走進辦公樓大廳，通常理性、嚴謹，時有雕塑、大型藝術裝置迎賓，時間一久，藝術作品也成為企業的門面印象之一。不過在忠泰美術館旁的一棟辦公大樓，大廳內藝術品面眾的形式並非永久而靜態的，而是每年變換、由藝術團隊根據場域訂做——這裡正是忠泰美術館「奧夫塞計畫 Off-Site Project」的展演現場，地標不在美術館或藝廊，而是「忠泰企業」的所在地。

讓「欄桿」上演名為「自由」的舞作

2024「奧夫塞計畫 Off-Site Project」由設計師曾令理與偶然設計合作，以忠泰企業大廳作為發想基地，將現地的「欄杆」作為素材發展出〈當自由盛開成舞〉一作，讓原先制式、生冷的金屬線條，化為自由舞動的動態雕塑，藉此提出一種新的空間詮釋，並反思空間中「限制／自由」的關係。

二維冰冷金屬線條，化為三維動態雕塑

自2016年啟動至今，「奧夫塞計畫 Off-Site Project」每年邀請勇於打破藝術與生活界線的創作者，離開美術館既定的場域創作，於非典型的展演現場，從空間與制度中解放，並透過藝術實踐來詮釋「Off」的定義。今（2024）年參與計劃的曾令理與偶然設計團隊，曾與國立陽明交通大學、大聲光電合作2023倫敦雙年展臺灣館《人人材料行》，更打敗40多個國家拿下當年度「最佳設計獎」。

在忠泰企業大廳挑高明亮、理性、線條分明的制式空間中，曾令理與偶然設計將大廳內作為管制公私領域的界線——「欄杆」，多重複製、向外擴展、翻轉上旋，讓無機的金屬展現如同掙脫束縛般充滿生命力的舞動姿態。

透過〈當自由盛開成舞〉，欄杆原本二維的平面金屬線條，被轉化為高度近6米、寬度近10米的大尺度三維動態雕塑，而欄杆原本的「阻隔」功能，則翻轉為突破空間、物件框架的自由象徵，引領觀者重新思考「空間與自由」、「公私領域劃分」、「管理控制與開放探索」的關係。

本展將於11月17日與「打開台北」共同舉辦活動，邀請曾令理與偶然設計親自導讀作品、分享創作故事，有興趣者請至忠泰美術館官網報名。

跟《臺灣建築的解嚴世代》一起看，體驗更佳

忠泰美術館主辦「奧夫塞計畫 Off-Site Project」至今，已陸續與李明維、徐瑞憲、沃爾夫岡‧巴特斯（Wolfgang Buttres）、高德亮等多位國內外知名藝術家合作；與松山文創園區合辦的《無重力星空—Lab實驗啟動計劃×奧夫塞計畫》，以及與日本建築師隈研吾合作的《場域‧啟發─隈研吾展》也都是計畫之一。

2024年邀請到具備建築背景的曾令理與偶然設計共同創作，將「自由」的概念具象化，探討建築空間與自由的關係，呼應忠泰美術館特展《臺灣建築的解嚴世代》的策展命題——解嚴之於臺灣建築的影響，期待透過兩檔展覽，讓觀眾看見不同世代建築人的視角，如何去探尋人與建築、自由之間的脈絡。

2024 奧夫塞計畫 Off-Site Project《當自由盛開成舞》

展覽日期｜2024年8月31日（六）－2025年8月31日（日）

展覽地點｜忠泰企業大廳（臺北市大安區市民大道三段 178 號）

開放時間｜平日 10:00－17:00，逢國定假日及例假日不開放

參觀資訊｜免費入場

倫敦V&A博物館以義大利傳奇時設計師尚師Elsa Schiaparelli為題的展覽《Schiaparelli: Fashion Becomes Art》近日開展，展覽橫跨1920年代至當代，梳理這位20世紀最具創新性的時尚大師的發展軌跡與深遠影響，展出從品牌創立初期那些顛覆性的作品，到今日創意總監Daniel Roseberry手中持續演進的當代樣貌！

提及傳奇時尚設計師Elsa Schiaparelli，世人總離不開她將時尚推向藝術邊界的顛覆性創作，像是她在1937年代創造的「Shocking Pink」，不只是鮮豔色彩，更是一種對當時社會挑釁，卻又充滿女性力量的色調；而與達利（Salvador Dalí）合作誕生的「龍蝦洋裝」（Lobster dress），則是將超現實主義帶入服裝語言之中，至今依舊是人們津津樂道的大膽創意。

「對我而言，服裝設計不是一種職業，而是一門藝術。」－Elsa Schiaparelli

儘管可可‧香奈兒女士（Coco Chanel）曾以「那位在做衣服的義大利藝術家」來形容Schiaparelli，但她以藝術為靈感的設計，最終反而成了她最具代表性的創作語彙。

從色彩到時尚符號，Elsa Schiaparelli充滿前衛的視野，重新定義了時尚。如今，倫敦V&A博物館(Victoria and Albert Museum）選擇向這位時尚先鋒者致敬，透過藝術與時尚策展團隊的最新研究，呈現Schiaparelli是如何被定位為一位橫跨時尚、藝術與表演領域的創作巨擘。

