奇美博物館《畫師們》特展登場!集結近60件館藏畫作,帶領人們走進尼德蘭繪畫時代

奇美博物館《畫師們》特展登場!集結近60件館藏畫作,走進尼德蘭繪畫時代

當藝術不再是皇室貴族專利,而是走入尋常人家,會呈現什麼光景?奇美博物館全新特展《畫師們:走進16、17世紀尼德蘭繪畫時代》,展期從10月26日至2025年8月31日。本展將帶領觀者從畫作與科學檢測的抽絲剝繭中,領略這段藝術爆炸式成長的輝煌年代,感受當年「藝術也瘋狂」的喧囂熱鬧。

奇美博物館珍藏展《畫師們》登場

奇美博物館推出全新《畫師們:走進16、17世紀尼德蘭繪畫時代》,規劃4大單元,包括「那是個什麼樣的年代、如何成為一個專業畫師、有哪些作品主題、會遇到哪些研究難題」,集結近60件館藏畫作,搭配科學檢測分析與藝術史研究,建構出一個不只看畫也看時代風景的獨特展覽,引領民眾從繪畫賞析到作品底層的解密,認識這個藝術史上獨樹一幟、令人嘖嘖稱奇的尼德蘭繪畫時代。

奇美博物館全新特展《畫師們:走進16、17世紀尼德蘭繪畫時代》,展期從10/26起至明年8/31止。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館全新特展《畫師們:走進16、17世紀尼德蘭繪畫時代》,展期從10/26起至明年8/31止。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館《畫師們》特展,呈現奇美博物館豐富的尼德蘭風俗畫蒐藏,圖為大衛・特尼爾斯二世的作品〈廚房一景〉。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館《畫師們》特展,呈現奇美博物館豐富的尼德蘭風俗畫蒐藏,圖為大衛・特尼爾斯二世的作品〈廚房一景〉。(圖片提供:奇美博物館)

認識尼德蘭繪畫的精華時代

奇美博物館表示,現今的尼德蘭(the Netherlands)是荷蘭(Holland)的正式國名,但其實在歐洲早期歷史中,尼德蘭非指單一國家,而是涵蓋今日比利時、荷蘭、盧森堡與法國北部等地,此區貿易發達、經濟繁榮,帶動中產階級崛起,藝術蒐藏不再是皇室貴族的專利,而是成為中產階級追捧的風尚,進而造成藝術需求飛速成長、繪畫市場百家爭鳴。本展將從畫作與各種研究剖析中,重現當年榮景,觀者可以看見藝術站上流行尖端,體會整個時代銳不可當的藝術消費風潮。

奇美博物館《畫師們》特展呈現尼德蘭繪畫市場的多元題材。圖為楊.布魯赫爾二世的風景畫作品〈風車前的旅人〉。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館《畫師們》特展呈現尼德蘭繪畫市場的多元題材。圖為楊.布魯赫爾二世的風景畫作品〈風車前的旅人〉。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館珍藏展《畫師們》,(仿)楊.荷賽特作品〈聖母子〉,畫面背景的風景被視為是引領觀眾冥想、禱告的元素。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館珍藏展《畫師們》,(仿)楊.荷賽特作品〈聖母子〉,畫面背景的風景被視為是引領觀眾冥想、禱告的元素。(圖片提供:奇美博物館)

揭露畫師養成術

欣賞畫作時,你曾想過畫家如何培養嗎?在《畫師們》的展覽中將完整揭露當年的「畫師養成術」。由於16世紀起尼德蘭繪畫市場供不應求,各種工作坊如雨後春筍般林立,急需大量的繪畫人才,因而出現一套從學徒、畫工到畫師的養成計畫,以及非常活絡的藝術品生產線。本展將呈現各個不同階級的畫者如何各司其職、專業分工,又如何一步步晉級直到成為獨當一面的畫師,同時見證繪畫生產線如何系統化以達到藝術量產的驚人發展。

奇美博物館珍藏展《畫師們》,台夫特畫派作品〈裝扮為牧羊女的女子肖像〉,經科學檢測的鋅元素分布圖,推測其面部修改應是使用含有鋅白的顏料,但鋅白在19世紀後才廣為使用,可見此修改應為19世紀後人手筆。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館珍藏展《畫師們》,台夫特畫派作品〈裝扮為牧羊女的女子肖像〉,經科學檢測的鋅元素分布圖,推測其面部修改應是使用含有鋅白的顏料,但鋅白在19世紀後才廣為使用,可見此修改應為19世紀後人手筆。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館珍藏展《畫師們》,首度展出漢斯・約爾丹斯三世作品〈世界向阿波羅致敬〉,呈現尼德蘭輝煌富足的年代。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館珍藏展《畫師們》,首度展出漢斯・約爾丹斯三世作品〈世界向阿波羅致敬〉,呈現尼德蘭輝煌富足的年代。(圖片提供:奇美博物館)

16幅珍品首度公開

而「題材多元」是16、17世紀尼德蘭繪畫的一大特色,由於受宗教與市場喜好的影響,此區的題材不再局限傳統的宗教、肖像主題,而是連原本作為襯景元素的靜物、風俗、風景等皆一躍成為畫作主角,百花齊放的自由度,為同時代其他地區望塵莫及。此次奇美博物館特別將豐富的尼德蘭繪畫蒐藏整理精選,推出近60幅尼德蘭畫作展現典藏實力,其中更有16幅珍品首度公開,展品主題涵蓋宗教、肖像、風俗、靜物、風景等,完整呈現尼德蘭繪畫的包羅萬象。

