2023北美館展覽總整理!「一一重構:楊德昌」呈現創作軌跡、瑞士攝影大師勒內.布里回顧個展等必看亮點

2023北美館必看展覽總整理!「一一重構:楊德昌」呈現導演創作軌跡、瑞士攝影大師勒內.布里回顧個展

臺北市立美術館(北美館)宣布2023年度重點計畫,展覽規畫囊括北美館策劃的兩檔旗艦展覽:「一一重構:楊德昌」與第13屆台北雙年展、7檔臺灣各世代藝術家個展,以及3檔國際合作展。另為迎接北美館40周年慶,館方亦推出數項特別企畫:向大眾分享文獻與典藏資料庫建置成果;發表促進藝術創生的新型態網絡平臺;召開研討會邀請大家開放討論北美館的下一階段。

年度旗艦展覽:「一一重構:楊德昌」與第13屆台北雙年展

一一重構:楊德昌|2023.07.22-2023.10.22 【一樓1A、1B展覽室】

展覽由臺北市立美術館與國家電影及視聽文化中心共同主辦,王俊傑館長與國立臺北藝術大學孫松榮教授共同擔任策展人,歷經三年時間由團隊整理與研究楊德昌導演遺留下來各式手稿、文件與檔案,一方面透過五個轉化楊氏創作核心題旨的主題展間,體現這位臺灣導演獨樹一幟的美學精神;另一方面,則結合已故導演彌足珍貴的文物檔案,首次公布於眾。作為臺灣新電影運動開創者之一的楊德昌,其作品對於都市再現、性別權力、政治反思、歷史暴力、社會變遷及多重媒介有著超越時代的洞察力與批判視域,為臺灣電影留下難以被取代的資產。將楊德昌電影世界帶入美術館展陳,乃是對於其名作展開共時性的影音造形,讓觀眾沉浸於電影世界,展開視聽感受。

小檔北美館2023展覽2《海灘的一天》工作照,楊德昌於拍攝現場(約於 1982-1983 年)。圖像由國家電影及視聽文化中心提 供。
《海灘的一天》工作照,楊德昌於拍攝現場(約於 1982-1983 年)。圖像由國家電影及視聽文化中心提供。

同時,就歷時性的展映佈局而言,觀眾既會看見也會聽見導演交匯著生命經驗與創作生涯的種種驚艷瞬間。此外,楊德昌在劇情長片之外的許多重要作品,包括四部劇作(《如果》、《成長季節》、《九哥與老七》、《李爾王》)、動畫遺作《追風》及各種手稿等,也計劃在展覽中重現其迷人神采,完滿導演畢生創作軌跡與思想藍圖。展覽開幕時將舉辦國際論壇,展期間國家電影及視聽文化中心將同步舉辦楊德昌電影回顧影展。

小檔北美館2023展覽4《獨立時代》工作照,楊德昌於拍攝現場(約於 1994 年)。圖像由國家電影及視聽文化中心提供。
《獨立時代》工作照,楊德昌於拍攝現場(約於 1994 年)。圖像由國家電影及視聽文化中心提供。 

2023第13屆台北雙年展|2023.11.18-2024.03.24【地下樓、一樓、二樓】

展覽由臺灣策展人周安曼(Freya Chou),作家、編輯與教育推廣者穆柏安(Brian Kuan Wood),以及策展人莉姆.夏迪德(Reem Shadid)共同策劃,三人團隊共同製作與創造、有機協作的策展方法學,期能捲動知識與記憶的反芻與再生產,為台北雙年展帶來新的動能。第13屆台北雙年展將以展覽、音樂表演、駐地研究與創作、工作坊等各種敘事及體驗形式的公眾計畫為基礎,聚焦在大型產業外的不同世界,探索日常生活和生存的壓力是如何在超高性能現代機制上翻轉尺度;使尺度經驗複雜化、讓感知處於恆常波動。本屆雙年展希望能帶領觀眾一同重新發現,並訴說某種抒情生命及創造的可能。

臺灣前輩藝術家個展與新生代創作實踐

「何德來回顧展」、「生活決定意識:高重黎」、2020臺北美術獎首獎張碩尹個展「BODO」,以及4檔藝術家個展,北美館將展呈從前輩至新生代藝術家、跨越不同世代的創作!

何德來回顧展|2023.07.08-2023.10.22 【二樓2A、2B展覽室】

何德來(1904-1986)是日治時期於官展系統之外,另闢個人藝術創作道路的重要藝術家之一。幼時居於新竹苗栗地區,求學期間曾於臺、日兩地學校就讀。平生主要居住生活於日本東京。1927年考入東京美術學校,隨和田英作習畫。畢業後投入推廣繪畫、發展個人創作。何德來對藝術充滿熱情,曾加入七星畫壇、參與共組「赤島社」、「新竹美術研究會」。1958年起擔任日本在野藝術團體「新構造社」重要運營委員至辭世,亦參與「佳德會」、「飛鳥會」等藝術團體,致力推廣繪畫、提攜後進。

小檔北美館2023展覽5何德來,《父母》,1959,油彩、畫布,130.5 × 194 公  分。臺北市立美術館典藏。
何德來,《父母》,1959,油彩、畫布,130.5 × 194 公分。臺北市立美術館典藏。

何德來的作品真率展現對生命的思考,透過短詩和繪畫創作,表達對造化自然的觀察領悟、對至親摯愛的深情厚意,以及對人類社會廣博的省思關懷。本展梳理藝術家畢生作品,展出各時期部分代表作,結合書法、水彩、素描、短詩、筆記、手稿,期能立體而完整地呈現藝術家開拓個人藝術道路的歷程。

小檔北美館2023展覽6何德來,《終戰》,1950,油彩、畫布,45.5 × 38 公  分。臺北市立美術館典藏。
何德來,《終戰》,1950,油彩、畫布,45.5 × 38 公分。臺北市立美術館典藏。

