2023北美館展覽總整理！「一一重構：楊德昌」呈現創作軌跡、瑞士攝影大師勒內．布里回顧個展等必看亮點

臺北市立美術館（北美館）宣布2023年度重點計畫，展覽規畫囊括北美館策劃的兩檔旗艦展覽：「一一重構：楊德昌」與第13屆台北雙年展、7檔臺灣各世代藝術家個展，以及3檔國際合作展。另為迎接北美館40周年慶，館方亦推出數項特別企畫：向大眾分享文獻與典藏資料庫建置成果；發表促進藝術創生的新型態網絡平臺；召開研討會邀請大家開放討論北美館的下一階段。

年度旗艦展覽：「一一重構：楊德昌」與第13屆台北雙年展

一一重構：楊德昌｜2023.07.22－2023.10.22 【一樓1A、1B展覽室】

展覽由臺北市立美術館與國家電影及視聽文化中心共同主辦，王俊傑館長與國立臺北藝術大學孫松榮教授共同擔任策展人，歷經三年時間由團隊整理與研究楊德昌導演遺留下來各式手稿、文件與檔案，一方面透過五個轉化楊氏創作核心題旨的主題展間，體現這位臺灣導演獨樹一幟的美學精神；另一方面，則結合已故導演彌足珍貴的文物檔案，首次公布於眾。作為臺灣新電影運動開創者之一的楊德昌，其作品對於都市再現、性別權力、政治反思、歷史暴力、社會變遷及多重媒介有著超越時代的洞察力與批判視域，為臺灣電影留下難以被取代的資產。將楊德昌電影世界帶入美術館展陳，乃是對於其名作展開共時性的影音造形，讓觀眾沉浸於電影世界，展開視聽感受。

同時，就歷時性的展映佈局而言，觀眾既會看見也會聽見導演交匯著生命經驗與創作生涯的種種驚艷瞬間。此外，楊德昌在劇情長片之外的許多重要作品，包括四部劇作（《如果》、《成長季節》、《九哥與老七》、《李爾王》）、動畫遺作《追風》及各種手稿等，也計劃在展覽中重現其迷人神采，完滿導演畢生創作軌跡與思想藍圖。展覽開幕時將舉辦國際論壇，展期間國家電影及視聽文化中心將同步舉辦楊德昌電影回顧影展。

2023第13屆台北雙年展｜2023.11.18-2024.03.24【地下樓、一樓、二樓】

展覽由臺灣策展人周安曼（Freya Chou），作家、編輯與教育推廣者穆柏安（Brian Kuan Wood），以及策展人莉姆．夏迪德（Reem Shadid）共同策劃，三人團隊共同製作與創造、有機協作的策展方法學，期能捲動知識與記憶的反芻與再生產，為台北雙年展帶來新的動能。第13屆台北雙年展將以展覽、音樂表演、駐地研究與創作、工作坊等各種敘事及體驗形式的公眾計畫為基礎，聚焦在大型產業外的不同世界，探索日常生活和生存的壓力是如何在超高性能現代機制上翻轉尺度；使尺度經驗複雜化、讓感知處於恆常波動。本屆雙年展希望能帶領觀眾一同重新發現，並訴說某種抒情生命及創造的可能。

臺灣前輩藝術家個展與新生代創作實踐

「何德來回顧展」、「生活決定意識：高重黎」、2020臺北美術獎首獎張碩尹個展「BODO」，以及4檔藝術家個展，北美館將展呈從前輩至新生代藝術家、跨越不同世代的創作！

何德來回顧展｜2023.07.08－2023.10.22 【二樓2A、2B展覽室】

何德來（1904-1986）是日治時期於官展系統之外，另闢個人藝術創作道路的重要藝術家之一。幼時居於新竹苗栗地區，求學期間曾於臺、日兩地學校就讀。平生主要居住生活於日本東京。1927年考入東京美術學校，隨和田英作習畫。畢業後投入推廣繪畫、發展個人創作。何德來對藝術充滿熱情，曾加入七星畫壇、參與共組「赤島社」、「新竹美術研究會」。1958年起擔任日本在野藝術團體「新構造社」重要運營委員至辭世，亦參與「佳德會」、「飛鳥會」等藝術團體，致力推廣繪畫、提攜後進。

