隱身在工業區的小盛號金工，在一列粗獷的廠房裡，顯得潔淨、充滿秩序。這裡是提供金工藝術家和學習者的工作場域，不同的機器、作業檯面，各是鍛敲區、機械區、多功能區和焊接區，也傳遞著空間負責人闕承慧賦予這裡的期待與想像。

正因為空間功能多樣，所以小盛號金工的課程不同於市場常見的短期金工創作體驗，這裡提供的是長期課程內容，學員從學理基礎、設備使用和工具製作學起，並在探究技法的過程中，依據自己的設計概念製作作品，因此學員會有更多自由探索、發揮創意的可能，「以後他們可以自己做工具、改裝工具和建立工作室，他學完這些可以自己想像要創造的空間是什麼樣子，這件事是很生猛的。」闕承慧侃侃而談。這樣有別於市場的做法，看似是走在「逆流」的路上，但闕承慧認為，正因為課程深入金工各環節，所以可以讓金工教學或創作這件事飛的更高、更遠，而且也讓這個平台能成為市場上獨特的存在，「不只讓民眾可以去體驗到在其他地方沒做過的事，我覺得對合作的藝術家來說也很好，因為他們在這裡可以提出以前不敢做的事情，儘管去嘗試。」闕承慧說。

物件即是觀照自我的鏡子

會踏入金工領域，對闕承慧來說是無心插柳的過程。當時還在就讀台灣藝術大學工藝設計系的她，因為大四系上來了一位金工老師，因著他的啟蒙，闕承慧便從畢業製作展開自己的第一個金工創作。現在回想能持續創作的起點，她認為從中感受到心靈世界的反饋，是讓她能創作不輟的主因，「我印象很深刻的是，我在老師的工作室敲金屬，當下體會到敲一槌便留下一個槌印，如同旅行的一步一影，每個腳步會串聯出一道道的風景，這樣的過程是我很喜歡的。」闕承慧分享。對她而言，創作中的勞動與記憶，就像是心眼手與內、外在世界交流的過程，雖說在打造一個物件，過程中也像是時時在觀照自我的過程。

離開校園後，闕承慧帶著在創作中的樂趣，繼續在金工領域裡探索，除了多次發表個展，也曾受國、內外公單位和藝廊邀請展出。然而，會開起課程，對闕承慧來說是個意外。畢業後主要以創作為生的她，曾經在體制內、外的學校裡教學，但過程中她發現無論在哪個環境，仍有不足的地方，於是提供完整、創造性的金工學習環境，在她心裡埋下種子。之後為了讓自己有穩定的創作空間，加上希望裡頭有多樣的工作區，於是開班教學的念頭成形，在快速組織規劃下，便有了小盛號金工的誕生。個人作品的部分則以「闕承慧金屬工作室」作為品牌。

一槌一印中的生活哲思

如今回看自己的創作，闕承慧認為作品的成形，在於金工鍛敲中一槌一印帶來的啟發，「尤其在勞動過程中，肌力還有意志在拉扯，中間也會結合想傳遞的想法，最後變成作品。」闕承慧說。除此之外，欣賞不同媒材的創作，以及「好好生活」，也都是創作裡不可或缺的養分。她以自己非常喜歡的陶作家吳偉丞為例，透過他的創作，可以看見他的思路、個人特色，「所以作品不單純是一個物件，也是融合創作者內、外特質的載體。」闕承慧說道。而創作除了可以向外汲取養分，她認為個人內在世界的充盈，也能使靈感輸出更為豐沛，諸如從電影、展演和音樂中，探究他人創作與生命經驗的軌跡，而這份觀察，也同樣會在個人創作道路上，時時看見自身的變化，《岩途風景》、《山海微觀》系列，就是闕承慧在勞力與意志的合作下，轉化個人想法所誕生的作品。

