走進辦公樓大廳，通常理性、嚴謹，時有雕塑、大型藝術裝置迎賓，時間一久，藝術作品也成為企業的門面印象之一。不過在忠泰美術館旁的一棟辦公大樓，大廳內藝術品面眾的形式並非永久而靜態的，而是每年變換、由藝術團隊根據場域訂做——這裡正是忠泰美術館「奧夫塞計畫 Off-Site Project」的展演現場，地標不在美術館或藝廊，而是「忠泰企業」的所在地。

讓「欄桿」上演名為「自由」的舞作

2024「奧夫塞計畫 Off-Site Project」由設計師曾令理與偶然設計合作，以忠泰企業大廳作為發想基地，將現地的「欄杆」作為素材發展出〈當自由盛開成舞〉一作，讓原先制式、生冷的金屬線條，化為自由舞動的動態雕塑，藉此提出一種新的空間詮釋，並反思空間中「限制／自由」的關係。

二維冰冷金屬線條，化為三維動態雕塑

自2016年啟動至今，「奧夫塞計畫 Off-Site Project」每年邀請勇於打破藝術與生活界線的創作者，離開美術館既定的場域創作，於非典型的展演現場，從空間與制度中解放，並透過藝術實踐來詮釋「Off」的定義。今（2024）年參與計劃的曾令理與偶然設計團隊，曾與國立陽明交通大學、大聲光電合作2023倫敦雙年展臺灣館《人人材料行》，更打敗40多個國家拿下當年度「最佳設計獎」。

在忠泰企業大廳挑高明亮、理性、線條分明的制式空間中，曾令理與偶然設計將大廳內作為管制公私領域的界線——「欄杆」，多重複製、向外擴展、翻轉上旋，讓無機的金屬展現如同掙脫束縛般充滿生命力的舞動姿態。

透過〈當自由盛開成舞〉，欄杆原本二維的平面金屬線條，被轉化為高度近6米、寬度近10米的大尺度三維動態雕塑，而欄杆原本的「阻隔」功能，則翻轉為突破空間、物件框架的自由象徵，引領觀者重新思考「空間與自由」、「公私領域劃分」、「管理控制與開放探索」的關係。

本展將於11月17日與「打開台北」共同舉辦活動，邀請曾令理與偶然設計親自導讀作品、分享創作故事，有興趣者請至忠泰美術館官網報名。

跟《臺灣建築的解嚴世代》一起看，體驗更佳

忠泰美術館主辦「奧夫塞計畫 Off-Site Project」至今，已陸續與李明維、徐瑞憲、沃爾夫岡‧巴特斯（Wolfgang Buttres）、高德亮等多位國內外知名藝術家合作；與松山文創園區合辦的《無重力星空—Lab實驗啟動計劃×奧夫塞計畫》，以及與日本建築師隈研吾合作的《場域‧啟發─隈研吾展》也都是計畫之一。

2024年邀請到具備建築背景的曾令理與偶然設計共同創作，將「自由」的概念具象化，探討建築空間與自由的關係，呼應忠泰美術館特展《臺灣建築的解嚴世代》的策展命題——解嚴之於臺灣建築的影響，期待透過兩檔展覽，讓觀眾看見不同世代建築人的視角，如何去探尋人與建築、自由之間的脈絡。

2024 奧夫塞計畫 Off-Site Project《當自由盛開成舞》

展覽日期｜2024年8月31日（六）－2025年8月31日（日）

展覽地點｜忠泰企業大廳（臺北市大安區市民大道三段 178 號）

開放時間｜平日 10:00－17:00，逢國定假日及例假日不開放

參觀資訊｜免費入場

專注羊毛氈創作超過13年，藝術家Oksana Pero擅長融合刺繡、縫紉與羊毛纖維，揉塑出充滿靈性的奇幻生物，並於2019年創立品牌Soulbaubles。而其全球首場個展《The Alchemy of Wool》於2026年4月11日至4月26日在台北one little planet展出，本次展覽完整呈現自2015年至今的26件精選代表作。

