當藝術不再是皇室貴族專利，而是走入尋常人家，會呈現什麼光景？奇美博物館全新特展《畫師們：走進16、17世紀尼德蘭繪畫時代》，展期從10月26日至2025年8月31日。本展將帶領觀者從畫作與科學檢測的抽絲剝繭中，領略這段藝術爆炸式成長的輝煌年代，感受當年「藝術也瘋狂」的喧囂熱鬧。

奇美博物館珍藏展《畫師們》登場

奇美博物館推出全新《畫師們：走進16、17世紀尼德蘭繪畫時代》，規劃4大單元，包括「那是個什麼樣的年代、如何成為一個專業畫師、有哪些作品主題、會遇到哪些研究難題」，集結近60件館藏畫作，搭配科學檢測分析與藝術史研究，建構出一個不只看畫也看時代風景的獨特展覽，引領民眾從繪畫賞析到作品底層的解密，認識這個藝術史上獨樹一幟、令人嘖嘖稱奇的尼德蘭繪畫時代。

認識尼德蘭繪畫的精華時代

奇美博物館表示，現今的尼德蘭（the Netherlands）是荷蘭（Holland）的正式國名，但其實在歐洲早期歷史中，尼德蘭非指單一國家，而是涵蓋今日比利時、荷蘭、盧森堡與法國北部等地，此區貿易發達、經濟繁榮，帶動中產階級崛起，藝術蒐藏不再是皇室貴族的專利，而是成為中產階級追捧的風尚，進而造成藝術需求飛速成長、繪畫市場百家爭鳴。本展將從畫作與各種研究剖析中，重現當年榮景，觀者可以看見藝術站上流行尖端，體會整個時代銳不可當的藝術消費風潮。

揭露畫師養成術

欣賞畫作時，你曾想過畫家如何培養嗎？在《畫師們》的展覽中將完整揭露當年的「畫師養成術」。由於16世紀起尼德蘭繪畫市場供不應求，各種工作坊如雨後春筍般林立，急需大量的繪畫人才，因而出現一套從學徒、畫工到畫師的養成計畫，以及非常活絡的藝術品生產線。本展將呈現各個不同階級的畫者如何各司其職、專業分工，又如何一步步晉級直到成為獨當一面的畫師，同時見證繪畫生產線如何系統化以達到藝術量產的驚人發展。

16幅珍品首度公開

而「題材多元」是16、17世紀尼德蘭繪畫的一大特色，由於受宗教與市場喜好的影響，此區的題材不再局限傳統的宗教、肖像主題，而是連原本作為襯景元素的靜物、風俗、風景等皆一躍成為畫作主角，百花齊放的自由度，為同時代其他地區望塵莫及。此次奇美博物館特別將豐富的尼德蘭繪畫蒐藏整理精選，推出近60幅尼德蘭畫作展現典藏實力，其中更有16幅珍品首度公開，展品主題涵蓋宗教、肖像、風俗、靜物、風景等，完整呈現尼德蘭繪畫的包羅萬象。

用科學剖析藝術

用科學剖析藝術更是本展的獨特重點。館方表示，本館從12年前起便持續與各界合作進行藏品研究，並透過各式科學檢測技術，如顯微觀察、紫外螢光檢視、紅外線反射影像、穿透式Ｘ光攝影、大面積Ｘ射線螢光光譜分析、年輪學等，探索畫作不為人知的祕密。此次特展將多年研究成果摘取重點呈現，讓民眾明白畫作從草稿到成品的演變，尤其透過觀察表面看不見的筆觸，了解當時繪畫生產的分工合作，更有趣的是發現被隱藏與修改的細節，例如人物姿勢的變化、被抹去的物件、甚至後人修補的痕跡等，享受抽絲剝繭的解謎樂趣，猶如化身偵探穿越時空，走進畫師們的創作現場。

4大單元亮點一次看

⇛ 單元一：那是個什麼樣的年代？

《畫師們》特展共分為4大單元，循序漸進探索尼德蘭的繪畫世界。單元一「那是個什麼樣的年代？」，從地理環境與政治局勢切入，介紹16、17世紀尼德蘭的社會背景與藝術發展。展覽入口處以古今地圖對照，讓觀眾一目了然近代早期的「尼德蘭」指的並非「荷蘭」單一國家，而是涵蓋今日的荷蘭、比利時、盧森堡與法國北部等地；接著，以帆船與海為前導意象，指出大航海時代迎接前所未有的繁盛。本單元展出〈世界向阿波羅致敬〉、〈全家福〉等畫作，從中可感受當年豐盈富饒的輝煌榮景。

