「2024台北當代藝術博覽會」將於5月10日至12日揭幕，現場集結靜態展出、沈浸式裝置、論壇等多元形式，為南港展覽館染上滿滿藝術氣息。藝博那麼大，該從何看起？本篇奉上編輯精選的8件作品，帶你預習4大展區重點。

  第一站  

我們從每年必看的「當代網域」（Galleries）啟程，本區由參展藝廊帶來精選代理藝術家作品，可以一次看見各家藝廊的藝術品味。如果時間有限沒辦法逛完全展，推薦先從這裡看起。

⬬ 世界級！以《沈思者》為首的羅丹雕塑名作

以蒐羅法國雕塑大師羅丹（Auguste Rodin）之作聞名於世的倫敦藝廊Bowman Sculpture，首次參戰台北藝博。這次帶來的《沈思者》（Le Penseur）、《吻》（Le Baiser）等作，都位居羅丹代表作之列，體現他拋開19世紀傳統雕塑慣用的神話及預言主題，專注塑出人體肌肉、身體結構與人物性格的雕塑美學。

展位｜「當代網域 Galleries」展區 > Bowman Sculpture

⬬ 裝滿情感的金屬人體｜Antony Gormely

在英國立起全國尺度最大雕塑《北方天使》（Angel of the North）的藝術家Antony Gormely，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想。本次展出的《Open Ponder》是用8mm耐候鋼板層層堆起，高度超過190公分的真人尺度雕塑；近看能瞧見材質本身獨特的細密鏽層，遠看是分解卻又完整的人形。你看見的是碎片或整體？

展位｜「當代網域 Galleries」展區 > Galleria Continua

  第二站  

接著前往聚焦於亞洲藝術的「藝術載點」（Engage）展區，從竹編工藝品和大型裝置之間，感受當代及傳統美學的交流對話。

⬬ 古藝與現代相遇｜四代田邊竹雲齋

日本竹藝大師四代田邊竹雲齋將帶來在台首展。出生於竹藝世家，他不只傳承家族技藝，持續編織傳統竹工藝品；更結合當代藝術思維，創作大型竹藝裝置，讓自然材質融於現代空間，以工藝聞名的時尚品牌LOEWE就將他的作品引入巴賽隆納店中。本次展覽《GODAI Void》透過各種不同形式的竹藝，表現構成宇宙的5種元素：地、水、火、風、虛空。

展位｜「藝術載點 Engage」展區 > YUMEKOUBOU GALLERY

  第三站  

體驗過傳統與摩登的碰撞，再前進「新生維度」（Edge）展區，感受時下最新潮、年輕生猛的藝術形態。

⬬ 你看得見我，卻看不清我｜李秉憲

南韓藝術家李宰憲筆下的人物總是「面目全非」。他透過邊界模糊的色塊、流動而粗獷的筆觸，讓畫中人物即便面向觀眾，卻難以被辨認主角是誰？五官是什麼模樣？表情中透露著什麼？這種介於抽象和具象之間的「曖昧」，呼應了人們有時能直視彼此的外表，卻無法面對他人內心深處意識與情感的幽微心理。

展位｜「新生維度 Edge」展區 > Gallery SP

⬬ 這些畫有聲音｜Will Herman

透過張狂線條與鮮明色彩，英國藝術家Will Herman把聚餐、夜生活、看球賽……各種生活中的平凡小事，變得更幽默有趣，每幅畫都生動得像是「有聲音」。擁有英國與菲律賓雙重背景，他在生活中體驗過各種文化衝擊，並將這些體驗融入畫中，利用介於男孩與男人之間的有趣視角，為作品注入調皮又帶點荒誕、諷刺的個性。

展位｜「新生維度 Edge」展區 > 索卡藝術

⬬ PEACE！嘻哈靜坐中｜水戸部七絵

創作帶有濃厚街頭感的日本藝術家水戸部七絵（Nanae Mitobe），習慣透過油彩層層堆疊出類似塑膠的視覺質感，她筆下一張張看不清的人臉背後，蘊含著對社會的反思，包含因種族、性別而生的誤解甚至歧視，以及政治、資本主義對當代社會的負面影響。

這次水戸部七絵將幾位「坐著的人」帶到台北藝博現場，人們的胸前佈滿濃厚、沈重的顏料，好像隨時會被壓垮跌下椅子；而顏料上頭的字跡顯示「Run-DMC」，這是八〇年代美國東岸繞舌巨星之名。藝術家將1960年代美國人民靠靜坐等非暴力手段提倡社會改革的意象，結合嘻哈符號，表達一股在社區與社會中不斷流動、透過和平方式獲得自由的能量。

展位｜「新生維度 Edge」展區 > HARUKAITO by ISLAND

  第四站  

初登場的特別策展計畫「主題藝向」（Evoke），聚焦於藝術史中的重要藝術家，其中《廖繼春個展》與《蕭勤個展》回顧了20世紀當代藝術演變的關鍵節點。

⬬ 玩轉具象與抽象｜廖繼春

台灣藝術史上最具代表性之一的畫家廖繼春，從生涯早期注重光影、色彩的本格派，逐漸往野獸派、抽象表現主義探索，最終奠定獨特的「半具象半抽象」風格，深深影響後世畫家。他各個時期的風格轉變，在個展中都看得見。