從事金工創作多年，闕承慧認為工藝是將技術藉由個人想法表達而出的文化，而在技法中琢磨金工創作的可能性，也她不斷嘗試的事情。例如創作中常使用的鍛敲，可以透過延展、壓縮金屬塑造容器形狀。而《山海微觀》的地景則是在敲花的凹凸呈現中，展現自然意象的律動。除此之外，闕承慧也持續透過實驗探索金屬上的紋理，讓器物能有更多可能性，其中包含運用火改變金屬的軟硬、顏色、大玩金屬的變形，或者以火焊接兩塊坯體，都讓金工創作有著無限可能。

物件與精神之間的開放性

闕承慧的作品包含茶、酒與咖啡等器皿，在動態的使用過程中，也蘊含著豐富的紋理、色澤，使器皿巧妙地展現豐富的表情。而認為欣賞物件的樂趣，是悠遊在精神意念和物件中的開放空間，於是闕承慧手裡的自然景觀，也以抽象化的方式呈現記憶中的場景，藉此創造可再三尋味的趣味性。例如《山海微觀》系列即在壺器外觀形塑亦山亦海的紋理，而靈感的追溯，通常在作品完成後才找到真正與之對應的景象記憶，「這系列要做的是一個迷你的心景，而不是寫實的地貌。」闕承慧分享，「隨著不同的心景去看《山海微觀》，也可以在其中找到空間去安放自己。」此時闕承慧特別拿出《山海微觀》系列的第一件作品，也是她在畢業後的第一個創作，當中包含了她與家人出遊的回憶，也是她在主流市場外做出新的嘗試，例如透過兩塊坯體鍛敲、焊接在一起，呈現台灣溪谷因陽光反射，將溪水反射在山壁上波光粼粼的樣態。創作這件作品時，闕承慧曾因為資源不足，而花費了許多時間完成，「但這件作品可以說是我的幸運，因為它所以有了後來的其他作品。」闕承慧說。

除了從自然景觀汲取靈感，闕承慧的三足器皿，也在受到青銅器時代的三足器所觸動，甚至是聽聞建築因高腳設計所創造人、空氣的流動，因而打造出不完全貼著底面的三足設計。此系列的器皿有著圓潤的支腳，在靠近底部時收攏成一小支點，以充滿趣味感的造型承托著器皿，「它不會阻斷空間的流動，因此也創造了器皿和空間的對話。」闕承慧說。善於在日常發現樂趣的她，也曾因為看到電線杆上掛著充當菸灰缸的生鏽奶粉罐，讓她興起以金屬創造斑駁質地的想法。名為《罐子》的作品，便是反覆以金箔熱貼、刷舊，打造出厚薄不均的表面，再透過將銀染黑的方式，呈現銀器歷經時間淘洗的質地。

具備工業設計背景的闕承慧，不斷在創作中融入設計思維，以創作解決日常使用的問題。例如《咖啡壺》，為考量動態使用中可能出現的不便，並聽取收藏家的分享後，歷經不斷測試而完成的作品。此款壺器的木質把手與金屬瓶身形成有趣的異材質結合，低角度的壺嘴，則是讓使用者能更順手地將壺內液體完全傾倒而出，在貼心地站在使用者角度，賦予生活中更適用的存在。

闕承慧持續在金工創作中看見自己與世界，創作的微觀意趣也吸引著不少藏家支持著她的創作。在闕承慧的手裡，金屬的冷調、剛硬，也因為融會了感性的觀察，多了幾分溫柔、細緻的心思，並闢出豐富的感知空間，成了一物一世界的生活載體。

文字｜TC　

攝影｜ 林家賢

圖片提供｜小盛號金工

臺中大容東街河畔的「治器 doTsuwa」，乍看以為是一頗具生活風格的選店，然而在店舖空間的裡邊，藤編屏風的背後，卻隱藏了兩座大小電窯以及拉坯機，儼然是一座迷你作坊。再往上走，才發現二樓其實是間室內設計公司—這個空間的成分複雜，一如邱俞鳳的雙重身份，除了室內設計的專業，她也是「治器doTsuwa」的藝術總監，跨領域的特質也因此反映在她的創作之中。

