不停以飲食、設計、展演為媒介，拓展嘉義文化地景的在地品牌「木更」，於嘉義市成仁街打造第二個品牌據點。新空間以「HERMIT」為名，進駐百年歷史老屋，由木更攜手本事空間製作所、彡苗空間實驗共同設計。店內不僅承襲木更對甜品的講究，開起霜淇淋甜食店；更延續建築曾作為印刷行的場域記憶，展示活版印刷作品和當時留下的機具，並透過工作坊帶訪客探訪這座老屋的今昔樣貌。

又一座嘉義木造老屋迎接新生

阿里山與林鐵，是嘉義與林業擁有深刻連結的印證；城鎮中散落的木造建築，更是昔日產業融入常民生活的印記，讓嘉義被冠上「木都」美名，也為這座南方小城染上獨特的質樸氣息。HERMIT所在的建築，正是一棟建於1924年的大木屋，與木更店面就位在同一條街上，兩地步行只需要兩分鐘，讓木更經營者Rainie與Orisun，有了與老屋相遇的契機。

HERMIT的雙層意涵，「寄居蟹」和「隱士」各代表⋯⋯

落成一世紀以來，這棟木造老屋曾作為日式料亭、印刷廠、餐廳、甜點店的載體，乘載時代與不同產業的記憶，這也成為HERMIT的品牌切入點。HERMIT有「寄居蟹」之意，一方面呼應這個空間的記憶不停被時間淘洗，外殼卻從未被帶走，深埋在細沙裡靜待垂青；另一方面則回應木更2016年至今的經營脈絡——以檜意森活村木造房舍群為起點，後移居位在成仁街的現址，從獨立經營品牌到城市活動策劃、跨縣市空間合作，在每一個時期的「硬殼」中持續成長。

「隱士」則是HERMIT的另一個意思。這座老屋低調佇立在巷弄轉角，沒有張揚的招牌，僅有木頭窗框透出的澄黃燈光，像是與城市玩著捉迷藏，猶如嘉義市區的隱士和隱世。

木更 X 本事 X 彡苗聯手，以「窺探」概念開啟空間引言

「殼」與「隱」的概念，也延伸成為空間的概念主軸——「窺探」。擁有設計背景的木更經營者，聯手各據台灣南北的本事、彡苗空間設計團隊，互相拋出從平面、空間到材質的靈感，從燒杉木門鑲上鐵絲玻璃洞口，到散落空間中的圓圈意象，無論其隱身天花板凹槽、或彼此阻擋視覺交錯⋯⋯都呼應HERMIT的品牌標語「We hide and seek!」，象徵這裡是能夠供人們躲藏、帶來安全感的殼。

家具、品牌識別蘊藏活版印刷記憶

空間中展品與材質細節，則呼應著場域的過去，這裡曾是嘉義在地經營了42年的永成印刷廠，承載了印刷文化的變遷。HERMIT特意留下當時的印刷廠手繪招牌、活版印刷機、裁紙機，保留印刷時代曾存在的證明。而復古的環氧樹脂座椅、玻璃纖維隔牆所呈現的紙張紋理，及裁紙機延伸出的流水線鐵件長桌檯面，則是懷舊和創新共存的巧思。

為了進一步表現活版印刷的獨特手感，HERMIT邀請設計單位Salmo Works操刀「HERMIT TYPE」品牌英文鉛字字體，Logo也呼應著活版印刷的筆觸，並帶有寄居蟹的圖形意象。如果仔細觀察木屋門面，會發現外牆不見明顯招牌，因為HERMIT特別請畫師Kingson Artworks將品牌Logo繪製在內層的玻璃上，讓染上手繪溫度的印刷字，迎接訪客感受舊時美好。

「殼裡的木更」，霜淇淋甜食專賣店

HERMIT不僅瀰漫懷舊記憶，也時刻飄散甜香。木更在此發揮甜點、咖啡專長，將HERMIT打造為「霜淇淋甜食賣店」，一樓提供少量座位，也鼓勵人們外帶，拿著外帶限定的星芒餅殼，以霜淇淋的甜蜜滋味佐木都風景，在城市中展開探索。

霜淇淋的口味設計也很有意思，像是以嘉義烤玉米為發想的「烤玉米慕斯冰淇淋」，交織海鹽焦糖、玉米慕斯、玉米脆片、義大利香料風味；「蜂巢脆餅海鹽焦糖霜淇淋」則暗藏木更經典的鮮奶油小戚風。未來也將持續推出不同餅殼、各式甜點，為每回造訪更添驚喜。

文化工作坊：認識百年木屋、體驗活字印刷

除了短暫踩點，HERMIT也提供另一種深度旅行提案，於每個月不定期推出「微型活版名片體驗工作坊」，透過兩小時的行程，介紹木屋的身世、活版印刷的興衰歷程、舊時印刷廠工作趣事，也邀人們品嚐霜淇淋及飲品套餐，接著為老鉛字揀選、排版、沾附油墨，藉由打印續寫屬於這棟建築的故事。

HERMIT

店面地址｜嘉義市成仁街209號

營業時間｜週一二五日 13:00－18:00／週六13:00－20:30／週三四店休

備註｜2024年1月開放局部空間試營運，欲確定當日營業時間、預約活字印刷體驗工作坊請至HERMIT IG

 

規劃統籌｜辵辵計画

空間設計｜彡苗空間實驗

專案執行｜邱宇平

空間顧問｜本事空間製作所

LOGO設計｜Salmo Works

玻璃彩繪｜Kingson Artworks

圖片提供、攝影｜HERMIT、Ms.kuishinbou、Neilpapa、Oba in Chiayi

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}