展位｜「主題藝向 Evoke」展區 > 日升月鴻畫廊《廖繼春個展》

⬬ 藝術界的哲學家｜蕭勤

蕭勤縱橫東西方藝術圈數十年，致力將東方禪學融入現代抽象藝術，1960年代更在米蘭參與發起「龐圖運動」，強調思想建構、內省之於藝術的必要性，藝術風格與視野極具個人色彩。本次展品之一《光之躍動》正是其龐圖時期的代表作。

展位｜「主題藝向 Evoke」展區 > 3812 Gallery《蕭勤個展》

「對我而言，創作不會總是有很強烈的意圖。」一開口，陳姝里如此輕描淡寫，卻正好道出她在藝術創作之路上「自然而然」轉向陶藝的關鍵。過去十餘年，她穿梭在插畫與平面設計之間，也因此在插畫界中闖出一番成績。只是，日復一日，面對形形色色的客戶需求，她漸漸無法沉浸在「純創作」的心流之中。「會去捏陶，就像是一種自然轉換的過程，因為當時的我，很需要自己的空間，不僅是實體的空間，心理也是……」

創作的起點

日光穿過半掀的調光簾透進屋內，落在工作桌上散落的色紙碎片。這些看似「無用」的東西，偶然被陳姝里收了起來，並衍生出她的創作系列：《拾獲物》（found object）。

「這些色紙碎片是剪紙過程中剩餘的材料，本來應該要被丟進垃圾桶的，但我覺得這些造型不一的圖形，其實更吸引我。於是我就把喜歡的碎片變成新的創作素材，拼貼出《組合》這系列作品。」

偶然出現的碎紙片，意外帶給陳姝里更純粹、單純的創造樂趣。平時面對繁雜的平面設計與插畫工作，容易使她陷入過度的計畫與目的性。然而在這些碎紙片面前，心思卻能回到最初的空白。「這些剪紙碎片構成的創作，我叫它們『小雕塑』。某一天，我突然有個想法，如果把這些平面的紙片，變成立體的作品，可以怎麼呈現？」

可以說是記憶使然，陳姝里立刻想到一種既熟悉又陌生的創作手法：陶作。原來，陳姝里的舅舅是陶藝家，小時候陳姝里在過年時會去舅舅的工作室玩陶。大學也修過一學年的陶藝課，所以捏陶對陳姝里來說並不陌生。

捏陶，也是在捏塑自己的心

捏陶看似閒適，但她苦笑說自己其實沒什麼時間可以閒下來，大部分時間被工作填得密不透風。後來有了小孩，時間又被分割得零零碎碎。「以前我可以每天工作十個小時，但自從女兒出生，人生又多了一種角色和責任。生活一直處在停不下來，不斷忙碌、擔心的狀態。」

漸漸地，她感覺快被外界的人事物塞滿，內心沒有了自己的位置⋯⋯「我喜歡創作，但成為媽媽之後，時間變得很破碎，加上疫情嚴重的那年，我24小時育兒，一天也許只有30分鐘的空檔。但我還是想創作，我需要創作。我內心知道，若再不撥一點時間給自己，我會失控。」

在這個掙扎的時刻，陳姝里接觸到陶藝，摸到陶土的那一刻，她感到一股似曾相識的感覺。「我以為自己已經忘了，但觸覺帶我回到小時候，在家門口玩泥巴，把泥土捏成球。手中握著泥球，我好滿足。而捏陶的時候，我又感受到那種純粹的快樂。」

放下執念，享受不可控

對陳姝里而言，不論是紙片創作、插畫，或是後來的雕塑、捏陶，本質都相通。她喜歡組合與拼貼，就像剪紙的碎片可以重新拼出新的造型；陶土也是如此，需要一塊一塊地塑造、連結，再進窯燒製。

然而，創作不總是順利。偶爾作品會在燒製過程中出現意想不到的變化，或是不如預期。但她並不懊惱，反而樂於接受這種「不可控的成果」。「把錯誤留給媒材」是她打破完美、走向自由的一步。

一邊說，一邊拿出一樣作品。陳姝里試著把那個作品立起來，但隨即就倒下去：「這是一個立不起來的作品，我取名為《水平》。它也是我把剪紙碎片立體化的成果，本來想把陶土實心的部分挖除，讓作品平衡站起，沒想到作品還是無法站立。由垂直站立的狀態變成只能水平擺放。似乎是要我放下執念，接受它最後的狀態。」

她笑笑地繼續說：「所以這是一個失敗的作品嗎？我不這麼認為。或許對有些人來說，這是失敗品。但我卻因此看到，它有其他呈現方式。不只《水平》，我也有其他作品燒完後乍看不喜歡，但時間一久卻慢慢能夠欣賞它美的地方。」