難以定義的邱俞鳳，有些人認識她是因為室內設計，而有些人認識是透過她的展覽，她說：「從小物件到大空間都是一種『器』，皆與生活的關係緊密，無論有形或是無形，具體或抽象，都是我想要探討的。」邱俞鳳定義自己的創作核心，治器即是「治理生活之容器」的簡寫，也因此邱俞鳳不給自己設框，任何能夠乘載生活的事物都是她創意狩獵的領土。

以創作者角色切入商空設計

從復興商工廣設科畢業，邱俞鳳轉入室內設計業，與先生林建華共同開業，主持「構築設計」（doT & associates），操刀不少空間與建築案，像是有名的Fine Dining餐廳「Embers」、汲取式酒吧「DraftLand」臺中店、融合公務所與美術館的「工家美術館」等，非制式的設計風格主要來自突破性的技術與材料，這正是邱俞鳳能以創作者角色切入商空設計的關鍵能力。

回顧自己跨界的歷程，其實邱俞鳳最初都是為了解決設計上的問題，譬如有一次接到建設公司的委託，他們在牆壁開錯了洞，希望邱俞鳳可以利用藝術性的手法來修補失誤，使其「錯得很美麗」。

在辦公室的樓梯間，一座完全使用木條與方形金屬扣件組合的書架，正是室內設計與工藝發生關係的最佳證明。「連接木條與木條的鐵件是我們自己開發的，先用3D列印出等比例的模型，經過組裝測試與修正，最後繪成設計圖交給工廠量產。」長久以來，邱俞鳳在空間的課題裡練習，結合其他媒材或是技法，試驗室內裝修材料，成了她冶煉創意的高湯。

動手把想法做出來很酷

有別於其他人，邱俞鳳的創作思路緊貼建築，「我會很自然地從基地的環境去想、必須要解決的問題是什麼、哪種藝術品才會符合空間的氛圍，如此做出來的作品才會因為有意義，而不可取代。」

逐漸地，邱俞鳳的創作從依附於空間，逐漸走向鮮明獨立，為客戶的需求量身創作，譬如為療癒品牌「美意好室」設計店舖 LOGO，或是為住戶捏塑代表家徽的陶燒，工藝創作於是成為空間裡獨有的印記。

2019 年臺南煙波大飯店開幕，邱俞鳳在大牆上使用銅金色支架與黑亮釉面手作陶球，點布出《點點遊人歸客來》這件作品，以單元之間的群聚與流動來比喻驛站空間千客萬來。

為了削弱落地窗的強日照問題，她使用古代建築所用的「墨斗」，指掐彈印於透光畫布，創作出具有東方水墨畫神韻的作品《雨過天青見煙嵐》，成為飯店接待櫃檯的詩意背景，也回應了業者從建築發跡的這段故事。

2020 年她為客家文化基金會創作的《躍昇》，以客家油紙傘的折疊收放特性為靈感，使用高知和紙、壓克力顏料、複合媒材打造出互動裝置。2021 年個展《無形無色》，她則使用白瓷土模仿卵石渾然天成的造型，至 2022 年個展《無明》則更近一步試驗纖維與陶瓷或珪藻土的混合。

在型態與材料各異的作品上，可見共同具有柔軟、曲線、有機的元素，彷彿動物或植物的局部結構，使邱俞鳳常被形容為「仿生」。信奉直覺的邱俞鳳喜歡用手直接去捏塑，沒有太多論述，也沒有設計圖。她說：「直接動手把想法做出來，我覺得這是一個很酷的過程。」

成為跨國工藝的媒合者

確實，在剛性的設計之外，邱俞鳳更喜歡用柔軟的陶土來創作。一座為住戶玄關設計的雕塑，她手捏陶土，不時轉換角度與方向，小心控制溼度與乾燥度，避免陶土坍塌，最後完成彷彿海綿生物中空腔體的雕塑，而那輕薄柔軟的波浪觸手之中，彷彿寫了一個「龍」字。她說：「我喜歡欣賞動、植物，從它們身上看見感性的線條。」在講求有序的空間與建築裡，曲線少有珍貴，令邱俞鳳覺得很美，也更加欣賞。

