一槌一印裡的理想世界！專訪「小盛號金工」負責人闕承慧，探索金工創作的無限可能

隱身在工業區的小盛號金工，在一列粗獷的廠房裡，顯得潔淨、充滿秩序。這裡是提供金工藝術家和學習者的工作場域，不同的機器、作業檯面，各是鍛敲區、機械區、多功能區和焊接區，也傳遞著空間負責人闕承慧賦予這裡的期待與想像。

正因為空間功能多樣，所以小盛號金工的課程不同於市場常見的短期金工創作體驗，這裡提供的是長期課程內容，學員從學理基礎、設備使用和工具製作學起，並在探究技法的過程中，依據自己的設計概念製作作品，因此學員會有更多自由探索、發揮創意的可能，「以後他們可以自己做工具、改裝工具和建立工作室，他學完這些可以自己想像要創造的空間是什麼樣子，這件事是很生猛的。」闕承慧侃侃而談。這樣有別於市場的做法，看似是走在「逆流」的路上，但闕承慧認為，正因為課程深入金工各環節，所以可以讓金工教學或創作這件事飛的更高、更遠，而且也讓這個平台能成為市場上獨特的存在，「不只讓民眾可以去體驗到在其他地方沒做過的事，我覺得對合作的藝術家來說也很好，因為他們在這裡可以提出以前不敢做的事情，儘管去嘗試。」闕承慧說。

物件即是觀照自我的鏡子

會踏入金工領域，對闕承慧來說是無心插柳的過程。當時還在就讀台灣藝術大學工藝設計系的她，因為大四系上來了一位金工老師，因著他的啟蒙，闕承慧便從畢業製作展開自己的第一個金工創作。現在回想能持續創作的起點，她認為從中感受到心靈世界的反饋，是讓她能創作不輟的主因，「我印象很深刻的是，我在老師的工作室敲金屬，當下體會到敲一槌便留下一個槌印，如同旅行的一步一影，每個腳步會串聯出一道道的風景，這樣的過程是我很喜歡的。」闕承慧分享。對她而言，創作中的勞動與記憶，就像是心眼手與內、外在世界交流的過程，雖說在打造一個物件，過程中也像是時時在觀照自我的過程。

離開校園後，闕承慧帶著在創作中的樂趣，繼續在金工領域裡探索，除了多次發表個展，也曾受國、內外公單位和藝廊邀請展出。然而，會開起課程，對闕承慧來說是個意外。畢業後主要以創作為生的她，曾經在體制內、外的學校裡教學，但過程中她發現無論在哪個環境，仍有不足的地方，於是提供完整、創造性的金工學習環境，在她心裡埋下種子。之後為了讓自己有穩定的創作空間，加上希望裡頭有多樣的工作區，於是開班教學的念頭成形，在快速組織規劃下，便有了小盛號金工的誕生。個人作品的部分則以「闕承慧金屬工作室」作為品牌。

一槌一印中的生活哲思

如今回看自己的創作，闕承慧認為作品的成形，在於金工鍛敲中一槌一印帶來的啟發，「尤其在勞動過程中，肌力還有意志在拉扯，中間也會結合想傳遞的想法，最後變成作品。」闕承慧說。除此之外，欣賞不同媒材的創作，以及「好好生活」，也都是創作裡不可或缺的養分。她以自己非常喜歡的陶作家吳偉丞為例，透過他的創作，可以看見他的思路、個人特色，「所以作品不單純是一個物件，也是融合創作者內、外特質的載體。」闕承慧說道。而創作除了可以向外汲取養分，她認為個人內在世界的充盈，也能使靈感輸出更為豐沛，諸如從電影、展演和音樂中，探究他人創作與生命經驗的軌跡，而這份觀察，也同樣會在個人創作道路上，時時看見自身的變化，《岩途風景》、《山海微觀》系列，就是闕承慧在勞力與意志的合作下，轉化個人想法所誕生的作品。

從事金工創作多年，闕承慧認為工藝是將技術藉由個人想法表達而出的文化，而在技法中琢磨金工創作的可能性，也她不斷嘗試的事情。例如創作中常使用的鍛敲，可以透過延展、壓縮金屬塑造容器形狀。而《山海微觀》的地景則是在敲花的凹凸呈現中，展現自然意象的律動。除此之外，闕承慧也持續透過實驗探索金屬上的紋理，讓器物能有更多可能性，其中包含運用火改變金屬的軟硬、顏色、大玩金屬的變形，或者以火焊接兩塊坯體，都讓金工創作有著無限可能。