作品呈現「正在呼吸」的生命質感

13年前，Oksana Pero告別繁雜的都市生活，選擇在俄羅斯南部一個由森林、丘陵與果園環繞的安靜村莊紮根，自學羊毛氈，並於2019年創立品牌「Soulbaubles」。她將針氈的精確控制、濕氈的隨機塑形，以及縫紉與刺繡的技法融合在一起，讓羊毛呈現出「正在呼吸」的生命質感。創作中，她使用祖母遺留下來的古董布料與絲線，將帶著家族溫度的時光，一針一線縫進每件作品裡。

Oksana不追求強烈的視覺衝擊。她希望這些作品像一種不需要開口說話的陪伴，能讓空間變得更暖、更柔軟。如果你願意靜下來注意它們，它們會「喚醒你心裡某個你早已忘記自己還在等待的東西」。

羊毛是擁有近乎無窮無盡的靈魂的存在

Oksana認為，羊毛不只是材料，而是擁有近乎無窮無盡的靈魂（near-boundless soul）的存在。在她所創造的微觀宇宙中，涵蓋了極其多樣的生物，從大型的森靈、獅、狼、狐、刺蝟、蛾、真菌菇類，到及僅7公分的小熊等，透過她的雙手將柔軟的天然纖維化為森靈，讓牠們在苔蘚與微光構成的寧靜世界中，找到自己的位置。

找回對生活裡細小事物的溫柔

而她形容這次在台北one little planet展出，「Tiny worlds finding their place on a little planet.」像是自己作品的一場溫柔回聲，在凝視作品的過程中，找回對生活裡細小事物的溫柔。

「The kind of presence you don't have to speak to, but somehow makes the room feel warmer, softer, less alone. And perhaps - just perhaps - I hope they awaken something tender in the person who looks at them. A memory of the forest. A forgotten dream. A wish you didn't know you still carried. 」—Oksan

個展精選26件毛氈作品

這次展出精選了Oksana Pero自2015年至今，涵蓋平面的羊毛畫作、立體雕塑與結合LED的複合媒材等，共26件毛氈作品。其中〈The Moth〉系列，在她腦海中構思並等待多年，是收到one little planet邀請後首次創作的全新系列，這些生靈每一隻都在寫實與夢幻之間細細塑形，感覺是活的，卻又像剛從另一個世界飛來。她希望能透過這些溫柔，喚醒觀者心中的童心、遺忘的夢，或是對森林的某段記憶。

還原創作過程中的工作桌面與窗景

值得一提的是，《The Alchemy of Wool》展覽期間還原Oksana創作過程中最重要的工作桌面與窗景，並首次公開展示親自縫製裝幀的手稿書（Sketchbook）。這本手工裝幀的手稿，是Oksana眾多手稿書中最為珍貴的一本，累積至少5年的靈感採集，除了設計草圖、插圖，以及對森林與家鄉山巒的文字隨筆與植物。

推出聯名限定公仔

另外，展覽亮點之一，是one little planet與soulbaubles聯名推出的限定公仔〈The Lion - Vinyl〉。這也是Oksana的第一個軟膠公仔，穿著精緻的手縫針織毛衣，結合其標誌性的特徵：溫柔垂眼，走進更多藏家的生活空間，讓原本屬於纖維的「靈魂」在不同媒介中繼續跳動。

The Alchemy of Wool - Oksana Pero 個展
展期：2026 年 4 月 11 日（六）至 4 月 26 日（日），每週三至週日 13:00-19:00
地點：one little planet｜台北市大安區東豐街 13 號

_{資料提供｜one little planet、文字整理｜Adela Cheng}

位於米蘭的 Prada 基金會（Fondazione Prada）向來是全球藝術愛好者的朝聖之地，即日起至11月9日，由當代最具影響力的藝術家之一 Mona Hatoum，在園區內由舊酒精蒸餾廠改造的儲槽空間，帶來了全新展覽計畫，從懸浮半空的玻璃網、鋪滿地面的紅色世界地圖，到會傾斜顫動的巨型金屬格架，亦是一場關於身體、疆界、秩序與不安的沉浸式展覽。

