從文字拓展至私廚!生活飲食作家游惠玲的食器收藏、餐桌擺盤與「家宴計畫」

從文字拓展至私廚!生活飲食作家游惠玲的食器收藏、餐桌擺盤與「家宴計畫」

相較往年,過於溫暖的 12 月天裡,在午後的陽光下走過新北街頭,從大街彎進小巷,空氣裡少了點冬季的氣味,但游惠玲家門前的九重葛依然如期在冬季盛開,燦紅奔放地。走入室內,整理過的老厝散發著清新香氣,走過雅緻的玄關,一張大餐桌與中島廚房在眼前展開,檯面上依序擺著等等料理的食材,兩側老櫃裡則整齊收納著惠玲的各式食器收藏。

食器的樂趣

生活飲食線記者出身的作家游惠玲,只要一談到食材與飲食,便會打開她的話匣子;從人與土地的故事,到為家人料理的三餐、為孩子準備的便當。飲食就是她的生活、工作。正因如此,惠玲也擁有大量的食器,有些是她在日常下廚愛用的好物,有些則是多年寫作歷程中一路陪伴她認識臺灣食材的紀念品,還有一些則是她在今年即將舉行的新計畫「家宴」中會使用到的食器。

游惠玲曾是《商業周刊》的「alive 生活專刊」的資深撰述,累積了十多年的生活飲食經驗。曾經深入訪問主廚,對於食材與料理更是擁有強烈的求知慾。2024 年,惠玲對於飲食的創作,也將從文字拓展到私廚,「家宴」便是她演而優則導的料理新試驗。
游惠玲曾是《商業周刊》的「alive 生活專刊」的資深撰述,累積了十多年的生活飲食經驗。曾經深入訪問主廚,對於食材與料理更是擁有強烈的求知慾。2024 年,惠玲對於飲食的創作,也將從文字拓展到私廚,「家宴」便是她演而優則導的料理新試驗。

「其實我不覺得自己是在『收藏』器物,我不會非買某位工藝家的作品不可,都是剛好看到喜歡才買;所以也沒想過『收藏』一系列的作品,這樣會少了搭配的樂趣。」從小就對「吃」情有獨鍾的游惠玲,有著自己的一套飲食與食器哲學,不確定這份痴迷是從什麼時候開始的,但她從小學時就會把民生報副刊上的食譜剪下來收好,想成為廚師的念頭持續到了國中,甚至一度考慮去讀五專的烹飪科,後來雖走上了記者的路,但第一份工作便是旅遊雜誌,就此結下了與飲食的緣分,後來在生活類雜誌工作了十多年,專跑美食線與農業線,更打開了她的味蕾經驗。

食器可以是風味的楔子

假日的晚上,惠玲總會悉心地為家人設計菜單,避開大家不喜愛的食材,與家人們共享一段愉快的「家宴」時光。演而優則導,隨著食譜的不斷精進改良,惠玲對於食材與料理的理解與實踐規模也逐漸提高,當文字已不足以詮釋它對於食物的理解,原只款待親愛家人的「家宴」,在今年也即將以預約制私廚的方式,對外開放。

「家宴計畫」將先從惠玲身邊的好友開始,她希望來訪的客人,都有獨一無二的感受,在似曾相識的料理中,加入從未品嚐過的風味,這樣體驗,才能勾起記憶。譬如在蒸蛋上添一匙自家製的老蘿蔔油,帶點似曾相識的味道,卻又無法一時明說,這樣迷人的曖昧感,就是料理有趣的地方。

味道就像一把涵藏記憶與經驗的鎖頭,而食器則是開啟這把鎖頭的鑰匙。好的食器,可以讓貴賓眼睛為之一亮,甚至可以成為餐桌上的驚喜;像是選用日式重箱、蓋碗等開蓋容器,在開飯前保有一些些神秘感,醞釀之後揭曉的期待。

惠玲也鼓勵讀者,對於食器的運用,其實可以再更勇敢一點打破既定的印象。例如她會用花茶杯製作蒸蛋、把傳統奉茶杯擺放小菜,跳脫食器原本的使用途徑,在宴客上菜時,往往能起到意想不到的效果!而相較成套的餐具,惠玲偏愛交錯搭配不同的材質食器,善用木盒、漆盒盛裝飯類主食,結合陶器、瓷器的材質紋理,讓餐桌上的風景看起來具有多樣細節。

