黑色輪廓邊框裡，簡單卻靈動的五官映照出當代人類百態。法國藝術家Jean Jullien並置童趣諷刺與大人天真的畫作，出現在《紐約時報》、《國家地理》等國際媒體，也以自創品牌NouNou攻占韓國潮流文化。La Vie專訪到這位坐擁破百萬IG追蹤的藝術家，走進他持續圈粉全球的創作幕後。

無異於世界上許多人的童年，Jean Jullien是個看漫畫長大的孩子。出生於法國西部的城市南特（Nantes），他大量接觸法國漫畫、美國漫畫、日本動漫，各種類型葷素不拘。回想起這段最初啟蒙，他說，「它們確實激發了想像力，引導我表達腦中所想，提供我用視覺去轉譯周遭世界的基礎。正因為閱讀、觀看的內容類型不拘一格，使我擺脫了必須堅持單一風格的想法。」

不同於大多數職業畫家，他先赴法國坎佩爾（Quimper）求學，再到英國倫敦就讀中央聖馬丁藝術與設計學院（Central Saint Martins College of Art and Design）、皇家藝術學院（Royal College of Art），攻讀的都是平面設計。他認為，平面設計的學習提供了紮實的圖像製作知識，教會他如何創造出能有效溝通的視覺，「顏色、構圖、排版，當圖像必須傳遞訊息的時候，每一個元素都很重要。從這個意義來說，這段養成對我幫助很大。」畢業後，他的插畫開始刊載於《紐約時報》、《衛報》等媒體，直到2015年，他因巴黎恐攻畫下結合巴黎鐵塔與和平符號的「Peace for Paris」圖像，一夜瘋傳至全球，意外讓他受到國際矚目。但他當時接受CNN採訪時表示，自己無法感到驕傲或開心，因為這是非常黑暗的時刻，並不樂見這樣的曝光，但至少很欣慰大眾能運用這個圖像。

粗黑外框與簡單線條的畫風形塑

這並非Jean Jullien第一次用藝術回應社會事件，2015年初發生的《查理週刊》總部恐怖槍擊，他就在社群上傳鉛筆與槍頭相對的圖像。生活裡的觀察與感受，一直是他的創作靈感，「這來自本能，我擁有迅速對很多事情感到煩躁的能力。我會把這些事情轉化成喜劇畫出來，就比較不會太沮喪。」他說，過去自己花大量時間在社群媒體上，常常會把觀察到的現象畫出來，即便現在已減少社群媒體使用時間，卻在真實世界發現喜劇素材多到不敢相信，「像是人工智慧、自我展演的癡迷、對永生的渴望等等。」這些諷刺喜劇都在他標誌性的粗黑外框、簡單線條下有了生命，而這個畫風源自他使用攝影棚、紙模型的創作階段，為了方便剪紙，先在紙上畫出輪廓、讓圖像從背景中突顯。後來他從事攝影創作的時間越來越少，因此現在看到的插畫風格，其實就是把當時的創作「壓扁」到二維平面上，只保留紙張顏色和黑色畫筆輪廓。

插畫是大眾最認識他的創作媒材，但他也橫跨裝置、動畫、攝影、服裝等領域。例如代表作之一《Paper People》系列，宛若紙娃娃的簡約人形，故事概念是一個被創作者遺忘的角色，決定自己在紙上尋找朋友。這件作品最初是Jean Jullien在學校做的紙模型，隨著時間發展成更穩固的金屬結構，「我喜歡它們保留了紙張的簡單性，讓我有辦法將它們變成我想要的任何形狀，隨著時間推移與媒材變化，發展出更大、更長久的故事。」2016年，《Paper People》首次以金屬裝置在展覽《Flat Out》亮相，從此開始以各種型態出現在他的創作。近期與藝術品牌「Case Studyo」的合作，紙人們化身椅子；目前正在日本東京銀座GINZA SIX展出的《The Departure》，則把裝置吊在8公尺高的中庭，「讓我有機會探索懸吊空中，還有目前為止都沒有嘗試過的動態。未來我希望在不同的故事章節、展出場合繼續發展它們，將整個敘述彙編成書或展覽。」

