拍立得「即時成像」的魔法，讓找畫面、按快門至相片到手，只需短短一分鐘就能實現。

我們熟悉的拍立得相片，是雙邊不超過10公分的精巧成像、是日常生活的顯影；不過，從1930年代Polaroid（寶麗來公司）開發出這款攝影神器開始，就吸引不少知名攝影師與藝術家將其視為「創作藝術」的工具——他們善用小巧或巨無霸機型的拍立得，試驗底片、顯影劑、移膜技術、相片尺寸等變因，創造令人難忘的藝術，讓人幾乎忘了這是「隨拍隨得」、幾乎不靠後製的影像。

攝影迷必看！難得以「拍立得」為主角的影像大展

即日起至6月7日於台北師大美術館展出的《一拍即影：拍立得國際名家攝影大展》，透過9大主題包裹300多件拍立得藝術創作，集結多位藝術與攝影大師如Andy Warhol（安迪・沃荷）、Ansel Adams（安塞爾・亞當斯）、André Kertész（安德烈・柯提茲）等的教科書等級之作，以及眾多腦洞大開的實驗影像，尺度從小巧到令人意想不到的20 x 24英吋（50.8 x 61公分），讓人看見拍立得不只貼近日常、還能創造大片的多變魅力。

《一拍即影：拍立得國際名家攝影大展》夢幻陣容

Andy Warhol（安迪・沃荷）、Ansel Adams（安塞爾・亞當斯）、André Kertész（安德烈・柯提茲）、Guy Bourdin（蓋伊・伯丁）、Chuck Close （查克・克洛斯）、Ellen Carey（艾倫・凱莉）、Lucas Samaras（盧卡斯・薩馬拉斯）、Peter Beard（彼得・比爾德）、Robert Mapplethorpe（羅伯特・梅普爾索普）、William Wegman（威廉・韋格曼）、柴田敏雄、森本洋充等歐美與日本知名創作者。

9大主題呈現拍立得的創作可能

《一拍即影》由師大美術館、美國攝影展覽激進會、麻省理工學院博物館聯合製作。佔據三個樓層的展場，透過9大主題梳理拍立得的不同特質，以及攝影師運用它的各種方式——比如「築構」聚焦於取景與構圖的巧思；「劇場」強調影像的表現張力；「觀察」凸顯掌鏡人對周遭環境的敏銳，因此才能夠在瞬時間捕捉城市、自然風景中稍縱即逝的美好。

《一拍即影》展區9大主題

「觀察」、「築構」、「探問」、「印象」、「表現」、「劇場」、「陳設」、「沈思」、「速度／洞察力／即時成像／即逝／創新」。

亮點01／巨無霸機型拍出的超大拍立得

本次必看亮點包含多幅平常難以見到的20 x 24 英吋（50.8 x 61 公分）巨幅相片，這些作品並非用小張拍立得拼接、也不是將底片放大沖洗而成，而是出自Polaroid最巨大的同尺寸相機。這款將近150公分高、重達上百公斤的巨無霸機型，只存在於Polaroid位在紐約、麻州等地的工作室，只有受品牌邀請的藝術家才能使用。

✹「拉」出相紙上的色塊｜Ellen Carey

美國藝術家Ellen Carey（艾倫・凱莉）就是受邀者之一，利用巨無霸拍立得創作出《拉》（CMY）一作。她刻意在定影前拉出相紙，任由顯影劑漫流其上，製造出上半部青藍、桃紅、銘黃，下半部全黑的4個色塊，還留有被暱稱為「鬱金香」的齒輪壓痕。這幅影像體現了被藝術家稱為「零度攝影」（​​Photography Degree Zero）的創作風格，它抽象、大膽，不指涉具體的地域、人物或物件，反而給人一種純粹、超然的藝術感知。

✹ 以繪畫「再製」拍立得｜Chuck Close

展場中一張美國前國務卿Hillary Clinton（希拉蕊・柯林頓）的巨大肖像，出自已逝藝術家Chuck Close（查克・克洛斯），他以巨幅網點肖像畫聞名，生前常以20 x 24英吋相機拍攝人像，再於成像後的相紙畫上網格，作為後續繪畫的參考。與希拉蕊肖像比鄰的正是攝影師本人的「自拍」。