奇美博物館珍藏展《畫師們》,呈現尼德蘭繪畫市場的多元題材,楊・彼特・布魯赫爾的靜物畫作品〈花卉靜物〉。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館珍藏展《畫師們》,呈現尼德蘭繪畫市場的多元題材,楊・彼特・布魯赫爾的靜物畫作品〈花卉靜物〉。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館珍藏展《畫師們》,傑拉德.大衛工作坊作品〈卸下聖體〉,是尼德蘭藝術市場十分受歡迎的構圖設計。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館珍藏展《畫師們》,傑拉德.大衛工作坊作品〈卸下聖體〉,是尼德蘭藝術市場十分受歡迎的構圖設計。(圖片提供:奇美博物館)

用科學剖析藝術

用科學剖析藝術更是本展的獨特重點。館方表示,本館從12年前起便持續與各界合作進行藏品研究,並透過各式科學檢測技術,如顯微觀察、紫外螢光檢視、紅外線反射影像、穿透式X光攝影、大面積X射線螢光光譜分析、年輪學等,探索畫作不為人知的祕密。此次特展將多年研究成果摘取重點呈現,讓民眾明白畫作從草稿到成品的演變,尤其透過觀察表面看不見的筆觸,了解當時繪畫生產的分工合作,更有趣的是發現被隱藏與修改的細節,例如人物姿勢的變化、被抹去的物件、甚至後人修補的痕跡等,享受抽絲剝繭的解謎樂趣,猶如化身偵探穿越時空,走進畫師們的創作現場。

奇美博物館透過科學檢測尋找具有參考價值的文物資訊,探索畫作不為人知的祕密。圖為紅外線反射影像之拍攝。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館透過科學檢測尋找具有參考價值的文物資訊,探索畫作不為人知的祕密。圖為紅外線反射影像之拍攝。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館透過科學檢測尋找具有參考價值的文物資訊,圖為紫外螢光檢視。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館透過科學檢測尋找具有參考價值的文物資訊,圖為紫外螢光檢視。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館珍藏展《畫師們》,作品〈果實環串中的聖露西〉透過科學檢測發現,黃色標示出來的區域與環串果實靜物屬於不同畫布。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館珍藏展《畫師們》,作品〈果實環串中的聖露西〉透過科學檢測發現,黃色標示出來的區域與環串果實靜物屬於不同畫布。(圖片提供:奇美博物館)

4大單元亮點一次看

⇛ 單元一:那是個什麼樣的年代?

《畫師們》特展共分為4大單元,循序漸進探索尼德蘭的繪畫世界。單元一「那是個什麼樣的年代?」,從地理環境與政治局勢切入,介紹16、17世紀尼德蘭的社會背景與藝術發展。展覽入口處以古今地圖對照,讓觀眾一目了然近代早期的「尼德蘭」指的並非「荷蘭」單一國家,而是涵蓋今日的荷蘭、比利時、盧森堡與法國北部等地;接著,以帆船與海為前導意象,指出大航海時代迎接前所未有的繁盛。本單元展出〈世界向阿波羅致敬〉、〈全家福〉等畫作,從中可感受當年豐盈富饒的輝煌榮景。

單元一「那是個什麼樣的年代?」,從地理環境與政治局勢切入,介紹16、17世紀尼德蘭的社會背景與藝術發展。(圖片提供:奇美博物館)
單元一「那是個什麼樣的年代?」,從地理環境與政治局勢切入,介紹16、17世紀尼德蘭的社會背景與藝術發展。(圖片提供:奇美博物館)
本單元展出〈世界向阿波羅致敬〉、〈全家福〉等畫作,從中可感受當年豐盈富饒的輝煌榮景。(圖片提供:奇美博物館)
本單元展出〈世界向阿波羅致敬〉、〈全家福〉等畫作,從中可感受當年豐盈富饒的輝煌榮景。(圖片提供:奇美博物館)

⇛ 單元二:如何成為一個專業畫師?

單元二「如何成為一個專業畫師?」公開當時藝術家的SOP訓練模式與工作坊的運作,認識畫師們的職人之路。展區將一幅描繪工作坊的畫作製成數位動畫,呈現學徒、畫工與師傅的分工與養成。再者,為了追求產量,工作坊發展出許多高效生產的技巧,這裡將介紹其中相當關鍵的「轉移草稿」技法,包括描圖法、印花粉轉印法、分格法等,了解畫師們如何兼顧效率與品質,完成精美作品。此外,本單元也會分享當年畫作交易情況,例如當街賣畫、以書店結合畫廊的複合經營策略等,了解其市場的運作模式。

奇美博物館特展《畫師們》,單元二「如何成為一個專業畫師?」(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館特展《畫師們》,單元二「如何成為一個專業畫師?」(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館特展《畫師們》,單元二「如何成為一個專業畫師?」,圖為(仿)彼特.庫克.范.艾爾斯特的三聯畫〈東方三賢士的朝聖〉。(圖片提供:奇美博物館)
奇美博物館特展《畫師們》,單元二「如何成為一個專業畫師?」,圖為(仿)彼特.庫克.范.艾爾斯特的三聯畫〈東方三賢士的朝聖〉。(圖片提供:奇美博物館)

⇛ 單元三:有哪些作品主題?

