新竹春室Glass Studio+The POOL:結合展覽、選物及手作體驗,以玻璃工藝打造自然永續的日常生活

玻璃工藝

綠意蓊蔚的新竹公園裡,純白玻璃建築格外清新。新竹春室Glass Studio+The POOL活化了原本閒置的玻璃工坊,轉變為三層樓的品牌概念空間,集結選物、體驗、展覽和餐飲,以玻璃工藝連結日常。

來到三樓The POOL/一池Café+展覽空間,日光爽朗勻亮了白色系的室內,春池玻璃第二代,同時也是「W春池計畫」的主理人吳庭安一身俐落地坐在咖啡桌前接受訪談。談起春玻與其發展脈絡有條不紊。「我父親其實在很年輕的時候學過玻璃工藝,才接觸到回收玻璃這件事情。」吳庭安的父親吳春池於1961年創辦春池玻璃,歷時至今已63年,旗下具有6間工廠,全臺大約有70%的廢棄玻璃在他們手裡重獲新生。

(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)

老工藝再度走入生活

「春池玻璃是我們既存的大型商業邏輯,當需要轉向面對消費者的時候就會考慮到不同客群,因為他們需要的東西可能不一樣,必須設計成不同狀態去因應。」吳庭安在2016年至2017年之間推出「W春池計畫」,他坦言此項計劃很廣泛,只要跟永續循環經濟有關都能涵蓋入內。

的確,W春池計畫的主軸,在於探討玻璃「回收」與「創造」之間的矛盾與共生,透過玻璃工藝導入設計、創造議題、研發材料,實現於杯盤器物、展覽、餐飲以及多元面向的跨界合作,讓人們對玻璃的想像視野不再侷限。「對我而言,有一個很重要的核心在於工藝必須要進入生活,才能創造它的價值,否則它就是純藝術品。」計畫初期,為了讓消費者能夠快速理解概念,吳庭安趁政府推動禁塑政策的勢頭,推出繽紛霓虹玻璃吸管。

「在傳統玻璃工藝而言,要製作玻璃吸管是相當困難的。」吳庭安諮詢自家工廠裡的老師傅是否有可行性,「這是簡單的啦!」當時75歲的師傅過去曾經從事霓虹燈管製作,面對這個問題一派從容,讓吳庭安非常驚訝。「我們有很多過去的工藝其實會被當代需求,但是當你沒有去發掘它的時候,它很容易就消失了。」這件事情帶給他深刻影響,「其實老師傅身上或是我們所有製程上有很多寶藏,重點是要如何運用外部需求去撞擊。」

老師傅身懷絕技,運用口吹霓虹燈管技藝結合循環玻璃,克服生產技術難題創造出繽紛美麗的實用玻璃吸管,以設計讓幾近失傳的老工藝再次走入生活。

(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)

W春池計畫的永續循環

訪談之際,新竹春室The POOL正舉辦W春池計畫與無印良品合作的特展「從一罐豆奶,到復育森林的行動」,吳庭安走在回收玻璃製成的磨石子地坪上,介紹本次展覽主角「烤地瓜豆奶」是利用地瓜渣、豆渣製成,裝填在回收再製的玻璃瓶罐裡,讓一個小小玻璃瓶便蘊藏了一整個永續循環的供應鍊。「你看底部是我們的LOGO。」吳庭安指著玻璃瓶底,有象徵W春池計畫的三角圖案,一邊繼續描述展覽以「零廢棄」為主題,強調展期結束後所有材料都可以回到供應體系再生使用。

遊走展場之間,紙箱堆疊而成的展台上放著許多玻璃罐,裝著黃豆、玻璃顆粒和木渣等萃取原料,配合鋪在地上的回收玻璃砂,以及錯落其間的天然原木,展現自然氛圍之餘,也表達出每個元素之間的關聯性。「它背後蘊藏的循環概念,其實是真正可以改變社會和世界的狀態,以工藝技術性配合市場面向和相關人士,才能創造出整套系統。」吳庭安喜歡以「系統」思考工藝。

因為從小就在工廠裡做回收玻璃,讓他對這個材料本身就很有興趣,先後到台南成功大學讀工程,再到英國劍橋念工業管理,一回到春池第一件事情就是善用自身所學改善回收工廠的流程,並研發創造新的材料,「如果沒有把整個循環做好,我後來再講什麼工藝都沒有用。」吳庭安舉例過去曾有回收來的玻璃種類不易再利用,他便重新開發,並運用為建築空間產業可用的建材,「當看到資源閒置沒有被使用的時候,怎麼重新開發、利用就變得很重要。」

