蒂妲・史雲頓來台對談回顧:文化源自於我們身上,它存在於每個人心中

蒂妲・史雲頓來台對談回顧:文化源自於我們身上,它存在於每個人心中

由香奈兒主辦的文化對談,邀請品牌藝術暨文化大使蒂妲・史雲頓(Tilda Swinton)與台灣新生代女性導演阮鳳儀、台灣電影作曲家王希文進行對談,並由英國曼特斯特「國際工房」(Aviva Studios)創意總監劉祺豐擔任主持人,藉由與年輕創作者、新生代藝術家交流,一同探索當代藝術與表演藝術的未來可能性。

致力於支持表演藝術的香奈兒,2023年底與臺北表演藝術中心(北藝中心)、法國國家舞蹈中心合作的「Camping Asia 2023」,實踐跨世代、跨文化、跨領域「Open for All」的理念;2024年6月與北藝中心共同舉辦的「Dance Talk」,則邀請到台灣舞蹈家與年輕世代分享舞蹈創作旅程,11月也將攜手衛武營國家藝術文化中心,帶來一場跨世代的舞蹈對話。

香奈兒於8月27日邀請品牌藝術暨文化大使蒂妲・史雲頓,與臺灣新生代女性導演阮鳳儀、知名臺灣音樂劇創作者及電影作曲家王希文進行對談,並由英國曼特斯特「國際工房」(Aviva Studios)創意總監劉祺豐主持。(圖片提供:香奈兒)
香奈兒於8月27日邀請品牌藝術暨文化大使蒂妲・史雲頓,與臺灣新生代女性導演阮鳳儀、知名臺灣音樂劇創作者及電影作曲家王希文進行對談,並由英國曼特斯特「國際工房」(Aviva Studios)創意總監劉祺豐主持。(圖片提供:香奈兒)

而這場於8月27日登場的深度座談,講者們從自身的經歷出發,談身份認同、談文化差異也談藝術創作,同時鼓勵年輕世代的創作者尋找自我、持續創作。講座上,蒂妲・史雲頓提到,這次造訪台灣的期間,她看到這裡的藝術家社群對藝術的養分深信不疑,並相信藝術擁有涵養文化的能力,且讓她印象深刻的是,在地觀眾不將藝術視為一種奢侈,而是文化與社會中必要的一部分。

而身為第三文化小孩(Third Culture Kid)、在台灣與美國之間成長的導演阮鳳儀分享,「我經歷了許多文化衝擊與逆文化衝擊,我感覺自己既是半個局內人,也是半個局外人,但也正是這種獨特的視角,讓我想成為一位創作者。」在美國時,她將自己定位為亞裔美國人,卻也經常覺得這個身份一直在轉變,「我意識到這是有流動性的,我不應該讓它來定義我,它只是一部分的我。」

阮鳳儀談文化差異:「我們不應被文化差異定義。相反地,我們能藉由文化碰撞創造出獨特觀點。做為藝術家,我們必須擁抱未知,願意接受它、輕鬆面對它,並試著了解它。」(圖片提供:香奈兒)
阮鳳儀談文化差異:「我們不應被文化差異定義。相反地,我們能藉由文化碰撞創造出獨特觀點。做為藝術家,我們必須擁抱未知,願意接受它、輕鬆面對它,並試著了解它。」(圖片提供:香奈兒)

談及文化衝擊,王希文表示,「我在紐約讀碩士時,電影配樂作曲學生會和學生導演合作,但我發現來找我的都是亞洲導演,沒有美國或歐洲的導演。所以我不斷反問自己,為什麼會這樣?我也才理解到,文化符號或成長背景很重要。因為電影配樂不只是寫出優美的音樂或輕鬆的曲調,而是關乎於如何用配樂講出導演的故事;音樂本身就像是電影裡的一個角色,我們必須去感受電影、運用音樂來表達。我開始了解到,我是誰、我來自哪裡,對我作為一位電影作曲家是非常重要的。」

王希文談身分認同:「我們常常因自我身分認同而掙扎。其實我們需要探索自我,探索我們對自身的創意工作和其源頭有何感受。能對世界抱持開放心態、全心擁抱新契機並全力以赴,是絕對必要的。我相信過去的經驗形塑了我的創作,我也意識到文化象徵及我們的成長背景,在我們如何與世界連結這件事情上,扮演了重要角色。」(圖片提供:香奈兒)
王希文談身分認同:「我們常常因自我身分認同而掙扎。其實我們需要探索自我,探索我們對自身的創意工作和其源頭有何感受。能對世界抱持開放心態、全心擁抱新契機並全力以赴,是絕對必要的。我相信過去的經驗形塑了我的創作,我也意識到文化象徵及我們的成長背景,在我們如何與世界連結這件事情上,扮演了重要角色。」(圖片提供:香奈兒)