單元三「有哪些作品主題?」展現16、17世紀尼德蘭繪畫「多元豐富」的重要特色。此區陳列奇美豐富的藏品,包含風俗、靜物、風景、肖像、歷史寓意等主題。有趣的是,這些作品經常「畫中有話」,添加蘊含神性與警世意涵的元素,使畫作擁有更多值得玩味的細節,例如〈廚房一景〉畫作,農家小孩將豬的膀胱當作氣球吹著玩,看似天真,實則暗喻人生如氣球快速膨脹、但也轉瞬即逝的虛幻;另一幅〈象徵人世虛空的靜物畫〉,描繪絲綢、金質燭台與奢華酒壺散落於骷髏頭骨周圍,提醒世人勿過度追求物質享受,引人深思。

單元三「有哪些作品主題?」,展現多元豐富的尼德蘭繪畫。(圖片提供:奇美博物館)
單元三「有哪些作品主題?」,展現多元豐富的尼德蘭繪畫。(圖片提供:奇美博物館)
此區陳列奇美豐富的藏品,包含風俗、靜物、風景、肖像、歷史寓意等主題。(圖片提供:奇美博物館)
此區陳列奇美豐富的藏品,包含風俗、靜物、風景、肖像、歷史寓意等主題。(圖片提供:奇美博物館)

⇛ 單元四:會遇到哪些研究難題?

單元四「會遇到哪些研究難題?」將觀者視角拉回博物館研究人員的角度,邀請大家共同思考研究遇到的困難與挑戰,並深入淺出地介紹博物館如何採用科學檢測研究作品。本區藉由大量科學檢測圖像與作品的對照,揭開畫作底下隱藏的祕密,例如看似完整的〈果實環串中的聖露西〉,其實是由兩幅作品拼接組成;〈裝扮為牧羊女的女子肖像〉竟然曾經「換臉」?經由大面積X射線螢光光譜分析掃描技術,一起見證畫作修改的痕跡。

本區藉由大量科學檢測圖像與作品的對照,揭開畫作底下隱藏的祕密。(圖片提供:奇美博物館)
本區藉由大量科學檢測圖像與作品的對照,揭開畫作底下隱藏的祕密。(圖片提供:奇美博物館)
單元四「會遇到哪些研究難題?」,藉由科學檢測圖像與作品的對照,揭開畫作底下隱藏的祕密。(圖片提供:奇美博物館)
單元四「會遇到哪些研究難題?」,藉由科學檢測圖像與作品的對照,揭開畫作底下隱藏的祕密。(圖片提供:奇美博物館)

⇛ 穿插6大互動體驗

為了使觀眾更輕鬆吸收知識、深入了解展覽內容,《畫師們》特別規劃6大互動體驗區穿插於各單元中。「轉移構圖」技法體驗區,能依據簡單的格子線條模仿描繪,領會畫師們如何利用「分格法」來「複製」畫作,了解工作坊提高效率的祕訣。「繪畫材料與繪畫步驟」體驗區,可近距離觀察畫作的基底材、打底層、底稿、底色、顏料層等,還能親手觸摸每一層材料的不同質感。

單元二「如何成為一個專業畫師?」中的「繪畫材料與繪畫步驟」體驗區,可觸摸基底材、打底層、底稿等每層材料的不同質感。(圖片提供:奇美博物館)
單元二「如何成為一個專業畫師?」中的「繪畫材料與繪畫步驟」體驗區,可觸摸基底材、打底層、底稿等每層材料的不同質感。(圖片提供:奇美博物館)

「木卡榫體驗區」可以了解大型畫作如何用數片木板組合而成,並且直接動手操作看起來「天衣無縫」的卡榫裝置。「木紋觀察體驗區」提供放大鏡,讓人審視木材年輪,感受研究人員如何運用木紋分析判斷畫材的年代和產地。「風俗與靜物」自拍區,則能走入畫作、變身主角,創造出獨一無二的專屬作品。「光學體驗區」指引民眾走進約三公尺長的光學長廊,觀看光譜的變化,另外透過燈箱互動展示,端詳紅外線、紫外光、X光等不同光線的檢測特點,了解科學檢測的方法。

單元二「如何成為一個專業畫師?」中的「木卡榫體驗區」可動手操作不同的卡榫裝置。(圖片提供:奇美博物館)
單元二「如何成為一個專業畫師?」中的「木卡榫體驗區」可動手操作不同的卡榫裝置。(圖片提供:奇美博物館)
《畫師們》單元三「有哪些作品主題?」中的「風俗與靜物」自拍區,歡迎民眾走入畫作、變身主角。(圖片提供:奇美博物館)
《畫師們》單元三「有哪些作品主題?」中的「風俗與靜物」自拍區,歡迎民眾走入畫作、變身主角。(圖片提供:奇美博物館)

《畫師們:走進16、17世紀尼德蘭繪畫時代》
展覽日期:2024.10.26-2025.8.31,9:30-17:30
地點:奇美博物館 特展廳
票價:全票400元、優惠票350元、雙展套票450元,於奇美博物館官網、Klook、KKday、ibon售票系統、易遊網、Trip.com等通路販售。

更多資訊可至奇美博物館官網查詢

資料提供|奇美博物館  文字整理|Adela Cheng

「美國大都會博物館名作展」在故宮!集結梵谷、塞尚等大師名作,梳理印象派到現代主義百年藝術流變

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作

美國大都會博物館(The Met)首度來台展出!故宮博物院將於2025年6月至10月呈獻《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》。

本展集結大都會博物館多達81件繪畫及素描珍藏,它們分別來自梵谷、雷諾瓦、馬諦斯、塞尚等38位大師級畫家,帶觀眾一覽1920世紀中,自現實主義遞嬗至印象派、現代主義等的藝術流變;更特別精選多位知名女性藝術家之作,如印象派名家瑪麗‧卡薩特、貝絲‧莫莉索等,藉此呈現女性在西方現代藝術發展中的崛起與獨特風格。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
(圖片來源:《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》官方Facebook)
「從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展」即日起於國立故宮博物院北部院區第二展覽館隆重開展。(圖片提供:時藝多媒體)
「從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展」即日起於國立故宮博物院北部院區第二展覽館隆重開展。(圖片提供:時藝多媒體)