4大主題窺探大師美學 當時尚成為藝術

《Schiaparelli: Fashion Becomes Art》透過4大主題篇章，超過400件展品，其中包括約100套服裝與50件藝術作品，並涵蓋配件、珠寶、繪畫、攝影、家具、香水與檔案資料等，從多元視角看見Schiaparelli在技藝與創新上的驚人成就。

第一主題「Designing the Modern Wardrobe」

回顧Elsa Schiaparelli的職業歷程，從1927年於巴黎以「Schiaparelli. Pour Le Sport」之名開設首間店鋪開始，至1934年成為現代都市女性的代表性高級訂製設計師。

作為早期代表作，創作於1927年的錯視（trompe l’oeil）蝴蝶結針織衫，可說是象徵Elsa Schiaparelli充滿實驗精神的創作起點。同時，也進一步探討她如何將奇想觀點，拓展至實用日裝系列「Pour la Ville」，像是當時女性少見的褲裝套裝，以及剪裁俐落、有著特殊鈕扣設計的裙裝套裝。

晚裝系列「Pour le Soir」則更具戲劇性與創造力，從閃耀的金色lamé禮服，到飾有馬戲團圖案拼貼的晚宴套裝，皆展現其非凡想像力。

其他像是仿編髮造型的帽子，或飾有條紋與豹紋毛皮的鞋款，都是在當時少見的大膽時尚設計。

第二主題「Creative Constellations」

聚焦Elsa Schiaparelli與藝術之間的深厚連結，透過藝術作品與服裝設計的並置，呈現她與超現實主義藝術家之間的互動關係與創作對話。

當然，最為經典的自然非屬她與達利的時尚藝術交鋒之作。像是1937年創作的「龍蝦洋裝」與受其啟發誕生的《龍蝦電話》（Lobster Telephone），兩者放在一起相互呼應，也形成有趣對比。

同樣是由Schiaparelli與達利共同完成的時尚佳作，1938年的「骨骼洋裝」（Skeleton dress）與「淚痕洋裝」（Tears dress）也亮相展覽。

本展區還包括Elsa Schiaparelli與Jean Cocteau合作的晚裝外套，金線刺繡形成對稱人臉輪廓，然而延伸上身卻又構成一盆盛滿粉色絲綢玫瑰的花瓶圖像。

除了時尚設計，Elsa Schiaparelli亦曾委託藝術家為其廣告與精品店創作作品與設計，而她與藝術界的深厚友誼，也催生出多件展現其多元審美的肖像作品，包括畢卡索（Pablo Picasso）、Man Ray與Cecil Beaton等創作。

另外，展區也聚焦她與Alberto Giacometti、Leonor Fini、Meret Oppenheim、Elsa Triolet以及Jean Schlumberger等人的合作，看見這些跨界創作如何共同形塑藝術遺產。

第三主題「Beyond Paris」

進一步呈現Elsa Schiaparelli如何突破法國高級訂製服的框架，打響自己在時尚圈的名聲。作為一位深諳自我形象經營的設計師，Schiaparelli經常穿著自己的設計出席各類社交場合，在媒體曝光之外，也逐步拓展其全球影響力。

1933年，她於倫敦梅費爾（Mayfair）開設沙龍，奠定其國際地位，並在某種程度上推動了英國超現實主義的發展。展中展出一系列標有「Schiaparelli London」標籤的藝術作品與珍稀服裝，包括一套飾以華麗金色刺繡的酒紅色天鵝絨套裝、為1937年英國國王喬治六世加冕典禮所設計的洋裝與大衣。

在1930年代至1950年代之間，Elsa Schiaparelli的創作觸角也延伸至影視與舞台領域，像是她為電影《一朵豔梨花》（Every Day's a Holiday）女主角Mae West所設計的戲服；或是好萊塢傳奇女伶瑪琳黛德麗（Marlene Dietrich）的經典俐落褲裝，都是出自她手，也在本次展覽中看得到。

第四主題「A Golden Thread」

展覽最終章則回到現代，聚焦創意總監Daniel Roseberry自2019年接掌品牌後的創作實踐。他透過雕塑性輪廓與高級訂製工藝，重新詮釋品牌的超現實主義精神，使 Schiaparelli 再次成為當代藝術家與表演者的絕佳選擇。

像是Dua Lipa於2024年金球獎穿著的現代版骨骼洋裝，還是Ariana Grande在2025年奧斯卡身穿的華麗禮服，皆都體現了品牌在當代文化中歷久不衰的影響力。

《Schiaparelli: Fashion Becomes Art》
地點: The Sainsbury Gallery
日期 : 2026 年 3 ⽉ 28 ⽇—2026 年 11 ⽉ 8 ⽇

