【編輯帶逛】拍立得攝影展《一拍即影》！9大主題集結隨拍隨得的詩意、尺度可大可小的藝術實驗

拍立得「即時成像」的魔法，讓找畫面、按快門至相片到手，只需短短一分鐘就能實現。

我們熟悉的拍立得相片，是雙邊不超過10公分的精巧成像、是日常生活的顯影；不過，從1930年代Polaroid（寶麗來公司）開發出這款攝影神器開始，就吸引不少知名攝影師與藝術家將其視為「創作藝術」的工具——他們善用小巧或巨無霸機型的拍立得，試驗底片、顯影劑、移膜技術、相片尺寸等變因，創造令人難忘的藝術，讓人幾乎忘了這是「隨拍隨得」、幾乎不靠後製的影像。

攝影迷必看！難得以「拍立得」為主角的影像大展

即日起至6月7日於台北師大美術館展出的《一拍即影：拍立得國際名家攝影大展》，透過9大主題包裹300多件拍立得藝術創作，集結多位藝術與攝影大師如Andy Warhol（安迪・沃荷）、Ansel Adams（安塞爾・亞當斯）、André Kertész（安德烈・柯提茲）等的教科書等級之作，以及眾多腦洞大開的實驗影像，尺度從小巧到令人意想不到的20 x 24英吋（50.8 x 61公分），讓人看見拍立得不只貼近日常、還能創造大片的多變魅力。

《一拍即影：拍立得國際名家攝影大展》夢幻陣容

Andy Warhol（安迪・沃荷）、Ansel Adams（安塞爾・亞當斯）、André Kertész（安德烈・柯提茲）、Guy Bourdin（蓋伊・伯丁）、Chuck Close （查克・克洛斯）、Ellen Carey（艾倫・凱莉）、Lucas Samaras（盧卡斯・薩馬拉斯）、Peter Beard（彼得・比爾德）、Robert Mapplethorpe（羅伯特・梅普爾索普）、William Wegman（威廉・韋格曼）、柴田敏雄、森本洋充等歐美與日本知名創作者。

9大主題呈現拍立得的創作可能

《一拍即影》由師大美術館、美國攝影展覽激進會、麻省理工學院博物館聯合製作。佔據三個樓層的展場，透過9大主題梳理拍立得的不同特質，以及攝影師運用它的各種方式——比如「築構」聚焦於取景與構圖的巧思；「劇場」強調影像的表現張力；「觀察」凸顯掌鏡人對周遭環境的敏銳，因此才能夠在瞬時間捕捉城市、自然風景中稍縱即逝的美好。

《一拍即影》展區9大主題

「觀察」、「築構」、「探問」、「印象」、「表現」、「劇場」、「陳設」、「沈思」、「速度／洞察力／即時成像／即逝／創新」。

亮點01／巨無霸機型拍出的超大拍立得

本次必看亮點包含多幅平常難以見到的20 x 24 英吋（50.8 x 61 公分）巨幅相片，這些作品並非用小張拍立得拼接、也不是將底片放大沖洗而成，而是出自Polaroid最巨大的同尺寸相機。這款將近150公分高、重達上百公斤的巨無霸機型，只存在於Polaroid位在紐約、麻州等地的工作室，只有受品牌邀請的藝術家才能使用。

✹「拉」出相紙上的色塊｜Ellen Carey

美國藝術家Ellen Carey（艾倫・凱莉）就是受邀者之一，利用巨無霸拍立得創作出《拉》（CMY）一作。她刻意在定影前拉出相紙，任由顯影劑漫流其上，製造出上半部青藍、桃紅、銘黃，下半部全黑的4個色塊，還留有被暱稱為「鬱金香」的齒輪壓痕。這幅影像體現了被藝術家稱為「零度攝影」（​​Photography Degree Zero）的創作風格，它抽象、大膽，不指涉具體的地域、人物或物件，反而給人一種純粹、超然的藝術感知。

✹ 以繪畫「再製」拍立得｜Chuck Close

展場中一張美國前國務卿Hillary Clinton（希拉蕊・柯林頓）的巨大肖像，出自已逝藝術家Chuck Close（查克・克洛斯），他以巨幅網點肖像畫聞名，生前常以20 x 24英吋相機拍攝人像，再於成像後的相紙畫上網格，作為後續繪畫的參考。與希拉蕊肖像比鄰的正是攝影師本人的「自拍」。