穿越橫跨一世紀的藝術浪潮

美國大都會博物館被譽為全球四大博物館之一,收藏近200萬件橫跨5000年歷史的珍貴藏品,涵蓋世界各大文明與藝術流派。而故宮本次展覽時區鎖定1920世紀中,類別涵蓋現實主義、學術繪畫、印象派、後印象派至早期現代主義。印象派的出現,讓畫家們從室內走向戶外、繪畫主題自人物與肖像延伸到自然景致,藉畫筆捕捉光影流動,並影響了後續藝術流派如點描派、野獸派、現代主義等的誕生及演變,留下許多經典佳作。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
美國大都會博物館。(圖片來源:The Met)

以人體、肖像、大自然等「畫面主題」劃分5大展區

策展敘事跳脫傳統上以「時序」、「畫派」分類的形式,改以「畫面主題」引導觀眾透過「直覺」展開探索,感受畫中色彩、筆觸及其蘊藏的人文情感,沈浸於作品所營造的氛圍情境。讓我們分別看向5大展區亮點:

▍身體姿態

此區梳理自1860年代起不同藝術家對人體的詮釋,並闡述鉛筆、顏料等不同媒材與技法對裸體描繪的特殊性,看人體如何成為藝術表達的試驗場。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《大溪地的出浴女子 Tahitian Women Bathing》,高更 Paul Gauguin,1892。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍肖像與人物

18世紀歐洲迎來工業革命,撼動社會階層與城市風貌,藝術也從國家資助轉向更開放的大眾市場,肖像畫趁勢崛起為中產階級展現財力、地位之物。這一時期,藝術家描繪現代生活中的社交互動,讓親朋好友成為畫中人,賦予肖像更風格化的表現,模糊肖像畫與風俗畫的界限,開啟人物畫的新風貌。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《彈鋼琴的兩位少女 Two Young Girls at the Piano》,雷諾瓦 Auguste Renoir,1892。(圖片來源:The Met)
「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《春日 Springtime》,皮埃爾·奧古斯特·考特 Pierre-Auguste Cot,1873。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍徜徉自然

在歐洲各國隨政治與工業革命的推進逐漸轉變之時,藝術家將視野轉向自然風光,以風景為畫作主角,並在其中融入自身獨特視角與繪畫風格,徹底改變1920世紀初的畫風。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《花朵盛開的果樹園 The Flowering Orchard》,梵谷 Vincent van Gogh,1888。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍城市到鄕村

1920世紀之交,藝術家們不僅徜徉自然,也探索各地人們的生活方式,及人們與環境的互動,眾多畫作描繪的主角從不斷變化的巴黎城市景觀、塞納河畔及度假勝地享受悠閒時光的漫遊者,再到鄉村小鎮和田園風光。藝術家以現代眼光及創新技巧,各自展開對所處地方的景觀與人群的獨到詮釋。

「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《大碗島的星期天下午 A Sunday on La Grande Jatte》習作,喬治·秀拉 Georges Seurat,1884。(圖片來源:The Met)
「美國大都會博物館名作展:從印象派到現代主義」6月故宮登場!集結梵谷、塞尚等大師名作
《冬天早晨的蒙馬特大道 The Boulevard Montmartre on a Winter Morning》,卡米耶・畢沙羅 Camille Pissarro,1897。(圖片來源:The Met)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)
展區一隅(圖片提供:時藝多媒體)

▍水岸風光

工業革命帶動鐵路運輸,人們能以更便捷的方式前往海灘、漁村、港口等各地觀光,藝術家們也踏上旅途,留下許多描繪水景風光的美作,無論在法國各海岸、威尼斯或阿爾及爾等地,都能看到不同藝術家詮釋的畫作紀錄。

皮耶‧波納爾,《聖特羅佩舊港一景》,1911年。(圖片來源:The Met)
皮耶‧波納爾,《聖特羅佩舊港一景》,1911年。(圖片來源:The Met)

票價資訊總整理

《從印象派到現代主義美國大都會博物館名作展》規劃3波售票期間,提供各式票組選擇,有興趣者請見下方詳細售票資訊。

《從印象派到現代主義美國大都會博物館名作展》

展期|2025.06.1410.12

展場|國立故宮博物院 第二展覽館 一樓特展廳

開放時間|每日 9:0017:0016:30展覽現場停止售票及入場)

 

▬▬▬ 購票請點此 ▬▬▬

▍早鳥票 3/13-3/31

・雙人紀念套票|$770

內附雙人入場憑證1組、紀念套票1

請於觀展驗票時出示入場憑證,以兌換紀念套票組

▍預售票 4/7-6/13

・單人票|$400

THE MET 限定零錢包套票|$499

內附單人入場憑證1個、THE MET限定零錢包1

請於觀展驗票時出示入場憑證,以兌換限定零錢包

▍展期票 6/14-10/12

・全票|$500

・優待票|$4506歲以上持有效學生證件者,每證限購一張(碩博士生、社區大學、空中大學及在職進修等恕不適用)

・特惠票|$25065歲(含)以上者、持本國或外國身心障礙手冊之陪同者,需出示證件正本,每證限購1

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2025大阪世博盛大進行中,La Vie編輯在4天內密集參觀超過35座展館,繼上篇推薦的5座展館後,此次再推6座!除了分享第一手體驗心得,也分析參觀方式、主題策劃等,探索什麼是能留存心中的展覽。

▸ Better Co-Being

必須在場的「共鳴」體驗

先說結論,「Better Co-Being」是此次我個人綜合排名的第1名。除了在視覺上極美(大推在傍晚或晚上預約),展館的整體性、建築與展覽內容的創新性,都屬高分評價。且在網路可以取得眾多訊息的現在,「Better Co-Being」展館具有「必須在場」的特質,是照片與文字難以完整感受的獨特體驗。