何德來的作品真率展現對生命的思考，透過短詩和繪畫創作，表達對造化自然的觀察領悟、對至親摯愛的深情厚意，以及對人類社會廣博的省思關懷。本展梳理藝術家畢生作品，展出各時期部分代表作，結合書法、水彩、素描、短詩、筆記、手稿，期能立體而完整地呈現藝術家開拓個人藝術道路的歷程。

生活決定意識：高重黎｜2023.03.25－2023.06.25 【一樓1A展覽室】

展覽由李威儀策劃，探討感知、影像與歷史的生產活動。透過呈現藝術家的全新創作與系列作品——自1983年起陸續發表的《ASA的N次方》、「光化學機械式活動影像裝置」、「幻燈簡報電影」、「物像書」、「時間的位置」，乃至雕塑、圖像、物件與檔案等，回應第二次工業革命至今的現代性歷程，以及控制社會下形成的集體制約。藉由考掘結合時間流與意識流的影音機器，在顯現我等自身與技術產物的歷史性失聯中，嘗試重新發明現實，創造自身感知、記憶與圖像的生產條件。展名引自馬克思（Karl Marx）與恩格斯（Friedrich Engels）合著《德意志意識形態》（Die deutsche Ideologie）的關鍵名句，反映了藝術家聚焦在唯物史觀下的批判論題——對於影音工業生產與自體感知經驗的鬥爭，以及對於「物」的成像史之關注。

臺北美術獎2020年首獎展 BODO—張碩尹個展｜2023.03.11－2023.06.04【地下樓E、F展覽室】

本展展名來自黃明川導演於1993年執導的《寶島大夢》，如同電影中所刻畫的怪誕夢境與虛實交錯的性慾，藝術家張碩尹從個人經驗出發，描寫其海軍陸戰隊軍旅中，處在熱帶叢林中男性世界裡的奇想、慾望、與暴力，藝術家並藉此探討所謂「男人」之抽象概念、如何在迷彩服與殺人工具中一步步操演而成為一社會真實。展覽結合現地製作、多重敘事、互動科技、與多頻道聲音，將美術館轉換成一混合現實與虛擬的自動劇場，在其中，觀眾所行走之路線、所做之選擇都將影響故事之進行，在此複雜的多線故事當中，觀眾如同一場「角色扮演遊戲」的參與者，每個人之觀看經驗都因其在冒險路徑上的選擇，而成為獨特、彼此不同的存在。

TFAM年度個展：王耀億、施懿珊、張永達、饒加恩｜2023.07.15－2023.10.08 【三樓3A、3B展覽室】

王耀億個展「最後一人、越南士兵、遊客、阿遠、獵人和遊手好閒者」由六件錄像組成，主題圍繞冷戰離散與全球化移動的家族史，利用擱淺於戰爭回憶、國家圖幟、臺灣新電影等集體潛意識和個人記憶，成為建構自我認同的關鍵。施懿珊個展「數位孿生技術下的未來判罰形式」透過一套架空於近未來世界的判罰程序、一個與機器共治的介面，以及藝術行為與藝術行動參與，來達成相關議題探討。張永達個展「Without Composing」嘗試釋出創作者對作品的絕對控制權，任由來自宇宙中的無形放射性粒子，以無法預測的方式運動與衰變，形成人工智慧的電腦程式所無法比擬的隨機，藉此探討隨機的真正本質。饒加恩個展「勞道爾收藏」延續與人類動物園文獻收藏者克雷蒙‧勞道爾（Clemens Radauer）的合作，重建關於影像、展示機制與發言權的敘事架構。本次個展以英國、維也納、日本、臺灣的帝國遺留物出發，使之與今日的日常相互對話。