⇛ 單元二：如何成為一個專業畫師？

單元二「如何成為一個專業畫師？」公開當時藝術家的SOP訓練模式與工作坊的運作，認識畫師們的職人之路。展區將一幅描繪工作坊的畫作製成數位動畫，呈現學徒、畫工與師傅的分工與養成。再者，為了追求產量，工作坊發展出許多高效生產的技巧，這裡將介紹其中相當關鍵的「轉移草稿」技法，包括描圖法、印花粉轉印法、分格法等，了解畫師們如何兼顧效率與品質，完成精美作品。此外，本單元也會分享當年畫作交易情況，例如當街賣畫、以書店結合畫廊的複合經營策略等，了解其市場的運作模式。

⇛ 單元三：有哪些作品主題？

單元三「有哪些作品主題？」展現16、17世紀尼德蘭繪畫「多元豐富」的重要特色。此區陳列奇美豐富的藏品，包含風俗、靜物、風景、肖像、歷史寓意等主題。有趣的是，這些作品經常「畫中有話」，添加蘊含神性與警世意涵的元素，使畫作擁有更多值得玩味的細節，例如〈廚房一景〉畫作，農家小孩將豬的膀胱當作氣球吹著玩，看似天真，實則暗喻人生如氣球快速膨脹、但也轉瞬即逝的虛幻；另一幅〈象徵人世虛空的靜物畫〉，描繪絲綢、金質燭台與奢華酒壺散落於骷髏頭骨周圍，提醒世人勿過度追求物質享受，引人深思。

⇛ 單元四：會遇到哪些研究難題？

單元四「會遇到哪些研究難題？」將觀者視角拉回博物館研究人員的角度，邀請大家共同思考研究遇到的困難與挑戰，並深入淺出地介紹博物館如何採用科學檢測研究作品。本區藉由大量科學檢測圖像與作品的對照，揭開畫作底下隱藏的祕密，例如看似完整的〈果實環串中的聖露西〉，其實是由兩幅作品拼接組成；〈裝扮為牧羊女的女子肖像〉竟然曾經「換臉」？經由大面積X射線螢光光譜分析掃描技術，一起見證畫作修改的痕跡。

⇛ 穿插6大互動體驗

為了使觀眾更輕鬆吸收知識、深入了解展覽內容，《畫師們》特別規劃6大互動體驗區穿插於各單元中。「轉移構圖」技法體驗區，能依據簡單的格子線條模仿描繪，領會畫師們如何利用「分格法」來「複製」畫作，了解工作坊提高效率的祕訣。「繪畫材料與繪畫步驟」體驗區，可近距離觀察畫作的基底材、打底層、底稿、底色、顏料層等，還能親手觸摸每一層材料的不同質感。

「木卡榫體驗區」可以了解大型畫作如何用數片木板組合而成，並且直接動手操作看起來「天衣無縫」的卡榫裝置。「木紋觀察體驗區」提供放大鏡，讓人審視木材年輪，感受研究人員如何運用木紋分析判斷畫材的年代和產地。「風俗與靜物」自拍區，則能走入畫作、變身主角，創造出獨一無二的專屬作品。「光學體驗區」指引民眾走進約三公尺長的光學長廊，觀看光譜的變化，另外透過燈箱互動展示，端詳紅外線、紫外光、X光等不同光線的檢測特點，了解科學檢測的方法。

《畫師們：走進16、17世紀尼德蘭繪畫時代》
展覽日期：2024.10.26-2025.8.31，9:30-17:30
地點：奇美博物館 特展廳
票價：全票400元、優惠票350元、雙展套票450元，於奇美博物館官網、Klook、KKday、ibon售票系統、易遊網、Trip.com等通路販售。

更多資訊可至奇美博物館官網查詢

_{資料提供｜奇美博物館  文字整理｜Adela Cheng}

觀看似乎是大多數人天生就會的事，但在資訊洪流之中，我們真的準備好「觀看」了嗎？巴黎龐畢度中心即將閉館5年整修，在暫別的時刻，以攝影與廣泛的創作光譜聞名的德國藝術家Wolfgang Tillmans，用大型個展《我們對此毫無準備——我們對此萬般准備》（Nothing could have prepared us - Everything could have prepared us）占領圖書館這個非典型展覽空間。