他也和弟弟Nicolas Jullien組成創作團體「Jullien Brothers」，發表不少動畫作品。「我一直很喜歡《Catastrophe》，因為它非常DIY，又非常快節奏、色彩豐富。但《Troll Slayer》才是我最喜歡的作品，理由在於它的製作方式：在我們的倫敦臥室裡，用了很多透明膠帶和動畫木偶。」有趣的是，弟弟亦有音樂人身分，先後以「Niwouinwouin」、「the coward」的名字闖蕩樂壇，Jullien Brothers也製作了許多音樂錄影帶，是Jean Jullien至今都很鍾愛的作品，因為很簡單卻聰明。

合適的商業案並不會降低創作品質

個人創作之外，Jean Jullien總令人會心一笑的插畫，也受到Beams、RCA Records、The Connaught、Salomon等品牌青睞邀約合作。藝術和商業的平衡，往往是每個創作者必須面對的課題，對此他自有一套看法，「我以前接更多商業案，當案子比較少、間隔比較長的時候，幾乎來者不拒。現在我只接一些挑選過、認為合適的案子，只要商業案的合作對象合適，我不覺得它會降低作品品質。」對於合作的商品，他說自己並沒有所謂「票房壓力」，而是視其為向不同群眾溝通自己作品的好管道。

近年他和衝浪板品牌「Fernand Surfboards」合作，推出海豹、藍鯨、橙色與灰色的魚，4款手繪衝浪板宛如卡通海洋動物優游浪上。問及合作契機，他笑說這並非品牌主動邀約，而是私下愛衝浪的他，先向Fernand Surfboards訂製一款他要使用的粉紅色衝浪板，訂單成立後竟接獲創辦人Geoffray Sipoir聯繫，提議可以一起做點什麼。他們從一系列刺繡服裝開始發想，之後轉向了衝浪板。Jean Jullien先提了簡單草圖後，兩人一起來到法國衝浪勝地奧瑟戈爾（Hossegor），他回憶起創作過程，「他已經先做好衝浪板形狀、上好底色，然後我在上面畫出細節，他再經過玻璃纖維強化與拋光處理後，一切都就緒了！」

以自創品牌與大型展覽打入韓國潮流

在流行文化競爭激烈的韓國，Jean Jullien的作品也受到歡迎。2016年，他和韓國藝術家Jae Huh共同創立品牌「NouNou」，打入韓國潮流市場。兩人是中央聖馬丁藝術與設計學院的同學，Jean Jullien形容他們「認識後就一拍即合」，求學期間經常合作作業和自發性創作，之所以會一起成立品牌，就是單純想延續這份合作。NouNou的代表性視覺是一張「臉」，用Jean Jullien一貫的粗黑筆觸描繪出簡約表情，並把這一張張表情與顏色迥異的臉，運用在衣服、帽子、鞋子、杯子等商品，童趣卻大人感十足。之所以選用臉作為品牌視覺，他說，「臉是一個容易親近和感到關聯的圖像，我們的想法是，要有一個足夠簡單的視覺，讓我們有很大的自由可以玩創作。Jae對衣服很有眼光，所以知道圖像該用在哪裡、不該用在哪裡。我們真的是攜手合作，無時無刻都在討論每件事的方向，這讓NouNou非常特別。」

NouNou的商品目前以服飾為大宗，「NouNou從來都不是服裝品牌，之所以採用這個形式，是因為Jae可以更輕鬆地運用他在時尚界的資源來創作。」Jean Jullien說，兩人一直有很多新計劃想要與正在嘗試，例如Jae Huh現今不僅是品牌共同創辦人，也作為經紀人代理他的作品，並在韓國各地舉辦展覽。2022年下半年到2023年初，他在韓國東大門設計廣場（DDP）舉辦個人首檔大型回顧展《Then, There》，「展覽概念是回顧過去20年我所做的一切，審視現在自己走到了哪個階段。主題建立在一系列觀察後的提問，從這個意義上來說，它非常謙卑。我花費最多時間並引起觀眾共鳴的是『素描本展間』，因為我回頭閱讀了數千頁私人日記，並畫出一幅敘事壁畫重述過去20年生活中發生的事。這有點像是乘坐一趟內心的雲霄飛車，但觀眾們似乎很欣賞它的誠意。」而今年3∼10月於韓國慶州宇洋美術館（Wooyang Museum of Contemporary Art），也有新展覽《Still There》登場。

