畫下日常生活裡的諷刺喜劇！專訪法國藝術家Jean Jullien從平面藝術到潮流品牌的創作幕後

黑色輪廓邊框裡，簡單卻靈動的五官映照出當代人類百態。法國藝術家Jean Jullien並置童趣諷刺與大人天真的畫作，出現在《紐約時報》、《國家地理》等國際媒體，也以自創品牌NouNou攻占韓國潮流文化。La Vie專訪到這位坐擁破百萬IG追蹤的藝術家，走進他持續圈粉全球的創作幕後。

無異於世界上許多人的童年，Jean Jullien是個看漫畫長大的孩子。出生於法國西部的城市南特（Nantes），他大量接觸法國漫畫、美國漫畫、日本動漫，各種類型葷素不拘。回想起這段最初啟蒙，他說，「它們確實激發了想像力，引導我表達腦中所想，提供我用視覺去轉譯周遭世界的基礎。正因為閱讀、觀看的內容類型不拘一格，使我擺脫了必須堅持單一風格的想法。」

不同於大多數職業畫家，他先赴法國坎佩爾（Quimper）求學，再到英國倫敦就讀中央聖馬丁藝術與設計學院（Central Saint Martins College of Art and Design）、皇家藝術學院（Royal College of Art），攻讀的都是平面設計。他認為，平面設計的學習提供了紮實的圖像製作知識，教會他如何創造出能有效溝通的視覺，「顏色、構圖、排版，當圖像必須傳遞訊息的時候，每一個元素都很重要。從這個意義來說，這段養成對我幫助很大。」畢業後，他的插畫開始刊載於《紐約時報》、《衛報》等媒體，直到2015年，他因巴黎恐攻畫下結合巴黎鐵塔與和平符號的「Peace for Paris」圖像，一夜瘋傳至全球，意外讓他受到國際矚目。但他當時接受CNN採訪時表示，自己無法感到驕傲或開心，因為這是非常黑暗的時刻，並不樂見這樣的曝光，但至少很欣慰大眾能運用這個圖像。

粗黑外框與簡單線條的畫風形塑

這並非Jean Jullien第一次用藝術回應社會事件，2015年初發生的《查理週刊》總部恐怖槍擊，他就在社群上傳鉛筆與槍頭相對的圖像。生活裡的觀察與感受，一直是他的創作靈感，「這來自本能，我擁有迅速對很多事情感到煩躁的能力。我會把這些事情轉化成喜劇畫出來，就比較不會太沮喪。」他說，過去自己花大量時間在社群媒體上，常常會把觀察到的現象畫出來，即便現在已減少社群媒體使用時間，卻在真實世界發現喜劇素材多到不敢相信，「像是人工智慧、自我展演的癡迷、對永生的渴望等等。」這些諷刺喜劇都在他標誌性的粗黑外框、簡單線條下有了生命，而這個畫風源自他使用攝影棚、紙模型的創作階段，為了方便剪紙，先在紙上畫出輪廓、讓圖像從背景中突顯。後來他從事攝影創作的時間越來越少，因此現在看到的插畫風格，其實就是把當時的創作「壓扁」到二維平面上，只保留紙張顏色和黑色畫筆輪廓。

插畫是大眾最認識他的創作媒材，但他也橫跨裝置、動畫、攝影、服裝等領域。例如代表作之一《Paper People》系列，宛若紙娃娃的簡約人形，故事概念是一個被創作者遺忘的角色，決定自己在紙上尋找朋友。這件作品最初是Jean Jullien在學校做的紙模型，隨著時間發展成更穩固的金屬結構，「我喜歡它們保留了紙張的簡單性，讓我有辦法將它們變成我想要的任何形狀，隨著時間推移與媒材變化，發展出更大、更長久的故事。」2016年，《Paper People》首次以金屬裝置在展覽《Flat Out》亮相，從此開始以各種型態出現在他的創作。近期與藝術品牌「Case Studyo」的合作，紙人們化身椅子；目前正在日本東京銀座GINZA SIX展出的《The Departure》，則把裝置吊在8公尺高的中庭，「讓我有機會探索懸吊空中，還有目前為止都沒有嘗試過的動態。未來我希望在不同的故事章節、展出場合繼續發展它們，將整個敘述彙編成書或展覽。」

他也和弟弟Nicolas Jullien組成創作團體「Jullien Brothers」，發表不少動畫作品。「我一直很喜歡《Catastrophe》，因為它非常DIY，又非常快節奏、色彩豐富。但《Troll Slayer》才是我最喜歡的作品，理由在於它的製作方式：在我們的倫敦臥室裡，用了很多透明膠帶和動畫木偶。」有趣的是，弟弟亦有音樂人身分，先後以「Niwouinwouin」、「the coward」的名字闖蕩樂壇，Jullien Brothers也製作了許多音樂錄影帶，是Jean Jullien至今都很鍾愛的作品，因為很簡單卻聰明。