亮點02／大師也愛拍立得

✹ Polaroid靈魂人物鏡頭下的美西絕景｜Ansel Adams

穿行展廳之間，好萊塢驚悚片大師Hitchcock（希區考克）、喜劇天王Jim Carrey（金凱瑞）的身影驚喜映入眼簾；而掌鏡人中，也不乏名留攝影史的大師級人物，當中最具代表性、也與寶麗來連結最深的一位，莫過於已故風景攝影師Ansel Adams（安塞爾・亞當斯）了。

打從1948年Polaroid推出首款拍立得後不久，Ansel Adams便應創辦人之邀擔任顧問，一路做了35年直到離世。這段期間，他不只協助品牌打下典藏基礎、提供專業的產品測試意見，也持續親自使用拍立得創作。這次我們可以在《一拍即影》看見Ansel Adams用拍立得捕捉的優勝美地半圓丘、瀑布，這是他最廣為人知的拍攝對象。

✹ 獨特構圖玩轉光影｜André Kertész

展覽現場的靜物照比起人像、風景也毫不遜色，當中最珍貴的是匈牙利攝影師André Kertész（安德烈・柯提茲）因思念已逝的妻子而用拍立得創作的影像。攝影記者出身的Kertész，以俯瞰、斜角等前衛構圖，為20世紀上半新聞攝影帶來新穎視角，深深啟發Bresson（布列松）、Robert Capa（羅伯特・卡帕）等新聞攝影大師。

本次展出之作也看得見他獨特的取景視角——結婚40年的妻子離世後的幾年之間，他以SX-70相機在紐約公寓裡拍下日常即景，相紙中可見心形玻璃、半身人像等物件隨性擱在窗台上，光和影交織、嬉遊於其間，構圖簡潔、韻味綿長，傾訴著對愛妻的惦念之情。

✹ 狗狗與故障成就的美好意外｜William Wegman

透過一系列以「狗」為主角的影像聞名於世的美國攝影師William Wegman（威廉・韋格曼），這次也帶來最具標誌性的「威瑪犬擬人」作品，只不過畫風與平時不大一樣，因為創作過程中遇上了「意外」。

拍立得相紙上，3隻家犬頭戴著部落面具、端坐著看向鏡頭，不過畫面卻只出現狗兒的上半身，讓人好奇為何留白？原因其實很單純——顯影劑由上而下擴散時，不知為何突然停止流動，最終只留下我們所看見的紅色區塊。因為顯影區域的形狀像是盾牌，Wegman索性將作品取名為《盾》（Shield），紀錄下這場有趣的意外。

亮點03／加熱、撕扯、刮擦等拍立得藝術實驗

對鬼點子特別多的藝術家們來說，拍立得不僅僅是紀錄實像的畫布，也是畫筆，是顏料，是創作的道具，更可以是創作的本身。他們從成像後的著色、書寫、剪裁、拼貼、即時翻拍，到干預顯影時的加熱、撕扯、刮擦，甚至結合藍曬、鉑鈀等古老印相工藝（如森本洋充），讓拍立得在想像力催化下，已然超越了日常紀錄、廣告試拍的用途，幻化為創造力及實驗精神的載體，讓人大開眼界。

✹ 塗鴉血字｜Peter Beard

曾為《Vogue》等雜誌掌鏡的知名時尚攝影師Peter Beard（彼得・比爾德），將拍立得視為「私密日記本」，在相紙標誌性的白色邊框上塗鴉，甚至不惜以血為墨，彷彿要將自我的生命力與記憶一併封存。

✹ 加溫為曖昧｜Lucas Samaras

美籍希臘裔攝影師Lucas Samaras（盧卡斯・薩馬拉斯）則刻意塗抹、加熱顯影劑乾燥前的拍立得，讓相片中的顏彩混融，只留下特定的身體部位清晰可辨，形成一張又一張充滿藝術感的「非常自拍」。

亮點04／拍立得上市前珍貴試拍照、古典相機集結

藝術家能夠拿起拍立得，任想像馳騁、顯影於或大或小的相紙上，追根究底必須歸功於Polaroid開創的技術，因此《一拍即影》特別展出上百件古典相機、研發檔案、模型、試拍照等，揭開其70年來鮮為人知的進化軌跡。

