「2024台北當代藝術博覽會」將於5月10日至12日揭幕，現場集結靜態展出、沈浸式裝置、論壇等多元形式，為南港展覽館染上滿滿藝術氣息。藝博那麼大，該從何看起？本篇奉上編輯精選的8件作品，帶你預習4大展區重點。

  第一站  

我們從每年必看的「當代網域」（Galleries）啟程，本區由參展藝廊帶來精選代理藝術家作品，可以一次看見各家藝廊的藝術品味。如果時間有限沒辦法逛完全展，推薦先從這裡看起。

⬬ 世界級！以《沈思者》為首的羅丹雕塑名作

以蒐羅法國雕塑大師羅丹（Auguste Rodin）之作聞名於世的倫敦藝廊Bowman Sculpture，首次參戰台北藝博。這次帶來的《沈思者》（Le Penseur）、《吻》（Le Baiser）等作，都位居羅丹代表作之列，體現他拋開19世紀傳統雕塑慣用的神話及預言主題，專注塑出人體肌肉、身體結構與人物性格的雕塑美學。

展位｜「當代網域 Galleries」展區 > Bowman Sculpture

⬬ 裝滿情感的金屬人體｜Antony Gormely

在英國立起全國尺度最大雕塑《北方天使》（Angel of the North）的藝術家Antony Gormely，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想。本次展出的《Open Ponder》是用8mm耐候鋼板層層堆起，高度超過190公分的真人尺度雕塑；近看能瞧見材質本身獨特的細密鏽層，遠看是分解卻又完整的人形。你看見的是碎片或整體？

展位｜「當代網域 Galleries」展區 > Galleria Continua

  第二站  

接著前往聚焦於亞洲藝術的「藝術載點」（Engage）展區，從竹編工藝品和大型裝置之間，感受當代及傳統美學的交流對話。

⬬ 古藝與現代相遇｜四代田邊竹雲齋

日本竹藝大師四代田邊竹雲齋將帶來在台首展。出生於竹藝世家，他不只傳承家族技藝，持續編織傳統竹工藝品；更結合當代藝術思維，創作大型竹藝裝置，讓自然材質融於現代空間，以工藝聞名的時尚品牌LOEWE就將他的作品引入巴賽隆納店中。本次展覽《GODAI Void》透過各種不同形式的竹藝，表現構成宇宙的5種元素：地、水、火、風、虛空。

展位｜「藝術載點 Engage」展區 > YUMEKOUBOU GALLERY

  第三站  

體驗過傳統與摩登的碰撞，再前進「新生維度」（Edge）展區，感受時下最新潮、年輕生猛的藝術形態。

⬬ 你看得見我，卻看不清我｜李秉憲

南韓藝術家李宰憲筆下的人物總是「面目全非」。他透過邊界模糊的色塊、流動而粗獷的筆觸，讓畫中人物即便面向觀眾，卻難以被辨認主角是誰？五官是什麼模樣？表情中透露著什麼？這種介於抽象和具象之間的「曖昧」，呼應了人們有時能直視彼此的外表，卻無法面對他人內心深處意識與情感的幽微心理。

展位｜「新生維度 Edge」展區 > Gallery SP

⬬ 這些畫有聲音｜Will Herman

透過張狂線條與鮮明色彩，英國藝術家Will Herman把聚餐、夜生活、看球賽……各種生活中的平凡小事，變得更幽默有趣，每幅畫都生動得像是「有聲音」。擁有英國與菲律賓雙重背景，他在生活中體驗過各種文化衝擊，並將這些體驗融入畫中，利用介於男孩與男人之間的有趣視角，為作品注入調皮又帶點荒誕、諷刺的個性。

展位｜「新生維度 Edge」展區 > 索卡藝術

⬬ PEACE！嘻哈靜坐中｜水戸部七絵

創作帶有濃厚街頭感的日本藝術家水戸部七絵（Nanae Mitobe），習慣透過油彩層層堆疊出類似塑膠的視覺質感，她筆下一張張看不清的人臉背後，蘊含著對社會的反思，包含因種族、性別而生的誤解甚至歧視，以及政治、資本主義對當代社會的負面影響。

這次水戸部七絵將幾位「坐著的人」帶到台北藝博現場，人們的胸前佈滿濃厚、沈重的顏料，好像隨時會被壓垮跌下椅子；而顏料上頭的字跡顯示「Run-DMC」，這是八〇年代美國東岸繞舌巨星之名。藝術家將1960年代美國人民靠靜坐等非暴力手段提倡社會改革的意象，結合嘻哈符號，表達一股在社區與社會中不斷流動、透過和平方式獲得自由的能量。

展位｜「新生維度 Edge」展區 > HARUKAITO by ISLAND

  第四站  

初登場的特別策展計畫「主題藝向」（Evoke），聚焦於藝術史中的重要藝術家，其中《廖繼春個展》與《蕭勤個展》回顧了20世紀當代藝術演變的關鍵節點。

⬬ 玩轉具象與抽象｜廖繼春

台灣藝術史上最具代表性之一的畫家廖繼春，從生涯早期注重光影、色彩的本格派，逐漸往野獸派、抽象表現主義探索，最終奠定獨特的「半具象半抽象」風格，深深影響後世畫家。他各個時期的風格轉變，在個展中都看得見。

展位｜「主題藝向 Evoke」展區 > 日升月鴻畫廊《廖繼春個展》

⬬ 藝術界的哲學家｜蕭勤

蕭勤縱橫東西方藝術圈數十年，致力將東方禪學融入現代抽象藝術，1960年代更在米蘭參與發起「龐圖運動」，強調思想建構、內省之於藝術的必要性，藝術風格與視野極具個人色彩。本次展品之一《光之躍動》正是其龐圖時期的代表作。

展位｜「主題藝向 Evoke」展區 > 3812 Gallery《蕭勤個展》

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

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想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group