三檔國際合作展，囊括攝影、錄像裝置、雕塑

2023年北美館亦帶來三檔國際合作展：瑞士攝影大師勒內．布里（René Burri）回顧個展、比利時錄像裝置藝術家大衛．克拉耶伯（David Claerbout）個展，以及主題展覽「未來身體：超自然雕塑」。

勒內．布里：視覺爆炸｜2023.03.18－2023.06.18 【三樓3A、3B展覽室】

瑞士攝影大師、馬格蘭攝影通訊社成員勒內．布里（René Burri），為當代最具影響力的攝影師之一。無論是在古巴拍下了革命領袖切．格瓦拉（Ernesto Guevara）叼著雪茄的標誌性照片，抑或是 1957 年和畢卡索相遇為他拍下了紀念性的系列肖像，又或是紀錄 1960 年代起步建設的巴西首都巴西利亞及同時期的中國北京，布里皆以黑白影像展現了視覺的政治性以及二十世紀的重大文化事件。展覽除呈現多張他的經典作品外，更加入了許多來自洛桑艾麗舍攝影博物館（Photo Elysée）、布里基金會（Burri Foundation），以及巴黎與紐約馬格蘭攝影通訊社中的檔案文件，試圖翻轉以事件或作品內容為主體之影像展出，而是讓攝影家個人成為論述中心、事件的匯聚點，期能為當代觀者提供一個全新的觀看視角。本展預計展出500餘件作品與文件檔案，包含原版古董照片、印樣、筆記、素描、書籍、書信等。

大衛．克拉耶伯個展｜2023.04.01－2023.06.25 【一樓1B展覽室】

錄像裝置藝術家大衛．克拉耶伯（David Claerbout）1969年出生於比利時科瑞克（Kortfijk），畢業於安特衛普皇家藝術學院（Royal Academy of Fine Arts in Antwerp）及阿姆斯特丹皇家視覺藝術學院（Rijksakademie van Beeldende Kunsten）。克拉耶伯最初接受的是繪畫訓練，以其結合攝影、錄像、聲音及數位技術之創作聞名。透過對於動態和靜態、時間和速度以及聲音的操控與實驗，鬆動傳統視覺媒介界線，在其影像畫面中挹注多層次的時間性。克拉耶伯曾參與2004年台北雙年展展出，本次個展精選呈現自1996年以來創作之大型錄像作品，搭配系列繪畫手稿，運用展場獨特挑高空間，建構有別以往的觀展體驗。  

未來身體：超自然雕塑｜2023.02.18－2023.06.04【二樓2A、2B展覽室】

本展覽探討人類世時代裡人體的未來；生物基因在未來科技發展之下，人類得以對所有生物進行存在性修正。身體在未來將會是什麼型態？我們將會是「誰」或者是「什麼」？而我們又將生活在什麼樣環境之中？展覽透過超寫實與寫實雕塑作品，針對上述疑問，提出可能的答案。創新的科技對於現代雕塑影響甚鉅，藝術家透過3D 列印技術完善製作過程，將雕塑創作界線擴展至機器人和生物合成技術層面，藝術家藉此打開人工製品、生物和科技上擴展新設計的可能性。這些具有前瞻性的作品不僅應證了數位演進和基因工程在「後人類」和環境上的影響，同時也說明這些混合性創作，是如何日漸模糊自然、科學與文化之間的界線。本次展覽共分為、「混種人」、「後自然」、「藝術家4.0」及「科技 人類 變體」四大主題，分別探討混種生命體、基因轉殖生物、未來人類與機器人及科技對生活的影響等議題。

北美館40周年慶特別企畫，分享歷年積累、激盪前瞻視野

迎接40周年慶，北美館將推出經多年建置的線上資料庫與藝術家主題網頁，與大眾分享豐碩的工作成果；同時，為呼應未來北美館新館朝向新類型跨域或混種藝術創生的平臺角色，將啟動新型態網絡計畫；此外，將與中華民國博物館學會合辦國際研討會，共同激盪北美館的下一個想像與動向。