「其實餐桌擺放有點像雜誌排版,需要設定主軸、視覺動線,也需要適當留白。」

排版與擺盤

對於擺盤新手,她建議將餐桌看作一個整體,要從大到小,譬如可以準備一塊大型或特殊樣式的餐盤,擺放當天最重點的料理,不一定要擺滿,重點是先在餐桌上拉出視覺焦點,接著再將其他圓形、長型、方形食器一一擺入。

記得適當留白才不會顯得餐桌過於擁擠,成套的簡約個人餐具也是一種喘息留白,另外杯碗類的小食器也很重要,除了帶蓋容器,豬口杯也是很多用途的便利食器,營造或大或小的節奏感。至於擺盤,她則建議可以稍微將菜品堆高,創造立面層次,視覺上才不會顯得過於呆板,透過食器顏色質地差異也能呈現不同感受,像是樸素菜色搭配花盤、素雅盤子盛裝繽紛的食材,相互突顯。

對游惠玲來說,工藝的服務之心,其實與招待賓客心態很類似,體貼來吃自己料理的人,相同的也會服務到自己,讓快樂得以延續。

惠玲以前比較喜歡帶有手作感、簡約樸質的食器,近年更加拓展眼界,欣賞做工細膩精美的日式食器。
隨著飲食書寫的閱歷與累積,不知不覺手邊擁有的器具也愈來愈多,惠玲以前比較喜歡帶有手作感、簡約樸質的食器,近年更加拓展眼界,欣賞做工細膩精美的日式食器。
此件日本作家的陶盤是惠玲在臺灣購入。赭紅的釉色,讓盤面呈現出厚實的金屬鏽感。
此件日本作家的陶盤是惠玲在臺灣購入。赭紅的釉色,讓盤面呈現出厚實的金屬鏽感。這樣的食器,非常適合運用在蔬菜的擺盤,可以很簡單地透過跳色造成視覺對比。
這是光山行的漆碗,惠玲喜歡它握持起來的手感,非常輕盈。
這是光山行的漆碗,惠玲喜歡它握持起來的手感,非常輕盈。漆質特有的色澤與層次變化,總會讓她想到日本文學家谷崎潤一郎曾在他闡述美學的著作《陰翳禮讚》中提到『...... 拿白米飯為例,以黑黝黝的木製飯盒盛裝,再置於暗處,不僅視覺上美觀,亦能刺激食欲 ......』漆碗的黑同樣也會出現幽微曖昧的視覺效果。

「所謂民藝這件事,就是源自大眾生活的工藝,經過思考而被設計出來,料理亦同。」她回想起曾訪問日本米其林三星主廚山本征治,主廚曾告訴她,「料」有著測量、衡量之意,「理」則是事物的道理,所謂「料理」就是要去找出做事的方法;所有烹飪步驟都需要經過思考,理出脈絡邏輯。

機能美也是美

就像曾被游惠玲寫進書裡的柳宗理鋼盆,除了霧面不鏽鋼盆身簡潔耐看,使用的過程「手自然會知道」,這不鏽鋼盆早在設計之初,就已經考量進所有使用情境,不僅好拿、傾倒液體更不會掛汁狼狽,「這就是機能美、實用美。」

而每個人在不同時期都會有不同的審美和追求,早期游惠玲容易被陶器的古樸手感吸引,而隨著年齡漸長,則愈來愈能欣賞工筆畫般的精緻瓷器,懂得品味不同形式的美,瓷器便於清潔亦不沾味,而陶則會隨著歲月留下陪伴的痕跡,眼光的改變代表著品味的開展,「只要擁有的每一個器皿都能讓自己感到怦然心動,自然而然就會很珍惜、好好使用而相遇別離(不小心打破)都是緣分,還好有『金繼』救世,讓食器美麗重生。」

定食版「家宴」: 毛豆蝦仁茶碗蒸佐老蘿蔔油、松子淺漬菜飯,以及酸辣中卷拌木耳。
惠玲的定食版「家宴」: 毛豆蝦仁茶碗蒸佐老蘿蔔油、松子淺漬菜飯,以及酸辣中卷拌木耳。

毛豆蝦仁茶碗蒸佐老蘿蔔油|料理擺盤

1. 茶碗蒸蒸熟後,先在表面澆淋自製的老蘿蔔油。
2. 接著放上滿滿的櫻花蝦乾、蕎麥粒,再加入幾顆毛豆。通通鋪在蘿蔔油的黑色上,翠綠色很簡單地就跳出來了。
3. 闔上蓋子,準備出菜!