生活決定意識:高重黎|2023.03.25-2023.06.25 【一樓1A展覽室】

展覽由李威儀策劃,探討感知、影像與歷史的生產活動。透過呈現藝術家的全新創作與系列作品——自1983年起陸續發表的《ASA的N次方》、「光化學機械式活動影像裝置」、「幻燈簡報電影」、「物像書」、「時間的位置」,乃至雕塑、圖像、物件與檔案等,回應第二次工業革命至今的現代性歷程,以及控制社會下形成的集體制約。藉由考掘結合時間流與意識流的影音機器,在顯現我等自身與技術產物的歷史性失聯中,嘗試重新發明現實,創造自身感知、記憶與圖像的生產條件。展名引自馬克思(Karl Marx)與恩格斯(Friedrich Engels)合著《德意志意識形態》(Die deutsche Ideologie)的關鍵名句,反映了藝術家聚焦在唯物史觀下的批判論題——對於影音工業生產與自體感知經驗的鬥爭,以及對於「物」的成像史之關注。

小檔北美館2023展覽7高重黎,《持放映機的人》,2007。圖像由藝術家提 供。
高重黎,《持放映機的人》,2007。圖像由藝術家提供。

臺北美術獎2020年首獎展 BODO—張碩尹個展|2023.03.11-2023.06.04【地下樓E、F展覽室】

本展展名來自黃明川導演於1993年執導的《寶島大夢》,如同電影中所刻畫的怪誕夢境與虛實交錯的性慾,藝術家張碩尹從個人經驗出發,描寫其海軍陸戰隊軍旅中,處在熱帶叢林中男性世界裡的奇想、慾望、與暴力,藝術家並藉此探討所謂「男人」之抽象概念、如何在迷彩服與殺人工具中一步步操演而成為一社會真實。展覽結合現地製作、多重敘事、互動科技、與多頻道聲音,將美術館轉換成一混合現實與虛擬的自動劇場,在其中,觀眾所行走之路線、所做之選擇都將影響故事之進行,在此複雜的多線故事當中,觀眾如同一場「角色扮演遊戲」的參與者,每個人之觀看經驗都因其在冒險路徑上的選擇,而成為獨特、彼此不同的存在。

小檔北美館2023展覽9展覽視覺模擬圖,張碩尹工作室提供。
展覽視覺模擬圖,張碩尹工作室提供。

TFAM年度個展:王耀億、施懿珊、張永達、饒加恩|2023.07.15-2023.10.08 【三樓3A、3B展覽室】

王耀億個展「最後一人、越南士兵、遊客、阿遠、獵人和遊手好閒者」由六件錄像組成,主題圍繞冷戰離散與全球化移動的家族史,利用擱淺於戰爭回憶、國家圖幟、臺灣新電影等集體潛意識和個人記憶,成為建構自我認同的關鍵。施懿珊個展「數位孿生技術下的未來判罰形式」透過一套架空於近未來世界的判罰程序、一個與機器共治的介面,以及藝術行為與藝術行動參與,來達成相關議題探討。張永達個展「Without Composing」嘗試釋出創作者對作品的絕對控制權,任由來自宇宙中的無形放射性粒子,以無法預測的方式運動與衰變,形成人工智慧的電腦程式所無法比擬的隨機,藉此探討隨機的真正本質。饒加恩個展「勞道爾收藏」延續與人類動物園文獻收藏者克雷蒙‧勞道爾(Clemens Radauer)的合作,重建關於影像、展示機制與發言權的敘事架構。本次個展以英國、維也納、日本、臺灣的帝國遺留物出發,使之與今日的日常相互對話。

三檔國際合作展,囊括攝影、錄像裝置、雕塑

2023年北美館亦帶來三檔國際合作展:瑞士攝影大師勒內.布里(René Burri)回顧個展、比利時錄像裝置藝術家大衛.克拉耶伯(David Claerbout)個展,以及主題展覽「未來身體:超自然雕塑」。

勒內.布里:視覺爆炸|2023.03.18-2023.06.18 【三樓3A、3B展覽室】

瑞士攝影大師、馬格蘭攝影通訊社成員勒內.布里(René Burri),為當代最具影響力的攝影師之一。無論是在古巴拍下了革命領袖切.格瓦拉(Ernesto Guevara)叼著雪茄的標誌性照片,抑或是 1957 年和畢卡索相遇為他拍下了紀念性的系列肖像,又或是紀錄 1960 年代起步建設的巴西首都巴西利亞及同時期的中國北京,布里皆以黑白影像展現了視覺的政治性以及二十世紀的重大文化事件。展覽除呈現多張他的經典作品外,更加入了許多來自洛桑艾麗舍攝影博物館(Photo Elysée)、布里基金會(Burri Foundation),以及巴黎與紐約馬格蘭攝影通訊社中的檔案文件,試圖翻轉以事件或作品內容為主體之影像展出,而是讓攝影家個人成為論述中心、事件的匯聚點,期能為當代觀者提供一個全新的觀看視角。本展預計展出500餘件作品與文件檔案,包含原版古董照片、印樣、筆記、素描、書籍、書信等。

小檔北美館2023展覽10勒內.布里,《切.格瓦拉,繪於 2005 年在鹿特丹舉行 的「2004-2010 回顧展」邀請卡上》,2015 年之後。 © 勒內.布里 / 馬格蘭攝影通訊社、勒內.布里基金 會、洛桑艾麗舍攝影博物館
勒內.布里,《切.格瓦拉,繪於 2005 年在鹿特丹舉行的「2004-2010 回顧展」邀請卡上》,2015年之後。 © 勒內.布里 / 馬格蘭攝影通訊社、勒內.布里基金會、洛桑艾麗舍攝影博物館