「Better Co-Being」展館由獲普立茲克獎的SANAA(妹島和世+西澤立衛)操刀。(攝影:蔡耀徴)
「Better Co-Being」展館由獲普立茲克獎的SANAA(妹島和世+西澤立衛)操刀。(攝影:蔡耀徴)

本屆世博會場正中心,座落的並非雄偉建築,而是名為「寂靜之森」的森林,而SANAA設計的「Better Co-Being」也融入其中。這裡的「融入」是意象上的,也是物理上的。呼應「Better Co-Being」展館強調連結、開放的理念,他們打造了一座11公尺高,無牆、無天花板的銀色網格狀罩棚;地面僅用纖細柱體支撐,讓網格如雲朵般飄浮空中。從白天到夜晚,從晴天到雨天,建築將與天色和天氣交織出不同景象。在「Better Co-Being」官網刊登的採訪中,西澤立衛表示:「建築本身就有『占據』空間的特質。從這個意義來看,如果能在空間上表達出『共享』的概念,將是一件非常有趣的事情。」妹島和世則說:「這是一個無法完全控制的空間,我認為這正是有趣之處,人們可以在這裡感受天氣變化,進行互動式的體驗。」

「Better Co-Being」的銀色網格在不同天色下映照出不同氛圍。(攝影:蔡耀徴)
「Better Co-Being」的銀色網格在不同天色下映照出不同氛圍。(攝影:蔡耀徴)

展覽透過感應石頭、作品、觀眾的互動,表達了「共鳴」此一抽象主題。現場採小規模團體導覽,入場前每人會拿到一顆「echorb」石頭感應器,與手機完成連結後,登入體驗網站,將看見包括自己在內的同場觀眾的石頭顏色與位置分布;手握石頭,其震動將自然帶動手往左或右移動。

左:「echorb」石頭感應器,會有發光與震動的效果。右:「echorb」連結手機後的畫面,可看到同場觀眾的石頭顏色與位置分布。(攝影:張以潔)
左:「echorb」石頭感應器,會有發光與震動的效果。右:「echorb」連結手機後的畫面,可看到同場觀眾的石頭顏色與位置分布。(攝影:張以潔)

接著跟隨工作人員引導,依序體驗塩田千春〈言葉の丘〉、宮島達男〈Counter Voice Network〉,以及策展人宮田裕章的〈共鳴の空〉、他和創意團隊EiM共創的〈最大多の最大幸福〉等作品。走在不同路段、靠近不同作品時,將石頭輕輕放在耳邊搖晃,還會聽到不同聲響。最後登場的球體LED裝置,會即時搜集本場觀眾的體驗行為、當下天氣等數據,呈現僅只一次、屬於此時此地的影像。

塩田千春〈言葉の丘〉,紅線和漂浮的文字聯繫起無法言喻的情感。(攝影:蔡耀徴)
塩田千春〈言葉の丘〉,紅線和漂浮的文字聯繫起無法言喻的情感。(攝影:蔡耀徴)
宮田裕章〈共鳴の空〉會觸發人造雨並形成彩虹,他和EiM共創的〈最大多の最大幸福〉鋼絲上的裝飾也在雨水和光線下,散發各種色彩。(攝影:蔡耀徴)
宮田裕章〈共鳴の空〉會觸發人造雨並形成彩虹,他和EiM共創的〈最大多の最大幸福〉鋼絲上的裝飾也在雨水和光線下,散發各種色彩。(攝影:蔡耀徴)

有趣的是,連結「echorb」與手機的體驗網站,就像是一個「參加過Better Co-Being館的人的社群網站」,你可以上傳照片,也可以看到他人拍攝的照片,彼此分享在世博捕捉到的風景,即便離開展場也能使用。從建築與環境的共享、藝術作品與人的互動,到應用程式將參觀者聯繫在一起,沒有想過「共鳴」可以用展覽的形式訴說,且說得新穎又深刻。

展覽最後,觀眾的行動數據和當下氣象,會轉化為球體LED影像。(攝影:蔡耀徴)
展覽最後,觀眾的行動數據和當下氣象,會轉化為球體LED影像。(攝影:蔡耀徴)
非常推薦在傍晚或晚上預約參觀「Better Co-Being」,作品亮起的瞬間非常令人難忘。(攝影:蔡耀徴)
非常推薦在傍晚或晚上預約參觀「Better Co-Being」,作品亮起的瞬間非常令人難忘。(攝影:蔡耀徴)

Better Co-Being
需預約。採分批導覽,編輯參觀時間約1小時。
更多資訊可至官方網站查詢

▸ 荷蘭館

一顆發光球體,貫穿建築與展覽

展館的「整體性」是我相當偏好的特質,與其建築、視覺、展覽、吉祥物等各個都很厲害、但欠缺聯動的整體性,我更偏好每個元素都彼此連結,完好地收斂在同一個概念下。「荷蘭館」可謂本屆在「整體性」上做得相當出色的展館,以「球」貫穿建築與展覽,連吉祥物也推出米飛兔抱著大球的限定款(甚至開幕第3天隨即完售)。

「荷蘭館」建築由RAU Architects操刀。(攝影:蔡耀徴)
「荷蘭館」建築由RAU Architects操刀。(攝影:蔡耀徴)
球體接觸展館內的感應點後即會發亮,也會觸發牆面的聲光裝置。(攝影:蔡耀徴)
球體接觸展館內的感應點後即會發亮,也會觸發牆面的聲光裝置。(攝影:蔡耀徴)