敘事從1945年拍立得上市前的數十張「試拍照」為起點，由影像中的Polaroid創辦人Edwin Land（艾德溫・蘭德）與啟發他踏上「即時成像攝影」研發之路的女兒，作為品牌故事的序言。

接著最令人心動的就是早年的拍立得相機！有別於現在的拍立得為求方便帶出門，而以塑膠等輕量材質製成，上世紀的機型外觀多以金屬、皮革拼接，有著別樣的美感。當中又以1972年問世的「SX-70」最為迷人，它不光有顏值，更是史上第一款折疊式的即時單鏡反光相機，乘載著創辦人Edwin Land研發將近20年、只為做出心中理想相機的心血。

另外，因Andy Warhol（安迪・沃荷）愛用而紅透半邊天的「Big Shot」、千禧年時由Britney Spears（小甜甜布蘭妮）代言的少女愛用款「I-Zone」也都在場。

科技與藝術合作的結果

Edwin Land曾說，「我認為自己首先是個藝術家，對愛、感情、分享以及讓美成為日常生活的一部分，都很感興趣。」一語點破寶麗來除了以精良、平價的消費型拍立得風靡全球外，更與攝影和藝術圈維繫著互惠、共好的夥伴關係，甚至發展出「藝術家支持計畫」，以免費產品和展出機會，交換創作者的使用反饋及拍立得創作。這次《一拍即影》展出的大師作品正是源自此計畫數十年來的積累。

技術流傳於世，曾經色彩卻難以再現

曾經風光的Polaroid，在2008年不敵數位相機浪潮而宣告破產，象徵著一個時代的結束。雖然拍立得現在依舊流行，但因Polaroid改由荷蘭公司經營，礙於歐洲法規對顯影藥劑相關成份的限制，許多曾在美國時期產品使用的原料目前無法再用，這或多或少影響了拍立得成像的顏色、對比度、飽和度等，也就是說，舊日的色彩已難以被真實復刻，過去就是過去了。

文章最後，想特別介紹一幅不仔細瞧只會看見一片黑漆、認真看卻會被感動的作品，它出自Polaroid老家——美國麻州——當地攝影師之手。Polaroid破產後，總部人去樓空、招牌被故意塗黑，讓常路過這的攝影師S. B. Walker看了失落惆悵，想做點什麼為大樓、也為Polaroid留下紀錄；於是某天他帶著梯子來到這，上上下下爬梯將Polaroid招牌一格一格地拍下，最後串連成一幅長型黑白影像。畫風看似頹敗慘淡的相片，其實紀錄了攝影界閃閃發光的一代傳奇，也讓人領悟即便品牌易主、總部建築失色，只要攝影仍然存在，總會有人不忘以拍立得顯影生活、實驗藝術。

《一拍即影：拍立得國際名家攝影大展》

時間｜即日起至2024年6月7日（五）

地點｜國立臺灣師範大學美術館（台北市大安區和平東路一段129號）

票價｜全票250元

 

師大美術館將在5月份推出「一拍即 IN」系列活動，除了有專家導覽、拍立得走讀街拍、Polaroid快閃店之外，還有非常值得參與的拍立得刮片、移膜工作坊，從中體驗《一拍即影》參展藝術家創作與實驗的過程。詳情請至官方頁面查詢。

內湖畫廊「伊日藝術計劃」旗下雙空間齊開，台日創作者王冠蓁、蔡瑞恒、新藤杏子、蓮輪友子全新個展現正亮相！隨本篇前進媒材、技法各不相同的當代雕塑及繪畫藝術家悉心構築的風格宇宙，在搶先感受現場氛圍之餘，逐一尋獲埋藏作品背後的驚喜。即日起至2026年8月29日前，不妨再親身來趟當代鑑賞之旅，一次看成4檔個展。