陳姝里在大眾認知的「失敗」與「錯誤」中找到了另一種未曾想像的美。特別是當陶藝作品最後出窯時，會帶來無預期的驚喜或驚訝。她脈脈望著層架上的陶盤說道：「我好像也能更坦然面對生活中的不可控了呢！」

文字 / 洪孟樊

攝影 / 林家賢

Olafur Eliasson熱愛音樂。他認為音樂如同鏡子一樣映照出他的心情，承接並映照出他日常中忽視、未被滿足的情緒與需求。他也持續進修、閱讀，避免自己陷入知識的盲區——他永遠好奇還有什麼自己不知道的事物。在這裡，Olafur親身分享他私藏的歌單與書單。

➤ 延伸閱讀：深度專訪藝術家奧拉弗．埃利亞松Olafur Eliasson：世界沒有理所當然，唯有展開你的好奇心

Olafur歌單4+1：承接你的心緒

❶ 《In Waves》

Jamie xx｜2024

睽違9年，相較前張個人專輯的繽紛，這英國電音鬼才交出的作品更顯憂鬱複雜，卻眼望舞池的純真快樂。

❷ 《Lahai》

Sampha｜2023

生於西非獅子山裔移民家庭，英國非裔音樂人Sampha第2張專輯冠以祖父之名，揉合電子與靈魂樂，探索自己成為父親後的內省與溫暖。

❸ 《Enjoy the Silence》

Naima Joris｜2025

這位疫情期間因社群翻唱而備受注目的比利時爵士歌手，回歸初心重新詮釋曾療癒她的歌曲。

❹《Go》

Jónsi｜2010

這是Sigur Rós主唱Jónsi的首張個人專輯與個人的華麗冒險，夢幻假音飄盪， 在後搖與更流行的樂種間嬉玩。

同場加映：《I Hear You》

Peggie Gou｜2024

因藝術收藏而相識，Olafur為活躍柏林的韓國DJ Peggy Gou首張完整專輯《I Hear You》設計專輯封面，她穿戴的作品便是〈Psychoacoustic empathy amp〉（2023）；Olafur也執導單曲〈1+1=11〉MV，並將場景設定在他的柏林工作室，親自獻上一舞。

Olafur書單×6：餵養你的靈感

❶ 《Is a River Alive?》

Robert Macfarlane｜2025

土地是否能擁有人格權？Olafur觀察到台灣也正處理這議題，賦予河流或山脈人格權，自然界便也有了自我保護的法理基礎。

❷ 《Conflict Is Not Abuse》

Sarah Schulman｜2016

資深酷兒運動者直面當代痛點：我們太快將不適貼上受害標籤？這部挑釁之作解構二元對立思維，呼籲重新思考責任與修復。

❸《山之生》

Nan Shepherd｜1977（中譯版－新經典文化｜2019）

手稿沉睡30年後，這位蘇格蘭女作家畢生的登山札記才問世。她以詩人之眼凝視高地荒原，成為自然書寫的經典。

❹ 《The Discovery of Slowness》

Sten Nadolny｜1983

海軍傳奇在冰天雪地中尋找西北航道，天生行事緩慢卻屢建奇功，挑戰效率至上的現代迷思。

❺ 《心靈的傷，身體會記住》

Bessel van der Kolk｜2014（中譯版－大家出版｜2017 ）

這本書顛覆創傷研究的既有認知， 認為痛苦不只存在腦海，更銘刻在 身體之上，重新思考療癒的定義。

❻ 《The End of Nature》

Bill McKibben｜1989

在氣候變遷尚未被關注之時，McKibben便已提出獨立於人類之外的「自然」已不存在，我們需要重新審視與環境的關係。

奧拉弗．埃利亞松 Olafur Eliasson

冰島－丹麥藝術家，1967生於丹麥哥本哈根，工作室位於柏林。作品探索藝術與世界的廣泛連結。自1997年起，他的個展陸續於世界各大美術館展出，創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影，以其挑戰感知並強調環境共創的展覽與公共裝置，在國際藝壇享有盛譽。2003年，他在倫敦泰德現代美術館的渦輪大廳創作《The weather project》，以迷霧籠罩的巨大發光「太陽」創造沉浸式體驗。2008年，他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布，呈現於《The New York City Waterfalls》計畫中。埃利亞松亦透過藝術探索氣候變遷的議題，例如2014年，他將格陵蘭冰川的碎冰帶至哥本哈根市中心，隨後2015年在巴黎、2018年於倫敦再次展出此《Ice Watch》計畫，讓路過的民眾得以親手觸摸來自格陵蘭的冰川碎片，見證冰川融化消逝的脆弱過程。2012年，創立社會企業「小太陽」（Little Sun），並持續參與其發展至2024年。2014年，他與Sebastian Behmann共同成立Studio Other Spaces，這是一間專注於藝術與建築的創作機構。

_{更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》}