走進龐畢度中心2樓公共資訊圖書館（Bibliothèque publique d'information，Bpi）6,000平方公尺的空間，感覺像踏進入Wolfgang Tillmans近40年創作的檔案庫，但策展人暨龐畢度中心攝影部門總監Florian Ebner強調，這並不是一檔典型的「回顧展」。矛盾而曖昧的展題，似乎帶有些思辨性的懷疑色彩。他說明，這出自於醞釀多年的構想，尤其，我們正生活在一個資訊更加氾濫、往往讓我們缺乏清晰判斷的世界裡。「對比他在紐約MoMA的回顧展《To Look Without Fear》（2022），你會感受到不同的語調。也許在今天，我們已經不再處於一個可以『無所畏懼地觀看』的時刻了。」

對話圖書館空間的藝術實驗

整修前最後一展，龐畢度團隊早已決定要打開Bpi這非典型展演空間，便邀請了Wolfgang Tillmans。嘗試各色實體影像介入空間的可能性，一直是他的核心實踐。起初，他們聚焦在這寬敞空間的開放性；漸漸地，他們發掘出圖書館本身的歷史與特質。Wolfgang Tillmans十分欣賞這座Renzo Piano和Richard Rogers在生涯早期共創的建築作品。那種激進的姿態背後，是不畏解構、不怕暴露管線結構的大膽，更是著眼空間通透性帶來的解放自由精神。Florian Ebner解釋，「龐畢度中心的管線外露和開放式結構，體現了1970年代的控制論理念。放在今天來看，設計上恰好呼應了網路世界的特徵。」那時，彷彿就已經預示了一個萬物互聯、資訊透明流動的未來世界。

「Wolfgang經常與空間的不完美之處對話。」Florian Ebner觀察到。在傳統白盒子中，他或許會用影像覆蓋住緊急出口，或製造與管線的巧妙互動。而到了這次在Bpi空間，在部分沉重軟裝移除後，較新的灰綠色地毯與露出的舊有紫地毯交錯，本是一般展示空間中不該出現的雜音，他卻刻意保留下來，既呈現建築的歷史積澱，也與他個人的創作軌跡、作品系譜形成微妙的相互映襯。

他也改造了原有的書架與桌子，運用鏡子、雷射投影來牽引參觀者的視線軌跡。尤其在這閉館翻新前的特殊時機，他更能自由深入空間肌理，試驗全新的展示方式。他著名的無相機攝影與不同的時期影像作品、音樂創作、政治實踐織就在一起，延續他個展時慣常的非線性展示邏輯。Florian Ebner說明，「雖然沒有按時間排序，但這些作品系列幫助觀眾串聯起整個展覽的脈絡。」

圖書館化身活的檔案館

圖書館裡一些特殊的軟體設施，也成為Wolfgang Tillmans的創作靈感來源，例如「自學區」（Autoformation）被放在金屬格子間的電腦。近年來，來自海外的學生與新移民經常使用這些設備學習法語，或收看故鄉的衛星電視節目。Wolfgang Tillmans決定保留這獨特的區域，在其中44個螢幕上播放他與另外2名攝影師，在一天內記錄下80位圖書館使用者學習與工作中的日常片段。Florian Ebner解釋：「這些影像提醒我們，年輕群體曾為這個空間帶來的生機與活力。」在另外24台「隨選視訊」（Video on Demand）電腦上，參觀者真的就像檢索書目一樣，可以自由瀏覽Wolfgang Tillmans自1980年代後期開始的錄像作品。「從這個角度來看，圖書館儼然成為一座鮮活的檔案館。」

音樂也交織在展場各處。Wolfgang Tillmans曾夢想當音樂人，混跡地下音樂俱樂部與派對，1990年代初他以攝影師出道時，正是以拍攝倫敦和柏林的銳舞音樂場景而嶄露頭角。後來，他也曾將展覽空間變身為聆聽室，更發行過雜揉電子techno等各色風格的EP與專輯。在展覽南端、能俯瞰史特拉汶斯基噴泉（La Fontaine Stravinsky）的一側，策展團隊打造了一個大型沉浸式空間。訪客可以在揚聲器陣列下或躺或坐，觀賞大型LED螢幕上播放的錄像〈Time Flows All Over（Pompidou）〉，其中，Wolfgang Tillmans反覆吟唱著「We mean what we say, language is what it is」；其他影片亦記錄著書籍印刷等過程，語言與印刷，正是圖書館的核心使命。「這個空間既是放鬆的場所，也是美學體驗的所在。」一個較小的房間播放他的聲音裝置〈I Want to Make a Film〉；而在主圖書館區域，他所創作的環境音樂和實驗性音樂成為背景聲響，為這巨大空間構築出豐富層次。

