每年春夏之交，就是「LOEWE工藝獎」（LOEWE Craft Prize）公佈得主的時節！2023年由來自日本的Eriko Inazaki拿下工藝獎，以精湛的陶瓷工藝獲得評審青睞；而同樣出身日本的Moe Watanabe以及西非貝南的Dominique Zinkpè，則分別憑藉利用樹木、木頭打造的匠心之作奪得優異獎。

LOEWE迎來現任創意總監Jonathan Anderson後，不僅展現出什麼都玩、什麼都不奇怪的好奇心，同時也用心維繫著品牌流傳上百年的「工藝」血脈，除了長期與各地工匠和藝術家跨界合作，更創立了LOEWE工藝獎，自2016年起持續挖掘世界各地的新銳工藝家。今年獎項邁入第六屆，候選作品涵蓋多元媒材，包含陶器、木器、紡織品、皮革、玻璃、金屬、珠寶、漆器⋯⋯等，一起來看哪些匠心獨運之作在上千件徵選作品中脫穎而出！

工藝獎｜Eriko Inazaki｜打破陶瓷的視覺框架

最大獎由日本工藝家Eriko Inazaki拿下，出自他手的陶瓷雕塑《Metanoia》形態極為精妙——乍看如佈滿有機生物體的巨岩，蘊藏著豐沛的生命力，若未親手觸摸或近距離觀察，或許會以為創作者所使用的媒材是織品與布料，幾乎不會直接聯想到是陶瓷。而這充滿反轉性的視覺感，正是《Metanoia》獲得青睞的原因，評審團表示Eriko Inazaki的陶瓷裝飾技巧不僅傑出，更超越了我們過往對手工陶作的期望，可以說是前所未見。

為了創造《Metanoia》，Eriko Inazaki前後花費了一年多的時間，這件陶塑如今看來一體成型，其實由數百個微型組件悉心拼湊而成。作品表面錯綜復雜的圖樣，由Eriko Inazaki透過多次排列並層層堆疊而成，他先是創作了這些尺度極小的「零件」，並將它們固定在陶土芯上再進窯燒製，過程考驗創作者的細膩度與耐心。最終，這些微小、脆弱的組件共構了一件富生命力的作品，雖成品色彩簡樸，但圖樣卻有能量爆發的視覺衝擊感，兩者形成有趣對比。

優異獎｜Dominique Zinkpe｜以精密木雕包裹西非傳統信仰

來自西非貝南的工藝家Dominique Zinkpe，憑藉大型木雕《The Watchers》獲頒優異獎。本作與《Metanoia》略有異曲同工之妙——乍看一體成型，細看則有為數眾多的細膩組件；不過，有別於《Metanoia》是將組件固定於基礎陶土結構後再進行燒製，兩者仍屬於分開的構造，《The Watchers》則是直接以單塊實木雕刻而成，並置於舊獨木舟改造的木製框架內呈現。

經由Dominique Zinkpe的巧手，原先單調的實木化身細節複雜的木製小雕像，其靈感源自西非一帶的傳統習俗——生活在當地的約魯巴人相信雙胞胎具有特殊意義，若是孩子不幸早逝，人們會打造名為「Ibéji」的木製雕塑，並將雕塑視為逝者靈魂的象徵，也代表他們會在世間持續得到愛和照顧。《The Watchers》中的每件Ibéji，都擁有獨一無二的細節，並披上粉紅色與橙色的水洗色彩，Dominique Zinkpe期盼藉此提醒觀者「每個人都是獨特的」。

優異獎｜Moe Watanabe｜自然材質與傳統花道的相遇

另一位優異獎得主為日本工藝家Moe Watanabe，他的創作多以天然植物為基礎，大部分為木材，並結合雕刻、編織等加工技法，表現兼容當代氣息、傳統技術與有機感的美學特色。

Moe Watanabe本次得獎作品《Transfer Surface》是一只木造盒子，為了打造本作，他一如往常前往日本東北地區採集原料，蒐集好胡桃木樹皮後，他將表層剝去，接著將樹皮塑造為簡約的方形盒子，俐落外形呼應著傳統日本花道中的花瓶；側面樹皮重疊處，僅以簡單的針線固定，既保持胡桃木樹皮本身的質地、天然材料獨有的質樸感，也帶有傳統縫補工藝的意味。

現正展出中！

若想一睹今年度LOEWE工藝獎所有候選作品的真貌，特展現正於紐約野口勇博物館展出；線上展覽亦同步登場，數位展間中每件作品都有詳盡的創作理念與工法介紹，並輔以多角度拍攝的細膩影像，讓未能赴現場觀展的觀眾也能有同等享受。