亮點02／大師也愛拍立得

✹ Polaroid靈魂人物鏡頭下的美西絕景｜Ansel Adams

穿行展廳之間，好萊塢驚悚片大師Hitchcock（希區考克）、喜劇天王Jim Carrey（金凱瑞）的身影驚喜映入眼簾；而掌鏡人中，也不乏名留攝影史的大師級人物，當中最具代表性、也與寶麗來連結最深的一位，莫過於已故風景攝影師Ansel Adams（安塞爾・亞當斯）了。

打從1948年Polaroid推出首款拍立得後不久，Ansel Adams便應創辦人之邀擔任顧問，一路做了35年直到離世。這段期間，他不只協助品牌打下典藏基礎、提供專業的產品測試意見，也持續親自使用拍立得創作。這次我們可以在《一拍即影》看見Ansel Adams用拍立得捕捉的優勝美地半圓丘、瀑布，這是他最廣為人知的拍攝對象。

✹ 獨特構圖玩轉光影｜André Kertész

展覽現場的靜物照比起人像、風景也毫不遜色，當中最珍貴的是匈牙利攝影師André Kertész（安德烈・柯提茲）因思念已逝的妻子而用拍立得創作的影像。攝影記者出身的Kertész，以俯瞰、斜角等前衛構圖，為20世紀上半新聞攝影帶來新穎視角，深深啟發Bresson（布列松）、Robert Capa（羅伯特・卡帕）等新聞攝影大師。

本次展出之作也看得見他獨特的取景視角——結婚40年的妻子離世後的幾年之間，他以SX-70相機在紐約公寓裡拍下日常即景，相紙中可見心形玻璃、半身人像等物件隨性擱在窗台上，光和影交織、嬉遊於其間，構圖簡潔、韻味綿長，傾訴著對愛妻的惦念之情。

✹ 狗狗與故障成就的美好意外｜William Wegman

透過一系列以「狗」為主角的影像聞名於世的美國攝影師William Wegman（威廉・韋格曼），這次也帶來最具標誌性的「威瑪犬擬人」作品，只不過畫風與平時不大一樣，因為創作過程中遇上了「意外」。

拍立得相紙上，3隻家犬頭戴著部落面具、端坐著看向鏡頭，不過畫面卻只出現狗兒的上半身，讓人好奇為何留白？原因其實很單純——顯影劑由上而下擴散時，不知為何突然停止流動，最終只留下我們所看見的紅色區塊。因為顯影區域的形狀像是盾牌，Wegman索性將作品取名為《盾》（Shield），紀錄下這場有趣的意外。

亮點03／加熱、撕扯、刮擦等拍立得藝術實驗

對鬼點子特別多的藝術家們來說，拍立得不僅僅是紀錄實像的畫布，也是畫筆，是顏料，是創作的道具，更可以是創作的本身。他們從成像後的著色、書寫、剪裁、拼貼、即時翻拍，到干預顯影時的加熱、撕扯、刮擦，甚至結合藍曬、鉑鈀等古老印相工藝（如森本洋充），讓拍立得在想像力催化下，已然超越了日常紀錄、廣告試拍的用途，幻化為創造力及實驗精神的載體，讓人大開眼界。

✹ 塗鴉血字｜Peter Beard

曾為《Vogue》等雜誌掌鏡的知名時尚攝影師Peter Beard（彼得・比爾德），將拍立得視為「私密日記本」，在相紙標誌性的白色邊框上塗鴉，甚至不惜以血為墨，彷彿要將自我的生命力與記憶一併封存。

✹ 加溫為曖昧｜Lucas Samaras

美籍希臘裔攝影師Lucas Samaras（盧卡斯・薩馬拉斯）則刻意塗抹、加熱顯影劑乾燥前的拍立得，讓相片中的顏彩混融，只留下特定的身體部位清晰可辨，形成一張又一張充滿藝術感的「非常自拍」。

亮點04／拍立得上市前珍貴試拍照、古典相機集結

藝術家能夠拿起拍立得，任想像馳騁、顯影於或大或小的相紙上，追根究底必須歸功於Polaroid開創的技術，因此《一拍即影》特別展出上百件古典相機、研發檔案、模型、試拍照等，揭開其70年來鮮為人知的進化軌跡。

敘事從1945年拍立得上市前的數十張「試拍照」為起點，由影像中的Polaroid創辦人Edwin Land（艾德溫・蘭德）與啟發他踏上「即時成像攝影」研發之路的女兒，作為品牌故事的序言。