除了自己創作之外，偶爾她也會退回到設計者的角色，成為工藝的媒合者。她與先生另外成立的「構築設計 / 聯合治作 doT & associates」，主要任務便是連結臺日設計與工藝，為原創、協作、選品需求提供服務。在治器線上與門市陳列推出的臺灣時鐘設計品牌EMspec，與他們的緣份也是來自日本，其中商品「Matrix Clock 十二宮格」折井銅染系列，就是與日本工藝品牌 momentum factory Orii（折井）攜手合作，運用獨特的「銅染」技術所製成。治器與折井除了推廣商品經銷之外，也因為藝術品銅染技術合作多年，因此產生更多共鳴。

另外治器也運用 3D 列印技術輔助創作，做為開發商品過程的嘗試，探索傳統工藝與現代技術融合的可能性。

近來，他們為了回應大阪萬博會上，臺灣因為政治因素無法「正名」登場，只能以「玉山科技」的企業名義參與，於是發起「臺日共丸」計畫，在宇野港駅東創庫用可拆卸再利用的木構造打造一座「臺灣自己館」，把臺灣的設計商品帶到日本展出，用民間的力量打開國際文化交流，自成萬博的會外展。

歸納自己一路走來，邱俞鳳認為：「這不完全是藝術、也不全是工藝或是商品，而是所有的混合。」在她的想法裡，未來的設計、工藝、藝術也是共玩的。

文字 / 李佳芳

攝影 / 王士豪

「木頭是死的，但也是最有生命力的創作材料。」指尖輕輕摩挲著一塊木頭邊角料。從父親收藏的陶瓷物件與木製家具，到學院裡嚴謹的工藝設計訓練，再到如今在展覽場域裡受到熾烈注目的骨骼雕塑與器物家具。他在一塊塊木材之間，刨出屬於年輕世代工藝家的語彙，也把自己曾經的脆弱與倔強，一刀一刀刻進作品的肌理中。

視線所及的櫃子裡

27 歲的蔡旻翰低聲說，「我常站在父親收藏的實木木櫃前，用小手指輕撫榫卯縫隙，盯著櫃子裡的每一處手工打造痕跡。」童年時，他被父親的工藝收藏品圍繞，日復一日地與材質對話。這些無心積累的對話，在他體內悄悄播下工藝的種子。

「本來我是打算往平面設計的方向走，但美術老師認為我對光影的捕捉、立體的建構更拿手，鼓勵我往立體藝術創作方向試試看。」就讀普通高中的他沒受過專業美術訓練，靠著自己對畫畫的興趣與鑽研，大學成功考進臺灣藝術大學工藝設計系。「或許，選擇工藝設計一部分也是因為小時候看很多工藝品吧！我也沒想過自己會踏上這條路。」他微笑說。

在工藝設計系，他學會以更清晰的流程拆解創作：定義問題、分析結構、描繪草圖，再與材料妥協。「以木材來說，掌握木材的含水量很重要，還要考量空氣濕度與溫度可能對木材造成的變化，藉此調整刀具角度、預留放置時間。」對蔡旻翰而言，工藝奠定了他創作的基礎，設計則賦予更脈絡化的創作過程。當流程被清楚定義，同時他也找到媒材轉化的方式，他的創作就不再被靈感侷限。

以木為骨，以心為肉

「對我而言，創作是一種語言，用木頭與世界對話。」他的作品橫跨訂製器物與家具，風格看似多元卻一脈相承，不變的是在自然材質與結構邏輯之間，開闢出獨特的當代語彙。

學木工八年，他形容自己從「匠氣十足」的完美主義者，蛻變為懂得取捨的「正常」工藝家。他解釋：「我也曾經喜歡強調自己的作品用了哪些昂貴材料，或是經過多少次的複雜塗裝工法才製作而成，但其實這樣的做法與當代世界是脫節的。現在都用較為簡便的方法居多，雖然相對不耐用，但這就是時代的變遷。而且現在觀者想看到的不再是炫技，他們要的是『感受』。所以我努力讓我的作品能帶給觀者共感。」