觀看從來都不容易

展中也匯聚Wolfgang Tillmans豐富的政治實踐，從HIV教育素材、反脫歐海報到倡議T-shirt，織就了一場社會參與的視覺宣言。對他而言，創作與政治行動之間並無明確界線。自1990年代以來，他走過了HIV病毒席捲歐洲、同志族群遭受歧視的年代，目睹世界局勢的跌宕起伏，他個人的見證，也是時代的印記。

如今回望，許多結果未必符合他當初的政治訴求，但Florian Ebner強調，只以立即見效的成功來衡量他行動的意義並不合適。「他的海報倡議雖無法阻止脫歐，但其中部分已成為政治辯論中的重要符號。比如那幅寫著『What is lost is lost forever』的海報，後來在法國選舉期間被某個運動引用為『Ce qui est perdu, est perdu à jamais』。這些作品產生了深遠影響，而這才是評估其價值的正確角度。」改造過的書架上也展示著他關於邊界與公民抵抗的主題作品（像是極右政黨崛起的德勒斯登地區、戰火中的烏克蘭哈爾科夫），還有他拍攝醫學世界的《operation theatre》系列。醫學是圖書館的經典學科分類，也是一個身體、健康與權力交錯的高度政治化的領域。Florian Ebner補充道：「在當前的時代背景下，這樣的展覽必然帶有政治意涵，特別是面對美國政府關閉與審查眾多機構、美術館及研究場所的現實。」

Wolfgang Tillmans的《Truth study centre》系列，自2005年以來持續探索人們如何看待「真相」——這無疑也是各種意識形態的表現。如今這「後真相時代」，AI演算法和深偽技術大行其道，似乎讓真相更加難以辨識，變得曖昧不明。Florian Ebner認為這場展覽的時機恰到好處，Wolfgang Tillmans這次「占領」圖書館的姿態，也令我們重新思考實體知識空間的存在意義。「Wolfgang與空間互動的手法創造了一種詩意、個人化且獨一無二的對話模式，」Florian Ebner表示，「這與AI慣於生成的回音式、制式化知識形成鮮明對比。」有些作品直接回應了這個課題，比如專為2020年代設置的展桌，探討的正是圖書館實體空間與AI那種潛在、虛無的數位空間之間的張力關係。他進一步補充：「從這個角度來看，圖書館成了AI的一種對立典範，而Wolfgang深刻且巧妙地演繹了這種對比關係。」

或許，這次展覽和Wolfgang Tillmans的創作，也是種對數位、虛擬世界諷刺性的質疑。Florian Ebner認為，他自1990年代後期革命性地改變了攝影，特別是他的實體展陳方式。「他拋棄線性的排列，而是像編輯雜誌版面一樣在牆上配置作品，在某種意義上解放了攝影，讓攝影作為實體物件的特質得以彰顯。」而過去20年中，人的感知逐漸成為他創作的核心：相機這光學儀器看到了什麼？我們人類又看到了什麼？攝影如何打破自身再現方式的理所當然？「在他的許多作品中，擁抱我所謂的『創造性的意外』，意即善用創作過程中意想不到的錯誤。這正是他的作品在當代如此珍貴的原因之一。」Wolfgang Tillmans的作品展現了攝影的雙重面向：既是見證世界的方式，也能是深刻的美學體驗。這正是他作品的力道所在。

Florian Ebner

2017年起擔任龐畢度中心國立現代藝術美術館攝影部門總監。1970年出生於德國雷根斯堡。曾任柏林畫廊攝影收藏代理主管（2008～2009）、布倫瑞克攝影博物館館長（2009～2012）與埃森福克旺博物館攝影部門總監（2012～2017）。2015年策劃威尼斯雙年展德國館。

Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》

• 時間：即日起至2025年至9月22日（Accès Libre par Celine｜7月3日、8月28日、9月22日11:00-23:00免費開放）
• 地點：巴黎龐畢度藝術中心公共資訊圖書館2樓