歷經各種媒材創作、與各類品牌合作，現在的Jean Jullien仍有想再嘗試的下一步，「我真的很想做一本圖像小說和一部動畫。整體來說，我很想做更多大型展覽，更沉浸式的作品，可以真正帶觀眾踏上一段旅程，遠離日常生活和習慣，並挑戰他們。」行駛在創作路上20年的飛車，如今只來到中繼站，帶著不變玩心與百變創意，持續把沿途上的喜怒描繪成畫。

Jean Jullien

1983年生，平面藝術家，現居於巴黎。2008年畢業於中央聖馬丁學院，2010年畢業於皇家藝術學院。創作範圍橫跨插畫、攝影、動畫、服裝、裝置、書籍、海報（甚至還有滑板）等。作品曾於巴黎、倫敦、布魯塞爾、洛杉磯、紐約、舊金山、柏林、東京、首爾、新加坡等地的美術館或藝廊展出。作品刊載於《紐約時報》、《紐約客》、《國家地理》等媒體。與Beams、RCA Records、The Connaught等國際品牌合作。2022年由Phaidon Press出版個人首本回顧著作。 IG：jean_jullien

文｜張以潔

攝影｜julienbinchbinet

圖片提供｜Jean Jullien Studio

更多精彩內容請見 La Vie 2023/4月號《尋找森系靈感》

香奈兒文化基金（CHANEL Culture Fund）宣佈品牌的第二屆國際藝術文化獎項「CHANEL NEXT Prize」十位獲獎者名單，而這十位當代藝術家將獲得獎金及為期兩年的導師計畫。2024年評審委員包括女演員蒂妲·史雲頓（Tilda Swinton）、藝術家曹斐、以及策展人列格西．羅素（Legacy Russell）與漢斯．烏爾里希．奧布里斯特（Hans Ulrich Obrist ）。

CHANEL NEXT Prize每兩年頒發一次，選出10位分別重新定義該領域的國際當代藝術家，每位藝術家皆體現香奈兒品牌推動創新的使命。每位得獎人將獲得 10萬歐元的獎金，助力他們實現極具企圖心的藝術企劃。得獎者亦可加入由香奈兒全球藝文合作夥伴所推動為期兩年的導師暨人脈交流社群網路計劃，其中包括倫敦皇家藝術學院。本次得獎者分別來自六個國家，橫跨四大洲，包括英國、美國、愛爾蘭、巴西、新加坡和喬治亞。其作品橫跨視覺藝術、電影、舞蹈、電玩遊戲設計、表演、歌劇與數位藝術。

「NEXT Prize」由香奈兒文化基金於2021年設立，此基金是香奈兒發起的全球計畫，旨在加速推動文化發展的理念，延續品牌百年以來在藝文贊助上的傳統。香奈兒藝術與文化全球負責人 (Global Head of Arts & Culture at CHANEL) Yana Peel 表示：「『CHANEL NEXT Prize』的設立是為了擴大那些產生影響並重新定義該領域藝術家的作品。第二屆獎項將支持十位這樣的藝術家，每一位都扮演著推手與先鋒的角色，顛覆了從藝術、歌劇、電影以及電玩設計等多個文化領域的既有作法。觀賞他們精彩的創意之旅令人振奮不已。」

2024 CHANEL NEXT Prize 得主

Tolia Astakhishvili ：出生於喬治亞提比里西（Tbilisi），現居柏林與提比里西，是一位跨領域藝術家，主要從事裝置藝術創作。 Tolia的藝術實踐根植於繪畫，近期則將創作範圍擴展到結合影片、聲音、檔案影像和現成素材的大規模建築專案。Astakhishvili 的裝置作品經常融入其他藝術家的創作，她認為這種合作過程能「為個人與集體經驗敘述創造空間。」

Astakhishvili 近期個展皆於德國舉行，包括在 Haus am Waldsee 舉辦的《The First Finger (chapter II)》（2023 年）、在 Bonner Kunstverein 舉辦的《The First Finger》（2023 年），以及在 Bielefelder Kunstverein 舉辦的《I think it's closed》（2023年）。她在美國的首次個展將於2024年在紐約皇后區雕塑中心（SculptureCenter）揭幕。

