專訪金工品牌「秋雨十一」創辦人姚怡欣：以錫作為主要創作媒材，為傳統工藝敲擊出嶄新樣貌！

姚怡欣的金工工作室，劃分為二區塊的空間，一邊是工作桌，另一邊如廚房擺放著大鍋、鏟與各式工具。見她戴上手套、袖套、護目鏡，再打開爐具，翻攪鍋中銀色液體。她說剛學錫藝確實會害怕，因焊接時的溫度上百、溫度上千的火槍在初學火候控制不佳的音爆震耳嚇人，卻不曾讓姚怡欣退縮放棄。她自剖個性，是面對有挑戰事物時，總有更想深入探究的好奇心。

錫為主力，當代美學介入傳統技藝

金工泛指所有金屬的加工技藝，當品牌調性逐步明朗，姚怡欣為秋雨十一定調為百分之七〇以上的純錫創作。原因為何？她從錫的物性至創作層面都講解了一番。錫有如銀的顏色，拋光後的亮度也夠，但兩者金屬氧化後的風味卻是大不同，「銀所展現的亮是很西洋式的，但錫有種質樸傳統的味道。」是錫背後的文化吸引著姚怡欣，也讓她願以現代美學為底，為傳統工藝敲擊出嶄新樣貌。

開啟茶道具的創作，姚怡欣是在聯展時遇上伯樂的。當時台中的秋山堂正找尋工藝市場中具有潛力的台灣臺灣作者，合作展覽與販售。自2013年起，姚怡欣每年固定在秋山堂展出，延展金工在茶席上的魅力。

談創作，姚怡欣是個自律的人，每年的12月到4月是年度研發期。觀察消費性品牌的市場趨勢，她有感茶道具在台灣臺灣到達高峰，並分析香道具過去是特定族群使用，下一波會在大眾之間盛行。2017年姚怡欣個展，已推出線香座，簡約線條如煙的行進塑出整體造型，這是姚怡欣擅長以當代審美介入傳統器物的特長，但在當時並不叫座，那時候傳統器型仍是主流。她也回想剛學錫藝時，練習的也多半是傳統題材，因此，做過這類創作一段時日，卻跟自己喜愛的現代美學相差甚遠，為尋回真正想做的，她割捨原有客群，迎來一段適應期，「轉風格人會離去，也會有新的人進來。」姚怡欣認為台灣臺灣工藝市場對風格忠誠度高，喜好分明也分眾。作爲工藝師應以自有特長為著力，培養出高黏著的客群。

作品的棲身之所如繆思也似黑洞

自然始終是姚怡欣作品中的經典元素，例如獲得2020年臺東工藝競賽佳作《印象台東》三件作，即是取型於當地景物，以錫臨摹出山脈、海洋與光的意象，具延展性的錫經焊接、鍛敲、彎折的反覆作用，也如時間在大地上運轉出鬼斧神工的景致。

辦展覽、參加競賽的穩定節奏外，勇於出格挑戰的姚怡欣，始終想突破臺灣，去到海外市場闖蕩的企圖心。品牌曾連續數年徵選上「臺灣頂級工藝」，以展會型態到過深圳、西安等地。也以個人之名在京都老字號的錫器作坊－清課堂展出，日本一直是姚怡欣心之嚮往的環境，「去日本我們不去都市，就去山上跟鄉下找藝廊，我們會千里迢迢的去，看他們的作品、買他們的作品。」說著旅遊所好，也描述著如果有自己的空間，會是什麼樣的景色。

2024年的春天，「野之光」對外開放，這是姚怡欣與陶藝家先生邱中均，在一片稻海中共同孕育的空間。身為工藝家也是工藝的使用者，他們在空間籌備期，因自己需求，激盪出許多靈光乍現的創作，姚怡欣陸續製作居家用品系列：花器、時鐘、燈具，將空間點綴成他們鍾愛的生活場景，也成為陳列作品的最佳場域。照明一樓茶席的光源，來自姚怡欣的《裙擺燈系列》，她將堅硬的錫當作布料，幻化出柔軟飛揚的燈罩，如跳舞般飛散著光亮。

