庭口金工的負責人是方方與阿綱，他們原是雲林科技大學設計背景的學生，由於過去跟著學校老師接觸到虎尾建國眷村的空間活化議題，碰巧在這裡遇到一個在地人，帶他們晃遊眷村裡的老房子。聽聞丁棟區域修復完成後，需要對外招攬品牌進駐，從此開啟了與當地的緣分。

在嘉藝點水道頭文創聚落已經有據點的庭口金工，因數年來已累積與老房子共處的營運經驗，再加上結合餐飲與金工體驗的複合式經營本來就需較大的施展空間，於是他們趁勢向官方投遞企劃書，開設了「 庭口金工── 虎尾店」，進一步拓展品牌規模。

建國眷村的庭口金工

與嘉藝點水道頭文創聚落的日式木屋構造不同，虎尾建國眷村的房子最初是日治末期由日本政府興建的日本海軍航空隊軍事基地，並在二戰後轉變成為空軍眷村。隨著眷村人口的增加，當時的住戶開始往建物上層增建閣樓，或是向主屋的前後延伸使用範圍，因此即便現在看來，建築之間依然保有過去隔間的生活痕跡。要進到庭口金工正式空間，也得穿越幾面殘留下來的牆面。

如今，建國眷村已被列為有形文化資產聚落建築群。在這些由公家單位保護的建築裡，由於無法隨意敲打釘子，避免破壞原有的樑柱，也得在未來能輕易恢復原有的基地樣貌，每一個環節都得通過文化資產局的審查。如何將這些空間整理成符合當代需求的使用行為，方方與阿綱可以說是下足了苦心。先是經歷漫長的討論與方案確定，再將自己的設計美學與工程師傅們的實務經驗相互結合，親自參與空間成形的過程。

將原有豬圈空間的阻力變助力

眼前空間裡的木作加工，皆是採用沒有任何一根釘子的卡榫設計。有趣的是，庭口金工所使用的建築，過去其實是眷村的豬圈。只要低頭看店內那一排橘紅色座位區的底部，就能看到過去豬圈的隔槽。阿綱表示：「隔槽對於很多人來說是空間運用上的阻礙，但我們直接把它直接變成座椅的結構骨幹，意外適合。」

至於吧檯邊的高腳椅到堆砌起來的水泥花格磚，都是出自阿綱之手。他先將腦中的設計畫給師傅看，後續自己上漆、慢慢打磨，創造出空間雛形。在擺設的裝飾方面，方方分享他們在社群社團發掘一些二手傢俱和燈飾，並使用霓虹燈條點綴空間，增添舊時風格。

「我們試圖營造民初年代的日常氛圍，但其實仔細看依然有蠻多現代感的元素。畢竟老件會有很多需要修理的部分，如何在老的空間加入現代風格，還能創造出一體的氛圍，是我們在每間店都會採取的平衡手法。」這部分也體現在庭口金工的選曲歌單，音響傳來千禧年前後的華語金曲，兩人笑稱雖然有穿插幾首符合眷村年代的經典老歌，但主要還是播放現代人能哼哼唱唱的流行歌曲，復古，但又不刻意離得太遠。

眷村風格的餐點設計

庭口金工的客群主要分為兩種：一種是多為好友或情侶預約的金工手作，營業日提供三個體驗梯次，每次約兩個半小時。參加者以輕鬆的方式製作銀戒、手環或項鍊，最後等待金工老師協助拋光時，他們還可以在店內享用眷村茶點。另外一種則是家庭客，有些甚至是過往居住眷村的長輩，滔滔不絕地分享兒時回憶。

為了貼近眷村場景，庭口金口以建國新村特有的「丸龜型防空洞」為靈感，推出虎尾店限定點心「紫米芋泥奶酪磚」。這款甜點以手工奶油芋泥塑造成紅龜粿的形式，底部加入紫米紅豆和奶酪作為口感層次，同時呼應過往眷村的懷舊手藝。龜殼的造型在建國眷村正是隨處可見的防空洞，當年是日軍防範美軍掃射的躲藏作用，後來成為眷村小孩溜滑梯和躲迷藏的遊戲空間，居民暱稱這些防空洞為小烏龜。

鹹食種類包括與絞肉、花生、扁豆和青江菜混合而成的重慶酸辣粉，以及仿造眷村媽媽手藝的料理，像是醬油溏心蛋、自製三天的滷牛腱和川味酸辣水餃等。方方與阿綱心中的庭口金工是自在紓壓的，他們希望來的客人單純將金工視為一個趣味活動，搭配享受美食和與店貓相互陪伴的療癒時光。

在建國眷村裡，他們彷彿真的回到了過往的眷村生活。阿綱笑稱，這裡的店家平時就會互相串門子，定期以不同的遊戲名義舉辦月聚，大家各自攜帶一道菜參加聚會，這種情景簡直與過去眷村居民的生活模樣如出一轍。

在舊的建築聚集新的人們，各自帶著自己擅長的領域在裡頭擴展有趣事物。必須說，這些人的活力都展現在細節裡。方方特意在虎尾店的庭口金工品牌識別裡加入了表情符號。如果仔細觀察空間裡的品牌標誌，就會發現每個圖案中的表情都略有不同。流動的線條搭配淘氣可愛的表情，就像庭口金工想要給予群眾的歡樂日子一樣，驚喜且迷人。

Tinco 庭口金工 虎尾店
雲林縣虎尾鎮建國一村83-7號丁棟
11:00–18:30，週一、週二公休

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

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_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}