推線上資料庫與藝術家主題網頁

北美館開館以來積累各種刻劃當代藝術發展脈絡與軌跡的珍貴文獻與檔案，館方首先針對開館前10年規劃建置「1983-1994展覽資料庫」，將當時所執行的展覽、研究與教育推廣活動等相關檔案進行數位化，總計10年來共辦理665項展覽，呈現北美館走過營運摸索期，逐步實現成為「現當代美術館」的歷程。繼7月的何德來回顧展後，12月亦將推出「藝術家特藏：何德來」主題網頁，將家屬何騰鯨所捐贈的藝術家畢生創作百餘件作品，以及另一批甚少曝光的書法、素描、版畫，以及筆記、書信等文獻資料，進行數位化與資料詮釋綜整，讓大眾深入且全面地閱讀這位獨特藝術家，其生命歷程、生死觀與藝術創造的共振，以提供臺灣藝術史更多元的研究視角。

啟動新型態網絡計畫

新型態網絡計畫「TFAM NET.OPEN」為跨類型藝術作品的線上展出平臺，配合不定期的虛擬與實體系列公眾活動，來回應當代科技社會對實體空間以外的想像。此計畫以「Net and networking」的概念為核心，不僅開放性地涵蓋各類創作領域以對應不斷變革進化的網絡生態，也藉此深化美術館與其他策展人及藝術機構之間的共創合作，首波預計邀請數位領域的國際策展人策劃。「美術館新視野：臺北市立美術館40週年國際研討會」預計於2023年10月4日至6日舉辦，針對當代美術館所面臨的挑戰與契機，以三大主題進行討論：「美術館與觀眾：少子女化與高齡化社會帶來的挑戰」、「美術館與區域再造」、「美術館與城市意象」。目前已開放徵稿，預計於2023年3月31日截止，詳細資料與相關說明請參考北美館官網活動網頁。

資料提供｜北美館

文字整理｜Adela Cheng

洪建全基金會自2015年起舉辦的「問問題計畫」，每年都會提出一個單純的問題，探討社會、文化與生命內涵，並妥託藝術家透過新創作回應問題。2026年由藝術家張書瑋透過個展《代理之窗》，藉4組影像裝置、互動雕塑和錄像作品，探討人工智慧（AI）與人類之間的「親密關係」。

你曾與AI建立「情感關係」嗎？

在科技以親切形象滲透日常的今天，人與機器早已互為義肢，「陪伴」甚至已演變為一種低廉的產品，一種「沒有人」的新關係正被大量生產。只要算力足夠，AI就能化身成為密友、戀人、心靈導師，或者是神明，突破螢幕提供我們最佳的心靈解方。但這種「不需要對等，不需要協商，也不會有拒絕」的新關係，正在悄悄改變我們對情感的認知。

張書瑋以「I or AI?」為題，探討人類與科技的義肢關係

張書瑋長期關注科技產物與人類貼身浸染、相互侵蝕的創作脈絡，以使用者介面、人體工學和可愛為方法探索當代科技環境，透過3D列印、動態影像、複合媒材繪畫與裝置，探索數位裝置作為非人類卻具有智能生命形式，以及它們和人類相互寄生的義肢關係。

透過此次於洪建全基金會呈獻的《代理之窗》，張書瑋提出「I or AI?」的核心思考：「我們看似出於自身意願、實則毫無選擇地將意識交付予大型人工智慧系統。又或者，我們早已成為『不分彼此』的存在，在無限延展的通道中，排練著全新的生存姿態？」

展場如一段親密關係的模擬現場

展覽將「你＋我＋人工智慧」共同建構的世界封裝成一個情感景觀，一段「親密關係」的模擬現場，一場由裝置、介面、系統、使用者自身的投射共同鋪設而成的遊戲；動線如同一道逐步深入的程序，映照出人與機器緊密互動之間，所產生的肉體或情感上的關係變化。看展過程中，親近與不適的感受並存，觀眾將能感覺到身體與意識逐漸被切片、解構，隨後迷失於遊戲之中。