要創造共感，就要先把自己攤開，蔡旻翰是這樣想的。他最為人知的「骨骼」創作系列，以全木材打造，卻做出如同真實骨頭的質理。同時調配出金屬質地的漆，在骨骼外上了一層「機械盔甲」。被問到為什麼會有這樣的創作靈感，他看著手中的《冕》作品，輕輕說到：「其實是跟我的骨髓疾病有關。」

他稍微拉下衣服，指著自己脖子上的紅疹：「像是這些紅疹也是因為骨髓疾病造成的。這個病讓我非常容易過敏，還會造成我的身體免疫反應過激，傷口不易癒合。只要太乾燥，我的皮膚就容易龜裂、關節僵硬，高中時特別嚴重，連曬太陽都要避免，因為會讓皮膚變太乾燥，容易裂開。」這段如同生理禁錮的時期，促使他在創作時思考：「我現在好多了，想與過去訣別。那我可以用什麼方式呈現？」於是他以本來就很喜歡的骨骼結構，搭配金屬質感的「盔甲」，象徵被撐起來的自己。

少年工藝家的煩惱

「當小學生都懂得用3D 列印與雷射切割，我所喜歡的手工曲線，會不會很快被大家遺忘？」20 出頭的蔡旻翰，眼見世界的變動，對自己所學產生強烈焦慮感。他露出笑容接著說：「所以我就想，我還年輕，我什麼沒有，時間最多。我就盡我所能創作、辦展覽，讓更多人看到我。因為，我想一直做下去，我想一直傳遞創作的美好。」蔡旻翰以滿腔危機感驅動自己，把展覽當成一場場放聲喊話，讓世人重返那木屑噴濺、粉塵飛揚、噪音貫耳的現場溫度，並在工藝市場中，刻劃屬於新生代的足跡。

除了增加曝光度，他也深知「創作需要資本養分」。就學時期，他就開始販售作品與接案，慢慢積累本錢，因為他有一個明確的目標。「就我觀察，如果畢業後兩三年內沒有持續創作、開工作室，之後就很難走下去了。所以我的目標就是研究所畢業後開工作室，並大量累積作品。」有金融背景的母親還教他做預算分配與效益評估，同時也因為他勤奮的態度，獲得許多前輩的支持。「很感謝工藝圈的前輩們，資助了我一些創作用的器械，對我真的幫助很大。」

「年輕就是籌碼。」在蔡旻翰身上，我們看到這句話的體現。在別人還在摸索之時，他已將每一次展覽看成試煉場，積累經驗與曝光。同時，他也努力培養商業頭腦，把每一個商業作品所耗費的金錢與時間成本估算進去，算出商品的價值。他堅信，藝術家需要商業思維，「畢竟我們也是要吃飯過生活的啊！」在笑聲之中，他闡明了身為年輕工藝家的謀生之道。

舊皮新骨，建構舊物的骨架

經常還是會聽到大家對於木工、木作工藝家的印象是做室內裝潢、雕刻鍾馗與各式佛像。面對如此「集體潛意識」，蔡旻翰立志以「新元素」一一打破。他拆解骨骼結構，挹注機械隱喻，用宗教般的儀式構築創作論述。「我覺得我的創作過程就很像宗教儀式。同一個動作我可能需要做數十次、上百次，這不就像是日復一日的膜拜嗎？」他更認為，當代的工藝家，既需傳承老匠師的技法，更要找到符合當代審美的平衡點，不走說教路線，讓作品在觀者心中自動生成共鳴。

在商業路線方面，他正開發「神獸骨骼」系列，結合石獅與貔貅的傳統意象，以機械關節和金屬質感構築當代護祐符號。此外，蔡旻翰正與陶藝家、金工藝術家攜手，嘗試將木構結合金工與漆彩，期待在跨域素材對話中擦出新的火花。

「做就對了，但別盲目苦做。先問自己為何而做，找到熱情與市場需求的交集，再行動。從興趣到工作，從工作再發現樂趣，那才是真正長久的動力。」在被木材圍繞的工作室中，戴著防護面罩的蔡旻翰，最後如此鼓勵同樣在創作路上剛起步，追尋眼裡那道光的工藝家們。

文字 / 洪孟樊

攝影 / 一J