猶如新竹春室這棟建築,原本閒置的窯爐玻璃工作坊,在吳庭安注入巧思整頓之下,三樓是The POOL/一池Café+展覽空間,二樓是Glass Pool春玻選物店,一樓則為Glass Studio玻璃工坊,同時活用建築樓梯間打造為梯間美術館,不定期展出玻璃藝術作品,在陽光襯托下,平常容易被忽略的梯間也頓時充滿文藝氣息。

W春池計畫與無印良品合作的特展「從一罐豆奶,到復育森林的行動」。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
W春池計畫與無印良品合作的特展「從一罐豆奶,到復育森林的行動」。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
與「真真鑲嵌玻璃研究所」合作的復古杯,在杯身加入網版印刷的釉料烤花圖案。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
與「真真鑲嵌玻璃研究所」合作的復古杯,在杯身加入網版印刷的釉料烤花圖案。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
靈感源自原住民的《月桃葉編織盒》。為了表現編織的線條,設計上特別捨棄圈足,做成外凸內凹的弧形盤底,讓線條感更為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
靈感源自原住民的《月桃葉編織盒》。為了表現編織的線條,設計上特別捨棄圈足,做成外凸內凹的弧形盤底,讓線條感更為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
造型玻璃盤 RIPPLE 是以海浪拍打沿岸的紋理汲取靈感,使用手工壓鑄模具製作,並運用溫差與玻璃膏澆注的位置,變化浪紋質感。大中小三種尺寸還可以層層堆疊,可依生活場境變化使用性。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
造型玻璃盤 RIPPLE 是以海浪拍打沿岸的紋理汲取靈感,使用手工壓鑄模具製作,並運用溫差與玻璃膏澆注的位置,變化浪紋質感。大中小三種尺寸還可以層層堆疊,可依生活場境變化使用性。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)

DIY體驗拉近工藝距離

一樓工坊設有吹製玻璃杯和燈炬拉絲玻璃攪拌棒DIY體驗,讓大眾親自製作,體驗價格從成本面考量包含窯爐建置、玻璃原料與專業職人引導,完善的技術體驗,拿捏在一人250元至980元起(視產品選擇、顏色、效果而定)。「新竹玻璃工藝發展蓬勃,在1960至80年代佔全世界外銷出口約有八成之多,所以其實玻璃工藝這件事就變得很重要,我希望能夠復興它。」吳庭安期許藉由DIY體驗的方式,拉近消費者的距離,讓大家初步了解玻璃工藝其實沒有那麼難以親近。

當天負責示範的玻璃工藝家周亮瑜,曾經在日本玻璃工坊打工學習一年,回台後繼續從事工藝創作已累積三年多的歲月。好奇每天在高溫環境用火創作不熱嗎?「說實話,夏天滿熱的,但玻璃是唯一可以呈現透明感的材質。」即便高溫炎熱,他仍樂在其中,「玻璃只要低於700度就會變硬,必須維持在1000度高溫才可以塑形,而且它可以做到的可能性無限。」

見他抓著口吹金屬管取出適量玻璃膏,到窯爐加熱後,先吹一個小泡,由現場另一位職人老師協助將沾顏色的管子繞在小泡上,接著以金屬鉗製造凹痕,創造出氣泡的空隙,待玻璃稍微冷卻後,為了呈現需要的大小再行包裹第二層玻璃膏,到工作檯一邊以厚報紙塑形,一邊吹氣調整大小再反覆加熱,達到理想尺寸再放入約500度的退火箱進行冷卻,數小時後,一個手掌大小的玻璃花器便完成。猶如墨水在水中暈開的藍色紋路,搭配刻意吹入的氣泡,頗有夏天清涼的感覺。

工藝家周亮瑜正在示範玻璃器物的吹製,玻璃棒融話後沾染色料,在吹塑成想要的造型。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
工藝家周亮瑜正在示範玻璃器物的吹製,玻璃棒融話後沾染色料,在吹塑成想要的造型。(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)
(圖片來源:《生活工藝誌》第十期、攝影:一J)