大衛.克拉耶伯個展|2023.04.01-2023.06.25 【一樓1B展覽室】

錄像裝置藝術家大衛.克拉耶伯(David Claerbout)1969年出生於比利時科瑞克(Kortfijk),畢業於安特衛普皇家藝術學院(Royal Academy of Fine Arts in Antwerp)及阿姆斯特丹皇家視覺藝術學院(Rijksakademie van Beeldende Kunsten)。克拉耶伯最初接受的是繪畫訓練,以其結合攝影、錄像、聲音及數位技術之創作聞名。透過對於動態和靜態、時間和速度以及聲音的操控與實驗,鬆動傳統視覺媒介界線,在其影像畫面中挹注多層次的時間性。克拉耶伯曾參與2004年台北雙年展展出,本次個展精選呈現自1996年以來創作之大型錄像作品,搭配系列繪畫手稿,運用展場獨特挑高空間,建構有別以往的觀展體驗。  

小檔北美館2023展覽13大衛.克拉耶伯,《純粹的必要性》,2016,單頻道投 影、彩色動畫、立體聲音頻,影像時長50 分。 圖像提供:藝術家及施博爾藝廊,柏林/巴黎/首爾
大衛.克拉耶伯,《純粹的必要性》,2016,單頻道投影、彩色動畫、立體聲音頻,影像時長50 分。 圖像提供:藝術家及施博爾藝廊,柏林/巴黎/首爾

未來身體:超自然雕塑|2023.02.18-2023.06.04【二樓2A、2B展覽室】

本展覽探討人類世時代裡人體的未來;生物基因在未來科技發展之下,人類得以對所有生物進行存在性修正。身體在未來將會是什麼型態?我們將會是「誰」或者是「什麼」?而我們又將生活在什麼樣環境之中?展覽透過超寫實與寫實雕塑作品,針對上述疑問,提出可能的答案。創新的科技對於現代雕塑影響甚鉅,藝術家透過3D 列印技術完善製作過程,將雕塑創作界線擴展至機器人和生物合成技術層面,藝術家藉此打開人工製品、生物和科技上擴展新設計的可能性。這些具有前瞻性的作品不僅應證了數位演進和基因工程在「後人類」和環境上的影響,同時也說明這些混合性創作,是如何日漸模糊自然、科學與文化之間的界線。本次展覽共分為、「混種人」、「後自然」、「藝術家4.0」及「科技 人類 變體」四大主題,分別探討混種生命體、基因轉殖生物、未來人類與機器人及科技對生活的影響等議題。

小檔北美館2023展覽14安德羅・韋庫亞,《無題》,2014,假髮、矽膠、蠟、 高分子石膏、聚胺酯泡棉、鋼材、玻璃、合成繩索、鋁 材鑄件、布料、馬達、電子零件、機械裝置,212.1 × 101.6 × 68.6 公分。 © Andro Wekua, VG Bild-Kunst, Bonn 2022. 私人收藏,攝影:Stephen White
安德羅・韋庫亞,《無題》,2014,假髮、矽膠、蠟、 高分子石膏、聚胺酯泡棉、鋼材、玻璃、合成繩索、鋁材鑄件、布料、馬達、電子零件、機械裝置,212.1 × 101.6 × 68.6 公分。 © Andro Wekua, VG Bild-Kunst, Bonn 2022. 私人收藏,攝影:Stephen White

北美館40周年慶特別企畫,分享歷年積累、激盪前瞻視野

迎接40周年慶,北美館將推出經多年建置的線上資料庫與藝術家主題網頁,與大眾分享豐碩的工作成果;同時,為呼應未來北美館新館朝向新類型跨域或混種藝術創生的平臺角色,將啟動新型態網絡計畫;此外,將與中華民國博物館學會合辦國際研討會,共同激盪北美館的下一個想像與動向。

小檔北美館2023展覽1臺北市立美術館40周年主視覺。
臺北市立美術館40周年主視覺

推線上資料庫與藝術家主題網頁

北美館開館以來積累各種刻劃當代藝術發展脈絡與軌跡的珍貴文獻與檔案,館方首先針對開館前10年規劃建置「1983-1994展覽資料庫」,將當時所執行的展覽、研究與教育推廣活動等相關檔案進行數位化,總計10年來共辦理665項展覽,呈現北美館走過營運摸索期,逐步實現成為「現當代美術館」的歷程。繼7月的何德來回顧展後,12月亦將推出「藝術家特藏:何德來」主題網頁,將家屬何騰鯨所捐贈的藝術家畢生創作百餘件作品,以及另一批甚少曝光的書法、素描、版畫,以及筆記、書信等文獻資料,進行數位化與資料詮釋綜整,讓大眾深入且全面地閱讀這位獨特藝術家,其生命歷程、生死觀與藝術創造的共振,以提供臺灣藝術史更多元的研究視角。

啟動新型態網絡計畫

新型態網絡計畫「TFAM NET.OPEN」為跨類型藝術作品的線上展出平臺,配合不定期的虛擬與實體系列公眾活動,來回應當代科技社會對實體空間以外的想像。此計畫以「Net and networking」的概念為核心,不僅開放性地涵蓋各類創作領域以對應不斷變革進化的網絡生態,也藉此深化美術館與其他策展人及藝術機構之間的共創合作,首波預計邀請數位領域的國際策展人策劃。「美術館新視野:臺北市立美術館40週年國際研討會」預計於2023年10月4日至6日舉辦,針對當代美術館所面臨的挑戰與契機,以三大主題進行討論:「美術館與觀眾:少子女化與高齡化社會帶來的挑戰」、「美術館與區域再造」、「美術館與城市意象」。目前已開放徵稿,預計於2023年3月31日截止,詳細資料與相關說明請參考北美館官網活動網頁。

資料提供|北美館

文字整理|Adela Cheng

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「美國大都會博物館名作展」在故宮!集結梵谷、塞尚等大師名作,梳理印象派到現代主義百年藝術流變