荷蘭館講述的主題為「永續」,坦白說在參觀前不抱期待,因為直覺此題很容易淪為說教,或讓看展有種「在上課」的感覺。但實際體驗後,發現它並不是對你說道理,而是讓你「感受」到此議題的重要與迫切性。觀眾在入場前,會拿到一顆白色小球,球上設有感應裝置,只要碰觸牆上的感應點,球就會發亮,牆面也會出現不同的聲光變化。有趣的是,荷蘭館將「使用球的方式」與永續概念連結,例如要啟動牆面的聲光裝置,必須多顆球同時接觸,僅有一顆是無效的,隱喻人類必須攜手合作以迎向未來;當觀眾拿著尺寸比手掌略大的球在展場走動時,勢必會雙手捧著,小心呵護其不掉到地上,這個舉動也象徵了人類得悉心照料地球。

同梯的觀眾會聚集在一個環形劇場內,觀看上方穹頂的影像,播放期間大家手裡的球也會跟著變換顏色。(攝影:蔡耀徴)
同梯的觀眾會聚集在一個環形劇場內,觀看上方穹頂的影像,播放期間大家手裡的球也會跟著變換顏色。(攝影:蔡耀徴)

「球」不僅貫串展館視覺,甚至聯動了永續主題。也許就內容、手法等個別項目來說均不是最強,但綜合起來成就了「荷蘭館」深刻的品牌印象。我想即便過了多年再回想起本屆世博,還是會清晰記得「荷蘭館就是那個有著大球」的館。

直徑10.6公尺的「人造太陽」球體是荷蘭館的核心,也象徵從水中汲取的再生能源。(攝影:蔡耀徴)
直徑10.6公尺的「人造太陽」球體是荷蘭館的核心,也象徵從水中汲取的再生能源。(攝影:蔡耀徴)

荷蘭館
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➥ 延伸思考:引導物件的運用

這裡也想談談「引導物件」的使用方式,包括上述介紹的「荷蘭館」、「Better Co-Being」,本屆許多展館均採物件引導的參觀模式——入場前會發放一個「物件」,該物件會有感應裝置或需與個人手機連結,由它觸發展場內的體驗。例如「德國館」的物件為吉祥物「Circulars」,將其頭部碰觸展場接觸點、再放置耳邊,就會進行悄悄話般的語音導覽;「電力館」也選擇了蛋型吉祥物,透過互動遊戲可讓蛋發光,從中了解各種發電方式。不過物件的運用,無疑是給觀眾多一道的理解門檻與手續,加上世博有來自世界各地的觀眾,語言、文化甚至手機裝置型號都不同。如何讓大家都能夠輕易上手,且具有「加分」效果,實為關鍵。

「德國館」以吉祥物「Circulars」作爲引導物件,將Circulars頭部接觸展場感應點後再放置耳邊,就會對你進行悄悄話般的解說。(攝影:蔡耀徴)
「德國館」以吉祥物「Circulars」作爲引導物件,將Circulars頭部接觸展場感應點後再放置耳邊,就會對你進行悄悄話般的解說。(攝影:蔡耀徴)

Better Co-Being」的「echorb」石頭、「荷蘭館」的球,前者新奇後者直覺,且與展覽內容呼應,均是我覺得在引導物件上使用得很好的展館。不過談白說「Better Co-Being」的使用門檻偏高、手續繁複,必須步步跟著工作人員的解釋,才知道「echorb」怎麼使用、又怎樣跟作品互動;且同行攝影師的手機無法順利連結,現場也找不出解決方法。但因為石頭震動的感覺太微妙,與作品互動的方式也夠有趣,所以仍甘願且開心地學習操作方式。

▸ Future of Life

科技如何真的帶人類前行?

若說世博最初的起源,是展現人類最新發明以展望未來,儘管在現今的意義已有轉變,本屆仍有不少展館保有這分意味。不過也不諱言,有些主打科技和未來的展館,會淪為形式絢麗而內容空洞的展演。但由「人形機器人權威」、大阪大學教授石黑浩策劃的「Future of Life」,將此主題講述得既實際(有諸多研究基礎)又有想像力(開展到千年後的世界),也是我覺得本屆世博在「內容」上十分突出的館,將較嚴肅與複雜的科技議題,轉化為電影般的劇情,不說教且留白得宜。

「Future of Life」外觀不時有水流下,一來水為生命的起源,二來大阪有「水都」之稱。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」外觀不時有水流下,一來水為生命的起源,二來大阪有「水都」之稱。(攝影:蔡耀徴)

入場前每人會拿到耳機,可選擇日文或英文、是否顯示字幕。建議可選擇字幕,因「Future of Life」是相當有「劇情」的展覽,角色對白會透過耳機傳送,若一時沒聽清楚可搭配字幕理解。展覽從「猴子」到「女學生」等各式機器人揭開序幕,探究人類在不同時代如何賦予機器「生命」。接著將故事線帶往50年後,並在此拋出「Future of Life」的主線劇情:50年後的世界,人類可以選擇自然死亡,或是將記憶移轉給機器人繼續存活。透過影片裡奶奶的選擇,引發觀眾思考:這個機器人是否還是原本的人?機器人能擁有真的情感嗎?人類是否需要無限地活下去?