遊戲開始！先建構身份，再感受暖意和酷寒

步入《代理之窗》展場，觀眾得先將自己轉換為數位系統更能夠理解的模樣，這段體驗就如玩遊戲前的角色建構。現場，由影像裝置〈變身×交換〉傳授特定「咒語（prompt）」，教導觀眾如何將自己的意識，轉譯為AI可理解的語言；互動雕塑〈New Conversation〉則透過臉部識別感應技術，為觀眾即時捏塑出「數位新臉孔」，這張對數位系統來說更親切的面容，正是人類登入非人類代理世界的鑰匙。

接續而來的是遊戲核心。位在展場中心的互動雕塑〈A.L.I.Z.E.〉，結合嵌入式視覺小說（Embedded Visual Novel）形式呈現。作品以1966年初代聊天機器人「ELIZA」為原型，藝術家賦予其「理想二次元伴侶」的特質，並混雜網路情感對話、藝術家文本和實驗性字句，將記憶、扮演和真實攪拌在一起。觀眾需以身體緊貼雕塑延伸出的發熱觸手，同時透過螢幕視窗選擇對話角色，與作品展開互動，在過程中感受「即時滿足的欲望」如何一步步推向虛無。

作為壓軸的錄像作品〈代理之窗〉，讓觀眾在體驗過機器模擬的溫度和全然肯定後，隨影像步入一片冷酷異境，一窺平時看不見、藏於系統背後的權力編碼。

對比60年前第一代聊天機器人拙劣的模仿，如今非人類情感代理的技術已大幅降低了那扇「窗」令人不適的反光。讓我們試問，當視窗彼端的真實性不再重要，互動中悄然湧現的情感本身，是否已足以宣示一種全新、陌生主體的誕生？ 

當機器決定我們認識世界的方式，之後呢？

談及本展，洪建全基金會執行長張淑征表示：「書瑋的觀點很有趣。網路對他這一代人來說是血液裡的自然狀態，他同時又對九〇年代的東西感興趣，這正是我觀察到現在Z世代正在經驗的事，把上一個時代的老東西抓回來，重新體驗一次。我期待他的創作能把年輕世代和當代藝術術接起來，帶我們一起思索：當我們習慣於透過機器消化對世界的認識，下一個版本的自我會是什麼樣子？」

2026問問題計畫：張書瑋個展《代理之窗 Agent’s Window》

展期｜2026.09.12－11.22

開放時間｜週二至週日 11:00－18:00

展場｜洪建全基金會（台北市中正區羅斯福路二段9號12樓）

資聊提供｜洪建全基金會    文字整理｜Izzie Pang

在日本創下20萬人次朝聖紀錄的《恐怖心展》，正式於9月登陸台北！本展由怪談作家梨、株式會社闇代表頓花聖太郎，以及東京電視台製作人大森時生共同打造，3位創作者也與我們分享展覽誕生的起點、創作理念與幕後故事，帶領人們直面內心那些難以言喻的「恐怖心」。

什麼是恐怖心？

「恐怖心（きょうふしん）」指的是人們面對某種事物或情境時，從生理層面所產生的恐懼與不安。而這些恐懼，有時也伴隨著難以解釋的不合理性。《恐怖心展》便是以人們面對「尖銳物品」、「密閉空間」、「視線」等各種事物時所產生的恐懼感為主題，並讓參觀者從中重新面對自身的恐怖心。

事實上，早在《恐怖心展》前，這3位創作者聯手打造的《行方不明展》，便在日本掀起風潮。來自東京電視台的製作人大森時生，憑藉一系列偽紀錄片作品引起廣泛討論，也是在日本電視圈相當受到矚目的製作人；從事恐怖創作的作家梨，負責撰寫展覽中出現的大部分文字；專門打造恐怖體驗的「株式會社闇」，過去也推出過許多與恐怖題材相關的作品。