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作

美國大都會博物館(The Met)首度來台展出!故宮博物院將於2025年6月至10月呈獻《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》。

本展集結大都會博物館多達81件繪畫及素描珍藏,它們分別來自梵谷、雷諾瓦、馬諦斯、塞尚等38位大師級畫家,帶觀眾一覽1920世紀中,自現實主義遞嬗至印象派、現代主義等的藝術流變;更特別精選多位知名女性藝術家之作,如印象派名家瑪麗‧卡薩特、貝絲‧莫莉索等,藉此呈現女性在西方現代藝術發展中的崛起與獨特風格。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
(圖片來源:《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》官方Facebook)
「從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展」即日起於國立故宮博物院北部院區第二展覽館隆重開展。(圖片提供:時藝多媒體)
「從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展」即日起於國立故宮博物院北部院區第二展覽館隆重開展。(圖片提供:時藝多媒體)

穿越橫跨一世紀的藝術浪潮

美國大都會博物館被譽為全球四大博物館之一,收藏近200萬件橫跨5000年歷史的珍貴藏品,涵蓋世界各大文明與藝術流派。而故宮本次展覽時區鎖定1920世紀中,類別涵蓋現實主義、學術繪畫、印象派、後印象派至早期現代主義。印象派的出現,讓畫家們從室內走向戶外、繪畫主題自人物與肖像延伸到自然景致,藉畫筆捕捉光影流動,並影響了後續藝術流派如點描派、野獸派、現代主義等的誕生及演變,留下許多經典佳作。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
美國大都會博物館。(圖片來源:The Met)

以人體、肖像、大自然等「畫面主題」劃分5大展區

策展敘事跳脫傳統上以「時序」、「畫派」分類的形式,改以「畫面主題」引導觀眾透過「直覺」展開探索,感受畫中色彩、筆觸及其蘊藏的人文情感,沈浸於作品所營造的氛圍情境。讓我們分別看向5大展區亮點:

▍身體姿態

此區梳理自1860年代起不同藝術家對人體的詮釋,並闡述鉛筆、顏料等不同媒材與技法對裸體描繪的特殊性,看人體如何成為藝術表達的試驗場。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《大溪地的出浴女子 Tahitian Women Bathing》,高更 Paul Gauguin,1892。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍肖像與人物

18世紀歐洲迎來工業革命,撼動社會階層與城市風貌,藝術也從國家資助轉向更開放的大眾市場,肖像畫趁勢崛起為中產階級展現財力、地位之物。這一時期,藝術家描繪現代生活中的社交互動,讓親朋好友成為畫中人,賦予肖像更風格化的表現,模糊肖像畫與風俗畫的界限,開啟人物畫的新風貌。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《彈鋼琴的兩位少女 Two Young Girls at the Piano》,雷諾瓦 Auguste Renoir,1892。(圖片來源:The Met)
「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《春日 Springtime》,皮埃爾·奧古斯特·考特 Pierre-Auguste Cot,1873。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍徜徉自然

在歐洲各國隨政治與工業革命的推進逐漸轉變之時,藝術家將視野轉向自然風光,以風景為畫作主角,並在其中融入自身獨特視角與繪畫風格,徹底改變1920世紀初的畫風。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《花朵盛開的果樹園 The Flowering Orchard》,梵谷 Vincent van Gogh,1888。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍城市到鄕村

1920世紀之交,藝術家們不僅徜徉自然,也探索各地人們的生活方式,及人們與環境的互動,眾多畫作描繪的主角從不斷變化的巴黎城市景觀、塞納河畔及度假勝地享受悠閒時光的漫遊者,再到鄉村小鎮和田園風光。藝術家以現代眼光及創新技巧,各自展開對所處地方的景觀與人群的獨到詮釋。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《大碗島的星期天下午 A Sunday on La Grande Jatte》習作,喬治·秀拉 Georges Seurat,1884。(圖片來源:The Met)
「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《冬天早晨的蒙馬特大道 The Boulevard Montmartre on a Winter Morning》,卡米耶・畢沙羅 Camille Pissarro,1897。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍水岸風光

工業革命帶動鐵路運輸,人們能以更便捷的方式前往海灘、漁村、港口等各地觀光,藝術家們也踏上旅途,留下許多描繪水景風光的美作,無論在法國各海岸、威尼斯或阿爾及爾等地,都能看到不同藝術家詮釋的畫作紀錄。

皮耶‧波納爾,《聖特羅佩舊港一景》,1911年。(圖片來源:The Met)
皮耶‧波納爾,《聖特羅佩舊港一景》,1911年。(圖片來源:The Met)

票價資訊總整理

《從印象派到現代主義美國大都會博物館名作展》規劃3波售票期間,提供各式票組選擇,有興趣者請見下方詳細售票資訊。

《從印象派到現代主義美國大都會博物館名作展》

展期|2025.06.1410.12

展場|國立故宮博物院 第二展覽館 一樓特展廳

開放時間|每日 9:0017:0016:30展覽現場停止售票及入場)

 

▬▬▬ 購票請點此 ▬▬▬

▍早鳥票 3/13-3/31

・雙人紀念套票|$770

內附雙人入場憑證1組、紀念套票1

請於觀展驗票時出示入場憑證,以兌換紀念套票組

▍預售票 4/7-6/13

・單人票|$400

THE MET 限定零錢包套票|$499

內附單人入場憑證1個、THE MET限定零錢包1

請於觀展驗票時出示入場憑證,以兌換限定零錢包

▍展期票 6/14-10/12

・全票|$500

・優待票|$4506歲以上持有效學生證件者,每證限購一張(碩博士生、社區大學、空中大學及在職進修等恕不適用)