籌備空間帶來前景似程的創作啟發，卻也同時讓他們見到黑暗。當時正值疫情引發種種不確定，面對投入成本可能付諸流水，讓向來處事條理分明的姚怡欣，積累出超標壓力。低潮情緒她透過閱讀排解，也想起不久前曾和柯適中老師學了抽象畫，作畫時的純粹感受帶她逃脫困境的窠臼。

作畫平衡對工藝的執念

「野之光」仍在建造，姚怡欣把作畫帶入她的工藝，以抒情與隨機的心境，鬆脫她在金工製作論機能，分毫講究的慣性。當年，她以50%工藝、50%藝術的尺度規劃展覽。初次跨足藝術，解鎖沒有功能性的創作，其中名為<生/滅之間>的畫作，黑色的直向線段，有若干個錫製的不規則圓，排成似有秩序的一列，「在這幅畫裡，其實完全都沒有要講工藝的事情，也不講機能性。甚至連圓也是我在灌錫時，不經意卡在湯匙上，敲不下來而完成的。每個圓的形體，經過磨練或粹化，會轉彎或是一個轉變，就像我遇到的事情，會有一個低潮又有高潮。」如今，這幅談論的畫作，擺放於歷時四年又三個月完工的「野之光」牆上，格外有重生之意，也像守護著空間與她的創造者。

從飾品到器皿，再到純藝術創作，姚怡欣鬆弛對金工應該有的執念。她熱衷研究如何作畫在工藝上；選擇什麼媒材為顏料，該怎麼讓既有元素與新素材彼結合。她拿出寫著日文的鐵罐，是天然的核桃漆，調成合宜濃度後流動成寫意線條，承載的畫布有壺承，也有茶則。姚怡欣將嚴謹與隨機的兩端集合，同在一個作品上展示，也讓她人氣的茶道具系列更添獨一無二的記號。近期，姚怡欣將錫燒熔成液體後潑灑作為顏料，用金屬作畫的效果極佳，凹凸的立體紋理有如自然成形，讓物件也隨她自身的歷練進化，更顯人與物共生而出的生命力。

文字｜王涵葳

攝影｜黃覺深

東港的海風混合著鹽味與香火氣息，每三年一科的東港迎王平安祭典，讓這座海口小鎮成為南臺灣最具代表性的民俗現場之一。當王船在夜色中點燃，火光映照海岸，人們透過送王儀式寄託消災祈福、送煞除厄的心願，也延續著長久以來的王爺信仰文化。

多數人未必知道，最終化為灰燼的王船，其實蘊含著木工造船、彩繪與雕刻工藝。當地的屏東縣王船文化館，便像是一座收藏地方記憶的船艙，將原本存在於祭典中的文化與技藝保存下來。

航向地方記憶的文化之船

文化館建築以王船為概念，流線型外觀如同船隻破浪前行，牆面大小不一的圓孔，如浪花飛濺，而建築最大的孔洞，則被設計在象徵王船「龍目」的位置。整體建築將迎王祭典的意象融入細節中，曾榮獲2026年義大利A'Design Award 金獎、2025年倫敦設計大獎金獎等多項國內外建築設計獎項。

財團法人屏東縣文化基金會駐館專員梁芝茗表示，許多人因為名稱，以為館內只介紹王船，但其實文化館更核心的主題，在於整體王爺信仰文化。「王船是王爺信仰中的一環，像祭典、科儀、文物與工藝，皆為文化館保存與研究的範圍。」她說。

文化館的成立，源自於對文化斷層的關注。製作東港王船的司阜們，本身以木造漁船工藝為業，參與王船建造，是基於信仰投入的無酬奉獻。王船完成後最終焚化，也讓這門工藝長期處於「完成即消失」的循環之中。

現代漁船材質大多以玻璃纖維為主流，木造漁船的需求大幅減少，造船師也隨著年齡增長逐漸凋零，也讓以木造技術為基礎的王船工藝，面臨傳承斷層的挑戰。因此文化館透過典藏、展示與系統化整理，希望建立一套能延續工藝知識與技術的保存機制。