接著最令人心動的就是早年的拍立得相機！有別於現在的拍立得為求方便帶出門，而以塑膠等輕量材質製成，上世紀的機型外觀多以金屬、皮革拼接，有著別樣的美感。當中又以1972年問世的「SX-70」最為迷人，它不光有顏值，更是史上第一款折疊式的即時單鏡反光相機，乘載著創辦人Edwin Land研發將近20年、只為做出心中理想相機的心血。

另外，因Andy Warhol（安迪・沃荷）愛用而紅透半邊天的「Big Shot」、千禧年時由Britney Spears（小甜甜布蘭妮）代言的少女愛用款「I-Zone」也都在場。

科技與藝術合作的結果

Edwin Land曾說，「我認為自己首先是個藝術家，對愛、感情、分享以及讓美成為日常生活的一部分，都很感興趣。」一語點破寶麗來除了以精良、平價的消費型拍立得風靡全球外，更與攝影和藝術圈維繫著互惠、共好的夥伴關係，甚至發展出「藝術家支持計畫」，以免費產品和展出機會，交換創作者的使用反饋及拍立得創作。這次《一拍即影》展出的大師作品正是源自此計畫數十年來的積累。

技術流傳於世，曾經色彩卻難以再現

曾經風光的Polaroid，在2008年不敵數位相機浪潮而宣告破產，象徵著一個時代的結束。雖然拍立得現在依舊流行，但因Polaroid改由荷蘭公司經營，礙於歐洲法規對顯影藥劑相關成份的限制，許多曾在美國時期產品使用的原料目前無法再用，這或多或少影響了拍立得成像的顏色、對比度、飽和度等，也就是說，舊日的色彩已難以被真實復刻，過去就是過去了。

文章最後，想特別介紹一幅不仔細瞧只會看見一片黑漆、認真看卻會被感動的作品，它出自Polaroid老家——美國麻州——當地攝影師之手。Polaroid破產後，總部人去樓空、招牌被故意塗黑，讓常路過這的攝影師S. B. Walker看了失落惆悵，想做點什麼為大樓、也為Polaroid留下紀錄；於是某天他帶著梯子來到這，上上下下爬梯將Polaroid招牌一格一格地拍下，最後串連成一幅長型黑白影像。畫風看似頹敗慘淡的相片，其實紀錄了攝影界閃閃發光的一代傳奇，也讓人領悟即便品牌易主、總部建築失色，只要攝影仍然存在，總會有人不忘以拍立得顯影生活、實驗藝術。

《一拍即影：拍立得國際名家攝影大展》

時間｜即日起至2024年6月7日（五）

地點｜國立臺灣師範大學美術館（台北市大安區和平東路一段129號）

票價｜全票250元

 

師大美術館將在5月份推出「一拍即 IN」系列活動，除了有專家導覽、拍立得走讀街拍、Polaroid快閃店之外，還有非常值得參與的拍立得刮片、移膜工作坊，從中體驗《一拍即影》參展藝術家創作與實驗的過程。詳情請至官方頁面查詢。

透納（William Turner）被譽為「英國最偉大的畫家」，在19世紀以前衛畫風重新定義何謂「風景畫」——在他之前，風景畫注重寫實、還原自然真貌，可他不被流行束縛，強調利用色彩重現當下光影、形塑氛圍，描繪大自然的「崇高（sublime）」意境。他不只啟發了莫內等印象派畫家，來到當代仍備受推崇，與英王一同被印上英鎊20元鈔票，成為英國史上第一位達成此成就的藝術家，足見其跨越時代的影響力與代表性。

由英國泰德美術館（Tate Modern）策劃的「威廉．透納特展：崇高的迴響」正式抵達台北，即日起至10/12於中正紀念堂展出。這場規模空前的透納特展，一次集結80件透納真跡，完整剖析其藝術風格演變，及對「崇高（sublime）」美學的畢生追求；另匯集28件當代藝術作品，類型涵蓋繪畫、裝置、雕塑等，與透納畫作展開跨越兩世紀的對話。究竟我們該如何理解「崇高」一詞？參展的當代藝術家如何與透納產生共鳴？經典與當代藝術同時在場，如何互相補述而非各說各話？La Vie訪問到策展人Elizabeth Brooke，就由她親自解析！