Kantemir Balagov：出生於俄羅斯卡巴爾達-巴爾卡爾（Kabardino-Balkaria）地區的納利奇克（ Nalchik），現居美國洛杉磯，同時是藝術家和電影創作者。師承俄羅斯知名導演 Alexander Sokurov，其導演處女作《親密不親密》（Closeness）於 2017 年上映，講述一對年輕夫婦在婚禮前夕被綁架的真實故事。《親密不親密》為 Balagov 贏得了 2017 年坎城影展的費比西國際影評人獎（Fipresci Prize），以及 2018 年法國昂熱影展的評審團大獎。 

Balagov 於 2019 年拍攝了第二部影片《裂愛》（Beanpole），這部電影以 1945 年被佔領的俄羅斯城市列寧格勒為背景，聚焦兩名女士兵在努力適應平民生活的過程中建立的友誼。該片榮獲 2019 年坎城影展「一種注目最佳導演獎」（Un Certain Regard），並成為俄羅斯角逐美國奧斯卡金像獎的作品。

Oona Doherty ：出生於北愛爾蘭貝爾法斯特（Belfast），現居法國馬賽，是一位活躍在當代舞蹈界前線的編舞家。她的表演方式真實坦誠且扣人心弦，刻劃現實生活中的情境，角色容易讓人產生共鳴。

Doherty 在全球累積十多年的表演資歷，並於倫敦舞傘舞蹈藝術節（Dance Umbrella festival）以 Navy Blue（2022年）在薩德勒之井劇院（Sadler's Wells Theatre）首度登台。在此之前，她的《Hard to Be Soft: A Belfast Prayer》被《衛報》評為 2019 年最佳舞蹈表演。這場表演的前身名為《Hope Hunt and the Ascension into Lazarus》，經 BBC 藝術頻道《Dancing Nation》系列節目收錄。

她在 2021 年威尼斯舞蹈雙年展上榮獲銀獅獎，並於 2023 年擔任倫敦國家青年舞蹈團的客座藝術總監。她目前在法國艾克斯普羅旺斯（Aix-en-Provence）的黑亭普雷祖卡芭蕾舞團（Ballet Preljocaj）任職協同藝術家，正在創作全新舞蹈作品《Specky Clark》。

Sam Eng：出生於紐約且現居於此，是一名獨立遊戲開發者，在視覺藝術和遊戲設計的交界領域辛勤耕耘。Eng是一位自學成才的遊戲開發者，他出生於曼哈頓，父母是香港移民。他目前正在開發《SKATE STORY》，這款遊戲探索克服自身限制的體驗。《SKATE STORY》玩家的身體由玻璃組成，化身為在地下世界騎乘滑板的惡魔。 他於 2018 年在 Nintendo Switch 上獨立推出首款遊戲，名為《Zarvot》，遊戲中無生命的立方體發展出知覺力，作品也在 PAX Prime 遊戲展和 IndieCade East 國際獨立遊戲節中大受肯定。 

Eng 與數位藝術家 Ian Cheng 合作打造出著名的裝置藝術作品《Emissaries》和《B.O.B. (Bag of Beliefs)》。他是 GUMBO NYC 的創始成員，這是一個專為獨立遊戲製作者成立的布魯克林非營利開發團體。電子遊戲發行商 Devolver Digital 將於 2024 年發佈《SKATE STORY》。 

Ho Tzu Nyen ：出生於新加坡且現居於此，他的作品包括動畫、影片、表演和裝置藝術，透過挪用並重塑神話和歷史，質疑現實和歷史的建構方式。 他的大部分作品都與新加坡息息相關，新加坡是前英國殖民地，現在則是多元文化的島國。Ho 的藝術實踐從新加坡開始延伸，逐漸融入東南亞和東亞其他文化的神話和歷史。

他代表新加坡參加第 54 屆威尼斯雙年展，同時也曾在日本豐田市美術館（2021 年）、日本山口情報藝術中心（2021年）、德國漢堡藝術協會（2018年）、西班牙畢爾包古根漢美術館（2015年）及東京森美術館（2012年）舉辦個展。主題為《Ho Tzu Nyen: Time & the Tiger》的一項調查展覽於2023年在新加坡美術館揭幕，涵蓋他過去二十年以來的作品。該展覽將於今年在首爾善宰藝術中心和紐約埃塞爾藝術博物館巡迴展出，接著預計在 2025 年進駐盧森堡現代美術館。他亦將於 2024 年 4 月在東京都現代美術館，舉辦名為《A for Agents》的個展。

