位於台南中西區衛民街的 Luzaou Syokki，身在住商合一的現代大廈一樓，其和風的設計風格和暖色系的迎賓門面，特別獨出心裁。

一只器皿，看似功能取向，但加入了色彩、線條、地方工藝特色的藝術思考，以及機器生產或是手工捏製的製作難易度時，讓碗盤的質地也擁有了份量。

「這些器皿就是生活道具的一部分，今天我們使用這個碗吃咖哩、明天利用那個盤子用餐，後天想要那個缽盛飯⋯⋯沒有制式、沒有侷限，這些變化就是生活樂趣的一部分。」臺南器皿選物店 Luzaou Syokki 的負責人黃紹琪分享了開啟餐具度日的初心。

美好生活的選物推手

位於台南中西區衛民街的 Luzaou Syokki，身在住商合一的現代大廈一樓，其和風的設計風格和暖色系的迎賓門面，特別獨出心裁。門口一邊運用日式空間千本格子的欄間設計，不僅保障客人前來內部選物時的私密性，同時也讓室內空間享有日曬採光。從縫間竄進來的光影，正是Luzaou Syokki與時間共進的節奏證明。

另一邊大片暖簾則被用作空間裏外的分隔界線，提醒著這是個入內需要脫鞋的商業空間。仔細念出印在暖簾上的店舖名稱，便可發現 Luzaou Syokki 早已提供了來歷的線索。Luzaou 正是紹琪一手打造的品牌，若翻回中文名稱「鹿早」想必許多臺南人感到熟悉。紹琪笑稱：「刻意選用不會直接聯想的拼音，但前半部依然把鹿早包覆進去，後面Syokki是日文食器的意思。」

在早年經營鹿早茶屋的過程中，時常收到客人詢問店內器皿的搭配資訊，讓他由此展開販售食器的事業篇章。Luzaou Syokki 開業之前，生活食器的業務主要由當時延伸的「餐桌上的鹿早」負責，紹琪考量市場上對生活器皿價格的接受範圍，因此店內主要販售日本常見的平價瓷皿「美濃燒」，讓人們可以輕鬆地與居家生活結合。

紹琪表示自己是喜愛嘗試多種工作方向的人。過往遊走在日本各地挑選食器時，發現很多店鋪都是由年長的爺爺奶奶負責，剛好自己的媽媽對於開店也興致勃勃，現在已把「餐桌上的鹿早」實體店鋪交付給媽媽經營。這種日常生活感覺猶如大家來到媽媽的雜貨店一樣；而紹琪則專職於網路社團的選物經營。

因此，Luzaou Syokki所在地原先是網路訂單發貨的倉庫，看著自己喜歡的物品堆滿了這個空間，有天紹琪覺得這個挑高的空間其實很適合賦予其他用途，使得臺南地區又多了一間攻陷荷包的店鋪可以造訪。

實現餐桌上遊戲想法的 Luzaou Syokki

Luzaou Syokki的空間是由設計師太郎負責，從鹿早茶屋、桑原商店、Kadoya喫茶店到新美街的太郎中華拉麵，全部都展現了這位設計師的風格。

紹琪轉述太郎的設計哲學：「因為不喜歡一個設計被逐漸淘汰的過程，所以選擇了已成為過去的昭和時代成為空間營造的時代氛圍。」由於太郎注重空間使用的延續性，因此走進Luzaou Syokki，人們可以從空間的配置想像多種用途。像是圍繞的吧檯空間可以是選物店的結帳窗口，也可以是餐飲的烹飪空間，或者是民宿的接待櫃檯。無論這個空間未來成為哪些樣貌，這些精心打造的格局都能適應各種可能性。

目前Luzaou Syokki店內的空間動線主要分為三區，從外到內，就像一趟時光機的旅程。首先是現代的生活餐具區域，紹琪補充說明：「日本餐具以貓圖騰為主流，招財貓也常見於餐飲空間裡。」於是，除了碗上的貓咪圖騰，如果想要購買日式福氣的招財貓擺飾，店內也有一處能滿足所需。

後方空間是舊物老件，但評估社會大眾對於餐具食器要求的衛生，這裡即使是老物，也只販售未曾使用過的物品。紹琪細數著店內益子燒、有田燒、九谷燒和伊萬里燒等器皿來歷。對他而言，食器選物就像是一場餐桌上的美學遊戲：「我認為素色系是餐桌上很重要的存在，即便是一桌花俏華麗的器皿，但如果添加一個白色的餐盤混搭，不僅讓視覺有個留白的休息空擋，也能提升整體餐桌的耐看氛圍。」

除了碗盤之外，Luzaou Syokki內也有販售著象印與虎牌在1970年代出產的藤編保溫壺。當時因其長時間保溫的特色，日本稱之為「魔法瓶」。近年來，由於野餐盛行，瓶身的藤編質感溫潤又耐看，使得魔法瓶再次成為居家擺飾的流行元素。至於銀器碟盤則是許多開店業者的首選，不僅適用於咖啡或甜點的擺盤，而且耐摔程度高，容易保存。

自開店以來，Luzaou Syokki 已經接待了許多溫暖的客人。最令人難忘的是有一位受過日本教育的失智症奶奶來訪時，竟然能夠對陪同他前來的家人介紹每一款陶瓷器的特色。食器的使用記憶長存於我們的人生中，那份情感是超乎想像的——Luzaou Syokki這麼相信著。

Luzaou Syokki
台南市中西區衛民街62號
營業時間：星期五至星期日，12:00-17:30
備註：因空間內的器皿展示考量，若欲前往，請細讀店鋪公告的提醒事項。

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}