・特惠票|$25065歲(含)以上者、持本國或外國身心障礙手冊之陪同者,需出示證件正本,每證限購1

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2025大阪世博盛大進行中,La Vie編輯在4天內密集參觀超過35座展館,繼上篇推薦的5座展館後,此次再推6座!除了分享第一手體驗心得,也分析參觀方式、主題策劃等,探索什麼是能留存心中的展覽。

▸ Better Co-Being

必須在場的「共鳴」體驗

先說結論,「Better Co-Being」是此次我個人綜合排名的第1名。除了在視覺上極美(大推在傍晚或晚上預約),展館的整體性、建築與展覽內容的創新性,都屬高分評價。且在網路可以取得眾多訊息的現在,「Better Co-Being」展館具有「必須在場」的特質,是照片與文字難以完整感受的獨特體驗。

「Better Co-Being」展館由獲普立茲克獎的SANAA(妹島和世+西澤立衛)操刀。(攝影:蔡耀徴)
「Better Co-Being」展館由獲普立茲克獎的SANAA(妹島和世+西澤立衛)操刀。(攝影:蔡耀徴)

本屆世博會場正中心,座落的並非雄偉建築,而是名為「寂靜之森」的森林,而SANAA設計的「Better Co-Being」也融入其中。這裡的「融入」是意象上的,也是物理上的。呼應「Better Co-Being」展館強調連結、開放的理念,他們打造了一座11公尺高,無牆、無天花板的銀色網格狀罩棚;地面僅用纖細柱體支撐,讓網格如雲朵般飄浮空中。從白天到夜晚,從晴天到雨天,建築將與天色和天氣交織出不同景象。在「Better Co-Being」官網刊登的採訪中,西澤立衛表示:「建築本身就有『占據』空間的特質。從這個意義來看,如果能在空間上表達出『共享』的概念,將是一件非常有趣的事情。」妹島和世則說:「這是一個無法完全控制的空間,我認為這正是有趣之處,人們可以在這裡感受天氣變化,進行互動式的體驗。」

「Better Co-Being」的銀色網格在不同天色下映照出不同氛圍。(攝影:蔡耀徴)
「Better Co-Being」的銀色網格在不同天色下映照出不同氛圍。(攝影:蔡耀徴)

展覽透過感應石頭、作品、觀眾的互動,表達了「共鳴」此一抽象主題。現場採小規模團體導覽,入場前每人會拿到一顆「echorb」石頭感應器,與手機完成連結後,登入體驗網站,將看見包括自己在內的同場觀眾的石頭顏色與位置分布;手握石頭,其震動將自然帶動手往左或右移動。

左:「echorb」石頭感應器,會有發光與震動的效果。右:「echorb」連結手機後的畫面,可看到同場觀眾的石頭顏色與位置分布。(攝影:張以潔)
左:「echorb」石頭感應器,會有發光與震動的效果。右:「echorb」連結手機後的畫面,可看到同場觀眾的石頭顏色與位置分布。(攝影:張以潔)

接著跟隨工作人員引導,依序體驗塩田千春〈言葉の丘〉、宮島達男〈Counter Voice Network〉,以及策展人宮田裕章的〈共鳴の空〉、他和創意團隊EiM共創的〈最大多の最大幸福〉等作品。走在不同路段、靠近不同作品時,將石頭輕輕放在耳邊搖晃,還會聽到不同聲響。最後登場的球體LED裝置,會即時搜集本場觀眾的體驗行為、當下天氣等數據,呈現僅只一次、屬於此時此地的影像。

塩田千春〈言葉の丘〉,紅線和漂浮的文字聯繫起無法言喻的情感。(攝影:蔡耀徴)
塩田千春〈言葉の丘〉,紅線和漂浮的文字聯繫起無法言喻的情感。(攝影:蔡耀徴)
宮田裕章〈共鳴の空〉會觸發人造雨並形成彩虹,他和EiM共創的〈最大多の最大幸福〉鋼絲上的裝飾也在雨水和光線下,散發各種色彩。(攝影:蔡耀徴)
宮田裕章〈共鳴の空〉會觸發人造雨並形成彩虹,他和EiM共創的〈最大多の最大幸福〉鋼絲上的裝飾也在雨水和光線下,散發各種色彩。(攝影:蔡耀徴)

有趣的是,連結「echorb」與手機的體驗網站,就像是一個「參加過Better Co-Being館的人的社群網站」,你可以上傳照片,也可以看到他人拍攝的照片,彼此分享在世博捕捉到的風景,即便離開展場也能使用。從建築與環境的共享、藝術作品與人的互動,到應用程式將參觀者聯繫在一起,沒有想過「共鳴」可以用展覽的形式訴說,且說得新穎又深刻。

展覽最後,觀眾的行動數據和當下氣象,會轉化為球體LED影像。(攝影:蔡耀徴)
展覽最後,觀眾的行動數據和當下氣象,會轉化為球體LED影像。(攝影:蔡耀徴)
非常推薦在傍晚或晚上預約參觀「Better Co-Being」,作品亮起的瞬間非常令人難忘。(攝影:蔡耀徴)
非常推薦在傍晚或晚上預約參觀「Better Co-Being」,作品亮起的瞬間非常令人難忘。(攝影:蔡耀徴)

Better Co-Being
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▸ 荷蘭館

一顆發光球體,貫穿建築與展覽

展館的「整體性」是我相當偏好的特質,與其建築、視覺、展覽、吉祥物等各個都很厲害、但欠缺聯動的整體性,我更偏好每個元素都彼此連結,完好地收斂在同一個概念下。「荷蘭館」可謂本屆在「整體性」上做得相當出色的展館,以「球」貫穿建築與展覽,連吉祥物也推出米飛兔抱著大球的限定款(甚至開幕第3天隨即完售)。

