新竹春室Glass Studio+The POOL:結合展覽、選物及手作體驗,以玻璃工藝打造自然永續的日常生活

玻璃工藝

綠意蓊蔚的新竹公園裡,純白玻璃建築格外清新。新竹春室Glass Studio+The POOL活化了原本閒置的玻璃工坊,轉變為三層樓的品牌概念空間,集結選物、體驗、展覽和餐飲,以玻璃工藝連結日常。

來到三樓The POOL/一池Café+展覽空間,日光爽朗勻亮了白色系的室內,春池玻璃第二代,同時也是「W春池計畫」的主理人吳庭安一身俐落地坐在咖啡桌前接受訪談。談起春玻與其發展脈絡有條不紊。「我父親其實在很年輕的時候學過玻璃工藝,才接觸到回收玻璃這件事情。」吳庭安的父親吳春池於1961年創辦春池玻璃,歷時至今已63年,旗下具有6間工廠,全臺大約有70%的廢棄玻璃在他們手裡重獲新生。

(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)

老工藝再度走入生活

「春池玻璃是我們既存的大型商業邏輯,當需要轉向面對消費者的時候就會考慮到不同客群,因為他們需要的東西可能不一樣,必須設計成不同狀態去因應。」吳庭安在2016年至2017年之間推出「W春池計畫」,他坦言此項計劃很廣泛,只要跟永續循環經濟有關都能涵蓋入內。

的確,W春池計畫的主軸,在於探討玻璃「回收」與「創造」之間的矛盾與共生,透過玻璃工藝導入設計、創造議題、研發材料,實現於杯盤器物、展覽、餐飲以及多元面向的跨界合作,讓人們對玻璃的想像視野不再侷限。「對我而言,有一個很重要的核心在於工藝必須要進入生活,才能創造它的價值,否則它就是純藝術品。」計畫初期,為了讓消費者能夠快速理解概念,吳庭安趁政府推動禁塑政策的勢頭,推出繽紛霓虹玻璃吸管。

「在傳統玻璃工藝而言,要製作玻璃吸管是相當困難的。」吳庭安諮詢自家工廠裡的老師傅是否有可行性,「這是簡單的啦!」當時75歲的師傅過去曾經從事霓虹燈管製作,面對這個問題一派從容,讓吳庭安非常驚訝。「我們有很多過去的工藝其實會被當代需求,但是當你沒有去發掘它的時候,它很容易就消失了。」這件事情帶給他深刻影響,「其實老師傅身上或是我們所有製程上有很多寶藏,重點是要如何運用外部需求去撞擊。」

老師傅身懷絕技,運用口吹霓虹燈管技藝結合循環玻璃,克服生產技術難題創造出繽紛美麗的實用玻璃吸管,以設計讓幾近失傳的老工藝再次走入生活。

(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)

W春池計畫的永續循環

訪談之際,新竹春室The POOL正舉辦W春池計畫與無印良品合作的特展「從一罐豆奶,到復育森林的行動」,吳庭安走在回收玻璃製成的磨石子地坪上,介紹本次展覽主角「烤地瓜豆奶」是利用地瓜渣、豆渣製成,裝填在回收再製的玻璃瓶罐裡,讓一個小小玻璃瓶便蘊藏了一整個永續循環的供應鍊。「你看底部是我們的LOGO。」吳庭安指著玻璃瓶底,有象徵W春池計畫的三角圖案,一邊繼續描述展覽以「零廢棄」為主題,強調展期結束後所有材料都可以回到供應體系再生使用。

遊走展場之間,紙箱堆疊而成的展台上放著許多玻璃罐,裝著黃豆、玻璃顆粒和木渣等萃取原料,配合鋪在地上的回收玻璃砂,以及錯落其間的天然原木,展現自然氛圍之餘,也表達出每個元素之間的關聯性。「它背後蘊藏的循環概念,其實是真正可以改變社會和世界的狀態,以工藝技術性配合市場面向和相關人士,才能創造出整套系統。」吳庭安喜歡以「系統」思考工藝。

因為從小就在工廠裡做回收玻璃,讓他對這個材料本身就很有興趣,先後到台南成功大學讀工程,再到英國劍橋念工業管理,一回到春池第一件事情就是善用自身所學改善回收工廠的流程,並研發創造新的材料,「如果沒有把整個循環做好,我後來再講什麼工藝都沒有用。」吳庭安舉例過去曾有回收來的玻璃種類不易再利用,他便重新開發,並運用為建築空間產業可用的建材,「當看到資源閒置沒有被使用的時候,怎麼重新開發、利用就變得很重要。」