毛豆蝦仁茶碗蒸佐老蘿蔔油製作方法

松子淺漬菜飯|料理擺盤

1. 因為松子飯本身的視覺就很輕盈,所以擺盤的時候惠玲選用了偏深色的漆碗,也讓米飯加入一點日式的氣質。
2. 松子淺漬菜飯本身的顏色就很好看,菜飯的綠加上松子的黃,接下來要做的就是選擇一個好看的食器。
3. 隨著光線的變化,漆碗的黑也會出現曖昧層次變化,再加上白澄澄的米飯,看著就很香。

松子淺漬菜飯製作方法

酸辣中卷拌木耳|料理擺盤

1. 首先選擇一個造型、質地或色彩足夠強的食器,將菜餚以弧線的方式鋪放。
2. 透過留白,大家在觀看時,其實會更聚焦在料理的食材。如果盤子較小,當然盛放的料理,比例也需要減少。
3. 最後淋上花椒醋汁,這道顏色繽紛,口感也很開胃的料理就完成了!

酸辣中卷拌木耳製作方法

文字:劉亞涵

攝影:李俊賢

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邱俞鳳的「治器」哲學:從空間設計到跨域工藝的創意實驗室

圖片來源:《生活工藝誌》第十二期

臺中大容東街河畔的「治器 doTsuwa」,乍看以為是一頗具生活風格的選店,然而在店舖空間的裡邊,藤編屏風的背後,卻隱藏了兩座大小電窯以及拉坯機,儼然是一座迷你作坊。再往上走,才發現二樓其實是間室內設計公司—這個空間的成分複雜,一如邱俞鳳的雙重身份,除了室內設計的專業,她也是「治器doTsuwa」的藝術總監,跨領域的特質也因此反映在她的創作之中。

難以定義的邱俞鳳,有些人認識她是因為室內設計,而有些人認識是透過她的展覽,她說:「從小物件到大空間都是一種『器』,皆與生活的關係緊密,無論有形或是無形,具體或抽象,都是我想要探討的。」邱俞鳳定義自己的創作核心,治器即是「治理生活之容器」的簡寫,也因此邱俞鳳不給自己設框,任何能夠乘載生活的事物都是她創意狩獵的領土。

以創作者角色切入商空設計

從復興商工廣設科畢業,邱俞鳳轉入室內設計業,與先生林建華共同開業,主持「構築設計」(doT & associates),操刀不少空間與建築案,像是有名的Fine Dining餐廳「Embers」、汲取式酒吧「DraftLand」臺中店、融合公務所與美術館的「工家美術館」等,非制式的設計風格主要來自突破性的技術與材料,這正是邱俞鳳能以創作者角色切入商空設計的關鍵能力。

回顧自己跨界的歷程,其實邱俞鳳最初都是為了解決設計上的問題,譬如有一次接到建設公司的委託,他們在牆壁開錯了洞,希望邱俞鳳可以利用藝術性的手法來修補失誤,使其「錯得很美麗」。

在辦公室的樓梯間,一座完全使用木條與方形金屬扣件組合的書架,正是室內設計與工藝發生關係的最佳證明。「連接木條與木條的鐵件是我們自己開發的,先用3D列印出等比例的模型,經過組裝測試與修正,最後繪成設計圖交給工廠量產。」長久以來,邱俞鳳在空間的課題裡練習,結合其他媒材或是技法,試驗室內裝修材料,成了她冶煉創意的高湯。

邱俞鳳認為小物件到大空間都是一種「器」,工作室的陳列也依循同樣的邏輯,在木構框架圍塑的空間中,光影、器物與家具交織出一場靜謐的生活場景。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
邱俞鳳認為小物件到大空間都是一種「器」,工作室的陳列也依循同樣的邏輯,在木構框架圍塑的空間中,光影、器物與家具交織出一場靜謐的生活場景。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

動手把想法做出來很酷

有別於其他人,邱俞鳳的創作思路緊貼建築,「我會很自然地從基地的環境去想、必須要解決的問題是什麼、哪種藝術品才會符合空間的氛圍,如此做出來的作品才會因為有意義,而不可取代。」