自然永續的日常生活

吳庭安主導的W春池計畫從最原始的材料出發,進而設計整個工藝過程。從起初的玻璃吸管為例,他和團隊以永續循環的角度,預先設想消費者生活中可能需要或可以接受的產品,透過現有玻璃工藝技術反向推理,思考如何在製程中實際詮釋,再利用設計轉移予以體現,打造出專屬於春池的新工藝。進而在他眼裡,工藝便不只是一項技術。不一定受限於手工,而是具有循環脈絡的全面性系統思維。

當永續不再只是口號,而是實際行動。近年來,全世界都在重視地球環保議題,吳庭安有感玻璃製品的需求度亦日漸提升,「玻璃這個材料可以百分之百再製,只要透過好的設計就可以很容易被運用的各個地方。」

在新竹春室,消費者可以在一樓體驗完DIY課程,上到二樓參觀選物店,實際觸摸、感受回收玻璃製成的美感生活器物,再到三樓以咖啡和甜點,感受杯盤器物的使用情境,藉以體會到永續循環這個概念並不遠,無形之中就隱含在生活裡。

攝影:一J
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文字|何芳慈

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以手為根,與土地共創——「黑色雋永 Lumamiling」的構樹工藝之路

(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

提起樹皮工藝,總令人覺得遙遠。這項古老技藝曾一度消失於臺灣各族群的記憶裡。三十年前,幸運有賴阿美族耆老沈太木(Panay) 的復興推廣,才有人開始學習。工藝團隊「黑色雋永」近年積極投身樹皮纖維創作,成員身份皆有原民血統,他們嘗試以雙手循著前人採集與敲打的軌跡,試以生活器物的形體,還原的工藝帶給生活的踏實模樣。

接案起家到誕生工藝品牌

記載臺灣原住民運用樹皮工藝,製衣而穿,可以追溯至明清到日治時期的文獻紀錄。工藝曾逐漸失傳,倒不是無材料可取用,因為延展性最好的樹皮便來自構樹,是臺灣隨處可見的原生樹種。構樹存在於不同族群的生活經歷裡,身為「黑色雋永」成員之一的王雅蘭說,「老人家會拿構樹葉去餵家裡的羊或豬,但完全沒有看過樹皮做成衣服。」身為排灣族的她,因研究所論文,親身回到父母的部落田調、返鄉定居創業。她曾開選物店,之後才與夥伴佬祖‧ 魯魯安、顏裴晏、廖曉蓉,共組團隊。初期大家因商業工作而聚,接案培養出默契,以黑色雋永之名,各自施展木工、服裝、繪畫的長才,從事活動佈置、平面設計的團隊工作。

團員們皆自學各種工藝技法,沒有設限材料也嘗試各型態的商案,陸續為音樂祭做裝置、婚禮佈置。他們為別人的場子嫁妝多年,體驗快步調的接案生活,而逐漸萌生慢下來,創立自己工藝品牌的想法。團隊夥伴或有變化,但大家仍慢慢在時間裡練功,在土地上尋找自我定位。

「黑色雋永」是國內難得以集體形式進行創作的工藝團體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
「黑色雋永」是國內難得以集體形式進行創作的工藝團體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

工藝背後的在地支持

決定集體創作之初,構樹皮只是他們眾多的媒材之一,其中以好取得的竹與藤是主力。只是,材料透過購買而得的過程,反倒讓他們心生疑問,想釐清媒材與自身的關係。

「我們住的屏東周邊都是農田。鳳梨、香蕉園的周圍長很多雜木,裡面就有非常多的構樹。」王雅蘭描述成年回鄉後,觀察的土地樣貌,而同樣在臺北長大的佬祖,也坦白說:「剛開始連構樹長的樣子都不知道。問長輩,他們說,知道啊!構樹還有族語名稱。」身為都市原住民的兩人,技藝從來不是長於過去的生活經驗裡,而是靠著動手,更加重建對自身文化的認知。「當我回到舊部落時,又發現構樹在我家門口的土地就有,小時候不曉得,現在終於認識它,看見它活生生長出來,我也正在使用,有種我們是在一起的感覺。」佬祖語帶感性表達著,「對於我們未來從事工藝,是很強的心靈與情感支持。」自此,有如遇上命定媒材的「黑色雋永」,察覺使用在地素材給予創作的安全感,成員們全力投入構樹為主體的纖維藝術。