我們該如何理解「崇高」？

「崇高」一詞不僅是貫穿全展的主軸，也與透納數十年的創作生涯緊密連結。「崇高」的概念源自艾德蒙．柏克（Edmund Burke）於18世紀出版的著作《崇高與美之源起》，書中主張當人們看見比自己更偉大的事物，如大自然，心中迷戀、敬畏及恐懼之情油然而生。他也強調，人們應善用「想像力」理解自然環境；然而，在他眼中繪畫太過「寫實」，與詩歌和文學相比，缺乏想像空間。

Brooke卻認為：「透納跳脫那個時代繪製風景的窠臼，在畫中融入大量想像，透過富表現張力的筆觸描繪風景，樹立獨特風格。」於是她在論述中揉入19世紀英國藝評家約翰・拉斯金（John Ruskin）對「崇高」的進一步詮釋——當人們置身大自然，得以感受天地有大美的無形力量，亦是「崇高」的體現，而不只是純然的敬畏和恐懼。也因此，Brooke在展覽開頭以拉斯金的名句破題：「任何能提升心靈的事物都是崇高的，而心靈的提升是透過對任何一種偉大事物的沈思而產生。」

梳理透納各時期對「崇高」的不同詮釋

展覽透過7大主題，貫穿透納的創作生涯，從早期描繪英國風景的細膩筆觸，到重現阿爾卑斯山景光影變幻的技法，可以看見他的風格逐漸超越寫實主義，而透過光線、氛圍重現風暴、雪景、海洋、月光等大自然風貌。Brooke希望觀眾不只看見透納在創作技法上的精進，也體會他在不同生命階段，如何透過不同手法傳達「崇高」意境。

透納之「永恆」，是永遠與當代連結

⬭ 透納 ⇌ 奧拉弗．埃利亞松（Olafur Eliasson）

轉而望向展覽中的28件當代藝術作品，或許可視為後世藝術家對透納「崇高」之境的「迴響」。談及將當代藝術引入策展敘事的起心動念，Brooke說，「這場展覽的主要目的在於，將透納的作品置於當代的脈絡中讓觀眾重新觀看，以感受其中的『永恆性』，並理解跨世代的創作者們透過藝術關注議題的共同性。」

所謂永恆，Brooke解讀為「透納永遠都能與當代發生的事情產生連結」，舉例來說，透納不只畫大自然的優美，也畫海上風暴、山崩等殘酷情景，紀錄大自然的脆弱、狂暴及不可預測，這與奧拉弗．埃利亞松（Olafur Eliasson）作品遙相呼應，他從格陵蘭採集古老冰川碎片，將其置於畫布自然融化，慢慢與顏料交融成畫。兩位藝術家用的媒材和手法不同，卻都表達了對自然力量的崇敬、對環境議題的觀察。

從自然描繪到媒材創新，透納與當代藝術家的聯繫

⬭ 透納 ⇌ 約翰．亞康法（John Akomfrah）& 潔西卡·沃博斯（Jessica Warboys）

我們也好奇，當代與經典藝術該如何同時呈現，才不會落入各說各話的窘境？談及如何選擇參展藝術家，Brooke解釋，「大致可分成兩派，他們各以不同方式與透納產生連結：一派是透過創作體現大自然的力量；另一派則是在媒材的運用上有所創新。」她在確立展覽的7大主題後，著手尋找與之適配的當代藝術家，有些選擇直接受特定作品啟發，像是「海上風暴」展區中的兩組作品，「這區有一系列透納描繪捕鯨船的畫作，非常直接跟約翰．亞康法（John Akomfrah）的錄像作品產生連結。」名為《眩暈之海》的錄像中探討奴隸制度、移民歷史，揭示捕鯨及獵北極熊等生態議題，呼應透納畫中所描繪捕鯨行業的殘忍危險。

另一方面，潔西卡·沃博斯（Jessica Warboys）的《海洋之畫》則展現新穎的媒材及創作手法，她帶著巨大畫布前往海灘，將當地岩石、土壤中的礦物化為顏料，塗抹在畫布之上，接著將它浸入海水、再拖行於沙灘，與自然環境一起創作出反映自然脈動的抽象畫。