將工業遺址化為感知劇場

當世界局勢持續震盪，藝術是否還能提供一種重新理解現實的方法？

在米蘭Prada基金會的Mona Hatoum個展《Over, Under and In Between》中，答案似乎是一場必須以身體經過、以感官承受的空間提問。這項為Cisterna空間量身構思的場域特定計畫，透過裝置作品，圍繞「網」、「地圖」與「格網」三個核心意象展開，回應的是我們這個時代的動盪，以及人類存在本身的脆弱。

Cisterna空間前身是蒸餾廠儲槽所在的工業建築，帶有鮮明的垂直尺度與粗獷結構。Hatoum並未把它視為中性的展示場地，而是將三個展間轉化為感知逐步推進的場域，觀者在穿越作品的過程中，被一步步帶進不穩、壓迫、懸置與失衡的心理狀態。這也是Hatoum近年創作中始終鮮明的特質，她擅長把極簡而克制的形式，轉化為帶有危險感與身體壓力的存在。

1952年生於貝魯特、出身巴勒斯坦家庭的Mona Hatoum，長期以身體、位移、邊界、監控與權力結構等主題聞名。她的作品總帶著一種少見的張力，看似極簡，實際上卻從不只是形式問題，而是關於人如何被世界規訓、包覆、切分與觀看。

庇護與束縛，從「網」開始

展覽的第一個空間，由新作《Web》揭開序幕。這件作品以手工吹製的透明玻璃球與金屬線組成一張高懸半空的巨大網狀結構，像蜘蛛網，也像某種脆弱卻難以逃離的宇宙圖景。對Hatoum而言，「網」從來不只是單一象徵，它既可能是壓迫、困陷與束縛的羅網，也可能暗示庇護、親密與彼此相連的關係。正因如此，這件作品最迷人的地方，不在於材料的精巧，而在於它讓人同時感受到兩種相反的情緒，一方面被其透明、輕盈與微光吸引，另一方面又不自覺地意識到，自己正站在一種可能逐步收緊的結構之下。

由三萬顆紅色玻璃球構成、隨時可能失衡的世界地圖

中央展間中的《Map (red)》則把視角拉向全球尺度。作品由超過三萬顆半透明紅色玻璃球鋪陳於地面，形成一幅僅保留陸塊輪廓的世界地圖。沒有清楚的國界，也沒有固定的基底，每一顆玻璃球都處在可被擾動的位置上，使整件作品呈現出一種鬆動、危險、隨時可能失衡的狀態。

Hatoum選擇以Gall-Peters投影製作這幅地圖，透露其觀看立場。這幅作品不只是對世界的描繪，也是一個關於權力如何塑造世界認知的提醒。當地圖不再是穩固的知識圖像，而是由無數脆弱的玻璃球組成時，觀者面對的便不只是地理概念，而是整個世界秩序本身的可變與不安。

如呼吸的建築，也像顫動的身體

第三個空間中的《all of a quiver》，則可說是整場展覽最具身體感的一刻。這件大型動態裝置由九層開放式立方結構堆疊而成，像建築鷹架，也像一副被抽空外殼的骨架。它在機械裝置驅動下緩慢傾斜、下沉、顫動，再重新站回直立狀態。整個過程並不劇烈，卻讓人清楚感受到所謂的穩定，其實只是一種暫時維持的平衡。

這件作品也凸顯Hatoum一貫的方法，她擷取立方、格網、模組與重複等極簡語彙，卻不讓它停留在理性而抽象的層次，而是讓結構本身帶上近乎疲憊、搖晃、脆弱的人體感。觀看它時，彷彿不是在看一件雕塑，而是在看一種時代狀態的縮影。

世界不曾穩固，我們都活在某種不安中？

為了讓觀者能更深入了解作品背後的脈絡，Prada 基金會同步出版了《Quaderni》系列專書，邀請地理學者、建築師與心理學家共同撰文，從多元視角剖析 Hatoum 的創作世界 。

在 Mona Hatoum 的視角下，世界不再是堅實、可控的，而是一個充滿動態變數的感官空間。《Over, Under and In Between》所提示的，也許不是如何找到穩定，而是如何承認，人始終活在上方、下方，以及所有尚未被命名的中間地帶。

Mona Hatoum《Over, Under and In Between》
地點：Fondazione Prada, Milan, Cisterna
展期：即日起至11月9日