物件與精神之間的開放性

闕承慧的作品包含茶、酒與咖啡等器皿，在動態的使用過程中，也蘊含著豐富的紋理、色澤，使器皿巧妙地展現豐富的表情。而認為欣賞物件的樂趣，是悠遊在精神意念和物件中的開放空間，於是闕承慧手裡的自然景觀，也以抽象化的方式呈現記憶中的場景，藉此創造可再三尋味的趣味性。例如《山海微觀》系列即在壺器外觀形塑亦山亦海的紋理，而靈感的追溯，通常在作品完成後才找到真正與之對應的景象記憶，「這系列要做的是一個迷你的心景，而不是寫實的地貌。」闕承慧分享，「隨著不同的心景去看《山海微觀》，也可以在其中找到空間去安放自己。」此時闕承慧特別拿出《山海微觀》系列的第一件作品，也是她在畢業後的第一個創作，當中包含了她與家人出遊的回憶，也是她在主流市場外做出新的嘗試，例如透過兩塊坯體鍛敲、焊接在一起，呈現台灣溪谷因陽光反射，將溪水反射在山壁上波光粼粼的樣態。創作這件作品時，闕承慧曾因為資源不足，而花費了許多時間完成，「但這件作品可以說是我的幸運，因為它所以有了後來的其他作品。」闕承慧說。

除了從自然景觀汲取靈感，闕承慧的三足器皿，也在受到青銅器時代的三足器所觸動，甚至是聽聞建築因高腳設計所創造人、空氣的流動，因而打造出不完全貼著底面的三足設計。此系列的器皿有著圓潤的支腳，在靠近底部時收攏成一小支點，以充滿趣味感的造型承托著器皿，「它不會阻斷空間的流動，因此也創造了器皿和空間的對話。」闕承慧說。善於在日常發現樂趣的她，也曾因為看到電線杆上掛著充當菸灰缸的生鏽奶粉罐，讓她興起以金屬創造斑駁質地的想法。名為《罐子》的作品，便是反覆以金箔熱貼、刷舊，打造出厚薄不均的表面，再透過將銀染黑的方式，呈現銀器歷經時間淘洗的質地。

具備工業設計背景的闕承慧，不斷在創作中融入設計思維，以創作解決日常使用的問題。例如《咖啡壺》，為考量動態使用中可能出現的不便，並聽取收藏家的分享後，歷經不斷測試而完成的作品。此款壺器的木質把手與金屬瓶身形成有趣的異材質結合，低角度的壺嘴，則是讓使用者能更順手地將壺內液體完全傾倒而出，在貼心地站在使用者角度，賦予生活中更適用的存在。

闕承慧持續在金工創作中看見自己與世界，創作的微觀意趣也吸引著不少藏家支持著她的創作。在闕承慧的手裡，金屬的冷調、剛硬，也因為融會了感性的觀察，多了幾分溫柔、細緻的心思，並闢出豐富的感知空間，成了一物一世界的生活載體。

文字｜TC　

攝影｜ 林家賢

圖片提供｜小盛號金工

橫跨台灣日治時期至當代，從廟宇神龕、神像雕刻、糕餅木模到生活器物，從台南孔廟「全臺首學」匾額，到見證台灣經濟起飛的木製贈禮，都可看見「陳彫刻處」作品的身影。

適逢創立一百週年，陳彫刻處攜手樸實創意策劃《陳彫刻處百年新生展》，以「銘」蘊藏對刻寫、銘記的雙關意涵為核心，集結百年來的經典雕刻工藝品，以及台、日創作者以「滿座」與「興勝」為主題帶來的創作，展現雕刻所乘載的文化意涵和情感，亦映現工藝如何跨越世代，持續傳遞人們對信仰、生活與祝福不變的心意。