有人傳承透納精神，有人與之相對

⬭ 透納 ⇌ 科妮莉亞．帕克（Cornelia Parker）& 理查德．朗（Richard Long）

有趣的是，參展藝術家中固然有些深受透納啟發，如科妮莉亞．帕克（Cornelia Parker）的《邊緣空間》取材自泰德美術館收藏的透納畫作，將畫布襯裡和捲邊裝框展示，提醒人們歷史藝術作品之脆弱；可也有創作思考與透納幾乎是相反的存在，像是理查德．朗（Richard Long）採集英國山區石頭創作的大地藝術，「他的創作理性、具系統性，直接反映和大自然接觸的親身經驗，但透納的畫是充滿想像力、詩意，甚至有點迂迴的。」Brooke認為「傳承」當然能產生對話，可「對比」也能形成另一種語境，豐富展覽觀點。

從當代攝影中的「崇高」，回看透納的隱藏版大作

⬭ 透納 ⇌ 沃夫岡．提爾曼斯（Wolfgang Tillmans）

這是一場以「崇高」為題的展覽，可來到當代，藝術家是否還透過創作追求「崇高」之境？Brooke坦言，「我認為當代藝術家在創作時，並不會有意識地思考『崇高』這件事，這放在當代是有點過時的概念，但不代表它已消逝。這次所選的藝術家作品，各以不同方式體現『崇高』。」她提到沃夫岡．提爾曼斯（Wolfgang Tillmans）的攝影作品《The State We’re In, A》，影像中是一片無邊無際的海洋，也像在拍難以觸及的遠方，Brooke仍清楚記得多年前初見此作的震撼，「這張照片拍攝於2015年，當時歐洲正處於移民危機的高峰期。我在畫廊遇見這幅作品的那天早上，才從新聞看到有多少生命在海上消逝——人們為了逃離戰爭，冒險從歐洲偷渡到英國，想展開新生活。你可以想像那有多令人害怕。幾個小時後，我凝視著那片他們出發時必會面對的無盡汪洋，為了一個完全未知的將來而賭上性命，那種感受非常強烈且震撼人心。」在此，畫面中的海洋不只是景色，更訴說大自然予人希望、又令人畏懼的力量，藝術家也藉風景輕柔傳達政治議題。

與提爾曼斯鏡頭下一片汪洋對照的，是透納在1827年畫的《懷特島，海與天空習作》，Brooke特別提到這件小尺幅作品雖容易被忽略，卻是她在策展過程中意外挖掘的寶藏，「它完全在描繪海和天空，且透納是在一艘船上就地完成這幅畫，這兩點在當時都是前所未見。」不過事隔兩百年，如何得知透納當時是在船上作畫，也許是憑記憶創作也說不定？Brooke進一步解釋，「我們從畫作保存、製作的方式推敲。透納旅行時常在同一卷畫布上畫好幾幅畫，之後再將它們裁切、裱框。他畫這幅的同時，也畫了另一系列的作品，它們都記錄了懷特島的風光。而在其中一幅描繪船艙內部的畫作中，可以看到一扇舷窗，窗外的海景與這幅畫作完全一樣，所以我們能確信他就是在船上畫下這幅畫。」

「光」貫穿展覽，揭開首尾呼應的策展巧思

⬭ 透納 ⇌ 凱蒂．帕特森（Katie Paterson）

要領會透納畫中的「崇高」意境，必得細賞其中變幻莫測的「光」，透納窮其一生精進色彩、筆觸等技法的運用，就是為了將光的表達推向理想之境。「光是貫穿展覽的主軸，策展上也讓首尾呼應。」Brooke揭開其中巧思：展覽由凱蒂．帕特森（Katie Paterson）作品《全食》開場，暗室中一顆轉動的球體發著光，將人類曾觀測到的日全蝕影像投射到觀眾身上，邀人們在光的變換之間，感受白天與黑夜、光明與黑暗界線逐漸模糊。展覽最後一個展區則主要呈現透納晚期作品，「那時透納幾乎完全在捕捉光的各種變幻。」全展以光串起敘事，從當代與科技共創之作，逐步回溯至兩百年前透納筆下的自然之美。