聽完兩位的分享,蒂妲・史雲頓說道,「我們都經歷過尋找身份、在困惑中找到某種平衡的那種感覺。我是一位蘇格蘭人,早期的某份資料卻稱呼我為英國人,我真的非常在意。你們知道我在說什麼,因為我相信你們也有類似的經驗。很少有人沒有過這種經歷,不過,有些人假裝不知道這種感受、他們假裝自己非常明確,彷彿我們才是『怪咖』;而我最近也領悟到,我們其實並不是少數,我們這些所謂的『怪咖』才是大多數。」

「我和香奈兒合作超過10年了,有幸能因此走訪世界各地、參與這項藝術與文化計畫,並與這些年輕藝術家與新銳藝術家對話。有些是學生,有些是以一本書、一部電影、一個展覽而取得非凡成就的人們,而有時,他們會面臨『定義自我』的壓力,這種壓力真的會使你陷入低谷、感到非常徬徨困惑。我知道很多人那一刻就停下來了,因為他們當初滿懷熱情踏入藝術創作,周圍有各式支持及啟發他們的人們,但當這一刻來臨時,他們感覺必須變成一個『品牌』,開始要與過往的群體有所隔閡。」她接續說道,自80年代中期以來,她一直以集體合作的方式工作,而這是行得通的,我們並不需要去切斷這些連繫。

蒂妲・史雲頓談藝術創作:「藝術創作源自於欲望、興趣和好奇心。而正是冒險精神推動我持續創造藝術。大致上來說,我的藝術靈感來自於『連結』,也就是與坦率做自己的人之間的連結。」(圖片提供:香奈兒)
蒂妲・史雲頓談藝術創作:「藝術創作源自於欲望、興趣和好奇心。而正是冒險精神推動我持續創造藝術。大致上來說,我的藝術靈感來自於『連結』,也就是與坦率做自己的人之間的連結。」(圖片提供:香奈兒)

而因為《美國女孩》這部電影相遇的阮鳳儀與王希文,在回顧過往的經歷時,發現彼此有著相似的背景,他們討論了生活的掙扎,以及身為藝術家、創作者如何不斷進步?阮鳳儀說,「雖然我們可能無法解決彼此的焦慮,但知道我們都有這樣的感受就好多了,因為這讓你明白,這是過程的一部分,等待是很重要的。」王希文也提到,「如果你有一群朋友,既欣賞你的作品,又不會只對你的作品說好話,還會讓你知道哪些地方需要改進,這樣的支持是非常有幫助的。現今每個人都面臨不同的挑戰,多與品味相似的朋友分享經驗、聆聽其他藝術家的不同觀點,我認為這很有幫助。」

蒂妲・史雲頓也分享了她的看法,「我真的非常喜愛《美國女孩》,它充滿了啟發性,真實而自然,這也是為什麼這部作品引起這麼多共鳴。我們希望藝術家能帶來一些新東西,因為這也會在觀眾心中激發出新感受,而當我們身為藝術家感到安心時,才能做到這一點,尤其是跟老朋友合作時;雖然他們不一定喜歡你的作品,但他們足夠了解你,並且始終在那裡支持你,你不需要刻意去塑造出一個不同的自己。我認為這非常重要,因為這樣才能專注於創作過程。」

香奈兒品牌舉辦文化對談,邀請品牌藝術暨文化大使蒂妲・史雲頓與在地創作者阮鳳儀、王希文及劉祺豐對談。(圖片提供:香奈兒)
香奈兒品牌舉辦文化對談,邀請品牌藝術暨文化大使蒂妲・史雲頓與在地創作者阮鳳儀、王希文及劉祺豐對談。(圖片提供:香奈兒)

最後,被問到如何看待傳統訓練時,蒂妲・史雲頓回答,她不清楚所謂的傳統訓練是什麼樣子,但她知道有些人歷經傳統訓練後,感覺自己的靈魂被抑制了,將自己變成某種容易被接受的模樣;而任何教條式的傳統訓練,都是不適合的。她說,「文化源自於我們身上,不在他方;文化並非來自他人所給予的訓練,文化存在於我們每個人的心中。而它取決於我們如何找到自己的路,無論那條路是什麼樣子。也許有些人透過傳統訓練變得更加成熟放鬆、獲得技能。但過去40年,我在街頭、片場、朋友身邊學習技能,我沒有投入太多在技法上,否則很可能在傳統訓練下長成不同的我。」