旨在透過展覽策劃、出版研究與跨域合作探討藝術如何介入社會，台灣當代畫廊「伊日藝術計劃」即日起至2026年8月29日，於品牌旗下坐落台北內湖的伊日藝術計劃空間、伊日後樂園兩大主要展場雙層展廳，重磅推出分別由4位台日創作者帶來的全新個展，同步展示曾以《意識的推手》獲2025臺北美術獎優選的台灣雕塑藝術家王冠蓁、另位台灣繪畫藝術家蔡瑞恒，以及兩位日本藝術家新藤杏子、蓮輪友子精彩作品。

王冠蓁｜《尚未命名的涼亭》

台灣藝術家王冠蓁於此次個展呈現的同名雕塑系列《尚未命名的涼亭》，汲取靈感於自身童年時期經常造訪的苗栗景點「秋茂園」，且揉合她近年到蘭嶼旅行的經驗，以生活中常見的涼亭為靈感進行創作；從秋茂園內充滿時代感的怪奇景觀，到蘭嶼沿海地帶被拿作休憩與交流場所運用的高腳涼亭，皆成其重要想像來源。藉由陶土的堆塑與轉化，藝術家所勾勒的不僅是建築形式，更是一只只允許停留、提供庇護，並盛裝地方情感的記憶載體。在這些介於雕塑與微型景觀之間的作品裡，涼亭化身得讓人們短暫停歇的精神空間，兼映現作者和觀者在日常移動下尋找安定與歸屬的渴望。

▶ 藝術家檔案

王冠蓁，1991年生，2018年取得臺北藝術大學美術系碩士學位。其創作獨具的疏離與孤獨氛圍，尤給人恍如漂浮外太空般的無重力之感；哪怕偶有一絲溫情萌發在她彩筆下的人物肌理中，也隨即就被周圍無止境的黑暗吞噬。然若逐件細賞雕塑上看似漠然的表情，卻彷彿能夠感知作者正淡淡述說著關於失去的絕望心情——那些潛藏的情緒張力，聽得見嘆息，又極其溫柔。冷靜與熱情只相隔一層膜的距離，正是所有作品最引人入勝之處。2025年以《意識的推手》獲臺北美術獎優選殊榮，過去創作亦曾受臺灣美術館典藏。

蔡瑞恒｜《晃動的神像》

台灣藝術家蔡瑞恒善用隱喻性繪畫語言，臨摹當代社會普遍存在的焦慮、困惑與失控感，創作風格遊走於幽默與憂傷之間地帶。此次個展沿襲他向來對不穩定狀態的思考，巧妙自1985年愛爾蘭「聖母像晃動事件」延伸出展覽題名，且將這則集體目擊事件視為一種隱喻：當那些被視為穩固、神聖或理所當然的信念開始產生細微晃動，既定的秩序也隨之出現裂縫，新的觀看方式便得以展開。承此脈絡，藝術家挪用包括騎士、雕像、吊燈等富宗教與歷史象徵的中世紀圖像，進而以濕潤、透明且略帶混濁質地的筆觸重新詮釋，透過讓符號脫離原有意義，使神聖與荒誕並存。畫中各角色彷彿共同參與一場明知虛構卻仍持續完成的儀式，在不斷晃動的縫隙裡，照見當代人面對現實微妙而複雜的生存狀態。

▶ 藝術家檔案

蔡瑞恒，1989年生，2018年取得臺北藝術大學美術系碩士學位。創作上擅於處理某種關於崩壞世界的錯置與重組，進而轉化自身無能改變現狀的憤怒為無賴般的攪和——這些崩壞不全然取材自藝術家本人，也經常由媒體和想像構成。作品多揭示「無能者」在現實世界巨大齒輪碰撞下被撕扯和輾壓的感受，畫面故常以既熟悉又陌生的混亂、矛盾、滑稽感與懸置感，呈現人們面對生命的迷茫。曾入圍澳洲BAM Art Prize，並於2021、2022年兩度登上英國知名藝術雜誌ARTMAZE Mag。

新藤杏子｜《Between the Terrarium and the Beyond》

日本藝術家新藤杏子長期圍繞記憶、生命循環與自然秩序創作。她融會日常經驗與與神話傳說，在具象與抽象之間構築持續生成的獨特景觀。作品中出現的孩童、動植物乃至庭園意象，既取自現實世界，又指向潛藏時間深處的精神空間。此次個展描繪介於封閉與開放、有限與無限的狀態；整體展出如生態瓶中的微型宇宙，除有生命不斷經歷誕生、變化與再生，亦可見過去與未來、神話與現實交織其中。透過一系列新作，藝術家邀觀者走進微觀與宏觀之間的場域，重新感知生命流轉的軌跡，和萬物彼此相連的細微網絡。