猶如新竹春室這棟建築,原本閒置的窯爐玻璃工作坊,在吳庭安注入巧思整頓之下,三樓是The POOL/一池Café+展覽空間,二樓是Glass Pool春玻選物店,一樓則為Glass Studio玻璃工坊,同時活用建築樓梯間打造為梯間美術館,不定期展出玻璃藝術作品,在陽光襯托下,平常容易被忽略的梯間也頓時充滿文藝氣息。

W春池計畫與無印良品合作的特展「從一罐豆奶,到復育森林的行動」。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
W春池計畫與無印良品合作的特展「從一罐豆奶,到復育森林的行動」。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
與「真真鑲嵌玻璃研究所」合作的復古杯,在杯身加入網版印刷的釉料烤花圖案。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
與「真真鑲嵌玻璃研究所」合作的復古杯,在杯身加入網版印刷的釉料烤花圖案。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
靈感源自原住民的《月桃葉編織盒》。為了表現編織的線條,設計上特別捨棄圈足,做成外凸內凹的弧形盤底,讓線條感更為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
靈感源自原住民的《月桃葉編織盒》。為了表現編織的線條,設計上特別捨棄圈足,做成外凸內凹的弧形盤底,讓線條感更為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
造型玻璃盤 RIPPLE 是以海浪拍打沿岸的紋理汲取靈感,使用手工壓鑄模具製作,並運用溫差與玻璃膏澆注的位置,變化浪紋質感。大中小三種尺寸還可以層層堆疊,可依生活場境變化使用性。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
造型玻璃盤 RIPPLE 是以海浪拍打沿岸的紋理汲取靈感,使用手工壓鑄模具製作,並運用溫差與玻璃膏澆注的位置,變化浪紋質感。大中小三種尺寸還可以層層堆疊,可依生活場境變化使用性。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)

DIY體驗拉近工藝距離

一樓工坊設有吹製玻璃杯和燈炬拉絲玻璃攪拌棒DIY體驗,讓大眾親自製作,體驗價格從成本面考量包含窯爐建置、玻璃原料與專業職人引導,完善的技術體驗,拿捏在一人250元至980元起(視產品選擇、顏色、效果而定)。「新竹玻璃工藝發展蓬勃,在1960至80年代佔全世界外銷出口約有八成之多,所以其實玻璃工藝這件事就變得很重要,我希望能夠復興它。」吳庭安期許藉由DIY體驗的方式,拉近消費者的距離,讓大家初步了解玻璃工藝其實沒有那麼難以親近。

當天負責示範的玻璃工藝家周亮瑜,曾經在日本玻璃工坊打工學習一年,回台後繼續從事工藝創作已累積三年多的歲月。好奇每天在高溫環境用火創作不熱嗎?「說實話,夏天滿熱的,但玻璃是唯一可以呈現透明感的材質。」即便高溫炎熱,他仍樂在其中,「玻璃只要低於700度就會變硬,必須維持在1000度高溫才可以塑形,而且它可以做到的可能性無限。」

見他抓著口吹金屬管取出適量玻璃膏,到窯爐加熱後,先吹一個小泡,由現場另一位職人老師協助將沾顏色的管子繞在小泡上,接著以金屬鉗製造凹痕,創造出氣泡的空隙,待玻璃稍微冷卻後,為了呈現需要的大小再行包裹第二層玻璃膏,到工作檯一邊以厚報紙塑形,一邊吹氣調整大小再反覆加熱,達到理想尺寸再放入約500度的退火箱進行冷卻,數小時後,一個手掌大小的玻璃花器便完成。猶如墨水在水中暈開的藍色紋路,搭配刻意吹入的氣泡,頗有夏天清涼的感覺。

工藝家周亮瑜正在示範玻璃器物的吹製,玻璃棒融話後沾染色料,在吹塑成想要的造型。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
工藝家周亮瑜正在示範玻璃器物的吹製,玻璃棒融話後沾染色料,在吹塑成想要的造型。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)

自然永續的日常生活

吳庭安主導的W春池計畫從最原始的材料出發,進而設計整個工藝過程。從起初的玻璃吸管為例,他和團隊以永續循環的角度,預先設想消費者生活中可能需要或可以接受的產品,透過現有玻璃工藝技術反向推理,思考如何在製程中實際詮釋,再利用設計轉移予以體現,打造出專屬於春池的新工藝。進而在他眼裡,工藝便不只是一項技術。不一定受限於手工,而是具有循環脈絡的全面性系統思維。