從海洋信仰到在地文化

文化館展區共分四層，展覽動線也像是一段逐漸深入地方文化的旅程。進入大廳，抬頭可見一比一打造的典藏王船，巨大船艉凌空伸出，氣勢磅礡。參觀路徑自《生命的長河》沉浸式劇場展開，透過三百六十度環形投影，重現東港迎王祭典的神聖與浩大，讓觀眾彷彿置身其中。

一樓展覽也介紹送王船如何與「和瘟去厄」觀念相關，以及所衍生出的道教科儀、陣頭演藝與工藝技術，還有王爺信仰如何隨著移民傳播至東南亞與臺灣。

來到二樓，則深入探討東南亞王船文化的對照，展現王爺信仰的跨地域性。此外，二樓展區也概述全臺重要的王爺信仰祭典，包括西港刈香、南鯤鯓代天府五府千歲進香期、東港迎王平安祭典等，並展示法器、糊紙神像與陣頭文物。

三樓進一步深入屏東地區，包括東港、南州與小琉球等地迎送王祭典與科儀的差異；到了四樓，則聚焦東港東隆宮迎王祭典，完整呈現送王儀式與添載文物。梁芝茗提到，館方希望觀眾看見的，不只是單一祭典，而是信仰如何深深交織於地方生活之中。

真正能航行大海的王船

文化館最重要的典藏，是由東隆宮王船組司阜打造的一比一實木王船。王船是代天巡狩的千歲爺巡行人間時所乘坐的神船，承載著消災祈福與送煞除厄的信仰意義。因此對東港人而言，王船不光是祭典中的象徵物，更是一種信仰寄託。

東港王船的船型參考傳統福船，長度約十四公尺，設有前、中、後三支桅桿，也配備錨、舵與櫓等完整航行結構。雖然屬於祭祀用途，但仍具備實際航行能力。

船體內部空間也比照真實船隻規劃，包括五王艙、水手艙、廚房與牲畜艙等配置，甚至連火砲、刀槍與生活物資皆完整呈現，使王船在信仰與造船技術之間形成獨特交會。

走近細看，更能感受工藝細節的密度。船頭雙龍護珠氣勢莊嚴，船身兩側繪有黑鮪魚、蟳與鰻魚等東港代表性漁獲，象徵地方漁業與對豐收的祈願；船上人物木雕與微型家具亦栩栩如生，構築出一座縮小卻完整的海上世界。

館內保留司阜當時現地現造的手繪設計圖，而從設計圖到實體船身的轉化過程，也讓觀眾得以看見，王船工藝並非單一技藝，而是結合造船結構、彩繪與雕刻的綜合性工藝。

工藝在時間中持續變動

梁芝茗並不強調東港王船「完全遵照古法」，她形容它更接近一艘「中式仿古帆船」，是司阜們參考東隆宮珍藏的百年小型王船，再結合自身造船經驗與想像，一步步發展而成的成果。換句話說，王船本身就是一種持續演變的工藝。梁芝茗說，在當代的討論中，重點已不再是「是否完全復刻傳統」，而是工藝如何在新的條件下被延續與轉化。

在這樣的基礎上，地方開始出現不同的思考方向。有人提出木造與玻璃纖維結合的複合材質，也有人思考與遊艇產業合作，引入現代船舶技術，作為王船製作的輔助方式。

梁芝茗認為，真正仍在延續的工藝，本來就不可能停留在單一形式。「大家會一起討論下一艘王船該怎麼做，引進新的思維，而不是一味守舊。」也正是在這樣的過程中，傳統工藝不再只是被保存的對象，而是持續與當代生活對話與實踐。

工藝季讓傳統走進生活

2026臺灣工藝季期間，王船文化館推出一系列工藝課程，包括漆線雕、神明冠冕串珠藝術與木雕體驗等，讓原本多見於宗教祭典與匠師手中的技藝，被轉化為可親身參與的手作經驗。

