欄桿當首席，上演名為自由的舞作！忠泰美術館2024奧夫塞計畫《當自由盛開成舞》動態雕塑展出中

走進辦公樓大廳，通常理性、嚴謹，時有雕塑、大型藝術裝置迎賓，時間一久，藝術作品也成為企業的門面印象之一。不過在忠泰美術館旁的一棟辦公大樓，大廳內藝術品面眾的形式並非永久而靜態的，而是每年變換、由藝術團隊根據場域訂做——這裡正是忠泰美術館「奧夫塞計畫 Off-Site Project」的展演現場，地標不在美術館或藝廊，而是「忠泰企業」的所在地。

讓「欄桿」上演名為「自由」的舞作

2024「奧夫塞計畫 Off-Site Project」由設計師曾令理與偶然設計合作，以忠泰企業大廳作為發想基地，將現地的「欄杆」作為素材發展出〈當自由盛開成舞〉一作，讓原先制式、生冷的金屬線條，化為自由舞動的動態雕塑，藉此提出一種新的空間詮釋，並反思空間中「限制／自由」的關係。

二維冰冷金屬線條，化為三維動態雕塑

自2016年啟動至今，「奧夫塞計畫 Off-Site Project」每年邀請勇於打破藝術與生活界線的創作者，離開美術館既定的場域創作，於非典型的展演現場，從空間與制度中解放，並透過藝術實踐來詮釋「Off」的定義。今（2024）年參與計劃的曾令理與偶然設計團隊，曾與國立陽明交通大學、大聲光電合作2023倫敦雙年展臺灣館《人人材料行》，更打敗40多個國家拿下當年度「最佳設計獎」。

在忠泰企業大廳挑高明亮、理性、線條分明的制式空間中，曾令理與偶然設計將大廳內作為管制公私領域的界線——「欄杆」，多重複製、向外擴展、翻轉上旋，讓無機的金屬展現如同掙脫束縛般充滿生命力的舞動姿態。

透過〈當自由盛開成舞〉，欄杆原本二維的平面金屬線條，被轉化為高度近6米、寬度近10米的大尺度三維動態雕塑，而欄杆原本的「阻隔」功能，則翻轉為突破空間、物件框架的自由象徵，引領觀者重新思考「空間與自由」、「公私領域劃分」、「管理控制與開放探索」的關係。

本展將於11月17日與「打開台北」共同舉辦活動，邀請曾令理與偶然設計親自導讀作品、分享創作故事，有興趣者請至忠泰美術館官網報名。

跟《臺灣建築的解嚴世代》一起看，體驗更佳

忠泰美術館主辦「奧夫塞計畫 Off-Site Project」至今，已陸續與李明維、徐瑞憲、沃爾夫岡‧巴特斯（Wolfgang Buttres）、高德亮等多位國內外知名藝術家合作；與松山文創園區合辦的《無重力星空—Lab實驗啟動計劃×奧夫塞計畫》，以及與日本建築師隈研吾合作的《場域‧啟發─隈研吾展》也都是計畫之一。

2024年邀請到具備建築背景的曾令理與偶然設計共同創作，將「自由」的概念具象化，探討建築空間與自由的關係，呼應忠泰美術館特展《臺灣建築的解嚴世代》的策展命題——解嚴之於臺灣建築的影響，期待透過兩檔展覽，讓觀眾看見不同世代建築人的視角，如何去探尋人與建築、自由之間的脈絡。

2024 奧夫塞計畫 Off-Site Project《當自由盛開成舞》

展覽日期｜2024年8月31日（六）－2025年8月31日（日）

展覽地點｜忠泰企業大廳（臺北市大安區市民大道三段 178 號）

開放時間｜平日 10:00－17:00，逢國定假日及例假日不開放

參觀資訊｜免費入場

以塗鴉與街頭藝術為主角，agnès b.於臺南市美術館呈獻《agnès b. on aime le graff !! 我們愛塗鴉藝術特展》。展覽由品牌創辦人Agnès女士親自策劃，集結她40多年來持續關注、收藏的街頭藝術作品，亦穿插一系列與塗鴉創作者合作的時裝，展現塗鴉不羈線條與濃烈色彩中湧動的街頭能量。

Agnès女士與街頭藝術的不解之緣

在你眼裡，塗鴉是蠻橫闖進城景的入侵者，還是豐富街道樣貌的藝術創作？關於此，我們這一代最具代表性的時尚品牌經營者之一Agnès Troublé這麼說：「我所珍視並不斷重申的是，塗鴉不是污染。相反，它是一門豐富的藝術，它美化了生活，也美化了城市。」