當永續不再只是口號,而是實際行動。近年來,全世界都在重視地球環保議題,吳庭安有感玻璃製品的需求度亦日漸提升,「玻璃這個材料可以百分之百再製,只要透過好的設計就可以很容易被運用的各個地方。」

在新竹春室,消費者可以在一樓體驗完DIY課程,上到二樓參觀選物店,實際觸摸、感受回收玻璃製成的美感生活器物,再到三樓以咖啡和甜點,感受杯盤器物的使用情境,藉以體會到永續循環這個概念並不遠,無形之中就隱含在生活裡。

攝影:一J
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文字|何芳慈

攝影|一J

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臺北市政府產業發展局
2025臺北設計獎工業設計類金獎及WDO特別獎作品「溝通的開始Typing...臺北市立美術館休憩空間規劃」
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至於銀獎則由斯洛維尼亞設計師Anže Sekelj與Staš Vrenko設計的「HEX row」奪得。兩位設計師希望打造一個能作為教育工具,也能用於專業創作的電子樂器,於是以電晶體作為可變電阻,讓訊號路徑具備更多細緻調控空間,且所有零件都能更換,易於組裝與維修,也讓使用者從DIY過程中獲得創作與探索的雙重樂趣。

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2025臺北設計獎工業設計銀獎作品「HEX row」
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2025臺北設計獎工業設計銀獎作品「HEX row」

銅獎作品「ResQ 大量傷患救援檢傷分級系統」則由國立高雄科技大學學生邱愉淨、黃柏翰、危珈妤共同設計。三人發現,大量災害現場講求分秒必爭,得在極短時間內判斷傷勢輕重。為此,《ResQ 大量傷患救援檢傷分級系統》的傷票可隨患者狀況變更顏色,並搭配定位功能,協助後端醫療團隊快速找到重傷患者,雲端系統則同步記錄簡要病歷,讓前後端資訊有效傳遞,在有限時間裡搶救最多寶貴生命。

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2025臺北設計獎工業設計類銅獎作品「RESQ大量傷患救援檢傷分級系統」
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2025臺北設計獎工業設計類銅獎作品「RESQ大量傷患救援檢傷分級系統」

不只展示成果,更為生活方式提出了嶄新想像

另一方面,評審團推薦獎得主則是香港設計團隊Palette Code,其以「EcoDeli Meal Purse」回應現代人外食頻率提高的現象,像是三合一的HandyClip夾子方便人們邊吃飯邊看影片;寬大的開口方便取食與清潔,餐袋採用的矽膠和再生ABS材料耐高溫與低溫,適用於冰箱和微波爐;特殊折疊線和口罩收納袋更方便收納在口袋或包包裡。透過巧妙的設計,讓「EcoDeli Meal Purse」不只是一次性餐盒的替代品,更是一件實用又時尚的配件。

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2025臺北設計獎工業設計類評審團推薦獎作品「Eco Deli Meal Purse」
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2025臺北設計獎工業設計類評審團推薦獎作品「Eco Deli Meal Purse」

而在金、銀、銅、WDO特別獎以及評審團推薦獎之外,幾項贊助獎作品也展現了多元設計視角,包含榮獲遠東百貨贊助獎的作品「Tomita Grater ll」、拿下聯華神通團育秀基金會贊助獎的「青吱調CICADA'S TUNE」與「Modulet」,在在表現國內外設計師以工業設計回應社會需求的技藝;這也讓2025臺北設計獎在展示成果之餘,也為這個時代的生活方式提出再想像的可能性,更描繪出理想生活的多重路徑。

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2025臺北設計獎遠東百貨贊助獎作品「Tomita Grater II」
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2025臺北設計獎聯華神通集團育秀基金會贊助獎作品「青吱調CICADA'S TUNE」
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2025臺北設計獎聯華神通集團育秀基金會贊助獎作品「Modulet」

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文字 | 郭慧  圖片提供 | 臺北市政府產業發展局

拼布的視覺魔法:劉棟三十年的纖維藝術實踐

圖片來源:《生活工藝誌》第十一期

在臺灣,少見以拼布為主要創作形式的男性纖維藝術家,劉棟在三十多年前,展開了他的前衛旅程。他在中年之後投入拼布,持續至今已三十多年,題材十分多元,有過往在美國的生活風景到臺灣的夜市、街景、動物到花卉,皆從豐富的人生閱歷中取材,其中最吸睛搶眼的馬賽克系列,以彩布翻玩解析度所構成的視覺效果,成為他與現場觀者互動交流的觸媒。