走過百年，陳彫刻處始終以刻刀回應時代

1926年，第一代陳珍以一把刻刀創立陳彫刻處，從神像雕刻出發，一筆筆銘刻出人們對信仰、生活與祝福的寄託。第二代陳文才延續這份職人精神，在時代變遷中持續精進技藝，讓傳統木雕工藝躍上匾額、窗花與神桌，陪伴無數人的信仰與致謝儀式。如今的掌門人、第三代傳人陳希彥則在承襲百年根基的同時，讓雕刻與當代生活產生新的連結，跨域與新創設計及生活品牌共創新火花。

五路男神：三代匠人對雕刻的極致致敬

為《陳彫刻處百年新生展》，陳希彥特別與父親共同創作「五路男神」，作為獻給陳彫刻處的百年歷程紀念。作品取材自台灣民間信仰中的5位神明，經重新轉譯，將傳統神像從既有的框架中解放，保留神明所承載的守護、祝福與信念，同時融入當代美學與生活觀察，讓信仰符號展現出更自由、且富有時代感的樣貌。

攜手台、日本藝術家以「大入」為題共創

除了回望陳彫刻處百年工藝軌跡，展覽也邀請台灣、日本多位創作者，延續台灣傳統匾額中常見的「高朋滿座」、「生意興隆」美好寓意，以「大入（Ooiri）」為主題進行雕刻創作，讓傳統在當代語境中長出全新樣貌。

「大入」在日本傳統文化中，有滿座、客滿、興盛的意思，來看創作者們如何演繹！藝術家鄒駿昇以雙錢結與盤長結構築出財富與祝福持續流動的寓意；設計師方序中將窗花概念與大入的祝福能量結合；日本平面設計師美山有以相撲的形象來表現，將「大入」與傳統表演文化連結；丁原生及日本傳統標籤設計研究室，透過自身擅長的插畫創作及文字設計做出新穎的設計展演。

當來自不同世代與文化背景的創作者，共同回應同一祝福符號，它所代表的意義已超越「大入」乘載的興盛之意，更是一回傳統工藝與當代創作的相遇，一場百年老店和新世代的對話。

透過跨域工藝創作，開啟下一個百年想像

策展團隊樸實創意表示，透過《陳彫刻處百年新生展》，盼能讓傳統工藝在歲月流轉中的傳承與創新被更多人看見。近年來，陳彫刻處持續跨越不同領域，與「維摩舍」共同探索書寫與雕刻的可能；攜手「觀察之樹」發展家具創作；也和「林源美香舖」等品牌推出兼具文化底蘊與當代美感的特色作品。這些跨界成果，也將於展覽中一一呈現。

展期間，台中知名店家如咖啡廳「Hausinc 1035」、「群島李季」以及風格茶館「蕪時 KAELU」等，也將同步使用與陳彫刻共同企劃的特製器皿，讓雕刻器皿走出展場，讓人們在日常生活中感受。

《陳彫刻處百年新生展：銘》

展期｜2026.07.03－07.26

地點｜Ippuku（台中林森路40號）

靜候逾兩月評選，Loewe工藝獎正式發布2026年度得獎名單！大獎由韓國藝術家Jongjin Park憑《幻象地層》奪下，兩項特別提名則分別為西班牙藝術家的粗草織物，和義大利藝術家的金工珠寶所獲；齊聚30位入圍創作者的工藝大展隨之登場，將於新加坡國家美術館對外公開至2026年6月14日。本文概述獎項緣起、詳解本屆3件得獎作品，且邀你前進展廳，與品牌共同反思快時代下「慢工藝」的無可取代性。

眷戀不甚完美，觸拾人手痕跡——

工藝老牌如何看待時間積累的藝術？

綜觀近10、20年，諸多時尚品牌陸續設立藝術與文化獎項，重新爬梳時裝屋淵遠歷史、馳騁未來創意想像。其中，Loewe的工藝論述可謂最有跡可循。1846年自一群西班牙手工藝人合創的皮具工坊起家，今所稱之Loewe品牌，實則由德國（昔日普魯士）而來的創始人Enrique Loewe Roessberg在1872年入主後真正定名，並領軍躋身世界奢牌集團。百餘年來承此脈絡，從商品質材把控到文化保存行動，「工藝」的有形與無形意涵對Loewe可謂深如底蘊般存在。