直面內心的恐懼與不安

談及《恐怖心展》的誕生起點，大森時生分享，他平常和人聊天時發現，大家感到喜歡或幸福的事物都很相似（比如有很多錢），但對不安或恐懼的事物卻千奇百怪，因此若是將大家各自害怕的事物收集起來，會是件很有趣的嘗試。梨說明，「我的職業是靠讓人感到不愉快的恐怖小說作家，我一直很好奇大家為什麼願意為了體驗不快去消費花錢、聚集在展覽空間裡。除了喜歡的事物之外，大家對於討厭的情感究竟懷有怎樣的心思？我想這會是我人生一直在探尋的課題。」頓花聖太郎表示，他自己是個非常膽小的人，像是在狹窄黑暗的地方，他也會感到害怕。而他內心的恐懼，其實很大程度上是來自於小時候看過的電視劇、電影等作品與素材所塑造而來的。因此，這次展覽希望將深藏於每個人心中的不安呈現出來，讓大家在尋找、面對自身內心感受的過程中體驗展覽。

海外首展，更融入台灣特有文化

這次在台北的展覽，除是《恐怖心展》的首次海外展出，更特別加入於台灣全新製作的限定展示。而為什麼選擇台灣？大森時生說，其實他們一開始也考慮了海外很多國家，但對他而言，雖然歐美電影中有許多嚇人的情節，他內心深層卻似乎沒有很能共感這份恐懼。相較之下，台灣創作的恐怖作品，比如柯孟融導演的《咒》，能夠讓他從內心深處接收到電影所傳達的恐懼。他認為，這可能源自於日本與台灣文化之間的親近感，以及台灣恐怖電影中特有的「潮濕感」。

梨表示，他在大學時主修宗教文化，期間對於台灣的文化與神明信仰產生了極大興趣。「我認為，『恐怖』是由文化所形塑出來的，台日文化雖有相似之處，卻又不是完全相同，這種文化差異與魅力深深吸引著我。我很喜歡台灣文化，展覽中也融入了台灣在地的文化元素，像是乖乖、神龕這些展品。」頓花聖太郎說，在創造恐怖、思考人們為何感到恐懼時，人們如何看待生與死的「生死觀」，其實是恐懼非常重要的根源。「在亞洲文化中，尤其是台灣與日本，彼此的生死觀相當接近，正因為雙方有許多共通之處，我們所感到恐懼的事物，台灣觀眾應該也能在一定程度上感受到。當然，雙方的感受可能會存在一些細微的落差，但這反而能成為觀展時的樂趣。日本與台灣之間，正好具有一種既親近、又保有些許差異的適當距離感；這也是我們這次選擇在台灣舉辦展覽的原因。」

那些安靜醞釀的「恐怖心」

若要再進一步解釋「恐怖」與「恐怖心」之間的差別，大森時生說，在他的想象中，「恐怖」主要來自外部，比如當你走在昏暗的路上，突然有一個身分不明的人對你大喊，當然會感到可怕，之所以會感到害怕，是因為眼前存在著某個具體的對象、物體或事件，而那個人事物本身，便構成了「恐怖」。不過，這次展覽沒有那種伴隨突然驚嚇而產生的恐怖瞬間，甚至有些作品看起來，可能會讓人覺得：「這好像沒有什麼可怕的。」因此，他認為這種因人而異的落差，以及在每個人心中安靜醞釀、逐漸形成的感受，就是他所理解的「恐怖心」。

梨分享，在籌備台灣展覽的過程中，他發現人們許多的恐懼往往會與各式各樣的回憶相連。比如阿嬤家裡祭祀用的神桌，或是某些帶有童年回憶的物件，都可能讓人進而產生一種恐怖感。

主創團隊私心推薦的展品！

被問到展覽中推薦的作品時，3人各自給了不同的答案。頓花聖太郎提到，他的工作中有製作鬼屋的經驗，裡面會有突然跳出來嚇人的NPC，不過這次展覽完全沒有這種驚嚇的元素，因此像是「偶爾會響起的電話」這種極其日常的物品，突然響起聲音時反而會讓人有種毛毛的感覺。梨認為，小說跟展覽最大的區別是在於「現場是否有其他觀眾」，基於這樣的差異，他推薦的是入口處會膨脹、縮小的巨大氣球，他說，在日本展覽期間，有遇到一對看展的情侶，女友直呼可怕、男友卻覺得有什麼好怕的，這截然不同的反應讓他覺得有趣。梨認為，當多人身處在同一個展場，能即時看見彼此的反應，並從中發現感受上的差異與共通之處，這也正是展覽與文字創作之間最大的不同。