遊歷多國的生命養份

劉棟是一個走遍世界的創作者,他的教學足跡遍及歐美、曾於美國多地、法、英、義、日等國展覽,作品受喬治·H·W·布希總統圖書館(George W. Bush Library)、臺中葫蘆墩文化中心等多位私人藏家典藏,並曾於2010年獲得臺中葫蘆墩文化中心編織藝術大賽首獎,2012年榮獲第八屆大墩工藝師殊榮。

在他十五六歲時,從臺灣移居巴西,待了五年,於1968年搬至美國紐約,修讀視覺藝術,曾開過多間中式餐廳、展售古董,他同時也是富含美感的花藝設計師。談起70-80年代在美國生活的那段時光,「當時紐約有很多art gallery,我常去逛,創作靈感就是要多去看別人怎麼做,紐約給我的影響很大。」長年過著三個月回臺灣陪伴父母、九個月待在美國的工作與生活,閒暇之餘在紐約學習金工、雕刻與藝術管理,「這叫做好奇,我看到什麼都想學。」劉棟笑著用臺語說,他很早就開始喜歡動手「搞工藝」(變工藝 pìnn-kang-gē),正是生活於紐約獲得的養分。

在紐約學金工,讓劉棟懂得運用石頭、珠寶拼貼馬賽克作品,80年代開始蒐藏喜歡的設計師印花布料,現從事的拼布藝術卻是他退休後才真正完整投入,且是持續最久的創作,契機源於1990年代某趟回臺,在高雄的新光三越百貨看到拼布教室,裡頭有許多漂亮的花布,但課堂上都是太太和小姐。結果劉棟商請太太報名課程,自己則在旁觀摩,回美國後開始鑽研拼布,沒想到先前蒐藏的花布自此有了舞臺,改變了他後半生的藝術生涯。

劉棟指尖輕點,娓娓道來每幅作品背後的故事,從構圖到色彩,每一步都展現對藝術的深刻理解。(圖片來源:《生活工藝誌》第十一期)
劉棟指尖輕點,娓娓道來每幅作品背後的故事,從構圖到色彩,每一步都展現對藝術的深刻理解。(圖片來源:《生活工藝誌》第十一期)

花布是顏料,熨斗為畫筆

「這些布就是我的顏料。」劉棟走向牆邊層架,介紹一捲捲來自英國的設計師印花棉布,他最常使用Philip Jacobs、Brandon Mably和Kaffe三位設計師的花布,他們同時也為國際精品品牌設計服飾圖樣。眼前有近一千捲,以顏色作分類,「不像畫家可以混色,我需要透過布料把明暗濃淡堆疊創造出來。」劉棟說起另有儲放他處,總計達五六千捲的花布資料庫,棉質與帶有光澤的蠶絲是他的唯二選擇,原因是只有天然布料耐得住熨斗高溫,堆疊熨燙黏貼布料時,不因過熱而隨布面下的熱熔膠融掉。

每塊布料在使用前,劉棟會先進行重要的準備工作:蕃薯粉入水煮滾後,用來為布料「上漿」,「除為了讓布料稍微硬挺一點,漿過還可避免布的邊緣散開、虛掉。」尤其他擅長以輪刀隨機剪裁花布自由拼貼作品,上過漿的材料讓他更能隨心自在地裁剪各種有機線條。而拼布作品最後的重點步驟,則是使用壓線機,將耐熱、耐老化的透明線細密緊實地以近百萬針縫製於上,讓數層材料更加貼合。創作的起點和收尾,皆注重費工細緻的例行節奏。

劉棟喜歡先畫出作品的草圖,運用布料與色彩,創造出獨一無二的故事。(圖片來源:《生活工藝誌》第十一期)
劉棟喜歡先畫出作品的草圖,運用布料與色彩,創造出獨一無二的故事。(圖片來源:《生活工藝誌》第十一期)

拼布創造視覺魔法

紐約寫實藝術家查克·克洛斯(Chuck Close, 1940-2021)是影響劉棟深遠的繆思,克洛斯的巨幅壓克力自畫像,其實是由一格格抽象畫拼組而成,從攝影解析度概念延伸的視覺構成,啟發劉棟運用此馬賽克概念來重新呈現經典名畫,「我用不同的技法,用拼布馬賽克做出有別於原作的印象,熟悉名畫的觀眾一看會有那種surprise。」那份驚喜來自於《蒙娜麗莎的微笑》需眯眼或拉低光線讓微笑浮出,而透過手機相機縮放鏡頭更可體會觀看的趣味。