廖曉蓉的纖維畫作《劃破寧靜》,以構樹皮天然的深淺,表現土地龜裂的樣貌,象徵土地承受的傷害與崩解。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
廖曉蓉的纖維畫作《劃破寧靜》,以構樹皮天然的深淺,表現土地龜裂的樣貌,象徵土地承受的傷害與崩解。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

採集是追尋祖先與大自然共生的記憶

「黑色雋永」與構樹從彼此不認識,經過反覆敲打的取皮、延展,建立起親密的關係。夏天的構樹水分多,質地柔軟易取皮,反之冬天乾燥,則需要多花點力氣與時間處理,能從季節感受纖維有活著的變化。他們又解釋道,取樹皮得趁新鮮,纖維放久則乾枯老化。也因此他們無法囤積材料,每趟採集也有如祖先們的生活方式,他們只取剛好能用的量,因為採多無力可處理,那就浪費了。

採集也讓他們更親近部落生活,王雅蘭分享回鄉前的心境是,「看自己的文化像在學校背誦歷史課本,對文化僅是知識性的理解,沒什麼情感連結。」又常聽老人家說「我們是與自然共生」,怎麼共生?實際是一趟玄妙的採集經歷,讓她深有同感。「有個第一次去採集的地方,我意外受了傷,流很多血。後來,第二次我和佬祖去,他也被鋸子割傷。」之後,他們學習先和土地打招呼,以祭儀請求取用構樹做為工藝材料,體悟萬物皆有靈。

佬祖以這件屏風作品,記錄舊好茶部落的美麗山景。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
佬祖以這件屏風作品,記錄舊好茶部落的美麗山景。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

集體創作的慶典

王雅蘭如團隊裡的「隊長」,她主持每回的創作行前會,坐下與成員們深聊。如近期的展覽「成為永恆的片刻」為例,她拋出的主題,圍繞土地與時間兩大核心。團隊成員根據概念,依自己的生活經驗或想法而獨立創作。集體創作的現場,宛若聚落縮影,大家一起去採集,共享資源,當有需求便相互幫忙,而展覽則是他們工藝作品的豐盛收穫。

廖曉蓉的纖維畫作《劃破寧靜》回應土地議題,以構樹皮天然的深淺,模擬出土地的龜裂,淺色處是去除外皮後的柔軟內層,深色則是前頭去除的外皮,各自經過敲打後,重新排列而成。靈感源於她坐火車從屏東回家鄉花蓮,沿途看山景的觀察,「去年403 地震後,有被坐火車回家的風景嚇到,感受土地遭受迫害時,內層的鬆動不易看見,同時體會人在自然前的渺小。」同為廖曉蓉的燈飾作品《圍光》則詮釋時間的主題,「我想愛是能超越時間的,圓的造型比擬圈住的美好時光,表達出愛的能量卻始終存而不滅。」

廖曉蓉的《圍光》,以時間為主題,象徵著被愛包圍的不同片刻。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
廖曉蓉的《圍光》,以時間為主題,象徵著被愛包圍的不同片刻。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

顏裴晏擅長線材編織與縫紉,他常以布類織品結合樹皮做創作,《荏苒》是他初次的燈飾系列。過去樹皮也常為造紙材料,顏裴晏以摺紙發想,活用構樹皮柔軟堅韌的特性,五件作品的意象呈現山、海、波浪、船與自我,每件作品外觀大異其趣,也只有樹皮的柔軟可以承接,散發出曖曖的光。

與展覽同名之作《成為永恆的片刻》則是自王雅蘭的大件裝置。她近年,有感傳承的斷層,源於部落裡熟稔文化脈絡的長輩逐漸離世。她開始察覺自己對永恆的渴望,是期許土地上生活的記憶,可以完整代代傳下去。作品由眾多的圓組成,圓也有各種示意,「圓代表完整,深淺色澤的圓代表不同的人,相連的圓又代表一代傳一代。」他試著以在地素材訴說對於土地的情感。

《Tagarausu》是佬祖以北大武山之名的屏風作品,他選用樹皮原色與植物染( 薯榔) 加工後的樹皮,雙色呈現出山稜形狀,「這片山景是從我的部落舊好茶看出去的風景。我很直覺將它創作出來,也是我爸爸看到,就能一眼認出的記憶。」