Fox Maxy ：出生於美國聖地亞哥，是一位視覺藝術家和導演，其作品根植於對安全、土地和水的健康、生存、快樂和耐受力深刻的個人反思。Maxy 是 Payómkawish族，為 Mesa Grande Band of Mission Indians 的一員。她的作品挑戰恐怖片和紀錄片的範疇，第一部長片《Gush》於 2023 年在日舞影展首映。《Gush》以 Maxy 多年來蒐集的視聽素材打造出一幅拼貼畫，針對恐怖和生存進行如萬花筒般的多樣化研究，歌頌友誼和永不磨滅的堅毅精神。 

2020 年，Maxy 獲得第一筆贊助款，來自支持原住民電影藝術家的 COUSIN Collective 。她於 2022 年成為日舞協會的 Merata Mita 會員，目前是 Vera List Center Borderlands 會員，該倡議由新學院、紐約帕森設計學院和亞利桑那州立大學發起。 Maxy 的作品曾在紐約現代藝術博物館、多倫多國際影展、鹿特丹影展、imagineNATIVE 電影節、洛杉磯郡立藝術館、BlackStar 電影節和紐約林肯表演藝術中心放映。Maxy 目前正在拍攝第二部長片《$hy Heart》，聚焦心理健康的重要性。

Moor Mother：Camae Ayewa 的藝名為 Moor Mother，是一位出生並居住於美國的音樂家、詩人和視覺藝術家，她的創作融合自由爵士樂、電子樂和古典樂等多種音樂流派。Ayewa結合檔案作曲、現場錄音和她自己的拼貼作品，創造出能夠跨越歷史洪流的聲音景觀，並試圖透過此過程啟發能動性，同時賦予黑人社群力量。

她以 Moor Mother 的藝名登台演出，共發行過八張專輯，包括《The Great Bailout》（2024年）和《Jazz Codes》（2022年）。她是自由爵士團體《Irreversible Entanglements》的共同領導人，並與 Rasheedah Phillips 共組《Black Quantum Futurism》，致力於透過藝術、寫作、音樂和表演，探索調整現實的全新道路。 

Ayewa 是南加州大學桑頓音樂學院作曲系助理教授、Pew 研究中心成員，並且獲獎無數，包括 2016 年 Leeway Transformation 獎、2018 年 The Kitchen 首屆新銳藝術家獎，以及 2023 年德國爵士樂年度國際音樂家獎。她的作品曾在美國紐約古根漢美術館、大都會藝術博物館和卡內基音樂廳、卡塞爾文獻展、德國柏林爵士音樂節以及倫敦巴比肯藝術中心等地演出。

Dalton Paula ：出生於巴西利亞，現居巴西戈亞尼亞（Goiânia），是一位藝術家和教育家，運用繪畫和攝影為被世人遺忘的巴西人物創作貼近內心的肖像畫。Paula 的藝術實踐聚焦未經巴西歷史認可的群體，因此他透過藝術探索從殖民時期到現代巴西黑人身體的呈現方式，特別是離散至當地的非洲僑民。Paula 的作品經常以「terreiros」為中心，也就是坎東布萊教的禮拜場所，主要由巴西的非洲僑民信奉。他同時深入研究「quilombos」的歷史，意為逃亡奴隸在內陸聚集和定居的地點。 

2020 年，Paula 在紐約 Alexander and Bonin 畫廊舉辦首次個展。此後，他在聖保羅藝術博物館（MASP）和聖保羅州立藝廊（2022年）舉辦了個展。接著2023 年獲頒開放社會基金索羅斯藝術獎學金。2021 年，他在戈亞尼亞創辦 Sertão Negro 工作室和藝術學院，這個文化中心每年舉辦駐村計劃；他的作品將於第 60 屆威尼斯雙年展展出。

Anna Thorvaldsdottir ：出生於冰島，現居大倫敦，是當代古典樂界最具風格的作曲家之一。 她獨樹一格的音樂世界結合非傳統的細微差別、和聲和抒情特質，譜出不斷演化的音效生態系統。