在實作中，漆線不再只是神像上的裝飾，而可能成為日常器物的紋理；木雕技法也不再侷限於神轎與王船，而開始延伸至生活物件之中。對年輕世代而言，工藝不一定帶著遙遠的歷史感，它可以是一場手作課、一件作品，或是一種重新認識地方文化的入口。王船文化館所做的，正是讓這些原本可能逐漸消失的技藝，在當代被看見，也被重新使用。

這樣的延伸其實與館方的核心理念相呼應，文化並非靜態保存，而是在持續的轉化中延續生命。

梁芝茗也期待，未來王船文化館能進一步升格為博物館，成為全球華人王船信仰的重要交流基地。就像最終在火光中燃燒的王船，即使化為灰燼，它所承載的信仰與工藝，仍會在不同人的手中，被一次次重新延續。

文字 / 蔡蜜綺

攝影 / 邱家驊

一張紙，能承載多少土地的故事？在雲林斗六的「紙農書院」，蒜頭皮、稻稈、玉米梗葉，甚至颱風過後散落的枝葉，都是工藝家黃世豐眼中的珍貴素材。他將田間常見的農業剩餘物，透過蒸煮、打漿、抄紙等繁複工序，轉化為紋理與色彩各異的手工紙。那些原本被忽略的植物纖維，在他的巧手下重新組構，也讓雲林的物產、季節與風土，化作一張張獨一無二的紙上風景。

在表情豐富的手抄紙襯托下，像是一齣由植物共同演出的微型劇場，在名為「紙農書院」的空間裡登台。而這齣戲的「導演」，是工藝家黃世豐。

黃世豐與擅長染織創作的妻子先後在埔里共同成立「小滿居染織工坊」與「紙農書院」染織紙微型聚落，5 年前移居雲林。這個融合「紙」與「農」的空間，代表兩人將埔里手工造紙技術帶進農業大縣的雲林，嘗試使用農作廢棄物為原料，一場有意思的纖維實驗就此展開。

打造城裡的微型工藝角落

年輕時，黃世豐任職「天染工坊」曾與陳景林老師學習自然染色纖維工藝，於「天染花園」協助營運與天然染色教學時，曾短暫接觸手抄紙工藝，之後應紙觀光工廠工作邀約，意外地前往有「造紙小鎮」之稱的埔里。在埔里的15年間從興趣學習走到自設古法手工造紙工坊。後來他結合染、織、紙、陶四種工藝，成立「紙農書院」染織紙陶微型聚落，在寬闊的千坪空間裡打造出手創聚落，讓工藝與生活並存。

多年後移居雲林，在親友介紹下來到雲中街文創聚落。老屋木構、榻榻米與日式空間尺度，讓他一眼著迷，決定落腳於此。只是，原本遼闊的一千多坪場域，如今一下子濃縮進不到十坪的榻榻米廳室裡。

站在「押入」（壁櫥）前，黃世豐指著收納其中的材料與工具笑說，過去那些完整的體驗課程，「我現在濃縮成兩個簞笥（箱櫃）就講完了。」空間縮小了，但某種工藝的本質反而被重新淬煉出來。那些看似微小的紙纖維、植物殘片與手作痕跡，被更仔細地安放進生活裡。誰說在都市環境裡，工藝就不能存在？在黃世豐的打理之下，隱身在日治警察宿舍群的斗室，成為城市裡的迷人工藝角落。

從蒜皮到牛糞的纖維實驗

立地於雲林，置身於截然不同的環境條件裡，黃世豐依舊不改初衷，秉持因地制宜、就地取材、從零到一的精神投入創作。黃世豐說，手抄紙原本就是取自天然材料，而身為農業大縣的雲林，田間生產剩餘的農作廢棄物，在他眼中正是造紙的有趣材料。

細數著斗南的馬鈴薯、水林地瓜、莿桐蒜頭等，不同產區的農業剩餘物，依照季節提供不同的植物纖維；甚至連崙背畜牧業產生的大量牛糞、庄頭裡神明生日或遶境後產生的滿地炮仔紙，也能成為造紙材料。