_{文｜吳哲夫　圖片提供｜各單位}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/9月號《開一家甜點店》

2025年8月2日至11月02日，尊彩藝術中心二樓展館將化身為一座時光隧道，《陳澄波百三特展》展出逾20件陳澄波珍貴油畫作品，邀請觀者深入這位台灣前輩畫家橫跨3地的藝術人生。

這場特展不僅是對一位藝術大師的致敬，更是一次深度的文化考古之旅。從陳澄波1924年東京美術學校的求學歲月，到1929～1933年上海任教的成熟期創作，再回到故鄉台灣的深情凝視，每一幅畫布上的筆觸，都見證著那個風雲變幻時代的文化交流與碰撞。20多件作品靜靜陳列，每一筆色彩都承載著跨越時空的深情對話。

一位跨越時空的藝術旅人

踏入展覽現場，我們遇見了一位跨越3個城市的藝術旅人。陳澄波，這個名字背後的故事遠比我們想像的更加複雜動人。1895年生於台灣嘉義的他，在殖民地的時空背景下，以近乎傳奇的方式開展藝術生命。1924年考入東京美術學校（現東京藝術大學），成為第一位以油畫作品〈嘉義街外（一）〉入選帝國美術展覽會（帝展）的台灣畫家。這不僅是個人榮耀，更打開了台灣藝術家走向國際舞台的第一扇門。

從東京到上海，再回到故鄉台灣，陳澄波的創作軌跡如同一本立體的文化地圖，記錄著20世紀初東亞地區文化交流的珍貴印記。1929年至1933年間，他在上海擔任多所美術學院的教職，視野與創作日趨成熟。然而，這位充滿理想的藝術家最終在1947年的二二八事件中殞落，年僅53歲。

重新認識陳澄波的文化座標

在他130歲冥誕之際，尊彩藝術中心特別策劃這檔展覽，每一筆色彩都承載著風雲變幻時代的記憶。陳澄波渴望與人親近，他的風景繪畫中，人物始終是不可或缺的元素。即使在遼闊的風景圖畫裡，總會點綴幾個人物，讓畫面充滿溫情。這種對人的關注，正是他藝術中最動人的特質。

陳澄波一生縱貫台灣、東京和上海的現代藝術風潮，在美術史上具有舉足輕重的代表性。他的彩筆不僅描繪台灣嘉義、淡水觀音山、淡水夕照等重要人文景觀，更見證了1930年代初期台灣農漁工商產業現代化的歷史進程。畫中洋溢著對故鄉及時代的熱情與感染力，透過畫面呈現20世紀初期台灣藝術進入現代化過程的複雜樣貌，也連接起東西方美學的精神內涵。他的精彩豐富人生，反映了台灣藝術史在不同政權統治下所經歷的曲折波濤，也為當代觀者提供深刻的文化思考。

陳澄波10件重點畫作一次看

❶〈夏日湖畔〉（Summertime Lakeside，1930）

遠山疊翠，湖水如鏡。這幅陳澄波在上海任教期間的作品，捕捉了西湖地區初夏寫生的溫潤氣息。相較於傳統文人筆下人跡渺茫的自然山水，他將西湖視為現代化的休閒場域。湖面上載著遊人的小艇愜意划行，湖畔散步的身影悠然自得，展現了蘇軾詩中「淡妝濃抹總相宜」的西湖神韻，展現他對江南水鄉的詩意凝視。

❷〈台灣農家〉（1932）

朱紅廟宇倒映在平靜池水中，撐傘垂釣的身影與撒網捕魚的農人構成寧靜的生活圖景。這座池塘原是彰化孔廟建廟時挖取土方留下的低窪地，經年累月積水成池。1932年的台灣正值農漁工商產業現代化進程，陳澄波透過此作遙望故鄉的農業社會變遷，儒家文教傳統與庶民生產活動和諧並置，成為一場傳統與現代的對話。

❸〈運河〉（約1929-1933）

蘇州運河上舟船穿梭，遠方工廠煙囪直指天際。上海任教期間，陳澄波深受倪雲林、八大山人等古典大師影響，開始將東方水墨畫元素納入創作。他從制高點俯瞰1930年代中國現代化的縮影，畫面中的現代化符號，像是工廠林立、煙火綿延、舟楫交錯，展現他對現代性的嚮往。建築與船隻輪廓以深色線條勾勒，採用類似元代山水畫「一河兩岸」的構圖方式，卻又融入西方透視法的縱深。