「Future of Life」第1個展間,展示了「猴子」到「女學生」等各式機器人。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」第1個展間,展示了「猴子」到「女學生」等各式機器人。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」穿越到50年後,觀眾正和人形機器人一起坐在列車上。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」穿越到50年後,觀眾正和人形機器人一起坐在列車上。(攝影:蔡耀徴)

懷著這些疑問,下個展間直接將「人機共存」的社會顯示眼前,只見主持人松子Deluxe正和機器人互動,還有已故文學家夏目漱石的機器人、能演奏鋼琴的機器人⋯⋯。之後耳機傳來:「接下來是1,000年後的世界。」迎面出現的是,難以定義是人是機是神的機器人隨音樂舞動,展示了不再受限於身軀與物理的人類樣態。

在50年後的世界,主持人松子Deluxe正和機器人互動。(攝影:蔡耀徴)
在50年後的世界,主持人松子Deluxe正和機器人互動。(攝影:蔡耀徴)
1,000年後的世界,「Future of Life」上演了一場未來「人」的奇幻表演。(攝影:蔡耀徴)
1,000年後的世界,「Future of Life」上演了一場未來「人」的奇幻表演。(攝影:蔡耀徴)

科技與人性的辯證、人機結合的探究,早已不是新命題,但許多作品會以荒謬、空虛或頹敗的近未來,反諷一味追求革新的人類。但「Future of Life」並沒有走這條路,而是要用科技帶著人性前行。展末亦展示了50年後可能會實現的「近未來技術」,包括與人體結合的機器人和AI、讓生活方式更自由的醫療、更永續的環境與能源技術等等。一如石黑浩在展覽尾聲留給觀眾的訊息:「人類可以設計自己的未來,活出自己想要的生命。」科技能帶人類走到多遠?其實這題不只關乎技術,也關乎人類對自己的生命、情感與需求,有多透澈的理解。

「Future of Life」共展出20具人形機器人和30架機器人,館內也由機器人擔綱引導。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」共展出20具人形機器人和30架機器人,館內也由機器人擔綱引導。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」每個展間的區隔、轉場十分流暢,且與內容貼合。(攝影:蔡耀徴)
「Future of Life」每個展間的區隔、轉場十分流暢,且與內容貼合。(攝影:蔡耀徴)

Future of Life
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▸ BLUE OCEAN DOME

一場「水」的純粹展演

如果要說哪件「作品」最印象深刻?我的答案會是「BLUE OCEAN DOME」裡、由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置。「BLUE OCEAN DOME」為由非營利組織ZERI JAPAN策劃的民間展館,由設計師原研哉擔任策展人,將「水」這個主題用純粹且詩意的方式表達。

「圓頂A」以竹作為屋頂結構,由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置展示於此。(攝影:蔡耀徴)
「圓頂A」以竹作為屋頂結構,由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置展示於此。(攝影:蔡耀徴)

nomena設計的水循環藝術裝置展示於「圓頂A」,以超疏水塗層的純白盤面為舞台,模擬水從天空降下後,流經曲折地景,最終匯入大海的過程。白色的空間、白色的裝置、透明的水,觀眾進到展間會自然安靜下來,只聽得到玻璃管傾的碰撞聲,以及水流動的潺潺聲響。看著水滴在台面上匯聚,聚集到臨界點後終有一滴流入下個區域⋯⋯,沒有複雜或絢麗的聲光,卻足以引人定睛長時間觀看。在本屆世博眾多展館或現今各大展演中,聲光效果似乎成為了一種標配或趨勢,但此裝置展現了另一條路,把「單純」這件事做到極致與精緻,沒有想過「水」可以這樣被展示與觀看。

nomena設計的水循環藝術裝置,將「水」這件事做了極細膩的展示。(攝影:蔡耀徴)
nomena設計的水循環藝術裝置,將「水」這件事做了極細膩的展示。(攝影:蔡耀徴)

由坂茂操刀的「BLUE OCEAN DOME」建築也值得一看,他在記者會上說:「世博的本質應該是實驗未來的場所,如今卻過於追求表面上的獨特性與外觀,鮮少提出結構或技術的創新。」因此他期望透過「BLUE OCEAN DOME」,探索新的建築可能。

「BLUE OCEAN DOME」純白外觀會映照出天空色彩,甚至與天空融在一起。(攝影:蔡耀徴)
「BLUE OCEAN DOME」純白外觀會映照出天空色彩,甚至與天空融在一起。(攝影:蔡耀徴)

展館由3座圓頂組成:「圓頂A」的結構是「竹」,由於傳統竹材的直徑和厚度不均,且會因日光直射而裂開,因此團隊運用最新技術製成竹集成材,輕盈、強韌並易於加工;「圓頂B」則使用「CFRP(碳纖維強化聚合物)」,此材料重量比鐵輕、強度卻更優異,通常被用於航空、汽車等,本次為全球首次將CFRP作為屋頂主要結構,世博結束後也將回收,應用於坂茂參與設計的馬爾地夫海洋度假村開發案;而坂茂聞名的「紙管」則出現在「圓頂C」,此處的紙管不僅用於屋頂,連椅子都由3根紙管組成,讓觀眾直接感受其韌性。

「BLUE OCEAN DOME」在夜晚打燈後,更顯露出圓頂結構。(攝影:蔡耀徴)
「BLUE OCEAN DOME」在夜晚打燈後,更顯露出圓頂結構。(攝影:蔡耀徴)
「圓頂B」則是由視覺團隊WOW製作的全CG影像,呈現海洋、動物和塑膠垃圾彼此「共存」的影像,以美麗卻詭異的畫面直擊人心。(攝影:蔡耀徴)
「圓頂B」則是由視覺團隊WOW製作的全CG影像,呈現海洋、動物和塑膠垃圾彼此「共存」的影像,以美麗卻詭異的畫面直擊人心。(攝影:蔡耀徴)

BLUE OCEAN DOME
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▸ 韓國館

主題包裝下的科技國力

韓國館意外地讓我滿喜歡。其實它原本不在我想參觀的清單上,而是在世博開幕日傍晚,在大屋根廊道下方躲雨時,恰巧看到前方一面巨大的裸視3D牆——瞬間以為是某個世博官方的裝置,但隨即想到近年韓國經常使用此技術,看了一下周圍,確實找到「KOREA」的字樣。不用進到展館,韓國透過外牆就已大力輸出自家螢幕設備與設計實力。