「荷蘭館」建築由RAU Architects操刀。(攝影:蔡耀徴)
「荷蘭館」建築由RAU Architects操刀。(攝影:蔡耀徴)
球體接觸展館內的感應點後即會發亮,也會觸發牆面的聲光裝置。(攝影:蔡耀徴)
球體接觸展館內的感應點後即會發亮,也會觸發牆面的聲光裝置。(攝影:蔡耀徴)

荷蘭館講述的主題為「永續」,坦白說在參觀前不抱期待,因為直覺此題很容易淪為說教,或讓看展有種「在上課」的感覺。但實際體驗後,發現它並不是對你說道理,而是讓你「感受」到此議題的重要與迫切性。觀眾在入場前,會拿到一顆白色小球,球上設有感應裝置,只要碰觸牆上的感應點,球就會發亮,牆面也會出現不同的聲光變化。有趣的是,荷蘭館將「使用球的方式」與永續概念連結,例如要啟動牆面的聲光裝置,必須多顆球同時接觸,僅有一顆是無效的,隱喻人類必須攜手合作以迎向未來;當觀眾拿著尺寸比手掌略大的球在展場走動時,勢必會雙手捧著,小心呵護其不掉到地上,這個舉動也象徵了人類得悉心照料地球。

同梯的觀眾會聚集在一個環形劇場內,觀看上方穹頂的影像,播放期間大家手裡的球也會跟著變換顏色。(攝影:蔡耀徴)
同梯的觀眾會聚集在一個環形劇場內,觀看上方穹頂的影像,播放期間大家手裡的球也會跟著變換顏色。(攝影:蔡耀徴)

「球」不僅貫串展館視覺,甚至聯動了永續主題。也許就內容、手法等個別項目來說均不是最強,但綜合起來成就了「荷蘭館」深刻的品牌印象。我想即便過了多年再回想起本屆世博,還是會清晰記得「荷蘭館就是那個有著大球」的館。

直徑10.6公尺的「人造太陽」球體是荷蘭館的核心,也象徵從水中汲取的再生能源。(攝影:蔡耀徴)
直徑10.6公尺的「人造太陽」球體是荷蘭館的核心,也象徵從水中汲取的再生能源。(攝影:蔡耀徴)

荷蘭館
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➥ 延伸思考:引導物件的運用

這裡也想談談「引導物件」的使用方式,包括上述介紹的「荷蘭館」、「Better Co-Being」,本屆許多展館均採物件引導的參觀模式——入場前會發放一個「物件」,該物件會有感應裝置或需與個人手機連結,由它觸發展場內的體驗。例如「德國館」的物件為吉祥物「Circulars」,將其頭部碰觸展場接觸點、再放置耳邊,就會進行悄悄話般的語音導覽;「電力館」也選擇了蛋型吉祥物,透過互動遊戲可讓蛋發光,從中了解各種發電方式。不過物件的運用,無疑是給觀眾多一道的理解門檻與手續,加上世博有來自世界各地的觀眾,語言、文化甚至手機裝置型號都不同。如何讓大家都能夠輕易上手,且具有「加分」效果,實為關鍵。

「德國館」以吉祥物「Circulars」作爲引導物件,將Circulars頭部接觸展場感應點後再放置耳邊,就會對你進行悄悄話般的解說。(攝影:蔡耀徴)
「德國館」以吉祥物「Circulars」作爲引導物件,將Circulars頭部接觸展場感應點後再放置耳邊,就會對你進行悄悄話般的解說。(攝影:蔡耀徴)

Better Co-Being」的「echorb」石頭、「荷蘭館」的球,前者新奇後者直覺,且與展覽內容呼應,均是我覺得在引導物件上使用得很好的展館。不過談白說「Better Co-Being」的使用門檻偏高、手續繁複,必須步步跟著工作人員的解釋,才知道「echorb」怎麼使用、又怎樣跟作品互動;且同行攝影師的手機無法順利連結,現場也找不出解決方法。但因為石頭震動的感覺太微妙,與作品互動的方式也夠有趣,所以仍甘願且開心地學習操作方式。

▸ Future of Life

科技如何真的帶人類前行?

若說世博最初的起源,是展現人類最新發明以展望未來,儘管在現今的意義已有轉變,本屆仍有不少展館保有這分意味。不過也不諱言,有些主打科技和未來的展館,會淪為形式絢麗而內容空洞的展演。但由「人形機器人權威」、大阪大學教授石黑浩策劃的「Future of Life」,將此主題講述得既實際(有諸多研究基礎)又有想像力(開展到千年後的世界),也是我覺得本屆世博在「內容」上十分突出的館,將較嚴肅與複雜的科技議題,轉化為電影般的劇情,不說教且留白得宜。

「Future of Life」外觀不時有水流下,一來水為生命的起源,二來大阪有「水都」之稱。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」外觀不時有水流下,一來水為生命的起源,二來大阪有「水都」之稱。(攝影:蔡耀徴)

入場前每人會拿到耳機,可選擇日文或英文、是否顯示字幕。建議可選擇字幕,因「Future of Life」是相當有「劇情」的展覽,角色對白會透過耳機傳送,若一時沒聽清楚可搭配字幕理解。展覽從「猴子」到「女學生」等各式機器人揭開序幕,探究人類在不同時代如何賦予機器「生命」。接著將故事線帶往50年後,並在此拋出「Future of Life」的主線劇情:50年後的世界,人類可以選擇自然死亡,或是將記憶移轉給機器人繼續存活。透過影片裡奶奶的選擇,引發觀眾思考:這個機器人是否還是原本的人?機器人能擁有真的情感嗎?人類是否需要無限地活下去?