可隨工業、數位乃至AI時代的後浪推前浪，工藝價值的定義是否發生變化？甚或該說，是否還能夠定義？2016年，Loewe前創意總監Jonathan Anderson倡議發起的Loewe工藝獎，無疑給出了正面且鼓舞人心的答案。連年藉一項大獎及兩項特別提名，表彰來自不同國家地區、不同文化背景、不同專業領域的全球18歲以上創作者，以強調手工藝之於現今文化的重要性和藝術價值；同時，每每涵蓋陶瓷、玻璃、珠寶、金工、木作、紙藝、漆藝、紡織等豐富類型的終選名單，更一再印證Loewe基金會主席Sheila Loewe發言所示，該獎對護持當代工藝多樣性的積極作為。

>> 看完整入圍名單：台灣藝術家謝佳珍闖決賽！2026 Loewe工藝獎終選名單公開：在裂變中重新詮釋傳統，30件入圍作品齊登新加坡國家美術館

3名得主揭曉，30位入圍者齊聚新加坡國家美術館

2026年度選自超過5,100件投稿中的30組入圍作品，除最終1+2名獎項得主可獲50,000歐元獎金（大獎）和5,000歐元獎勵（特別提名）外，所有進入決賽的藝術家將全員參與羅意威工藝大展，聯合呈獻精彩創作。該聯展數年間相繼落地倫敦設計博物館、東京草月會館、首爾工藝博物館、紐約野口勇博物館、巴黎東京宮，乃至2025年回歸品牌原鄉、進駐馬德里提森-博內米薩博物館舉辦後，今年選址坐擁世界最大規模現代東南亞藝術收藏的新加坡國家美術館（National Gallery Singapore）亮相，同步公開線上展廳並發行相關圖錄。

以下讓我們隔空搶先逛展場，隨後逐一踏入大獎得主Jongjin Park，以及特別提名者Álvaro Catalán de Ocón和Graziano Visintin的工藝世界。

▍大獎《幻象地層（Strata of Illusion）》

• 藝術家｜Jongjin Park

• 作品選材及尺寸｜紙、瓷、染料、釉料，750*450*560mm

Jongjin Park生於1982年，現居韓國首爾，任首爾女子大學助理教授；兼具英國卡地夫城市大學陶藝碩士，以及韓國國民大學陶藝學士、碩士和博士學位。擅融會傳統工藝與收藏級設計（Collectible Design）概念，近年與奢侈品牌和汽車公司的合作，尤嶄露他結合藝術與技術之長。創作多挑戰物質的幻象與真實存在界限，進而深究在強大的AI浪潮下，手工的物質智慧如何被重新定義。曾於美國Design Miami、英國PAD London Art+Design等著名藝術設計博覽會進行展出，2024年獲韓國京畿道陶瓷雙年展（Gyeonggi Ceramics Biennale）國際競賽卓越獎。

本次獲獎的陶瓷雕塑《幻象地層》完成於2025年，旨在藉由模仿地質沉積過程，探索控制與崩塌間的張力。其座椅般的空心結構，首先將數千張紙材塗覆摻有手調顏料的瓷漿，經手工折疊、堆疊、壓實，形塑出幾何感強烈的緻密塊體，同時保留過程中自然產生的折痕、壓痕和微小位移於表面。接著再以1,280度氧化焙燒燒盡紙材、使主體結構在熱力與重力作用下逐漸變形陷落，化為質地一致而外觀不規則的陶瓷實體，並運用電動工具最後修飾。作品既彰顯藝術家自身對物質不穩定性的關照，更致敬在這個置速度於完整性之上的時代中，仍默默堅持的手作精神。

評審團指出此作顛覆人們對陶瓷媒材的既定想像，展現出人意料又極具目的性的存在感；奠基瓷藝卻呼應多種工藝傳統：透過空氣塑形令人聯想到玻璃吹製，而紙張層疊則帶有書籍裝幀意蘊。評審且格外著迷於紙張在燒製中消失的詩意，以及作品因下陷而流淌的真誠不完美感。這種對製作本質的忠實體現，正是Loewe工藝獎長久著眼的重要敘事——材料、製程，及其「風險」本身，即為作品意義的核心。