中正紀念堂的「彎繞」動線，為觀展創造驚喜

作為國際巡迴展，「威廉．透納特展：崇高的迴響」目前已走過摩納哥、上海，台北是第三站。每到新城市遇見新場域，展覽動線等安排必須靈活調整，這也是策展團隊未來得持續面對的挑戰，對此Brooke正面看待：「這促使我們在不同的場景，透過不同的方式，讓展覽和場域創造新的連結。」她也特別提到中正紀念堂展場的特別之處，「這裡的動線彎繞，為觀展視角創造很多有趣的可能。比方說，我們本就為『走入山間』安排兩個子題（子展區），一邊呈現地景和氣候變遷，另一邊表現透納對山景的描繪和高超的色彩運用。很巧的是，展場正好有個轉折點，將兩個子題自然地劃分開來，讓觀眾轉個彎就遇到新的驚喜。」

從「雪崩」談跨越兩世紀的不同觀看視角

⬭ 透納《格里松山的雪崩》

最後，Brooke也分享泰德美術館在透納誕生250年之際，策劃這場大規模展覽的願景，「我們希望讓人們重新談論透納，也讓他們發現，原來透納在兩百年前做的事情，其實隱隱和當代的我們共振。」雖說是共振，但兩百年來隨社會、科技變遷，人們吸收資訊、欣賞藝術的方式已大不相同，Brooke對此亦有洞察，她從《格里松山的雪崩》一作延伸想法，「這是透納描繪雪崩的畫作，但他其實沒經歷過雪崩，是在新聞上讀到雪崩造成多人喪命的消息，想像當時景象畫出來的。但來到現代，我們或多或少都已在網路上看過雪崩等天災發生的場景。」進一步說，我們所見的影像太過「真實」，心中感受多半是純然的恐懼；可在兩百多年前，透納憑想像繪出的雪崩場景，雖對當時的觀者來說是極大的視覺震撼，但比起視它為單純的災害，更像是令人敬畏、一生未見的壯闊自然景觀，讓人十足感受到大自然湧動的能量，從而領會其「崇高」。

「威廉.透納特展:崇高的迴響」英國泰德美術館典藏

展期｜2025.6.27-10.12

展場｜中正紀念堂一、二展廳

 

參展藝術家

約瑟夫．馬洛德．威廉．透納（Joseph Mallord William Turner）

約翰．亞康法（John Akomfrah）

愛德華．伯汀斯基（Edward Burtynsky）

彼得．多伊格（Peter Doig）

奧拉弗．埃利亞松（Olafur Eliasson）

霍德華．霍奇金（Howard Hodgkin）

羅尼．霍恩（Roni Horn）

彼得．蘭永（Peter Lanyon）

理查德．朗（Richard Long）

麗莎．米爾羅伊（Lisa Milroy）

科妮莉亞．帕克（Cornelia Parker）

凱蒂．帕特森（Katie Paterson）

馬克．羅斯科（Mark Rothko）

北美館推出冰島-丹麥藝術家奧拉弗・埃利亞松（Olafur Eliasson）在台灣的首次大型個展「你的好奇旅程（Your curious journey）」，展覽將回顧其自1990年代以來逾30年的創作歷程，精選橫跨裝置、繪畫、雕塑與攝影等多樣媒材的17件代表性作品。本展於6月21日至9月21日在北美館大廳及一樓展覽室展出。

奧拉弗・埃利亞松以挑戰感知、強調環境共創的作品享譽國際，並以引人入勝的裝置藝術著稱，將難以捉摸的現象轉化為可感知的體驗，用開創性的方式，挑戰我們對周遭世界的感知與理解。其作品也因其對社會與環境的深度關懷，持續在當代觀眾之間引發共鳴。

→ 看更多藝術家Olafur Eliasson介紹

迴展規模最大站在北美館

而本次的「奧拉弗．埃利亞松：你的好奇旅程」展覽由5座城市美術館共製，並與奧拉弗．埃利亞松工作室（Studio Olafur Eliasson）合作策劃。首站自2024年於新加坡美術館展開，接著至紐西蘭奧克蘭美術，北美館則是此次巡迴中規模最大的第3站，接續也將至印尼雅加達努桑塔拉現當代藝術館，並於2026年秋季在菲律賓馬尼拉當代藝術與設計美術館畫下句點。