Thorvaldsdottir 的音樂在國際上廣泛地演出，並受到許多世界領先的管弦樂團、樂團和藝術組織的委託，其中包括柏林愛樂樂團、紐約愛樂樂團、洛杉磯愛樂樂團、巴黎交響樂團、巴黎當代樂團、英國廣播公司逍遙音樂會及卡內基音樂廳。她為交響樂團創作的獨特作品亦為她贏得紐約愛樂樂團、林肯中心、北歐理事會和艾弗斯學院的獎項。

Davón Tines ：出生於維吉尼亞州，現居美國巴爾的摩（Baltimore），是一位歌手、創作者和策展人，在戲劇和歌劇中擔任低男中音。他透過聲音的力量和打破常規的表演方式推動古典樂界的發展。Tines 的表演融合歌劇、流行歌曲、靈歌和福音音樂，講述堅持不懈與人際關係的個人故事。

他在紐約卡內基音樂廳以《Recital No.1: MASS》（2022年）首度登台亮相，另於倫敦巴比肯藝術中心在 David Lang 的劇作《Prisoner of the State》（2020年）中演出獄卒，並共同創作改編自藍斯頓．休斯（Langston Hughes）的詩作《The Black Clown》（2019年），作品在紐約林肯中心演出。

他曾於2018 年獲得林肯中心新銳藝術家獎，2019 年被《時代》雜誌譽為「新世代未來領袖」，2020年獲頒 Sphinx 基金會卓越獎章、榮獲美國全國教育協會人權和民權獎。他的表演足跡遍佈世界，包括最近與紐約愛樂樂團和洛杉磯愛樂樂團合作，在巴塞隆納大禮堂與位於倫敦的 Bold Tendencies 和巴比肯藝術中心演出。2024 年 4 月，他將首度登上紐約大都會歌劇院演出。

人們對人體奧秘的研究從不曾終止，早在五千年前古埃及人就會解剖人體做精密的防腐處理；為了研究人體結構，文藝復興時期的著名畫家如達文西與米開朗基羅，也曾向地方醫院私下購買新鮮屍體；14世紀前醫生們依舊靠草藥、水蛭和外科鋸治療大部分的病症，但隨人體解剖的發展，現代醫學才於焉而生。

在解剖學家探索人體系統與器官的科學真相時，藝術家正致力於追求畫像的真實性。自文藝復興以來，藝術學校一直都有解剖學課。這個時期的畫家與雕塑家深受解剖學所吸引，因為身體構造對體態有很大的影響。舉例來說，理解手臂肌肉的排列使他們較能描繪出生動的手勢，學習骨骼知識亦使他們較能刻畫出戲劇性場景中的逼真姿態。

萊昂．巴蒂斯塔．阿伯提（Leon Battista Alberti）與波拉伊奧羅（Pollaiuolo）兄弟

藝術家對人像愈來愈感興趣，而且不限於傳統的宗教聖像，他們開始描繪真實人物工作、玩樂、生活和死亡的樣子。由於藝術家較注重外在的呈現，而不是抽象或哲學的真理，因此他們有時會比解剖學家更善於觀察，而且肯定會以不同的視角來看待人體。萊昂．巴蒂斯塔．阿伯提（1404–72年）是來自義大利熱那亞（Genoan）的博學家，也是達文西的前輩。他強烈要求自己的繪畫課學生在描繪裸體時，一定要先畫出肌肉與骨骼，再加上皮膚。

另外還有一些人更激進，在描繪或雕塑人體時，不論人物是生是死，都不會有皮膚（換句話說，這些人物的皮都被剝掉了）。據說，安東尼奧．德爾．波拉伊奧羅（Antonio del Pollaiuolo，約1433–98年）和他的弟弟皮耶羅（Piero，1443–96年）曾一起替屍體剝皮和進行解剖。他們兩人都是在佛羅倫斯工作的畫家。安東尼奧同時也是一位雕塑家，曾為教宗思道四世（Sixtus IV）和依諾增爵八世（Innocent VIII）設計塚墓。這對兄弟的作品皆顯示出解剖知識對藝術的深刻影響。