大森時生分享，從電視節目的製作角度來說，影像在第一時間映入眼簾時，讓人產生「好像有點不舒服」之類的瞬間反應，是非常重要的，因此，他最推薦的是「夢核」影像作品。在日本展出時，他們是以高度經濟成長期的集合住宅為主題，當時的日本，大量興建了許多格局相似的住宅，而這樣的景象出現在夢境之中，本身就帶有一種詭異感，而這次則以台灣人比較熟悉的地下通道、地下商店街這樣的空間，希望能讓台灣觀眾從中感受到一絲詭異與不安。

另外，大森時生補充，「我很喜歡台灣導演楊德昌，他的作品中有很多對於影子陰暗面的處理。在台北街頭散步時，轉個彎就會遇到陰暗的巷弄。相比之下，東京整個城市被打造得極其明亮乾淨，台北則同時存在著明亮與陰影的對比。比如從明亮的店家走回飯店時，周圍突然變暗，這種強烈的光影落差常讓人感受到恐怖，但也能激發出創作靈感。」

《恐怖心展》為何創下話題？

那麼，究竟為何《恐怖心展》能在日本創下話題？3位創作者也從自身的經驗出發，分享這個展覽引起共鳴的原因。出生於1995年的大森時生以他為例，在日本，前來參觀這場展覽的人，年齡大多落在20多歲至30多歲，這個世代在日本被稱為經歷「失落的十年」的一代，也曾發生過許多負面事件，當他與同世代的日本人交流時，會發現大家並不認為日本的經濟接下來會突然好轉，或是每個人的生活會一下子變得非常幸福。在這樣的情況下，即使創作戀愛、搞笑或其他輕鬆愉悅的題材，有時反而會讓人覺得與現實生活相距甚遠。相較之下，那些帶著負面情緒、讓人感到些許不安的作品，反而更貼近他們實際生活時的感受。「所以我想，《恐怖心展》可能正好在情緒上與這個世代產生了某種契合，或許這也是展覽能夠引起大量二、三十歲觀眾共鳴的原因。」

今年26歲的梨說，在他成長的年代，電視上已經很少看到靈異現象節目，對他們這一代人而言，談論幽靈節目時，經常是以回憶的方式說：「大約20年前，這類節目好像很多」。「像我這樣的世代，可能正是《恐怖心展》最主要的觀眾族群，我想，我們這個世代其實對恐怖的事物帶有某種憧憬。」另外，人們也容易被帶有懷舊感、屬於稍早世代的事物吸引，像是《後室》也是如此。從這個角度來看，曾經存在於過去的恐怖形式，如今也重新獲得了很高的人氣。

頓花聖太郎表示，大森時生與梨在日本創作了許多新型態的恐怖作品，不是那種傳統恐怖作品中陰森、駭人或血腥獵奇的形式，而是採取了非常新穎的表達方式。因此，對很多日本年輕人而言，他們的恐怖作品也逐漸被視為「很有品味」或「很時尚」的內容。除此之外，這場展覽也探討了「FOMO」這種當代心理，也就是害怕錯過資訊、擔心自己跟不上他人的焦慮。「我認為，當愈來愈多人看過展覽時，尚未觀展的人可能會有『自己還沒有看過這場展覽而感到不安』的心情，也就是說，這或許反過來創造了還沒有看過《恐怖心展》而誕生的『恐怖心』。」這種心理與日本人的特質及當代社群環境相互契合，因此吸引了許多人前來參觀。他也非常期待這些內容來到台灣後，會以什麼樣的方式被台灣觀眾理解與接受。

恐怖心展 台北

日期｜2026.09.12～11.23
地點｜灰棚 （台北市中山區中山北路二段59巷16號B1）（近捷運中山站、雙連站，步行即可抵達）