2023 LOEWE工藝獎得主揭曉！3件精彩作品：陶瓷驚喜展現織品視覺感，精細木雕傳達西非傳統信仰

每年春夏之交，就是「LOEWE工藝獎」（LOEWE Craft Prize）公佈得主的時節！2023年由來自日本的Eriko Inazaki拿下工藝獎，以精湛的陶瓷工藝獲得評審青睞；而同樣出身日本的Moe Watanabe以及西非貝南的Dominique Zinkpè，則分別憑藉利用樹木、木頭打造的匠心之作奪得優異獎。

LOEWE迎來現任創意總監Jonathan Anderson後，不僅展現出什麼都玩、什麼都不奇怪的好奇心，同時也用心維繫著品牌流傳上百年的「工藝」血脈，除了長期與各地工匠和藝術家跨界合作，更創立了LOEWE工藝獎，自2016年起持續挖掘世界各地的新銳工藝家。今年獎項邁入第六屆，候選作品涵蓋多元媒材，包含陶器、木器、紡織品、皮革、玻璃、金屬、珠寶、漆器⋯⋯等，一起來看哪些匠心獨運之作在上千件徵選作品中脫穎而出！

工藝獎｜Eriko Inazaki｜打破陶瓷的視覺框架

最大獎由日本工藝家Eriko Inazaki拿下，出自他手的陶瓷雕塑《Metanoia》形態極為精妙——乍看如佈滿有機生物體的巨岩，蘊藏著豐沛的生命力，若未親手觸摸或近距離觀察，或許會以為創作者所使用的媒材是織品與布料，幾乎不會直接聯想到是陶瓷。而這充滿反轉性的視覺感，正是《Metanoia》獲得青睞的原因，評審團表示Eriko Inazaki的陶瓷裝飾技巧不僅傑出，更超越了我們過往對手工陶作的期望，可以說是前所未見。

為了創造《Metanoia》，Eriko Inazaki前後花費了一年多的時間，這件陶塑如今看來一體成型，其實由數百個微型組件悉心拼湊而成。作品表面錯綜復雜的圖樣，由Eriko Inazaki透過多次排列並層層堆疊而成，他先是創作了這些尺度極小的「零件」，並將它們固定在陶土芯上再進窯燒製，過程考驗創作者的細膩度與耐心。最終，這些微小、脆弱的組件共構了一件富生命力的作品，雖成品色彩簡樸，但圖樣卻有能量爆發的視覺衝擊感，兩者形成有趣對比。

優異獎｜Dominique Zinkpe｜以精密木雕包裹西非傳統信仰

來自西非貝南的工藝家Dominique Zinkpe，憑藉大型木雕《The Watchers》獲頒優異獎。本作與《Metanoia》略有異曲同工之妙——乍看一體成型，細看則有為數眾多的細膩組件；不過，有別於《Metanoia》是將組件固定於基礎陶土結構後再進行燒製，兩者仍屬於分開的構造，《The Watchers》則是直接以單塊實木雕刻而成，並置於舊獨木舟改造的木製框架內呈現。

經由Dominique Zinkpe的巧手，原先單調的實木化身細節複雜的木製小雕像，其靈感源自西非一帶的傳統習俗——生活在當地的約魯巴人相信雙胞胎具有特殊意義，若是孩子不幸早逝，人們會打造名為「Ibéji」的木製雕塑，並將雕塑視為逝者靈魂的象徵，也代表他們會在世間持續得到愛和照顧。《The Watchers》中的每件Ibéji，都擁有獨一無二的細節，並披上粉紅色與橙色的水洗色彩，Dominique Zinkpe期盼藉此提醒觀者「每個人都是獨特的」。

優異獎｜Moe Watanabe｜自然材質與傳統花道的相遇

另一位優異獎得主為日本工藝家Moe Watanabe，他的創作多以天然植物為基礎，大部分為木材，並結合雕刻、編織等加工技法，表現兼容當代氣息、傳統技術與有機感的美學特色。