帶著好奇心走進展場

開幕記者會上，奧拉弗．埃利亞松分享，「歡迎大家走進展場，感受你所熟悉的事物，同時也去發掘你所知道但未曾感受到的事物，最重要的是，也許在過程中可以讓你去發現那些你不知道也未曾感覺到的事物，或是那些你不知道其實你不知道的事情。我覺得好奇心非常重要，因為好奇心可以打破過去很多我們沒有看到、沒有遇過的事情，在現在的社會，很多人都把一切視為理所當然，這樣其實是非常危險的，因為你就會自然而然放下了選擇的機會，選擇是非常重要的，我們要有選擇同意跟不同意的權利。」

將自然元素轉化為藝術體驗

而奧拉弗・埃利亞松的創作致力於將光影、空氣、水等難以捉摸的自然元素，轉化為可被感知的藝術體驗。一踏入北美館大廳，即可見一台懸吊於空中擺動的風扇，《循環扇》（1997）引導觀者重新感受空氣流動與空間中微不可見的能量波動。展場入口的《雙螺旋》（2001），以旋轉鋼管構成如DNA般的螺旋形體，營造出一升一降、上下循環的雙眼視差錯覺；《被活動定義的物體（當時）》（2009），透過頻閃燈規律性的閃爍，使噴泉水流看似凝固在空中，挑戰我們對「動」與「靜」的視覺認知，同時透過這樣的設計，也能夠有點看到平常看不到的事。

運用科學原理創造多元體驗

本展也聚焦於觀眾互動的感知層次，利用簡單的科學原理創造多元的體驗。作品《美》（1993）在幽暗空間內呈現彩色水霧光幕，隨著人們視角的變化，不同波長的色彩會依角度而顯現，每個人也將看見不同的彩虹效果；曾於第50屆威尼斯雙年展丹麥館展出的《單色房間》（1997），為此次巡迴展中空間最為寬廣的一站，在這個場域裡面只有黃色的燈、什麼都沒有，抽離其他色彩訊息形成灰階對比，空間中只剩下明暗對比，也讓走進其中的人們感受如果自己是藝術品的話，在這樣的空間會是什麼樣的感覺；《多重影子屋》（2010）藉由多色光源與投影的交錯運作，創造出錯位而繽紛的多重剪影，當人們走入作品中，將隨之產生光影變化，也成為作品的一部分。

貫穿展覽核心的氣候與自然變遷議題

氣候與自然變遷的議題也貫穿展覽核心。《苔蘚牆》（1994）將北歐的馴鹿地衣苔蘚大規模展現在美術館室內，讓它跟這個整個空間一起去生存，而運用這種會呼吸的牆面，也讓人們去思考，人跟自然之間是否有可能有其他共處跟共生共存的關係；《風的書寫》（2023）與《太陽繪圖》（2023）是在卡達國家博物館的限地作品，將風力與陽光轉化為繪圖工具，記錄不可見的氣候訊號與見證時間的流逝；近期新作《冰河的最後七天》（2024）則透過青銅雕塑呈現冰川融化的不同階段，透明玻璃球象徵著融化後的水量，提醒人們氣候變遷與全球升溫加速冰川消退的危機。

以「旅程」為主題的創作

本次巡迴展覽中，也特別規劃一件以「旅程」為主題的創作《地震儀對距離的證言》（2024-2025），透過運輸箱中的繪圖裝置，以線條記錄海運途中細微顛簸與震動，將每段路程轉化為獨一無二的視覺痕跡。而為補償長距離運輸可能造成的環境衝擊，埃利亞松與其工作室團隊積極尋求減少展覽的碳足跡，透過選用重量較輕、可於區域製作或當地取材的作品，並設計模組化的包裝與運輸機制，降低能源耗用與碳排放。

構築對未來城市的想像

《立方結構的演化計畫》（2004）則是巡迴展中，唯一在新加坡及台北展出的作品，其以協作、共創的參與形式，邀請人們透過白色樂高積木，一同構築出對未來城市的想像。另外，7月至9月的展期間，北美館也將策劃一系列親子與全齡觀眾參與的公眾計劃，以「好奇旅程」為主題，分別是「自然現象的體察」、「感知詩性」、「永續意識的思考與行動」，邀請觀眾在藝術中重新連結感官與創造力，展開屬於自己的探索之路，更多資訊可至北美館官網查詢。

奧拉弗・埃利亞松：你的好奇旅程
展期：2025.06.21-2025.09.21
地點：臺北市立美術館 一樓1A、1B展覽室
更多資訊可至官網查詢