▶ 藝術家檔案

新藤杏子（Kyoko Shindo），1982年生，2007年自多摩美術大學美術研究所畢業，現為日本當代繪畫領域別具代表性的藝術家之一。其創作源自對日常生活與內在感知的細膩體察，且透過反覆的內省與轉化，逐步將個人情感記憶凝聚為創作語彙。對她而言，創作恰似自然界的生成與回返：生命從土壤中萌生、成長，最終歸於大地，並在循環中孕育新可能。她屏棄傳統油畫厚重的表現方式，轉而憑藉近似水彩般通透、柔軟、富時間感和流動性的繪畫質地，搭建充滿生命力的感知空間；時而輕盈明媚、時而濃密深沉的筆觸，使作品始終流露介於夢境與現實之間的曖昧狀態。2022年獲日本SOMPO美術館主辦之FACE展大獎，亦曾入選第10屆Gunma Biennale for Young Artists和首屆Kumamoto Art Award等重要展覽及獎項。

蓮輪友子｜《小星星》

日本藝術家蓮輪友子不懈藉由創作探索觀看、記憶與情感留存的關係。此次集結其最新畫作的個展，指向一種觀看世界的態度：那些曾相遇的人物、風景與日常片刻，皆具備被凝視與珍藏的價值。她用近乎讚頌的目光注視前述存在，並以繪畫保存難以停駐的瞬間，使它們得在時間外延續。當錄像中的幀幀影格在轉譯為繪畫的過程中逐漸脫離原有時序，其中人物、景物與色彩亦受拆解與重組，形成如同視覺暫留般的畫面結構——所有形象既來自真實經驗，也揉有記憶與想像成分。總的來說，繪畫之於藝術家而言並非對現實的再現，而是一種留存情感的方式：原本屬於個人的觀看經驗，在色彩與筆觸之中漸被開放，成為觀者能夠投射感受、產生共鳴的場域。

▶ 藝術家檔案

蓮輪友子（Tomoko Hasuwa），1981年生，2006年自京都市立藝術大學美術研究所畢業。其創作始於觀看，且有別於多數畫家取靜態照片作為素材，她擅長利用電腦循環播放自己拍攝的動態影像，再經肉眼捕捉，將畫面拆解成一系列「連作」，產生類似殘影的效果。有些擷取景物局部，有些則來自記憶碎片或生活中的浮光掠影，供觀者憑主觀視覺調和其他色彩，進而對應自身生命光譜，找到似曾相識的感動。曾在日本、台灣、美國、荷蘭、西班牙等多地舉辦個展及聯展。

伊日藝術計劃・台日藝術家個展

• 時間：即日起至2026年8月29日，週二至週六14:00-19:00
• 地點：

1. 伊日後樂園（台北市內湖區新明路66號）

【1F】王冠蓁《尚未命名的涼亭》

【2F】蔡瑞恒《晃動的神像》

2. 伊日藝術計劃空間（台北市內湖區新明路86巷1號）

【1F】新藤杏子《Between the Terrarium and the Beyond》

【B1&1F】蓮輪友子《小星星》

>> 更多資訊可至伊日藝術計劃官方網站、官方社群查看。

^{資料提供｜伊日藝術計劃          文字整理｜Ning Chi}

乍看其作，是攝影還繪畫竟傻傻分不清楚——？以「超寫實錯視」技法揚名國際的西班牙當代藝術家Ana de Alvear全新個展隨即於2026年8月15日落地台北，由双方藝廊策劃的《慾望之物：微觀與巨觀的交會之境》將完整揭示她如何通過微觀和巨觀視角，放大生活中諸如石頭、苔蘚等不起眼事物的存在感；且憑想像力構築彷若實境的虛擬場景，觸碰虛虛實實間那若有似無的界線。從本文認識藝術家，同場馬上看3大系列亮點之作。