Moe Watanabe本次得獎作品《Transfer Surface》是一只木造盒子，為了打造本作，他一如往常前往日本東北地區採集原料，蒐集好胡桃木樹皮後，他將表層剝去，接著將樹皮塑造為簡約的方形盒子，俐落外形呼應著傳統日本花道中的花瓶；側面樹皮重疊處，僅以簡單的針線固定，既保持胡桃木樹皮本身的質地、天然材料獨有的質樸感，也帶有傳統縫補工藝的意味。

現正展出中！

若想一睹今年度LOEWE工藝獎所有候選作品的真貌，特展現正於紐約野口勇博物館展出；線上展覽亦同步登場，數位展間中每件作品都有詳盡的創作理念與工法介紹，並輔以多角度拍攝的細膩影像，讓未能赴現場觀展的觀眾也能有同等享受。

資料、圖片｜LOEWE

由土耳其裔新媒體藝術家Refik Anadol與文化研究者Efsun Erkılıç共同創立的DATALAND，2026年6月於洛杉磯The Grand LA正式開幕。該美術館不僅展示AI創作，更希望打造一座持續生成並與觀眾互動的文化場域，重新思考人類、科技與藝術之間的關係。

一座結合資料、藝術與科學的智慧文化平台

不同於傳統美術館以展示歷史和典藏作品為核心，DATALAND將「資料（Data）」視為新的藝術媒材。館方提出「活的美術館（Living Museum）」概念，試圖重新定義數位時代的藝術表達方式。

以創作資料藝術的新媒體藝術家Refik Anadol成長於伊斯坦堡，受《銀翼殺手》啟發，長期探索科技、記憶與空間的關係。創立跨領域工作室後，他在2016年獲選為Google的AI駐村藝術家，並透過作品《Archive Dreaming》運用AI將龐大資料轉化為沉浸式藝術，持續探索機器學習、記憶與現實的邊界。今年開幕的DATALAND是工作室成立十年的里程碑，希望打造一充滿動感與變幻的互動空間。

延伸閱讀：專訪土耳其藝術家Refik Anadol：MoMA典藏作品到全球首座AI博物館，如何以數據美學掀起當代文藝復興？

而DATALAND除了舉辦展覽，其願景不止於藝術館本身。未來將建立一涵蓋各類AI藝術作品的綜合館藏，鼓勵藝術家駐村，並提供教育計畫與研究平台，串聯藝術家、科學家、研究機構及科技產業等各界人士，期望成為探索AI藝術與文化的重要據點。

值得一提的是，館方特別強調所有AI模型皆建立於合法授權與公開合作的資料來源，並將透明的資料治理與環境保護視為重要發展方向，希望回應生成式AI在版權、資料使用、創作倫理與二氧化碳排放上的討論。

首檔展覽《Machine Dreams: Rainforest》帶你走進沉浸式熱帶雨林

開館首展《機器夢想：雨林（Machine Dreams: Rainforest）》橫跨五個展區，透過人工智慧、即時運算和可穿戴裝置，結合光影、聲音、氣味與互動感測，打造沈浸式的多感官體驗。每一次演算都可能因時間、環境和觀眾互動而產生不同畫面，植物、光影、色彩與森林景觀皆隨著AI運作不斷變化，讓觀眾不只是觀看作品，更是走進一座由資料生成的12億像素數位雨林實境，添加展覽的趣味和多樣性。

光影、聲音、氣味交織，打造多重感官體驗

DATALAND強調身體與空間的互動。挑高展廳以360度投影，搭配雨林環境錄製的自然聲景、低頻音場與森林氣味，營造出宛如置身熱帶雨林的沉浸式體驗。

展覽亦設置「Data Tunnel」，以可視化資料與互動展示，揭示AI如何從龐大的資料中學習和分析，再生成眼前的影像。觀眾除了欣賞作品，也能理解資料如何一步步轉化為藝術，進而思考科技與自然之間的全新關係。