▍特別提名#01《Frafra掛毯（Frafra Tapestry）》

• 藝術家｜Álvaro Catalán de Ocón x Baba Tree Master Weavers

• 作品選材及尺寸｜狼尾草，10*3300*3100mm

Álvaro Catalán de Ocón生於1975年，現居西班牙馬德里；曾先後就讀義大利歐洲設計學院和英國中央聖馬丁藝術與設計學院，鑽研產品設計。2004年在巴塞隆納創立個人工作室、2009年移居馬德里，持續兼行獨立創作與品牌合作。作品受巴黎龐畢度中心、倫敦V&A博物館、香港M+博物館等文化機構永久收藏。2023年憑藉在永續設計領域的貢獻，獲西班牙科學與創新部頒發國家設計獎。

本次獲獎的粗草織物《Frafra掛毯》完成於2024年，為藝術家與根植非洲迦納的編織工藝社群Baba Tree聯手完成，參與者包括其首席編織匠Mary Anaba，以及Charity Aveamah Atuah、Christiana Anaba Akolpoka、Asakiloro Aduko、Mary Ayinbogra、Teni Ayine、Subolo Ayine、Punka Joe共計8位工藝師。作品使用無人機捕捉迦納北部古倫西（Gurunsi）聚落標誌性的環形土坯住宅影像，發送至馬德里以AutoCAD軟體繪製後按比例印出建築平面圖，再交予Baba Tree Master Weavers，採編籃技法勾織天然及染色狼尾草而成；兩種色彩拼組的整體圖式，可見描畫外部牆體輪廓的黑色線，和標示內部庭院空間的原色線，其間則由工藝師自由填入紋樣，映照在集體勞作中延續的日常傳統與家庭記憶。

評審團肯定這場跨洲藝術合作，試圖通過當代製圖科技與祖傳編織知識的結合，存續一項發跡於非洲原住民Frafra部落文化、現正瀕臨消逝的建築形式與生活方式，恰如活生生的人類學檔案。

▍特別提名#02《項鍊（Collier）》

• 藝術家｜Graziano Visintin

• 作品選材及尺寸｜黃金、Niello黑漆，尺寸各異

Graziano Visintin生於1954年，現居義大利帕多瓦；義大利Pietro Selvatico藝術學院畢業，並自1976年至2019年任教該校。創作材料活用黃金、琺瑯及Niello黑漆，曾獲德國Herbert Hofmann Prize等國際權威珠寶獎項。2025年方於荷蘭代表性當代珠寶藝廊Galerie Marzee舉辦個展，近年亦至英國皇家藝術學院、中國北京理工大學等頂尖院校舉辦講座及工作坊。

本次獲獎的金工珠寶《項鍊》完成於2025年，所採行的熔鑄工藝（將金屬置於盛有硫磺的陶罐中熔化）卻可追溯至古埃及。整組作品含1、2號兩鍊，皆由極薄金片所打造的大小立方體連綴而成，交錯圓、三角和正方形視覺。其表面以古老金工技術「Niello（烏銀鑲嵌）」局部裝飾，且上色方式屏棄傳統刻紋嵌入、改用隨性筆觸塗抹，為作品賦予神祕痕跡；當光線流轉，金質的柔和與黑漆的深沉便自然形成對比，映現色彩和光影間不斷變化的豐富效果，終在與佩戴者身體的互動下帶出動靜並存的對話感。

評審團對他運用Niello創作當代珠寶此一少見的精湛手法尤為印象深刻，甚欣賞他如繪畫般將黑漆施於黃金表面，讓各幾何體似一幅幅無盡延展的微型畫作被優雅串接。

隨Loewe工藝獎第9屆得主揭曉，初次列居評審團成員的現任創意總監Jack McCollough和Lazaro Hernandez重申，「自品牌於180年前創立以來，工藝始終是Loewe的核心精神。每一件入圍作品都展現出非凡的創造力與創新精神，共同證明了『製作』這件事所蘊含的持久可能性。」主力籌辦獎項的Loewe基金會主席Sheila Loewe則有力總結，「今年的入圍名單是歷來最難評選的一次，也讓評審團得以深入討論工藝的邊界，以及它未來可能的樣貌。我始終深感榮幸，能夠站在這樣充滿驚喜的工藝世界核心，親眼見證這些非凡藝術家的創作能量。」