蒂妲・史雲頓以她1985年拍攝的第一部電影為例,當時沒有人像她一樣,大家對這樣的人感到困惑,但只有德瑞克‧賈曼(Derek Jarman)說要把這個人放到大銀幕。「現在,有些人不再化妝、甚至剪短頭髮。我很幸運被肯定、獲得自信,但我認為真正關鍵的是,你能保持真實的自我嗎?比如當你的創作被要求修改,或被要求做一些違背你本性的事時,身為藝術家,那一刻你需要說『不,這太超過了』如果你不能保有真實的自己,那麼成為藝術家的意義又在哪裡?這個世界需要的是完整的你,充實、得到滋養、感到安全、放鬆自在的你。」

蒂妲・史雲頓為香奈兒品牌藝術暨文化大使(圖片提供:香奈兒)
蒂妲・史雲頓為香奈兒品牌藝術暨文化大使(圖片提供:香奈兒)

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專訪插畫家陳姝里:玩泥弄土,捏出一顆自由的心

(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

「對我而言,創作不會總是有很強烈的意圖。」一開口,陳姝里如此輕描淡寫,卻正好道出她在藝術創作之路上「自然而然」轉向陶藝的關鍵。過去十餘年,她穿梭在插畫與平面設計之間,也因此在插畫界中闖出一番成績。只是,日復一日,面對形形色色的客戶需求,她漸漸無法沉浸在「純創作」的心流之中。「會去捏陶,就像是一種自然轉換的過程,因為當時的我,很需要自己的空間,不僅是實體的空間,心理也是……」

創作的起點

日光穿過半掀的調光簾透進屋內,落在工作桌上散落的色紙碎片。這些看似「無用」的東西,偶然被陳姝里收了起來,並衍生出她的創作系列:《拾獲物》(found object)。

「這些色紙碎片是剪紙過程中剩餘的材料,本來應該要被丟進垃圾桶的,但我覺得這些造型不一的圖形,其實更吸引我。於是我就把喜歡的碎片變成新的創作素材,拼貼出《組合》這系列作品。」

陳姝里剪紙剩餘的色紙碎片,衍生出她後續一連串的《拾獲物》創作系列。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里剪紙剩餘的色紙碎片,衍生出她後續一連串的《拾獲物》創作系列。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

偶然出現的碎紙片,意外帶給陳姝里更純粹、單純的創造樂趣。平時面對繁雜的平面設計與插畫工作,容易使她陷入過度的計畫與目的性。然而在這些碎紙片面前,心思卻能回到最初的空白。「這些剪紙碎片構成的創作,我叫它們『小雕塑』。某一天,我突然有個想法,如果把這些平面的紙片,變成立體的作品,可以怎麼呈現?」

可以說是記憶使然,陳姝里立刻想到一種既熟悉又陌生的創作手法:陶作。原來,陳姝里的舅舅是陶藝家,小時候陳姝里在過年時會去舅舅的工作室玩陶。大學也修過一學年的陶藝課,所以捏陶對陳姝里來說並不陌生。

剩餘的色紙碎塊,被陳姝里視為寶貝,她著迷這些色紙的造型,甚至大量蒐集再將其拼貼成為一件作品。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
剩餘的色紙碎塊,被陳姝里視為寶貝,她著迷這些色紙的造型,甚至大量蒐集再將其拼貼成為一件作品。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

捏陶,也是在捏塑自己的心

捏陶看似閒適,但她苦笑說自己其實沒什麼時間可以閒下來,大部分時間被工作填得密不透風。後來有了小孩,時間又被分割得零零碎碎。「以前我可以每天工作十個小時,但自從女兒出生,人生又多了一種角色和責任。生活一直處在停不下來,不斷忙碌、擔心的狀態。」

漸漸地,她感覺快被外界的人事物塞滿,內心沒有了自己的位置⋯⋯「我喜歡創作,但成為媽媽之後,時間變得很破碎,加上疫情嚴重的那年,我24小時育兒,一天也許只有30分鐘的空檔。但我還是想創作,我需要創作。我內心知道,若再不撥一點時間給自己,我會失控。」