坐落台北大直、側重藝術推廣與策展實踐的双方藝廊（Double Square Gallery），預定2026年8月15日至9月26日舉辦西班牙藝術家Ana de Alvear個展《慾望之物：微觀與巨觀的交會之境》。策展內容整體專注呈獻藝術家標誌性的超寫實色鉛筆錯視畫（Trompe-l'oeil），試圖藉其精湛技法與概念性的探索路徑，在極小與極大尺度中創造微觀與巨觀的詩意互動，並透過悉心安排的視覺敘事，邀觀者跨出感官舒適圈、完成物理與精神覺知的深刻轉化，從而再次審視眼前所見的真實。

綜覽藝術家Ana de Alvear生平

1962年出身馬德里，現為西班牙當代藝術的重要代表之一。她善用多重媒材進行創作，藝術實踐範疇涵蓋平面大型繪畫、錄像乃至表演和現地製作的跨領域裝置等豐富類型，其中又以單純使用色鉛筆所繪製幾可亂真的石頭色澤與紋理、細膩入微的植物與昆蟲等人造視覺幻象聞名於世。

過去除在歐洲備受推崇，2025年亦憑創新視野獲得台北當代藝術博覽會「新生維度藝術家獎（Edge Artist Award）」殊榮。曾在法國龐畢度中心、西班牙索菲亞王后國家藝術中心博物館、美國聖地牙哥美術館、日本原美術館、韓國國立現代美術館首爾館等世界各地場館展出。作品並受美國聖地牙哥美術館、底特律美術館等機構典藏。

洞悉全新個展《慾望之物》概念

展名「慾望之物：微觀與巨觀的交會之境」靈感汲取自藝術家Ana de Alvear自述，以及美國詩人暨文學評論家Susan Stewart探討微縮模型、巨物、紀念品與收藏品的知名著作《論渴求（On Longing）》。後者分析的微觀與巨觀，視身體為人類感知尺度的基準，指出身體恰恰體現「容器與被包含物」的悖論。前者的色鉛筆畫作則充分反映這場身體與尺度的辯證：人在凝視微縮宇宙時，彷彿擁有全知的視覺掌控權，然當面對浩瀚空間，我們的身體卻又淪為被包圍和吞噬的局部，只得穿梭周遭風景，抽象地向巨大的外在世界投射感知。

▼ 3大系列亮點展品一次看

Ana de Alvear長期通過創作挑戰人類潛意識中的既定原型，進而運用該概念促發觀者的認同或排斥感，觀者因此必須克服自身抗拒，才得以完整關乎「主體性」的核心思維。其作品尤其刻意從慣常脈絡中抽離現實所參照的元素，以促成改變內在意義並模糊固有界線之效，迫使觀者於看展過程中不斷遊走縮小與放大的尺度間。好比在微觀視野方面，帶有底片印樣的《苔蘚》系列正玩弄真實情境與視覺幻象：看似經微距攝影捕捉的微縮畫面，實為尺寸達66*96公分的色鉛筆畫作。

以各色各式石塊為主體的《收藏之物》系列另自「所有孩子都從收集彩色石頭開始⋯⋯我們都是囤積者」觀點呼應Susan Stewart的論述：收藏的本質，是以分類（即藏家重新建立的體系）取代歷史（即物件原來帶有的脈絡），且將時間轉化為空間性秩序；人類藉由囤積物件，在私有場域中構建出一個可以完全被掌控的封閉宇宙——將外在世界內部化的渴望，也可謂Ana de Alvear對「慾望之物」四字的關鍵詮釋。

又或者在巨觀視野方面，藝術家縝密勾勒《虛無迷宮》系列中充滿無盡倒影與開闔房間的迷宮。這些向四面八方拓展的空間，無疑打破觀者身體作為「容器」與「被包含物」的界線。

此次新展，Ana de Alvear巧妙並置全採色鉛筆描繪的極小與極大場景，讓微觀與巨觀交融於場內，引領觀者在兩者的無縫切換中尋找自我極限。

Ana de Alvear個展《慾望之物：微觀與巨觀的交會之境》

• 時間：2026年8月15日至9月26日，週二至六12:00-18:00
• 地點：双方藝廊（台北市中山區北安路770巷30號）

>> 更多資訊可至双方藝廊官方網站、官方IG查看。

^{資料提供｜双方藝廊          文字整理｜Ning Chi}