逐漸地,邱俞鳳的創作從依附於空間,逐漸走向鮮明獨立,為客戶的需求量身創作,譬如為療癒品牌「美意好室」設計店舖 LOGO,或是為住戶捏塑代表家徽的陶燒,工藝創作於是成為空間裡獨有的印記。

2019 年臺南煙波大飯店開幕,邱俞鳳在大牆上使用銅金色支架與黑亮釉面手作陶球,點布出《點點遊人歸客來》這件作品,以單元之間的群聚與流動來比喻驛站空間千客萬來。

為了削弱落地窗的強日照問題,她使用古代建築所用的「墨斗」,指掐彈印於透光畫布,創作出具有東方水墨畫神韻的作品《雨過天青見煙嵐》,成為飯店接待櫃檯的詩意背景,也回應了業者從建築發跡的這段故事。

《雨過天青見煙嵐》是為了降低落地窗的強日照,在透光畫布上以「墨斗」創造抽象的圖騰設計。(圖片提供:治器 doTsuwa)
《雨過天青見煙嵐》是為了降低落地窗的強日照,在透光畫布上以「墨斗」創造抽象的圖騰設計。(圖片提供:治器 doTsuwa)

2020 年她為客家文化基金會創作的《躍昇》,以客家油紙傘的折疊收放特性為靈感,使用高知和紙、壓克力顏料、複合媒材打造出互動裝置。2021 年個展《無形無色》,她則使用白瓷土模仿卵石渾然天成的造型,至 2022 年個展《無明》則更近一步試驗纖維與陶瓷或珪藻土的混合。

在型態與材料各異的作品上,可見共同具有柔軟、曲線、有機的元素,彷彿動物或植物的局部結構,使邱俞鳳常被形容為「仿生」。信奉直覺的邱俞鳳喜歡用手直接去捏塑,沒有太多論述,也沒有設計圖。她說:「直接動手把想法做出來,我覺得這是一個很酷的過程。」

2022 年的裝置作品《無明 / 話說》,進一步試驗纖維、紙、陶瓷與珪藻土,在結構與造型上的發展潛力。(圖片提供:治器 doTsuwa)
2022 年的裝置作品《無明 / 話說》,進一步試驗纖維、紙、陶瓷與珪藻土,在結構與造型上的發展潛力。(圖片提供:治器 doTsuwa)

成為跨國工藝的媒合者

確實,在剛性的設計之外,邱俞鳳更喜歡用柔軟的陶土來創作。一座為住戶玄關設計的雕塑,她手捏陶土,不時轉換角度與方向,小心控制溼度與乾燥度,避免陶土坍塌,最後完成彷彿海綿生物中空腔體的雕塑,而那輕薄柔軟的波浪觸手之中,彷彿寫了一個「龍」字。她說:「我喜歡欣賞動、植物,從它們身上看見感性的線條。」在講求有序的空間與建築裡,曲線少有珍貴,令邱俞鳳覺得很美,也更加欣賞。

除了自己創作之外,偶爾她也會退回到設計者的角色,成為工藝的媒合者。她與先生另外成立的「構築設計 / 聯合治作 doT & associates」,主要任務便是連結臺日設計與工藝,為原創、協作、選品需求提供服務。在治器線上與門市陳列推出的臺灣時鐘設計品牌EMspec,與他們的緣份也是來自日本,其中商品「Matrix Clock 十二宮格」折井銅染系列,就是與日本工藝品牌 momentum factory Orii(折井)攜手合作,運用獨特的「銅染」技術所製成。治器與折井除了推廣商品經銷之外,也因為藝術品銅染技術合作多年,因此產生更多共鳴。

另外治器也運用 3D 列印技術輔助創作,做為開發商品過程的嘗試,探索傳統工藝與現代技術融合的可能性。

邱俞鳳喜愛在作品中加入柔軟、曲線,類似動植物結構的有機造型,邱俞鳳把這樣的風格形容為「仿生」。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
邱俞鳳喜愛在作品中加入柔軟、曲線,類似動植物結構的有機造型,邱俞鳳把這樣的風格形容為「仿生」。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