在這個掙扎的時刻,陳姝里接觸到陶藝,摸到陶土的那一刻,她感到一股似曾相識的感覺。「我以為自己已經忘了,但觸覺帶我回到小時候,在家門口玩泥巴,把泥土捏成球。手中握著泥球,我好滿足。而捏陶的時候,我又感受到那種純粹的快樂。」

開始創作陶藝後,陳姝里就想要將《拾獲物》中的平面造型化為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
開始創作陶藝後,陳姝里就想要將《拾獲物》中的平面造型化為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

放下執念,享受不可控

對陳姝里而言,不論是紙片創作、插畫,或是後來的雕塑、捏陶,本質都相通。她喜歡組合與拼貼,就像剪紙的碎片可以重新拼出新的造型;陶土也是如此,需要一塊一塊地塑造、連結,再進窯燒製。

然而,創作不總是順利。偶爾作品會在燒製過程中出現意想不到的變化,或是不如預期。但她並不懊惱,反而樂於接受這種「不可控的成果」。「把錯誤留給媒材」是她打破完美、走向自由的一步。

一邊說,一邊拿出一樣作品。陳姝里試著把那個作品立起來,但隨即就倒下去:「這是一個立不起來的作品,我取名為《水平》。它也是我把剪紙碎片立體化的成果,本來想把陶土實心的部分挖除,讓作品平衡站起,沒想到作品還是無法站立。由垂直站立的狀態變成只能水平擺放。似乎是要我放下執念,接受它最後的狀態。」

陳姝里在原有的工作室裡,再整理出一個專屬創作陶藝的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里在原有的工作室裡,再整理出一個專屬創作陶藝的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

她笑笑地繼續說:「所以這是一個失敗的作品嗎?我不這麼認為。或許對有些人來說,這是失敗品。但我卻因此看到,它有其他呈現方式。不只《水平》,我也有其他作品燒完後乍看不喜歡,但時間一久卻慢慢能夠欣賞它美的地方。」

陳姝里在大眾認知的「失敗」與「錯誤」中找到了另一種未曾想像的美。特別是當陶藝作品最後出窯時,會帶來無預期的驚喜或驚訝。她脈脈望著層架上的陶盤說道:「我好像也能更坦然面對生活中的不可控了呢!」

陳姝里熱愛作陶時的快樂,特別是捏塑作品造型時,她會想像自己走進作品,進入一個很純粹的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里熱愛作陶時的快樂,特別是捏塑作品造型時,她會想像自己走進作品,進入一個很純粹的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

文字 / 洪孟樊

攝影 / 林家賢

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一次收集奧拉弗.埃利亞松Olafur Eliasson私藏歌單、書單10+

一次收集奧拉弗.埃利亞松Olafur Eliasson私藏靈感歌單、書單10+

Olafur Eliasson熱愛音樂。他認為音樂如同鏡子一樣映照出他的心情,承接並映照出他日常中忽視、未被滿足的情緒與需求。他也持續進修、閱讀,避免自己陷入知識的盲區——他永遠好奇還有什麼自己不知道的事物。在這裡,Olafur親身分享他私藏的歌單與書單。

➤ 延伸閱讀:深度專訪藝術家奧拉弗.埃利亞松Olafur Eliasson:世界沒有理所當然,唯有展開你的好奇心

Olafur歌單4+1:承接你的心緒

 

❶ 《In Waves》

Jamie xx|2024

睽違9年,相較前張個人專輯的繽紛,這英國電音鬼才交出的作品更顯憂鬱複雜,卻眼望舞池的純真快樂。

 

❷ 《Lahai》

Sampha|2023

生於西非獅子山裔移民家庭,英國非裔音樂人Sampha第2張專輯冠以祖父之名,揉合電子與靈魂樂,探索自己成為父親後的內省與溫暖。

 

❸ 《Enjoy the Silence》

Naima Joris|2025

這位疫情期間因社群翻唱而備受注目的比利時爵士歌手,回歸初心重新詮釋曾療癒她的歌曲。

 

❹《Go》

Jónsi|2010

這是Sigur Rós主唱Jónsi的首張個人專輯與個人的華麗冒險,夢幻假音飄盪, 在後搖與更流行的樂種間嬉玩。

 

同場加映:《I Hear You》

Peggie Gou|2024

因藝術收藏而相識,Olafur為活躍柏林的韓國DJ Peggy Gou首張完整專輯《I Hear You》設計專輯封面,她穿戴的作品便是Psychoacoustic empathy amp〉(2023);Olafur也執導單曲〈1+1=11〉MV,並將場景設定在他的柏林工作室,親自獻上一舞