資料來源｜V&A

從長居花蓮、對地震的感知記憶出發，台灣藝術家邱承宏用403花蓮大地震的斷垣殘壁，及其他震災後留下的建築遺構為材料，重構了書櫃、螺旋樓梯等生活物件，試圖在崩壞後，以物質材料為媒介、自身經驗為見證，建構一種生活新秩序。這片由災後廢墟重生的風景，現正於台北耿畫廊旗下藝術空間TKG+《柔韌之餘》展覽展出中。

為何以震災遺構為材？

台灣島位處環太平洋火山帶，地震等天災對生活在這座島上的人們並不陌生——從經歷震盪時的不安、面對生死的苦痛，到災後如何面對、感受、記憶那破碎後的日常，是伴隨台灣人成長經歷的個人和集體經驗。《柔韌之餘》主角藝術家——邱承宏，生於花蓮，現也在花蓮居住和工作，對此感受尤為深刻。

考古藝術家的記憶修補術

邱承宏的創作過程，如一場又一場「修補記憶」的歷程。他常以「考古探險」般的姿態，潛入時空縫隙，挖掘那些曾經存在的身影和軌跡，並將這些細膩觀察，透過裝置、雕塑生動地重塑，藉此發展一套獨到的「記憶修補術」。在《柔韌之餘》展覽中，邱承宏從長居花蓮的經驗出發，以地震倒塌建築中回收的鋼筋、磚瓦與混凝土為材料，重構出旋轉樓梯、櫃體結構、燈具等雕塑，這些作品悄然佇立展間，彷彿在災難崩壞後形成一種生活新秩序。

斷垣殘壁重生後的生活場景

展間內，〈失衡的螺旋〉像是一座扭曲的螺旋階梯，其造型取法自然界生命生成與自我複製的基本法則——以0、1、1、2、3、5、8……為節奏的費波那契數列，以及DNA雙螺旋結構。然而在此，螺旋不再穩定向上、循環不息，而是帶著偏斜與裂縫，顯露出斷裂、錯置與再生的痕跡。每一階梯面承載來自不同災難場域的殘片，表面以磨石子封存時間與磨損的痕跡，像是將強烈的地質運動，凝結為一種看似建構、實則失衡的螺旋結構。

而在作品〈夜與靈魂〉中，邱承宏將地震災後遺留的鋼筋與混凝土，轉化為書櫃與書本雕塑，構築出一座承載記憶的微型圖書館。邱承宏提及，這件作品揉合了他在高壓狀態下反覆出現的夢魘，以及2024年403花蓮大地震中倒塌建築所留下的斷垣殘壁。他將扭曲的鋼筋，重構成書櫃的骨架，把碎裂的混凝土、混合水泥重新鑄造成書本的形體，交織創傷、夢境、物質，與工作燈投射出的微光，讓空間迷漫著一股幽謐、近乎潮濕的氣息，彷彿某段被覆於瓦礫之下的時間重新滲出表層。

回到《柔韌之餘》這一題目，邱承宏作品之「柔韌」不只是以人本出發所展現的堅韌，更是關於材料作為一種見證，也關於雕塑作為一種當代紀錄，側寫下了這個時代人類、物質與自然之間依存又緊繃的關係。

回顧更多邱承宏的「記憶修補術」

《柔韌之餘》是一場邱承宏對於災難的「記憶修補」，再回溯他的其他作品，主題更為廣泛。如雕塑作品〈繡燕〉，源自2020年他在花蓮找到一批老舊的水泥動物雕塑，這些斑馬、豹、老虎……出自不知名工匠之手，外表粗糙滑稽，用料和比例缺乏考究，在70年代的台灣蔚為流行，常見於校園或遊樂空間。

邱承宏對這些動物雕塑的缺口、風蝕痕跡等「傷口」進行掃描，並利用3D列印將其放大200倍，做成磨石子雕塑，表面以混凝土、礦物、銅線縫補點綴，讓缺陷再次豐盈，令人工雕塑以「石」的形態回歸自然。在〈繡燕〉當中，邱承宏是穿梭回70年代台灣搬運記憶的時空行者，也是用雕塑重構記憶的工藝家。

雕塑是「經修補後的圓滿」

隨時代演變，雕塑早已不像在古典藝術中，單純作為紀念碑或宗教、英雄史觀的載體，而從「崇高」象徵逐漸轉向對現實處境的回應，開始觸及勞動、性別、族群與記憶等具體而微的生命經驗；媒材也從講求「永恆」的大理石、不鏽鋼等，擴延至工業材料、現成物等，甚至引入聲音和行動。

邱承宏的雕塑也是如此，他不用雕塑重現某種形體、指涉特定事件，並將金屬工具、災難遺跡、吊車等素材融入創作，以作品作為回應時間、空間、身體的媒介，具象化自身抽象意念的視野。對他而言，雕塑是「經由修補後的圓滿」，無論是將缺口與殘片重新修復，或是讓缺口透過藝術的形式獲得美學上的新生——這樣如日本「金繼」工藝中對「碎片與缺失的關懷」，貫穿了邱承宏的創作價值觀。

《柔韌之餘 — 邱承宏個展》

展期 | 2026.03.07－04.25

地點 | TKG+（台北市內湖區瑞光路548巷15號B1）