Agnès女士身兼agnès b.創辦人和服裝設計師，穿梭於時尚與藝術領域，收藏、贊助也創作藝術。1975年，她在巴黎中央市場選中一間肉鋪，將其改造為agnès b.旗下第一間服裝店，那時，她便將品牌空間打造為時尚、音樂與塗鴉自由交會的創意場域。

1980年代初期，街頭藝術正於法國街頭萌芽，她看見塗鴉文化蘊藏的創作能量及時代精神，40多年來不僅持續關注、亦收藏和贊助不少街頭藝術家的作品，透過實際行動支持創作者。

匯集塗鴉大師真跡

此次Agnès女士親自策劃《agnès b. on aime le graff !! 我們愛塗鴉藝術特展》，她從自己從1984年起累積的5,000多件藝術藏品中，精選33件街頭藝術真跡，其中包含23組當代代表性藝術家之作，如Futura 2000、Katre、JonOne、Jim Joe等。

展品共同述說著20世紀末的城市文化發展軌跡，也映照出街頭藝術突破既有界線，從街頭走向當代藝術及時尚領域，成為當代重要藝文表現形式的過程。

展覽以多元媒材呈現塗鴉藝術的豐富樣貌。其中，來自巴黎Molitor游泳池的3扇舊門扉，原為Agnès女士於游泳池拆除前特別保存的歷史物件，後邀請Philippe Baudelocque、Futura 2000、Katre於其上創作，讓藝術、歷史與時尚交織共存。

另一重點作品為Futura 2000的大型自畫像《Self-Portrait》（1985），這件Agnès女士私心最喜愛的收藏之一，展現了這位傳奇塗鴉大師精準的塗鴉噴漆技巧，及充滿流動感的抽象表現風格。

當思想躍於紙上：藝術期刊《反諷點報》特別展出

展場同步展出agnès b.專屬藝術期刊《反諷點報（Point d’Ironie）》，其名稱源自19世紀象徵諷刺與獨立思辨的標點符號。這份刊物由Agnès女士與藝術家Christian Boltanski及Hans Ulrich Obrist共同發起，以紙本作為藝術表現媒介，每期皆邀請不同藝術家自由創作，讓刊物本身成為一件獨一無二的藝術作品。其中一期由Agnès女士蒐集來自羅馬、威尼斯、倫敦、香港及東京等城市的塗鴉影像，並親自進行排版設計，為此次展品之一。

街頭藝術融入時裝設計語彙

身兼服裝設計師、藝術藏家身份，Agnès女士亦藉由與塗鴉藝術家合作，將街頭創作與攝影影像轉化為服裝語彙。本展帶來agnès b.與街頭藝術家合作的37件時裝作品，含括15件經典Photoprints服裝和22件藝術家T-shirt。藉此，觀眾將能看見藝術不只存在於畫框內、展牆上，也能是穿梭城市中的「行走藝術品」。

展場限定！塗鴉藝術家KRINK創作T-shirt

agnès b.也特別攜手街頭藝術家Craig Costello（KRINK，KR）推出展場限定T-shirt。以噴濺與潑灑筆觸聞名的KR，創作橫跨雕塑、攝影、設計和繪畫，並以獨家研發的KRINK墨水聞名於街頭藝術界；他鮮明的視覺語彙和實驗精神，為塗鴉創作帶來獨樹一幟的美學表現。

此次展覽限定Tee正面呈現藝術家代表作，背面則集結本次展覽的亞洲巡迴站點——東京PARCO MUSEUM、臺南市美術館——的標誌，將街頭藝術精神延伸至日常穿搭。

台灣藝術家現場創作展演同步展開

延續Agnès女士「藝術共享」的理念，臺南市美術館同步策劃「跨時空對話：從巴黎街頭到府城巷弄」現場創作展演計畫，邀請台灣塗鴉與街頭藝術家CREEPY MOUSE、黑雞先生Mr.OGAY、陳云、蔡濰任等人進駐創作，串連1980年代巴黎塗鴉文化與台灣當代在地視角，開啟一場跨越時空與地域的藝術對話。

《agnès b. on aime le graff !! 我們愛塗鴉藝術特展》

展期｜2026.06.25－09.20

地點｜臺南市美術館1館 J展覽室

6月起在倫敦 Tate Modern（泰特現代美術館）展出的《Frida: The Making of an Icon》（芙烈達卡蘿：偶像的誕生），從逾百件她與後輩藝術家的作品，回顧芙烈達的創作歷程，梳理其如何成為至今仍深刻影響全球文化的時代 Icon。