 

Olafur書單×6:餵養你的靈感

 

❶ 《Is a River Alive?》

Robert Macfarlane|2025

土地是否能擁有人格權?Olafur觀察到台灣也正處理這議題,賦予河流或山脈人格權,自然界便也有了自我保護的法理基礎。

《Is a River Alive?》,Robert Macfarlane,W. W. Norton & Company,2025。(圖片來源:W. W. Norton & Company)
《Is a River Alive?》,Robert Macfarlane,W. W. Norton & Company,2025。(圖片來源:W. W. Norton & Company)

 

❷ 《Conflict Is Not Abuse》

Sarah Schulman|2016

資深酷兒運動者直面當代痛點:我們太快將不適貼上受害標籤?這部挑釁之作解構二元對立思維,呼籲重新思考責任與修復。

《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)
《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)

 

❸《山之生》

Nan Shepherd|1977(中譯版-新經典文化|2019)

手稿沉睡30年後,這位蘇格蘭女作家畢生的登山札記才問世。她以詩人之眼凝視高地荒原,成為自然書寫的經典。

《山之生》中譯版,Nan Shepherd,新經典文化,2019。(圖片來源:新經典文化)
《山之生》中譯版,Nan Shepherd,新經典文化,2019。(圖片來源:新經典文化)

 

❹ 《The Discovery of Slowness》

Sten Nadolny|1983

海軍傳奇在冰天雪地中尋找西北航道,天生行事緩慢卻屢建奇功,挑戰效率至上的現代迷思。

《The Discovery of Slowness》,Sten Nadolny,Penguin Publishing Group,1997。(圖片來源:Penguin Publishing Group)
《The Discovery of Slowness》,Sten Nadolny,Penguin Publishing Group,1997。(圖片來源:Penguin Publishing Group)

 

❺ 《心靈的傷,身體會記住》

Bessel van der Kolk|2014(中譯版-大家出版|2017 )

這本書顛覆創傷研究的既有認知, 認為痛苦不只存在腦海,更銘刻在 身體之上,重新思考療癒的定義。

《心靈的傷,身體會記住》中譯版,Bessel van der Kolk,大家出版,2017。(圖片來源:大家出版 )
《心靈的傷,身體會記住》中譯版,Bessel van der Kolk,大家出版,2017。(圖片來源:大家出版 )

 

❻ 《The End of Nature》

Bill McKibben|1989

在氣候變遷尚未被關注之時,McKibben便已提出獨立於人類之外的「自然」已不存在,我們需要重新審視與環境的關係。

《The End of Nature》,Bill McKibben,Random House Trade Paperbacks,2006。(圖片來源:Random House Trade Paperbacks)
《The End of Nature》,Bill McKibben,Random House Trade Paperbacks,2006。(圖片來源:Random House Trade Paperbacks)

 

 

Olafur Eliasson,柏林。(攝影:Vidar Logi, 2024|Courtesy of CIRCA © 2024 Olafur Eliasson)
Olafur Eliasson,柏林。(攝影:Vidar Logi, 2024|Courtesy of CIRCA © 2024 Olafur Eliasson)

奧拉弗.埃利亞松 Olafur Eliasson

冰島-丹麥藝術家,1967生於丹麥哥本哈根,工作室位於柏林。作品探索藝術與世界的廣泛連結。自1997年起,他的個展陸續於世界各大美術館展出,創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影,以其挑戰感知並強調環境共創的展覽與公共裝置,在國際藝壇享有盛譽。2003年,他在倫敦泰德現代美術館的渦輪大廳創作《The weather project》,以迷霧籠罩的巨大發光「太陽」創造沉浸式體驗。2008年,他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布,呈現於《The New York City Waterfalls》計畫中。埃利亞松亦透過藝術探索氣候變遷的議題,例如2014年,他將格陵蘭冰川的碎冰帶至哥本哈根市中心,隨後2015年在巴黎、2018年於倫敦再次展出此《Ice Watch》計畫,讓路過的民眾得以親手觸摸來自格陵蘭的冰川碎片,見證冰川融化消逝的脆弱過程。2012年,創立社會企業「小太陽」(Little Sun),並持續參與其發展至2024年。2014年,他與Sebastian Behmann共同成立Studio Other Spaces,這是一間專注於藝術與建築的創作機構。

更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》

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