此主題延續Refik Anadol近年持續關注的自然議題。團隊以自行開發的AI模型 「Large Nature Model（LNM）」為基礎，運用Smithsonian、Cornell Lab of Ornithology、iNaturalist與倫敦自然史博物館等機構授權的自然資料，以及實地走訪全球熱帶雨林後蒐集的環境資訊，讓AI學習森林的紋理、聲音、生態與氣候，生成介於真實與想像之間的自然景觀。

重新定義未來美術館

近年來，Refik Anadol持續關注人工智慧是否能成為新的創作語言。在 DATALAND，觀眾得以進入作品之中，影響畫面的呈現，也能彷彿身臨其中地感受作品營造的環境，同時享受視覺、嗅覺、聽覺與觸覺結合的盛會。藝術的邊界正持續被改寫，或許在今日的數位時代，我們都將參與這場人類、自然與科技共同創作和碰撞的感官饗宴。

《Machine Dreams: Rainforest》

時間：即日起至2027年1月31日

地點：DATALAND（The Grand LA）

地址：100 S Grand Ave, Los Angeles, CA 90012, USA

網站資訊請點此

資料來源｜DATALAND、Related Companies

美國當代藝術家James Turrell的常設作品《As Seen Below – The Dome》，於2026年6月19日在丹麥ARoS美術館正式登場。這件高16公尺、直徑40公尺的《As Seen Below》，更是James Turrell第100件的「Skyspace」系列作品，別具意義。

探索光、空間與人類感知

1943年出生於洛杉磯的James Turrell，在年輕時取得飛行員的執照，長時間的飛行經驗，讓他深受天空、光線與感知變化吸引。他曾將飛行形容為一種近似冥想的經驗：置身於天空的遼闊之中，感受光線與色彩隨著高度、時間與天氣不斷流動。而這些經驗深刻形塑了他對「空間」與「光」的理解，同時成為他創作的靈感來源，也得以打造出挑戰人類現實感知的作品。

“Flying taught me to value the horizon as an important boundary between earth and sky. It’s this line I try to work with in many of my pieces.”（飛行教會我重視地平線，因為它是大地與天空之間一條重要的分界線。在我的許多作品中，正是圍繞著這條線進行創作。）

觀看這個行為本身就是藝術品

而James Turrell最具代表性的「Skyspace」系列裝置作品，是在空間頂部設置大型圓形開口，以框住開放的天空。這些經過精密設計的建築空間，營造出靜謐的氛圍，邀請觀者感受自然光線不斷變化的色彩與質地。如今，他的Skyspace系列作品遍布世界各地，持續引領人們放慢腳步、以全新的方式感知世界。他說，「建築將天空拉近，於是你意識到，『觀看』這個行為本身就是藝術品。」（The architecture brings the sky close, so you realise that the very act of seeing is the artwork itself.）

最大規模Skyspace作品登場

這件位於丹麥ARoS美術館的《As Seen Below – The Dome》，高16公尺、直徑40 公尺，也由於其規模、完成度與獨特表現形式，James Turrell將其形容為他至今最具企圖心的Skyspace作品。觀者可先經由地下通道進入作品，接著步入壯觀的室內穹頂空間；James Turrell標誌性的光線設計將覆蓋整個空間，同時透過上方的巨大開口，將天空收納進視野之中。

如何體驗《As Seen Below》？

而《As Seen Below》主要有3種觀看模式：在「Open Sky」模式下，巨大的穹頂空間顯得無邊無際，展現出開闊的天空視野；上方的圓形開口將把天空轉化為一幅不斷變化的生動畫布。「Colour Shift」將封閉天空的開口，使觀看的重點從天空轉向光與色彩本身；在這裡，光不只是照明工具，而是既塑造空間，也滲透於空間之中的具體存在。

在晝夜交替時分登場的「Twilight」模式中，穹頂開口將敞向天空，空間內的光線則隨著日出與日落緩緩轉換色彩，與自然光的變化相呼應。James Turrell透過空間中流動的色調來重塑人們的觀看情境，使天空的顏色彷彿也隨之流轉、時刻變幻。也正如他所說：「我可以把天空變成任何你想要的顏色。」

資料來源｜ARoS