「Future of Life」第1個展間,展示了「猴子」到「女學生」等各式機器人。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」第1個展間,展示了「猴子」到「女學生」等各式機器人。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」穿越到50年後,觀眾正和人形機器人一起坐在列車上。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」穿越到50年後,觀眾正和人形機器人一起坐在列車上。(攝影:蔡耀徴)

懷著這些疑問,下個展間直接將「人機共存」的社會顯示眼前,只見主持人松子Deluxe正和機器人互動,還有已故文學家夏目漱石的機器人、能演奏鋼琴的機器人⋯⋯。之後耳機傳來:「接下來是1,000年後的世界。」迎面出現的是,難以定義是人是機是神的機器人隨音樂舞動,展示了不再受限於身軀與物理的人類樣態。

在50年後的世界,主持人松子Deluxe正和機器人互動。(攝影:蔡耀徴)
在50年後的世界,主持人松子Deluxe正和機器人互動。(攝影:蔡耀徴)
1,000年後的世界,「Future of Life」上演了一場未來「人」的奇幻表演。(攝影:蔡耀徴)
1,000年後的世界,「Future of Life」上演了一場未來「人」的奇幻表演。(攝影:蔡耀徴)

科技與人性的辯證、人機結合的探究,早已不是新命題,但許多作品會以荒謬、空虛或頹敗的近未來,反諷一味追求革新的人類。但「Future of Life」並沒有走這條路,而是要用科技帶著人性前行。展末亦展示了50年後可能會實現的「近未來技術」,包括與人體結合的機器人和AI、讓生活方式更自由的醫療、更永續的環境與能源技術等等。一如石黑浩在展覽尾聲留給觀眾的訊息:「人類可以設計自己的未來,活出自己想要的生命。」科技能帶人類走到多遠?其實這題不只關乎技術,也關乎人類對自己的生命、情感與需求,有多透澈的理解。

「Future of Life」共展出20具人形機器人和30架機器人,館內也由機器人擔綱引導。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」共展出20具人形機器人和30架機器人,館內也由機器人擔綱引導。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」每個展間的區隔、轉場十分流暢,且與內容貼合。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」每個展間的區隔、轉場十分流暢,且與內容貼合。(攝影:蔡耀徴)

Future of Life
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▸ BLUE OCEAN DOME

一場「水」的純粹展演

如果要說哪件「作品」最印象深刻?我的答案會是「BLUE OCEAN DOME」裡、由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置。「BLUE OCEAN DOME」為由非營利組織ZERI JAPAN策劃的民間展館,由設計師原研哉擔任策展人,將「水」這個主題用純粹且詩意的方式表達。

「圓頂A」以竹作為屋頂結構,由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置展示於此。(攝影:蔡耀徴)
「圓頂A」以竹作為屋頂結構,由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置展示於此。(攝影:蔡耀徴)

nomena設計的水循環藝術裝置展示於「圓頂A」,以超疏水塗層的純白盤面為舞台,模擬水從天空降下後,流經曲折地景,最終匯入大海的過程。白色的空間、白色的裝置、透明的水,觀眾進到展間會自然安靜下來,只聽得到玻璃管傾的碰撞聲,以及水流動的潺潺聲響。看著水滴在台面上匯聚,聚集到臨界點後終有一滴流入下個區域⋯⋯,沒有複雜或絢麗的聲光,卻足以引人定睛長時間觀看。在本屆世博眾多展館或現今各大展演中,聲光效果似乎成為了一種標配或趨勢,但此裝置展現了另一條路,把「單純」這件事做到極致與精緻,沒有想過「水」可以這樣被展示與觀看。

nomena設計的水循環藝術裝置,將「水」這件事做了極細膩的展示。(攝影:蔡耀徴)
nomena設計的水循環藝術裝置,將「水」這件事做了極細膩的展示。(攝影:蔡耀徴)

由坂茂操刀的「BLUE OCEAN DOME」建築也值得一看,他在記者會上說:「世博的本質應該是實驗未來的場所,如今卻過於追求表面上的獨特性與外觀,鮮少提出結構或技術的創新。」因此他期望透過「BLUE OCEAN DOME」,探索新的建築可能。

「BLUE OCEAN DOME」純白外觀會映照出天空色彩,甚至與天空融在一起。(攝影:蔡耀徴)
「BLUE OCEAN DOME」純白外觀會映照出天空色彩,甚至與天空融在一起。(攝影:蔡耀徴)

展館由3座圓頂組成:「圓頂A」的結構是「竹」,由於傳統竹材的直徑和厚度不均,且會因日光直射而裂開,因此團隊運用最新技術製成竹集成材,輕盈、強韌並易於加工;「圓頂B」則使用「CFRP(碳纖維強化聚合物)」,此材料重量比鐵輕、強度卻更優異,通常被用於航空、汽車等,本次為全球首次將CFRP作為屋頂主要結構,世博結束後也將回收,應用於坂茂參與設計的馬爾地夫海洋度假村開發案;而坂茂聞名的「紙管」則出現在「圓頂C」,此處的紙管不僅用於屋頂,連椅子都由3根紙管組成,讓觀眾直接感受其韌性。

「BLUE OCEAN DOME」在夜晚打燈後,更顯露出圓頂結構。(攝影:蔡耀徴)
「BLUE OCEAN DOME」在夜晚打燈後,更顯露出圓頂結構。(攝影:蔡耀徴)
「圓頂B」則是由視覺團隊WOW製作的全CG影像,呈現海洋、動物和塑膠垃圾彼此「共存」的影像,以美麗卻詭異的畫面直擊人心。(攝影:蔡耀徴)
「圓頂B」則是由視覺團隊WOW製作的全CG影像,呈現海洋、動物和塑膠垃圾彼此「共存」的影像,以美麗卻詭異的畫面直擊人心。(攝影:蔡耀徴)