近來,他們為了回應大阪萬博會上,臺灣因為政治因素無法「正名」登場,只能以「玉山科技」的企業名義參與,於是發起「臺日共丸」計畫,在宇野港駅東創庫用可拆卸再利用的木構造打造一座「臺灣自己館」,把臺灣的設計商品帶到日本展出,用民間的力量打開國際文化交流,自成萬博的會外展。

歸納自己一路走來,邱俞鳳認為:「這不完全是藝術、也不全是工藝或是商品,而是所有的混合。」在她的想法裡,未來的設計、工藝、藝術也是共玩的。

《Matrix Clock 十二宮格》折井聯名銅染系列,是結合了時鐘公司 EMspec 與日本工藝品牌折井(momentum factory Orii)的「銅染」技術,開發出以光源代替指針與刻度的工藝時鐘。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
《Matrix Clock 十二宮格》折井聯名銅染系列,是結合了時鐘公司 EMspec 與日本工藝品牌折井(momentum factory Orii)的「銅染」技術,開發出以光源代替指針與刻度的工藝時鐘。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

文字 / 李佳芳

攝影 / 王士豪

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用木頭與世界對話:工藝家蔡旻翰刻出自我的創作之路

(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

「木頭是死的,但也是最有生命力的創作材料。」指尖輕輕摩挲著一塊木頭邊角料。從父親收藏的陶瓷物件與木製家具,到學院裡嚴謹的工藝設計訓練,再到如今在展覽場域裡受到熾烈注目的骨骼雕塑與器物家具。他在一塊塊木材之間,刨出屬於年輕世代工藝家的語彙,也把自己曾經的脆弱與倔強,一刀一刀刻進作品的肌理中。

視線所及的櫃子裡

27 歲的蔡旻翰低聲說,「我常站在父親收藏的實木木櫃前,用小手指輕撫榫卯縫隙,盯著櫃子裡的每一處手工打造痕跡。」童年時,他被父親的工藝收藏品圍繞,日復一日地與材質對話。這些無心積累的對話,在他體內悄悄播下工藝的種子。

「本來我是打算往平面設計的方向走,但美術老師認為我對光影的捕捉、立體的建構更拿手,鼓勵我往立體藝術創作方向試試看。」就讀普通高中的他沒受過專業美術訓練,靠著自己對畫畫的興趣與鑽研,大學成功考進臺灣藝術大學工藝設計系。「或許,選擇工藝設計一部分也是因為小時候看很多工藝品吧!我也沒想過自己會踏上這條路。」他微笑說。

在工藝設計系,他學會以更清晰的流程拆解創作:定義問題、分析結構、描繪草圖,再與材料妥協。「以木材來說,掌握木材的含水量很重要,還要考量空氣濕度與溫度可能對木材造成的變化,藉此調整刀具角度、預留放置時間。」對蔡旻翰而言,工藝奠定了他創作的基礎,設計則賦予更脈絡化的創作過程。當流程被清楚定義,同時他也找到媒材轉化的方式,他的創作就不再被靈感侷限。

蔡旻翰將刻刀深入木料,反覆削切,木屑飛濺出工作檯。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
蔡旻翰將刻刀深入木料,反覆削切,木屑飛濺出工作檯。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

以木為骨,以心為肉

「對我而言,創作是一種語言,用木頭與世界對話。」他的作品橫跨訂製器物與家具,風格看似多元卻一脈相承,不變的是在自然材質與結構邏輯之間,開闢出獨特的當代語彙。

學木工八年,他形容自己從「匠氣十足」的完美主義者,蛻變為懂得取捨的「正常」工藝家。他解釋:「我也曾經喜歡強調自己的作品用了哪些昂貴材料,或是經過多少次的複雜塗裝工法才製作而成,但其實這樣的做法與當代世界是脫節的。現在都用較為簡便的方法居多,雖然相對不耐用,但這就是時代的變遷。而且現在觀者想看到的不再是炫技,他們要的是『感受』。所以我努力讓我的作品能帶給觀者共感。」

要創造共感,就要先把自己攤開,蔡旻翰是這樣想的。他最為人知的「骨骼」創作系列,以全木材打造,卻做出如同真實骨頭的質理。同時調配出金屬質地的漆,在骨骼外上了一層「機械盔甲」。被問到為什麼會有這樣的創作靈感,他看著手中的《冕》作品,輕輕說到:「其實是跟我的骨髓疾病有關。」