❹〈西湖春色（二）〉（約1934）

樹間湖光粼粼，白篷小船悠遊其間，陳澄波將這幅春日西湖經營成如世外桃源般的美麗世界，是東方美學的現代詮釋。前景樹木運用倪雲林的枯枝皴法，以粗黑線條勾勒枝幹與陰影；遠山綠葉則採八大山人的「擦筆」技法，使畫面剛柔並濟。斷橋附近的景色形成圓形視覺焦點，色彩明度較高，巧妙引導觀者視線。

❺〈綠蔭〉（1934）

1906年梅山大地震重創嘉義後，總督府在清朝孔廟舊址上重建嘉義醫院。畫面後方的建築展現和洋混合特色：入口門廊的日式三角坡頂，搭配西式立面窗格，象徵日治時期建築的文化融合現象。濃密的樹冠佔據四分之一畫幅，熾熱陽光穿透葉隙，在地面投下斑駁光影，林蔭下剛步出醫院的女子撐起洋傘。

❻〈滿載而歸〉（1936）

從淡水北方山坡俯瞰而下，蜿蜒的紅土大路引導視線穿越市街，直抵河港。天色將明未明的清晨時分，住在「城仔口」以北的民眾與挑擔小販，沿著電線桿的指引朝市街移動。河岸邊整齊堆疊著來自福州、北海道的進口杉木，冒煙的輪船停泊在棧橋旁。相較於一般風景畫家避開現代設施，陳澄波卻將電線桿、輪船、工廠等「礙眼」景物誇大入畫。

❼〈長榮女中學生宿舍〉（1941）

閩南式屋脊與西洋圓拱窗的奇妙組合，讓這幅作品成為台灣文化融合的象徵。畫面中央的巴克禮牧師館，以其獨特的閩南式屋頂配搭西洋圓拱窗，屋頂上的階梯狀構造，傳說是觀察天文星象之用。在戰爭的非常時期，當許多畫友響應當局製作「聖戰美術」時，陳澄波卻選擇描繪這樣的寧靜校園，高大的鳳凰木綠蔭如蓋，成為抵禦時代風暴的精神庇護所，是戰火中冀求的寧靜詩篇。

❽〈海邊三美〉（Three Beauties by the Sea，約1932）

三位女子結伴坐在海邊岩石上，身穿中式服裝卻搭配西式髮型與領巾，腳上踏著現代皮鞋。這幅畫作呈現了1930年代東方女性的摩登面貌，也反映了當時社會風氣的開放程度。3人結伴海邊遊玩的情景，在傳統中國婦德觀念中是不被允許的，顯示時代的變遷。技法上，前景草地與花卉運用厚塗與快筆交錯的處理方式，海水與天空的處理則融入了中國水墨的暈染技法。

❾〈搭肩裸女〉（1926）

右手輕搭肩膀，左手優雅地倚靠椅背，模特兒目光凝視著右下方，神情帶著一絲內省的沉靜。從坐姿裸女到立姿裸女，展現技法難度的提升——立姿人體對於身體比例、重心平衡、肌肉結構的掌握要求更高，陳澄波在此展現愈趨純熟的觀察力與表現力。背景的淡綠色花紋布幕與椅套上的花布圖案，與模特兒溫潤的膚色形成柔和的色彩對比，營造出寧靜雅致的整體氛圍。

❿〈畫中畫〉（年代待考）

圓桌上鮮花與水果錯落擺放，右側一幅裱框小畫描繪著山海邊的裸女。這幅靜物作品呈現桌面上不同物品的組合，構成豐富的視覺層次。前景水果運用厚塗手法，從金黃到深紅的色彩層次堆疊，質感飽滿。背景的小畫則以較為簡潔的筆法帶過，圓桌邊緣的藍色裝飾為整體暖色調增添變化。在後印象派的靜物畫傳統中，藝術家經常將日常物品與小幅藝術品並置入畫，陳澄波深受梵谷影響，這幅作品展現了他學習後印象派靜物畫技法的痕跡。

《陳澄波百三特展》

展期｜2025年8月2日（六）- 11月2日（日）

地點｜尊彩藝術中心 二樓展館

地址｜台北市內湖區瑞光路366號