BLUE OCEAN DOME
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▸ 韓國館

主題包裝下的科技國力

韓國館意外地讓我滿喜歡。其實它原本不在我想參觀的清單上,而是在世博開幕日傍晚,在大屋根廊道下方躲雨時,恰巧看到前方一面巨大的裸視3D牆——瞬間以為是某個世博官方的裝置,但隨即想到近年韓國經常使用此技術,看了一下周圍,確實找到「KOREA」的字樣。不用進到展館,韓國透過外牆就已大力輸出自家螢幕設備與設計實力。

「韓國館」的裸視3D牆。(攝影:蔡耀徴)
「韓國館」的裸視3D牆。(攝影:蔡耀徴)

韓國館以「With Hearts」為主題,講述科技與人性間的關係。入場前,觀眾會先依序進入如電話亭般的小錄音間,對著麥克風回答「最重要的東西是什麼?」每位觀眾錄下的聲音,將會在第1個展間轉化為聲光藝術,在全黑場域隨著音樂打下道道光束。第2個展間設有眾多如喇叭般的裝置,只要對其吹氣,上方就會產生泡泡落下(同場加映:瑞士館也有類似手法,但泡泡是由下往上升起)。

「韓國館」第2個展間裡,只要對如喇叭般的裝置吹氣,就會有泡泡從上方落下,亦展現了人和科技之間的連結與轉化。(攝影:蔡耀徴)
「韓國館」第2個展間裡,只要對如喇叭般的裝置吹氣,就會有泡泡從上方落下,亦展現了人和科技之間的連結與轉化。(攝影:蔡耀徴)
「瑞士館」也有與「韓國館」相似的泡泡裝置,不過泡泡是由下往上升起。(攝影:蔡耀徴)
「瑞士館」也有與「韓國館」相似的泡泡裝置,不過泡泡是由下往上升起。(攝影:蔡耀徴)

最後的第3展間,則播放一段「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片,融合K-Pop的音樂與舞蹈,講述科技如何聯繫情感,以及不隨時間改變的價值。其實各展間均強烈置入科技與娛樂產業等韓國國力,但因為收攏在科技與人性的連結此一主題下,並不會有太生硬或直接的「置入」感,可謂一場好看的展演。

「韓國館」第3個展間播放「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片,融合了K-Pop音樂與舞蹈。(攝影:蔡耀徴)
「韓國館」第3個展間播放「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片,融合了K-Pop音樂與舞蹈。(攝影:蔡耀徴)
「韓國館」第3個展間,影片講述科技與情感的聯繫。(攝影:蔡耀徴)
「韓國館」第3個展間,影片講述科技與情感的聯繫。(攝影:蔡耀徴)

韓國館
現場排隊。採分批導覽,編輯參觀時間約40分鐘。
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➥延伸思考:國家這件事怎麼表現?

國家館打著國家的名義參展,這件事其實很有趣——「國家」的比重要占到多大?要呈現國家的哪些特質或特色(以及怎麼呈現)?又或者再深一層思考,哪些東西能夠代表國家?上述提及到的兩個國家館(荷蘭、韓國),對我來說都是「主題」走在「國家」前面,也是我個人較偏好的國家館形式。這個意思是,它們是運用國家的元素(例如荷蘭的水能源、韓國的科技與娛樂產業),來講述一個主題,「國家」這件事有經過一定程度的轉化與包裝。

相反地,本屆我看到的大多國家館,都是讓「國家本身成為主題」,以博物館式的方式,介紹該國的地理、人文、產業、歷史,或是最新/自豪的科技、品牌、政策等等。雖然也不乏精彩之作,但就我個人而言,仍不免有種說教感。不過在直白介紹國家的國家館中,想特別推薦一個讓我印象深刻的展館:

「巴林館」運用約3,000根未經工程處理的木材,以榫卯組合成4層結構,形成前後高17公尺、中間低13公尺的弧線,宛如一艘木船。(攝影:蔡耀徴)
「巴林館」運用約3,000根未經工程處理的木材,以榫卯組合成4層結構,形成前後高17公尺、中間低13公尺的弧線,宛如一艘木船。(攝影:蔡耀徴)

▸ 巴林館

視覺之外,用觸覺與嗅覺感受巴林

其實在此之前,我並不知道巴林這個國家,但由黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh(近年贏得「大英博物館」西翼展廳改造計畫國際競圖,是備受矚目的女建築師)操刀的建築,以3,000根木材製成木船般的展館,外觀就十分搶眼。

「巴林館」的木構運用相當值得一看。(攝影:蔡耀徴)
「巴林館」的木構運用相當值得一看。(攝影:蔡耀徴)

展覽內容不外乎介紹這個位於西亞、波斯灣西岸附近的島國,其自然與航海資源。但參觀方式的設計,是先進行一小段的團體導覽,讓觀眾對巴林有基礎認識後,再自由參觀,解說員也清楚交代「展館裡每一項東西都可以摸和聞」。對於用看或聽的方式來接收一國文化,總顯得有點制式,但透過觸覺和嗅覺,意外地讓我更有好奇心地探索。布幔染上的巴林海洋氣味,我到現在都還記得那股怪異酸味。

左:「巴林館」咖啡廳。右:「巴林館」館內展示,邀請大家親自觸摸船隻。(攝影:蔡耀徴)
左:「巴林館」咖啡廳。右:「巴林館」館內展示,邀請大家親自觸摸船隻。(攝影:蔡耀徴)

還有,巴林館商店超、好、逛!除了有許多當地工藝,同行攝影師還在裡面挖到巴林攝影師Ishaq MadanZine,照片和印刷品質都在線。另外亦可關注,目前也在開展中的威尼斯建築雙年展,國家館最高榮譽金獅獎就是由巴林館奪下,也讓我更好奇這個過往相對陌生的島國,還擁有什麼樣的創意能量。

巴林館
現場排隊。前段分批導覽、後段自由參觀,編輯參觀時間約半小時。
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文|張以潔 攝影|蔡耀徴
更多精彩內容請見 La Vie 2025/6月號《2025大阪世博設計攻略》

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