他稍微拉下衣服,指著自己脖子上的紅疹:「像是這些紅疹也是因為骨髓疾病造成的。這個病讓我非常容易過敏,還會造成我的身體免疫反應過激,傷口不易癒合。只要太乾燥,我的皮膚就容易龜裂、關節僵硬,高中時特別嚴重,連曬太陽都要避免,因為會讓皮膚變太乾燥,容易裂開。」這段如同生理禁錮的時期,促使他在創作時思考:「我現在好多了,想與過去訣別。那我可以用什麼方式呈現?」於是他以本來就很喜歡的骨骼結構,搭配金屬質感的「盔甲」,象徵被撐起來的自己。

作品《無明》取佛教中不動明王的意象,象徵以充滿智慧的火焰焚燒困難與障礙,展現在困境中追尋自我的心境。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
作品《無明》取佛教中不動明王的意象,象徵以充滿智慧的火焰焚燒困難與障礙,展現在困境中追尋自我的心境。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

少年工藝家的煩惱

「當小學生都懂得用3D 列印與雷射切割,我所喜歡的手工曲線,會不會很快被大家遺忘?」20 出頭的蔡旻翰,眼見世界的變動,對自己所學產生強烈焦慮感。他露出笑容接著說:「所以我就想,我還年輕,我什麼沒有,時間最多。我就盡我所能創作、辦展覽,讓更多人看到我。因為,我想一直做下去,我想一直傳遞創作的美好。」蔡旻翰以滿腔危機感驅動自己,把展覽當成一場場放聲喊話,讓世人重返那木屑噴濺、粉塵飛揚、噪音貫耳的現場溫度,並在工藝市場中,刻劃屬於新生代的足跡。

除了增加曝光度,他也深知「創作需要資本養分」。就學時期,他就開始販售作品與接案,慢慢積累本錢,因為他有一個明確的目標。「就我觀察,如果畢業後兩三年內沒有持續創作、開工作室,之後就很難走下去了。所以我的目標就是研究所畢業後開工作室,並大量累積作品。」有金融背景的母親還教他做預算分配與效益評估,同時也因為他勤奮的態度,獲得許多前輩的支持。「很感謝工藝圈的前輩們,資助了我一些創作用的器械,對我真的幫助很大。」

「年輕就是籌碼。」在蔡旻翰身上,我們看到這句話的體現。在別人還在摸索之時,他已將每一次展覽看成試煉場,積累經驗與曝光。同時,他也努力培養商業頭腦,把每一個商業作品所耗費的金錢與時間成本估算進去,算出商品的價值。他堅信,藝術家需要商業思維,「畢竟我們也是要吃飯過生活的啊!」在笑聲之中,他闡明了身為年輕工藝家的謀生之道。

蔡旻翰會調出具有金屬質地的色調,上色後作品便會呈現出「盔甲」的質感。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
蔡旻翰會調出具有金屬質地的色調,上色後作品便會呈現出「盔甲」的質感。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

舊皮新骨,建構舊物的骨架

經常還是會聽到大家對於木工、木作工藝家的印象是做室內裝潢、雕刻鍾馗與各式佛像。面對如此「集體潛意識」,蔡旻翰立志以「新元素」一一打破。他拆解骨骼結構,挹注機械隱喻,用宗教般的儀式構築創作論述。「我覺得我的創作過程就很像宗教儀式。同一個動作我可能需要做數十次、上百次,這不就像是日復一日的膜拜嗎?」他更認為,當代的工藝家,既需傳承老匠師的技法,更要找到符合當代審美的平衡點,不走說教路線,讓作品在觀者心中自動生成共鳴。

在商業路線方面,他正開發「神獸骨骼」系列,結合石獅與貔貅的傳統意象,以機械關節和金屬質感構築當代護祐符號。此外,蔡旻翰正與陶藝家、金工藝術家攜手,嘗試將木構結合金工與漆彩,期待在跨域素材對話中擦出新的火花。

「做就對了,但別盲目苦做。先問自己為何而做,找到熱情與市場需求的交集,再行動。從興趣到工作,從工作再發現樂趣,那才是真正長久的動力。」在被木材圍繞的工作室中,戴著防護面罩的蔡旻翰,最後如此鼓勵同樣在創作路上剛起步,追尋眼裡那道光的工藝家們。

金屬質感的焚香爐。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
金屬質感的焚香爐。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

文字 / 洪孟樊

攝影 / 一J

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