劉棟至少完成過八件《蒙娜麗莎的微笑》,擔任其藝術經紀的晴山藝術中心主理人陳仁壽說道:「我經常聽他說,雖然做同樣構圖, 但他總會一件超越一件;技法、布料組合都不一樣。」劉棟規劃好尺幅與方格大小,透過電腦稍作畫面拆解後,開始從每小格裡自由裁剪布料來拼貼完成,「但你仔細看,每一格五公分正方,用到的花紋不只一種布,老師用多種花紋修正明暗及冷暖。」陳仁壽補充著,劉棟點頭認同:「每一個格子的處理,都會影響人物的表情。」

「當我加一小塊布,很像畫家調色,也是在加深、多一個筆觸。」至於加哪塊布,劉棟常以輪刀隨性裁剪材料後,運用上了保麗龍與鐵氟龍布的牆面及大頭針來暫時固定以做確認,「我們的眼睛有調色功能,例如把紅跟黃兩塊布並排方格裡,當站至二十公尺遠,會看見方格有橘紅色的效果。」拼布的過程,得有像繪畫的直觀感性,同時得像拼圖、混色時所需的理性判斷。

拼布作品的最後步驟就是使用壓線機,讓數層材料緊密地貼合。(圖片來源:《生活工藝誌》第十一期)
拼布作品的最後步驟就是使用壓線機,讓數層材料緊密地貼合。(圖片來源:《生活工藝誌》第十一期)

細膩工藝技法,成就藝術能量

傳統拼布常見以方被、袋包作為呈現形式,劉棟以自由裁剪與重疊拼貼,從靈活的工藝技法交織所思所想,創造獨特讓色彩融合的視覺魔法,常讓人驚喜於眼前的畫面居然是來自拼布!劉棟喜愛透過旅行時拍下的照片、好友所拍攝的照片,來重組畫面靈感,「我不打草稿,所有idea靈感就在我腦袋裡。」對光影和色彩的敏銳度,凝縮了他的生活觀察與人生歷練,讓拼布跳脫工藝,成為特色鮮明的纖維藝術。

描繪芭蕾舞者的後臺風景的作品《Backstage》,人物身形因營造光影細節而創造傳統拼布做不到的立體層次感,乍看是大面積為白色的部份,其實裡頭有許多細節,是不同的花布所拼貼。另幅《Break》,運用黑色底來營造舞者休息氛圍,「光線一定要做得正確。以及需運用『羽化』的視覺感來使主體與背景融合。」劉棟設想光線進來的方向,同時留意反射的角度,好比在下過雨的《南方夜市》為高雄自強路街景,厚達五層布的拼布作品,乍看像幅顏料暈染流動的油彩畫。

Backstage/100x150cm/2022/晴山藝術中心提供
Backstage/100x150cm/2022/晴山藝術中心提供

技術與多元題材,受海內外藏家喜愛的創新布藝

晴山藝術中心主理人陳仁壽,受到劉棟拼布工藝技術的強度所吸引,在2020年南下拜訪,這幾年,晴山藝術帶著劉棟的作品參展海內外藝博會,「劉棟老師天生對色彩敏感,不輸一個油畫家,懂得把那麼多的花紋布料拼湊在一起。在藝術市場,創作力豐富的藝術收藏其實已不分材質,我們的藏家也都因欣賞老師的細膩技術和創造力而收藏作品。」

畫廊將拼布作品以油畫框內架的方式裱框,更顯當代感,陳仁壽補充,傳統油畫容易因年代久遠出現蜘蛛網狀裂紋,但懸掛在美國博物館的拼布作品,皆有兩三百年的歷史見證,拼布在藏品年限上擁有諸多優點。作為藝術經紀的角色,陳仁壽強調,最重要的是,透過每次機會來提醒、激勵年輕藝術家,劉棟至今每天創作十二至十六個小時的投入強度,是造就精彩藝術的關鍵態度。

「每一天都有新的點子,這樣子才會年輕!」現年七十七歲的劉棟,認為自己的藝術歷程並非依賴才華走到今天,「而是對事物無止盡的好奇心。」數十年如一日,持續精進拼布工藝技術與思維表達,「我從無數的犯錯中學習到一切,我做每一件作品,都會跟自己學到些什麼;曾經是我最弱的部分,現在已成為我的優點。」劉棟如此回應對自己一路走來的解讀,和拼布同在的後半生,解構、重組再堆疊,收入眼底的風景精彩絢爛。

南方夜市/100x110cm/2023/晴山藝術中心提供
南方夜市/100x110cm/2023/晴山藝術中心提供

文字 / 黃怜穎

攝影 / PJ Wang

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