王雅蘭的大件裝置《成為永恆的片刻》靈感來自她有感於部落文化斷層,因此期望土地記憶能夠永續傳承。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
王雅蘭的大件裝置《成為永恆的片刻》靈感來自她有感於部落文化斷層,因此期望土地記憶能夠永續傳承。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

包容創新的文化傳統

「生活中找創作」是黑色雋永的信奉思想,「你不必是一個設計師、藝術家,使用生活中好取得的材料,就可以開始製作。」王雅蘭真摯地說並分享一段趣聞,「部落的珠繡工藝常看到是全用珠子去鏽。但我在部落裡,曾看過用電線外皮、文具店的小亮片。甚至,還有陣子老人家流行穿旗袍,在緞面龍鳳圖案之上,再繡著傳統圖紋。」王雅蘭說,只要無關無關傳統祭儀與社會規範,使用異材質或變化外觀在既有物件上,都是部落裡很常見的生活智慧。因此,黑色雋永將樹皮纖維,以藝術創作呈現抽象概念,或用生活器具表達實際應用,是傳承工藝,也是延續文化裡對美的包容性。

顏裴晏的《荏苒》是一件燈飾五件組的創作,以燈的形式表現山、海、波浪、船與自我等意象。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
顏裴晏的《荏苒》是一件燈飾五件組的創作,以燈的形式表現山、海、波浪、船與自我等意象。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

文字 / 王涵葳

攝影 / 一 J

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專訪「大雄的木作世界」:一筆不只一世界,在寄木細工裡融合心與手的溫度

(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

擁有超過三十年木工經驗的盧秀雄,和木筆製作資歷近四年的盧柏宇,父子倆的創作基地坐落駁二Pinway青創基地二樓。兩人將商品區、木工教室與製作商品的工房合而為一,以「大雄的木作世界」為名,胼手胝足地打造出高雄的「寄木細工」。

乾淨且整齊的空間是盧秀雄的堅持,「這裡除了我,夥伴都比較年輕,我希望年輕人能夠接受木作、傳承木作,空間舒服乾淨很重要。」工作場域打理好,平臺上的商品也顯得精神奕奕,各式寄木細工筆、沾水筆、搖擺企鵝、悠遊卡鑰匙圈、寫字板等,於不同型態的設計之上,展現著寄木細工的拼接技藝,盧柏宇介紹著:「你可以看到一支筆上有這麼多種木頭:綠檀、黃金樟、龍柏瘤⋯⋯每塊木頭的色澤和紋路我們都把它展現出來。」那是寄木工法才拼接得出的獨一無二風景,讓十幾種、二十多種原木在一支筆上一期一會。

整齊佇立的工具,象徵父子兩人隨時準備開工創作的心情,也見證了每件作品的誕生。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
整齊佇立的工具,象徵父子兩人隨時準備開工創作的心情,也見證了每件作品的誕生。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

寄木為橋,父子共築第二人生

源自箱根的寄木細工,不僅從盧秀雄手中變化出標誌性的技法與風格,也像一座橋,為這對父子搭建起沒想過的第二人生。盧柏宇從國中開始練體育,大學即自選手轉教練教學生,他自認性格穩定,鮮少想要嘗試新事物,「誤打誤撞做木筆,是滿好玩的經驗,在生活上更多一個除了體育以外的重心。」自從跟著爸爸學習工藝,盧柏宇覺察自己對於事物的看法變得更豐富,心好像變得更大更開闊「比以前更願意去嘗試新的、不同的經驗。」盧秀雄的想法也在兩人一起創作的過程中有所改變,原本盧秀雄很喜愛筆桿上呈現高反差跳色的設計,不知從何時開始,他變得更能接受兒子的建議,以同色系搭配出耐看經典款。

對於盧秀雄而言,三十年前接觸的木作是做系統櫃、廚具和裝潢,因身體因素提早退休,「六、七年前我才開始創作木工,做的東西常常是拿來送人,並沒有考慮到銷售。」但當創立品牌,投入文創事業後,「我的心境也有轉化,創作新東西當然讓人很興奮,只是一但牽涉到利潤和銷售,就更需要好好思考該如何投注自己的時間與努力。」

「我現在提供的叫做技術轉移,而柏宇負責概念的發想和創意,包括色彩的搭配。」盧柏宇接續提到:「我會去搜尋、看很多別人的作品,去想為什麼他這樣搭配,我們還可以怎麼調整?經過很多很多次的嘗試,變化出自己的設計觀點。」