安東尼奧經常描繪承受壓迫的人，藉以表現某種程度的暴力與殘酷。在他的聖塞巴斯蒂安（Saint Sebastian）畫作中，可以看到這位聖徒被綑綁在樹上、遭亂箭射死的情景。值得注意的是，採取攻擊姿勢的迫害者也出現在畫中。安東尼奧最著名的鐫刻版畫是《裸男之戰》（The Battle of the Nude Men）。在這幅練習畫中，他描繪十名裸體戰士以刀劍、匕首、弓箭和斧頭互相攻擊的場面，並細膩刻畫出他們的肌肉線條。

李奧納多．達文西

達文西不僅是《蒙娜麗莎》（Mona Lisa）的創作者、直升機的設計師，同時也是一名稱職的解剖學家。他的解剖草圖都相當準確，這表示在屍體腐敗前必須趕緊觀察與記錄的情況下，他還能保持敏銳的洞察力和手部的穩定性。在1489年，達文西首次購買一顆顱骨，並在1507年進行了第一次人體解剖。當時達文西已年過50，而他的解剖對象，是一位在他眼前自然安詳死亡的100歲老人。

眾所周知，達文西的畫作筆記是以鏡像文字書寫而成。從這些筆記內容可明顯看出，最初他對於自己所接收到的解剖學知識感到相當困惑，因為這些資訊和他自己的發現及解讀有很大的落差。舉例來說，心臟是否真如達爾文所見，是一塊會將血液推送至身體各處的肌肉？

後來，達文西透過解剖公牛的心臟，終於能夠確定心臟才是血液系統的中樞，而不是肝臟。令人扼腕的是，他只差一步就能透過這項研究，證明人體內的血液循環現象。結果一直要到120年後，英國解剖學家威廉．哈維才終於取得這項突破性的進展。

米開朗基羅

米開朗基羅對人體結構的透徹理解無人能及。在他的大量創作中，對體態的生動描繪牢牢抓住了觀者的目光。畫中人物的表情與動作能被辨認出來，也令人感到熟悉；他們並不只是擺出常見姿勢的模仿品，而是傳遞情感與展現肌肉肌腱張力的真實人物。

有大量證據顯示米開朗基羅曾進行解剖。他在年輕時至少出席過一次公開解剖展示，並為之深深著迷，甚至向佛羅倫斯的聖靈修道院，請求允許他解剖修道院醫院中待埋葬的屍體。而為了回報，米開朗基羅在1492年雕刻了一尊近1.5公尺高、結構準確的耶穌裸體十字苦像，作為謝禮。當時的他才不過17歲。

在他的人生後期，米開朗基羅受命為西斯汀禮拜堂繪製壁畫《最後的審判》（The Last Judgement，1541年）。世界末日到來，所有人皆交由上帝裁定該上天堂或下地獄—審判日的浩大場景，給了米開朗基羅無窮的發揮空間，使他能描繪人在死後重生時的各種姿態與情感。

畫中央正在進行審判的耶穌，不是留有鬍鬚、被釘在十字架上的受難者，而是一名面貌清秀、身強體健的青年。在耶穌的左腳旁有一名男子，一手拿著解剖刀，另一手拿著自己的皮膚。這個人物是聖巴爾多祿茂（St Bartholomew），在傳教時活生生地被剝皮虐待至死。不過，他手裡的人皮上畫的卻是米開朗基羅的臉。如果有人懷疑米開朗基羅對解剖學的熱忱，這幅畫應該能說明一切。

解剖學知識形塑了這個時期的藝術作品，偉大的文藝復興藝術家皆在世紀交替之際，創作出自己最傑出的作品，同時深受解剖學所吸引，這絕非偶然。透過寫作與繪畫、閱讀與觀察，深入了解人類的身體結構與生理缺陷，藝術家們才得以刻劃出作品中細膩自然的人體樣貌。

本文內容節錄自 La Vie 出版書籍解剖之書:從古埃及到現代，300+史上重要的人體構造繪畫與醫療史

出版日期｜2024-03-28

作者｜科林‧薩爾特爾

涵蓋歐陸、中東、東亞人體研究的歷史文本，細膩的筆調佐以精美的圖畫，溯源醫學知識和解剖學的演變，窺探交織其間的死亡美學與禁忌的藝術史。