「韓國館」的裸視3D牆。(攝影:蔡耀徴)
「韓國館」的裸視3D牆。(攝影:蔡耀徴)

韓國館以「With Hearts」為主題,講述科技與人性間的關係。入場前,觀眾會先依序進入如電話亭般的小錄音間,對著麥克風回答「最重要的東西是什麼?」每位觀眾錄下的聲音,將會在第1個展間轉化為聲光藝術,在全黑場域隨著音樂打下道道光束。第2個展間設有眾多如喇叭般的裝置,只要對其吹氣,上方就會產生泡泡落下(同場加映:瑞士館也有類似手法,但泡泡是由下往上升起)。

「韓國館」第2個展間裡,只要對如喇叭般的裝置吹氣,就會有泡泡從上方落下,亦展現了人和科技之間的連結與轉化。(攝影:蔡耀徴)
「韓國館」第2個展間裡,只要對如喇叭般的裝置吹氣,就會有泡泡從上方落下,亦展現了人和科技之間的連結與轉化。(攝影:蔡耀徴)
「瑞士館」也有與「韓國館」相似的泡泡裝置,不過泡泡是由下往上升起。(攝影:蔡耀徴)
「瑞士館」也有與「韓國館」相似的泡泡裝置,不過泡泡是由下往上升起。(攝影:蔡耀徴)

最後的第3展間,則播放一段「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片,融合K-Pop的音樂與舞蹈,講述科技如何聯繫情感,以及不隨時間改變的價值。其實各展間均強烈置入科技與娛樂產業等韓國國力,但因為收攏在科技與人性的連結此一主題下,並不會有太生硬或直接的「置入」感,可謂一場好看的展演。

「韓國館」第3個展間播放「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片,融合了K-Pop音樂與舞蹈。(攝影:蔡耀徴)
「韓國館」第3個展間播放「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片,融合了K-Pop音樂與舞蹈。(攝影:蔡耀徴)
「韓國館」第3個展間,影片講述科技與情感的聯繫。(攝影:蔡耀徴)
「韓國館」第3個展間,影片講述科技與情感的聯繫。(攝影:蔡耀徴)

韓國館
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➥延伸思考:國家這件事怎麼表現?

國家館打著國家的名義參展,這件事其實很有趣——「國家」的比重要占到多大?要呈現國家的哪些特質或特色(以及怎麼呈現)?又或者再深一層思考,哪些東西能夠代表國家?上述提及到的兩個國家館(荷蘭、韓國),對我來說都是「主題」走在「國家」前面,也是我個人較偏好的國家館形式。這個意思是,它們是運用國家的元素(例如荷蘭的水能源、韓國的科技與娛樂產業),來講述一個主題,「國家」這件事有經過一定程度的轉化與包裝。

相反地,本屆我看到的大多國家館,都是讓「國家本身成為主題」,以博物館式的方式,介紹該國的地理、人文、產業、歷史,或是最新/自豪的科技、品牌、政策等等。雖然也不乏精彩之作,但就我個人而言,仍不免有種說教感。不過在直白介紹國家的國家館中,想特別推薦一個讓我印象深刻的展館:

「巴林館」運用約3,000根未經工程處理的木材,以榫卯組合成4層結構,形成前後高17公尺、中間低13公尺的弧線,宛如一艘木船。(攝影:蔡耀徴)
「巴林館」運用約3,000根未經工程處理的木材,以榫卯組合成4層結構,形成前後高17公尺、中間低13公尺的弧線,宛如一艘木船。(攝影:蔡耀徴)

▸ 巴林館

視覺之外,用觸覺與嗅覺感受巴林

其實在此之前,我並不知道巴林這個國家,但由黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh(近年贏得「大英博物館」西翼展廳改造計畫國際競圖,是備受矚目的女建築師)操刀的建築,以3,000根木材製成木船般的展館,外觀就十分搶眼。

「巴林館」的木構運用相當值得一看。(攝影:蔡耀徴)
「巴林館」的木構運用相當值得一看。(攝影:蔡耀徴)

展覽內容不外乎介紹這個位於西亞、波斯灣西岸附近的島國,其自然與航海資源。但參觀方式的設計,是先進行一小段的團體導覽,讓觀眾對巴林有基礎認識後,再自由參觀,解說員也清楚交代「展館裡每一項東西都可以摸和聞」。對於用看或聽的方式來接收一國文化,總顯得有點制式,但透過觸覺和嗅覺,意外地讓我更有好奇心地探索。布幔染上的巴林海洋氣味,我到現在都還記得那股怪異酸味。

左:「巴林館」咖啡廳。右:「巴林館」館內展示,邀請大家親自觸摸船隻。(攝影:蔡耀徴)
左:「巴林館」咖啡廳。右:「巴林館」館內展示,邀請大家親自觸摸船隻。(攝影:蔡耀徴)

還有,巴林館商店超、好、逛!除了有許多當地工藝,同行攝影師還在裡面挖到巴林攝影師Ishaq MadanZine,照片和印刷品質都在線。另外亦可關注,目前也在開展中的威尼斯建築雙年展,國家館最高榮譽金獅獎就是由巴林館奪下,也讓我更好奇這個過往相對陌生的島國,還擁有什麼樣的創意能量。

巴林館
現場排隊。前段分批導覽、後段自由參觀,編輯參觀時間約半小時。
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文|張以潔 攝影|蔡耀徴
更多精彩內容請見 La Vie 2025/6月號《2025大阪世博設計攻略》

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