受到父親邀請,盧柏宇也投入寄木工藝的創作行列。投入工藝創作後,盧柏宇意識到自己的心態變得更加開放,或許就像創作一樣,只要做得出來,沒有什麼標準答案。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
受到父親邀請,盧柏宇也投入寄木工藝的創作行列。投入工藝創作後,盧柏宇意識到自己的心態變得更加開放,或許就像創作一樣,只要做得出來,沒有什麼標準答案。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

為手工筆研發治具

在日本寄木細工的工藝品上,常見幾何拼花間有黑線存在,成為圖樣的一部分,而在大雄所製作的寄木筆和其他商品上,木頭拼接間有原木拼接出的律動線條,精湛的工法呈現於無接縫的平整接合,而呈現亮藍、亮紅等非原木色彩的則稱為穩定木,來自樹瘤組織,經穩定液染色後除能展現特色紋路,也變得更易於製作成工藝品。

盧秀雄回想最初創作的階段,早期拼接他都會使用釘槍輔助,使用非常辛苦。但有次他在影片中看到箱根的老師傅,悠閒地坐在榻榻米上創作的樣子。令人嚮往的優雅過程令他突發奇想,和盧柏宇衝到工作室,自製出接合用的獨有加壓治具,「成功了!所以我們就可以開始將各個不同角度的原木拼接在一起,創造出眼前的寄木工手筆。」

盧柏宇補充:「我們將原木做了很多不同角度的裁切,製作手工筆前,即拼接完成,讓所有木料一開始都是方形的,所以多角度的黏合就會是要去克服的地方,黏合方式比較特殊,不能只從單一方向加壓。」除了研發治具,不像日本多使用白膠,兩人更嘗試出合適的膠,膠乾後能與木頭的膨脹係數穩定合作,「研發成功花了一年半,現在看到的寄木拼接可以算是第五代了。」盧秀雄自信地笑著,目前全臺只有大雄在做耗時費料且費工的六邊形寄木手工筆。也因對自身的製筆技術有一定的自信,才敢開設兩小時的手工筆體驗課程,這也成為大雄空間裡的另一道傳承風景。

寄木工藝是透過多種木材交錯拼接,展現細膩紋理與筆身設計的獨特風格,每一支皆為手工製作、獨一無二。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
寄木工藝是透過多種木材交錯拼接,展現細膩紋理與筆身設計的獨特風格,每一支皆為手工製作、獨一無二。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

融合實用與療癒

談起工藝,盧秀雄認為:「工藝必須包含實用的功能性。」譬如大雄的熱門商品,不倒翁般的擺飾「搖擺企鵝」就曾挑戰了他的工藝觀。當初盧柏宇提出企鵝的構想,認為父親在技術上一定沒有問題,盧柏宇回想:「當初爸爸最不能接受的就是,我們幹嘛要做一個會晃的企鵝啊?」但是,這個作品讓大眾最能接受的關鍵就是因為牠會晃啊。」「後來我才意識到,也許這也沒有標準答案,所以我就閉嘴了。創意方面,讓年輕人去發揮。」盧秀雄笑著回答。採訪當下,即見證一位客人進門參觀,買走一隻搖擺企鵝,作為陪伴日常的療癒小物且能激勵不倒;仔細想想,能夠照顧人心、讓人有療癒的心情,不也是實用功能嗎?一如盧柏宇談起他眼中的工藝性:「必須是用傳統工藝技法做出一個對應時代需求的全新作品,這才是有意義的事。」

現在的大雄,運用傳統工藝技法,讓不同原木在同件作品展現其特色,這是盧柏宇眼中的寄木所流露的美麗價值。盧秀雄說,小時候的高雄鹽埕就有許多外國船員,直到今天還有多元族群生活於此,這座城市的人文歷史一直都具備大融合的特性,「就像我們創作的寄木一樣,寄木的呈現一直是『融合』,將不同的木頭combine在一起且表現出協調感,這就是它最有意義的地方!」

《搖擺企鵝》是盧柏宇試圖將寄木工藝融入日常,打造出可放在書桌與辦公室的療癒小物。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
《搖擺企鵝》是盧柏宇試圖將寄木工藝融入日常,打造出可放在書桌與辦公室的療癒小物。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

文字 / 黃怜穎

攝影 / PJ Wang

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