合適的商業案並不會降低創作品質

個人創作之外，Jean Jullien總令人會心一笑的插畫，也受到Beams、RCA Records、The Connaught、Salomon等品牌青睞邀約合作。藝術和商業的平衡，往往是每個創作者必須面對的課題，對此他自有一套看法，「我以前接更多商業案，當案子比較少、間隔比較長的時候，幾乎來者不拒。現在我只接一些挑選過、認為合適的案子，只要商業案的合作對象合適，我不覺得它會降低作品品質。」對於合作的商品，他說自己並沒有所謂「票房壓力」，而是視其為向不同群眾溝通自己作品的好管道。

近年他和衝浪板品牌「Fernand Surfboards」合作，推出海豹、藍鯨、橙色與灰色的魚，4款手繪衝浪板宛如卡通海洋動物優游浪上。問及合作契機，他笑說這並非品牌主動邀約，而是私下愛衝浪的他，先向Fernand Surfboards訂製一款他要使用的粉紅色衝浪板，訂單成立後竟接獲創辦人Geoffray Sipoir聯繫，提議可以一起做點什麼。他們從一系列刺繡服裝開始發想，之後轉向了衝浪板。Jean Jullien先提了簡單草圖後，兩人一起來到法國衝浪勝地奧瑟戈爾（Hossegor），他回憶起創作過程，「他已經先做好衝浪板形狀、上好底色，然後我在上面畫出細節，他再經過玻璃纖維強化與拋光處理後，一切都就緒了！」

以自創品牌與大型展覽打入韓國潮流

在流行文化競爭激烈的韓國，Jean Jullien的作品也受到歡迎。2016年，他和韓國藝術家Jae Huh共同創立品牌「NouNou」，打入韓國潮流市場。兩人是中央聖馬丁藝術與設計學院的同學，Jean Jullien形容他們「認識後就一拍即合」，求學期間經常合作作業和自發性創作，之所以會一起成立品牌，就是單純想延續這份合作。NouNou的代表性視覺是一張「臉」，用Jean Jullien一貫的粗黑筆觸描繪出簡約表情，並把這一張張表情與顏色迥異的臉，運用在衣服、帽子、鞋子、杯子等商品，童趣卻大人感十足。之所以選用臉作為品牌視覺，他說，「臉是一個容易親近和感到關聯的圖像，我們的想法是，要有一個足夠簡單的視覺，讓我們有很大的自由可以玩創作。Jae對衣服很有眼光，所以知道圖像該用在哪裡、不該用在哪裡。我們真的是攜手合作，無時無刻都在討論每件事的方向，這讓NouNou非常特別。」

NouNou的商品目前以服飾為大宗，「NouNou從來都不是服裝品牌，之所以採用這個形式，是因為Jae可以更輕鬆地運用他在時尚界的資源來創作。」Jean Jullien說，兩人一直有很多新計劃想要與正在嘗試，例如Jae Huh現今不僅是品牌共同創辦人，也作為經紀人代理他的作品，並在韓國各地舉辦展覽。2022年下半年到2023年初，他在韓國東大門設計廣場（DDP）舉辦個人首檔大型回顧展《Then, There》，「展覽概念是回顧過去20年我所做的一切，審視現在自己走到了哪個階段。主題建立在一系列觀察後的提問，從這個意義上來說，它非常謙卑。我花費最多時間並引起觀眾共鳴的是『素描本展間』，因為我回頭閱讀了數千頁私人日記，並畫出一幅敘事壁畫重述過去20年生活中發生的事。這有點像是乘坐一趟內心的雲霄飛車，但觀眾們似乎很欣賞它的誠意。」而今年3∼10月於韓國慶州宇洋美術館（Wooyang Museum of Contemporary Art），也有新展覽《Still There》登場。

歷經各種媒材創作、與各類品牌合作，現在的Jean Jullien仍有想再嘗試的下一步，「我真的很想做一本圖像小說和一部動畫。整體來說，我很想做更多大型展覽，更沉浸式的作品，可以真正帶觀眾踏上一段旅程，遠離日常生活和習慣，並挑戰他們。」行駛在創作路上20年的飛車，如今只來到中繼站，帶著不變玩心與百變創意，持續把沿途上的喜怒描繪成畫。

Jean Jullien

1983年生，平面藝術家，現居於巴黎。2008年畢業於中央聖馬丁學院，2010年畢業於皇家藝術學院。創作範圍橫跨插畫、攝影、動畫、服裝、裝置、書籍、海報（甚至還有滑板）等。作品曾於巴黎、倫敦、布魯塞爾、洛杉磯、紐約、舊金山、柏林、東京、首爾、新加坡等地的美術館或藝廊展出。作品刊載於《紐約時報》、《紐約客》、《國家地理》等媒體。與Beams、RCA Records、The Connaught等國際品牌合作。2022年由Phaidon Press出版個人首本回顧著作。 IG：jean_jullien

文｜張以潔

攝影｜julienbinchbinet

圖片提供｜Jean Jullien Studio

更多精彩內容請見 La Vie 2023/4月號《尋找森系靈感》

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23