元

20世紀初期，日本心理學者福來友吉展開「念寫」實驗，聲稱具備「超能力」的人經由引導，能將心中所想的影像和文字，顯影於攝影底片。1931年，他藉「念寫」在現代觀測技術還未誕生的情況下，拍下了「月球背面」的影像。這場實驗固然充滿爭議，卻也反映了在技術有限的時代，人類對於「遠距感知」和「心靈潛能」的無盡想像。

以福來友吉的「念寫」實驗為起點，北師美術館即日起至6/28推出《遙視》展覽，由獨立策展人柯念璞策劃，集結來自世界各地的藝術家與歷史檔案，從錄像裝置到心理學圖像，探問一個看似簡單、卻也難以回答的問題：人類如何看見遠方？又是如何相信自己所看見的？

什麼是「遙視」？

在當代社會，透過網路與影像科技，我們幾乎可以即時「感知遠方」；然而《遙視》將視角拉回20世紀初，探討在電視、網路還沒出現以前，人類如何想像「看見遠方」的能力。展名「遙視」一詞源自20世紀後期的超心理學與軍事研究，意指人類不依賴科技而感知遠方的能力。

從看見人類對於「可見之外」的多重想像

展覽從福來友吉的「念寫」實驗出發，將「遙視」概念從20世紀後期的歷史向前追溯，探索與其相關、更長時間的文化脈絡，從催眠、通靈、夢境到思維攝影（thoughtography），帶出一系列介於科學、心理學、神秘學之間的影像實驗和實踐，從而體現不同文化中對於「超出可見」之領域的多重想像。這些實踐不僅涉及個人的感知經驗，也反映出心理如何被理解、訓練，甚至被制度化與操控。

盤點《遙視》10件亮點作品

《遙視》開場以一系列歷史檔案構成，包括福來友吉及「念寫」實驗參與者所留下的影像、文獻與攝影資料，勾勒出20世紀初跨越日本、歐美的心理學與靈學研究網絡。這些材料與當代藝術作品交織呈現，使「藝術家」不再僅限於當代創作者，也涵納歷史中的「創意實踐者」，形成跨時代的對話關係。

當代錄像先驅——美國藝術家Tony Oursler，回應《遙視》策展脈絡，並延續自身對美國反主流文化史的關注，展出全新裝置作品《第三眼》。作品讓曾參與美國CIA「星門計畫」的藝術家兼遙視者Ingo Swann之故事，與福來友吉的歷史檔案展開對話，將「遙視」轉化為一場關於視覺意識的角力。

觀念藝術家Susan Hiller的聲音影像裝置《回響（紅外線）》探究宇宙現象的聲化資料與夢境實驗的聲音敘事。

Jeremy Shaw的《臨界者》以1970年代「真實電影（cinema verité）」的影像語彙拍攝，將信念置入一套身體技術的框架之中，追問信仰在技術化的未來將以何種形式回返。

志賀理江子歷時3年蹲點拍攝的影像作品《螺旋海岸》，顯影了日本東北沿海城鎮311海嘯後，當地居民的災後心理景象。

美國視覺藝術家Sky Hopinka以輓歌式的蒙太奇影像，悼念美國原住民詩人Diane Burns，將檔案影像、地景與歌聲編織為對死亡與再生的冥想。

泰國電影導演Apichatpong Weerasethakul以1981年泰國電影《空眼之鬼》故事為底本，讓作品透過雙重投影穿過玻璃結構，使影像如同無主的靈光漂移至空間裡，彷彿在尋覓一具由光構成的身體。

許哲瑜與陳琬尹的《災變論》置身於由鑑識學與掃描技術塑造的反烏托邦動畫場景，檢視在生態與地緣政治危機加劇之際，理性如何被建構、被動員，並在災難語境中重新成形。

2026年參與威尼斯美術雙年展芬蘭館的藝術家Jenna Sutela，將人工智慧、語言與微生物的運動轉化為一套「通靈」系統——聲音與影像共同提出一種既非完全的人類，也非完全的異物在邊界之間生成的語言。

美國藝術家Trevor Paglen的《多蒂》透過訪談形式，揭示假訊息與心理操作如何被製造與傳播，指出現實往往是在制度化敘事中被不斷重寫。

新加坡藝術家何子彥的錄像裝置《絕境旅館》以大正時期旅館「喜樂亭」的幽影記憶為起點，透過蒙太奇重構一座「心理建築」，召回戰間期與戰時日本糾纏的角色群像，呈現意識形態如何潛藏於日常空間之中，使過去以另一種形式持續影響當下。

催眠、實驗、神秘學⋯⋯如何成為創造性思考的場域？

策展人柯念璞指出，《遙視》的意圖並不是要驗證這些現象的真實性，而是回到歷史語境中，重新理解這些實驗如何作為一種「創造性思考」的場域，開啟對人類意識和感知能力的探索；同時提出一個更貼近當代的問題：在影像與資訊充斥的時代，我們所看見的，究竟有多少是被媒介與系統所塑造？不妨親訪展覽，感受「遙視」作為思考和創造能力的力道，及其背後蘊藏的權力結構。

《遙視 Remote Viewing》 

展期｜2026.04.18－06.28

展場｜北師美術館（台北市大安區和平東路二段134號）