遇到颱風天，他格外忙碌。「滿目瘡痍的時候，我們全家會開車出去撿東西。」黃世豐笑說，他的後車廂長年放著鋸子與花剪，隨時準備「拾荒」。倒木、斷枝、吹落的果實，在別人眼中或許是災後廢棄物，在他眼裡卻都是可再利用的纖維素材。在探尋的過程裡，他逐漸發現雲林的創作材料俯拾即是，大量且陌生的纖維素材，異於他在埔里所接觸到的，並直接影響他的創作表現。

拾荒者眼中的紙上風景

紙農書院的一只木抽屜裡，整齊收納著一束束天然纖維：秋收後曬乾的稻稈、從麻布袋拆解抽出的麻繩、舊時蓑衣使用的棕櫚樹片，以及被剝除丟棄的茭白筍殼。

光是這幾種材料，透過不同處理方式、纖維比例與成漿結構的變化，就能組合出截然不同的紙張表情。黃世豐認為，造紙工藝的其中一個困難點是材料前端的處理。從採集時間、保存狀態，到使用什麼工具、如何熬煮，每一個環節都影響著植物最後能否成為可用的纖維。他常形容，熬煮紙漿很像料理，有些材料必須先曬乾後才能加工，有些則得趁新鮮時立即處理；而不同植物纖維，也必須依特性選擇「蒸煮」或「浸漚」等不同方式處理，要是煮得太過頭，纖維便會糜爛，便無法抄成紙。

他說：「纖維皆可造紙。」但看如何處理材料。當代手工紙使用的楮或構樹多半為海外進口，但這些材料在過去同樣是「就地取材」，只是現在願意投入前端處理的人力越來越少，許多原料仰賴外部供應。

造紙是幾千年的技術，原料跟工序其實差不多，但不同地方的物產材料，會造就紙不同的應用。」在黃世豐眼裡，紙真正迷人的地方，在於纖維被重新組構後，會顯現出材料原本未曾被看見的紋理與色彩。例如以玉米梗葉製成的信封，紙面會自然散布細微的綠色、紫色纖維痕跡，而這些顏色，在材料還沒變成紙之前，其實並不明顯。

一紙地方共好的新空間

從想像一張紙的表情出發，再回頭選擇纖維材料，利用技法的堆疊，呈現出抽象的主題。例如〈熱鬧的秋天〉，他刻意挑選能呈現豐富層次感的植物纖維，但又必須壓低色彩飽和度，讓整體維持秋天沉穩而帶有暖意的色調。

並且，他也把創作延伸至紙商品設計，成為公司行號祝福的小卡、米禮的手感包裝等等，將地方、風土與物產的線索，全濃縮在一張紙裡。

為使人們有機會靠近工藝、理解工藝，甚至親手感受工藝。黃世豐將原本繁複冗長的工藝流程，重新拆解、設計成可被體驗的課程，並搭配下午茶以及老街導覽行程，讓工藝成為一段感受地方生活的旅行。

適逢一年一度的臺灣工藝季與六五工藝節，紙農書院今年推出單人成行的「日式桌燈」與「織畫」課，降低參加的門檻，吸引許多來自外縣市的工藝愛好者報名。他認為，工藝裡大量重複的動作，會讓人慢慢沉澱下來，尤其有助於培養孩子的專注與耐性。「有些孩子不一定擅長語言表達，但透過動手操作，反而更容易找到自己的節奏與能力。」今年暑假，紙農書院也預計完成新的空間計畫，一樓將結合「庇護咖啡館」，並導入社區產品與地方選物，二樓則規劃可容納四、五十人的體驗教室，成為共享地方特色與觀光資源的生活場域。

「我不覺得手工藝會消失。」在黃世豐看來，未來越是科技化，人們反而越渴望五感經驗。他說：「某種程度上，工藝會變成一種形而上的東西。」以手虔誠而做，把自己信奉的意念貫注其中，像是一種信仰。

文字 / FunnyLi

攝影 / 王士豪