提起芙烈達・卡蘿（Frida Kahlo），人們或許還未聽過她的故事，卻能一眼認得她筆下那些濃密連眉，身穿墨西哥傳統服飾與鮮艷花冠，唯妙唯肖的自畫像。即使未曾走進美術館，也可能在咖啡館牆面、帆布袋、文創設計，甚至城市街頭的塗鴉壁畫中與她相遇。如今，芙烈達早已超越藝術家的身份，成為全球流行文化中最具辨識度的女性形象之一。

從生命創傷，到創作語言

1907 年出生於墨西哥的芙烈達，18 歲時因一場嚴重車禍改變了人生。長達數月的臥床休養，讓她開始在病床上作畫，也開啟往後以自身經驗為核心的創作道路。她曾說：「我畫自畫像，是因為我經常獨自一人；我是最了解自己的人。(“I paint myself because I am so often alone and because I am the subject I know best.” ——Frida Kahlo)」

身體的疼痛，流產的傷痛，與壁畫家迪亞哥・里維拉（Diego Rivera）複雜的婚姻，以及對墨西哥民族文化與政治信念的認同，都成為她作品中反覆出現的主題。

《兩個芙烈達》呈現兩個並肩而坐的自己，一位穿著歐洲白色洋裝，一位身披墨西哥傳統服飾，兩顆心臟以血管相連，映照她在文化認同與情感之間的拉扯；《破碎的圓柱》則將自己的身體化作龜裂的大地，一根殘破石柱支撐著軀幹，毫不掩飾長年病痛帶來的折磨。芙烈達並未美化苦難，而是將生命經驗轉化為強烈而坦率的視覺語言。

Tate Modern：觀看藝術家，也觀看「Icon」的誕生

《Frida: The Making of an Icon》展覽由 Tate Modern 與休士頓美術館（Museum of Fine Arts, Houston）共同策劃，展出超過30件作品和其珍視的服飾、珠寶、照片和紀念物品，從芙烈達如何透過繪畫和建構自我形象，呈現她對於墨西哥文化認同、女性意識、酷兒身份與殘障經驗的回應。

展出作品包括《身穿天鵝絨連身裙的自畫像》（1926）、《鬆散頭髮的自畫像》（1938）等代表作，同時，展覽也透過迪亞哥・里維拉（Diego Rivera）、瑪麗亞・伊斯奎耶多（María Izquierdo）等「墨西哥文藝復興」藝術家的作品，闡明塑造其創作脈絡的藝術與思想交流。

展覽也將芙烈達與琪琪・史密斯（Kiki Smith）、朱迪・芝加哥（Judy Smith）、森村泰昌（Yasumasa Morimura）等藝術家的作品並置，旨在致敬芙烈達對於墨西哥、美洲及歐洲各地女性藝術家的深遠影響，以及呈現當代藝術家如何借用她的形象，探討種族、性別、性取向、殘障等議題。

當一位藝術家成為商品

隨著愈來愈多涵蓋了芙烈達的藝術創作個人特質的商業化物品出現，「芙烈達熱」（Fridamania）成為近年藝術界持續討論的現象。展覽也以此為壓軸，匯集了逾200件出自同時代藝術家及受其啟發的後輩藝術家之手的作品和商品，探究「粉絲文化」這一引人入勝的現象，以此致敬並頌揚她所產生的深遠影響。

展物包括T恤、芭比娃娃、龍舌蘭酒、香水等各式商品；1983 年出版、後來被譯為25種以上語言的傳記《芙烈達：芙烈達・卡蘿傳》（Frida: A Biography of Frida Kahlo），也進一步推動她走入大眾文化。

芙烈達曾批判資本主義，但今日，她的形象卻成為全球授權商品的重要 IP。此展覽也邀請觀眾重新思考：當一位藝術家成為全球文化符號，她的生命故事是否也可能在一次次複製與再生中，被重新理解，甚至逐漸被簡化？

從美術館延伸至倫敦街頭

走出 Tate Modern，芙烈達的身影並未消失。六幅由新銳藝術家創作的大型公共壁畫近期在班克賽德（Bankside）一帶亮相。作品形式多樣，重新詮釋了她堅毅而自由的精神，而她所象徵的女性力量、身體自主、文化認同與反叛精神，至今也持續啟發世界各地的藝術家。

《Frida: The Making of an Icon》

時間：即日起至2027年1月3日

地點：Tate Modern, Bankside, London, Greater London, SE1 9TG 

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資料來源｜Tate Modern