資料、圖片｜LOEWE

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」

高橋一生和小朋友玩在一起的畫面會不會太美好！東京國立新美術館即日起呈獻為期11天的「學展」，其中將夾帶兩件從今年首登場的藝術計畫《想像他者的四天》中生成的多人共創畫作，本屆頒獎典禮更將放映導演二宮健於4天工作坊期間所記錄孩子們揮灑創意的珍貴影像。從培養共感力與想像力的角度出發，此項目所回應並試圖溫柔改變的社會現況發人深省。

第75屆學展（Gakuten）推出實驗性影像製作企劃《想像他者的四天（他者を想像する四日間）》，邀來演員高橋一生，協同7名從本屆參展者中選出的國中小學生完成兩幅大型畫布作品，並隨學展其他作品於2025年8月7日至17日在東京國立新美術館公開展出。而由電影導演二宮健同步拍下創作全過程的特別影像，則將於8月9日舉行的得獎者表彰典禮上限定放映，供得獎者及相關人員觀賞，循作品本身和紀錄片兩種途徑見證其中軌跡。

學展是什麼？

藝術教育人士西田信一（Nishida Shinichi）在1950年創立的「學展」，是日本第一個全國性學生油畫比賽；70餘年來由日本學生油畫會興辦，無參賽資格限制，亦接受來自海外的國際作品，現正於全球範圍內致力發掘年輕世代的藝術才能。評選項目涵蓋繪畫、插圖、工藝、攝影、數位創作等多元領域，且從幼稚園到大學的不同年齡層創作者都能報名。比賽核心自歷史案例中承襲而來，堅信「優秀的藝術不受年齡、國籍或名聲所限制」的精神，至今持續將才華橫溢的作品推向世界舞台；近年不僅廣邀各界知名人士擔任評審，大獎作品亦得機會於巴黎展出。

▼ 每屆學展於東京國立新美術館進行公開展出

實驗企劃《想像他者的四天》首登場

高橋一生主導、二宮健側拍，「即興」培養共感力與想像力

作為今年學展首次實施的藝術計畫，《想像他者的四天》旨在培養孩子「想像他者的能力」（意近中文「共感能力」所指涉，可能包括從他人視角看待事物，抑或經由共創形式對他人的表達有所共鳴等）。此理念發想自當代社會中人們「想像他者」能力普遍稀缺的現況，讓參與者透過肢體表達、即興演出、交流對話和揮灑作畫等環節，反覆加深「設想眼前的人、甚至於某個不存在對象」這樣的共感經驗。

在為期四天的工作坊中，高橋一生並非以導演或演出指導的角色參與，而是單純扮演從旁陪伴、覺察和承接孩子內心轉折變化的「伴行者」角色，構建出一個自由且深刻的創作空間，最終引導他們繪出兩幅「想像的藝術」作品。而將此場景具象化的正為導演二宮健，他詳實記錄7位小朋友4日體驗的側拍影片，將打開交織現實和創意的敏銳視角，靜靜喚起觀眾的想像力。

台灣觀眾對高橋一生肯定都不陌生，其別具感染力的演技與親切形象，為此類藝術教育項目盡心力自在想像之中。而擔任共同企劃兼導演的二宮健，早被認為是風格辨識度極高的日本新生代創作者。10多歲開始影像創作，就讀於大阪藝術大學期間即獲得京都國際學生影視節（KISFVF）大獎肯定，現年僅33歲已憑《裸睡美人》、《吉娃娃羅曼死》、《午夜少女戰爭》等多部代表作為觀眾所認識，亦曾在2017年作品中與高橋一生合作。此次他充分發揮個人尤擅長的實驗性手法，大膽而細緻地捕捉了孩子們朝氣蓬勃、充滿生命力的表情和創作歷程。

《想像他者的四天》紀錄片雖不開放一般觀眾觀賞，不過未來10天人正好在東京的讀者們，走過路過國立新美術館倒可逛進展廳，一覽高橋一生和小藝術家們帶來的兩大件畫作及第75屆學展的完整展出。

第75屆學展特別影像企劃《想像他者的四天》

【作品展覽】

• 時間：2025年8月7日至17日
• 地點：國立新美術館2D學展展示室

【影像放映】

• 時間：2025年8月9日
• 地點：國立新美術館講堂（僅限得獎者及相關人員入場）

資料來源：學展