將故事化為千敲百錘下的片片印記，專訪金工品牌「I-Shan13」創辦人蔡依珊

金工品牌I-Shan13以繁複的金工技法「敲花」著稱，經由反覆敲錘，雕琢出沉思的人臉表情、如葉脈的細緻紋理，雙魚座的藝術家蔡依珊，以其浪漫風格，為作品構築出富有故事性的想像空間。

蔡依珊與金工的相遇，頗有幾分「一見鍾情」的浪漫成分。大學時主修美術的她，多方接觸水墨、油畫、版畫等不同形式的創作方式。直到有一年，去到北美館參觀「銀光畫影——丹麥藝術展」，看見丹麥銀雕工藝品牌喬治傑生（Georg Jensen）的百年工藝，如何透過敲錘鍛造，把銀板打造為一件件美感獨具的容器。閃閃發亮的魚盤銀器，讓蔡依珊深受悸動，彷彿打開了某個開關，引領她走向金工的創作途徑。

從零開始到創立個人品牌

為了精進修藝之路，蔡依珊報考了臺南藝術大學應用藝術研究所的金工與首飾創作組。全無金工技術背景的她，帶著就讀美術系時的複合媒材作品應試，比如用銅線鉤織出真的可以穿上身的女性內衣、用串珠串出羽毛造型，還有把人體素描的圖案以刺繡的方式表現。憑藉著精巧出眾的手藝，竟就這麼說服了考官，讓她順利錄取。

當時同學們都具備基礎技法，只有蔡依珊是從零開始，「連工具都還是同學幫忙準備的。」光是使用最基本的鋸弓鋸切金屬，就已經讓她嚐到苦頭，像是鋸切方向不正確、速度和力道拿捏不準，都會導致鋸絲屢屢斷裂。

「可能我就是有股不服輸的好勝心吧，覺得別人可以做到不會斷，我一定也可以。」蔡依珊下功夫苦練，再加上她學習新的東西總是能吸收得很快，第一個學期她僅憑「鋸」的工法就能完成教授出的作業題目「手」。

爾後，她以紙雕概念將金屬做成一個具有紙質美感的盤子，這件作品更在2006年入選了德國慕尼黑「TALENTE國際競賽特展」，初試啼聲便一鳴驚人，開始讓更多人看見她在金工工藝的才華與潛質。

蔡依珊畢業後隨即獲得學學文創的邀請，擔任駐場藝術家。在一個小小的展間裡製作和銷售自己的金工首飾，對於初入社會的她來說，不僅可以持續保持創作動能，也因為要跟客人介紹飾品，在為期七、八個月的期間，是一段很好的歷練，讓她開始認真思考用創作來維生這件事情。這個時期的累積，最終促使蔡依珊鼓起勇氣，在2010年以自己的名字和生日為名成立了個人品牌。

大量時間堆疊的敲花技法

在金工工藝中，與火焰協作是不可或缺的一環，必須精準地控制火焰的溫度和方向，以確保金屬能夠被焊接、加熱，需要具備高超的技術和掌控能力。在「已知用火」的部分，蔡依珊顯得游刃有餘，她輕鬆一笑說自己的創作過程需要大量的焊接，從火焰的接觸位置、物件兩端的溫度達到一致，還有在接合的時候能夠保持穩定，諸多細節都讓她覺得焊接很有意思。

「敲花」是蔡依珊最常使用的技法，她在攻讀研究所時就決定要以此技法作為自己創作的主要表現方式。她提到，敲花需要從金屬表面往下敲凹，再翻面敲回來調整，充分利用金屬特有的延展性，使金屬片材呈現出半浮雕的立體度。透過凹雕（Chasing）與浮雕（Repoussé）兩種正反搭配，創造出作品的豐富層次感。

工作桌上收得齊齊整整的一支支鏨頭，是用來敲花的主要工具。「這些鏨頭都是我自己手工磨出想要的形狀，」蔡依珊說明，「如果我需要做出特定的線條或形狀，就要去打磨出一個這樣的鏨頭。」右撇子的她，認為以慣用手持鏨頭的穩定性更好，還因此特地訓練自己改成用左手握錘。

她拿出早年讀書時用紅銅做的練習作品，那是三張精緻小巧的人臉，「整個學期就敲了三張。」因為敲花技法必須透過不斷地反覆退火與敲擊，才能慢慢修整出理想的形狀。當時她還把自己的臉用石膏翻模做出一個模型，藉由手指撫觸，加強自己對於輪廓凹凸的感受。

蔡依珊一臉著迷地說雖然這種技法十分耗時又費工，創造出的手作質感卻也是獨一無二的。或許是個性使然，她很能耐著性子做重複的動作，「就這樣一直敲呀敲的，一做就是好幾個小時。」對喜歡畫畫的她來說，敲花技法的創作痕跡和插畫筆觸有異曲同工之妙，就像是在金屬上作畫，讓平面的圖案變得立體起來。

用作品好好說一個故事

十餘年創作生涯，累積超過五百件作品。在蔡依珊的金工作品中，往往都有她賦予的故事性，為作品構築出夢境般的劇情，讓人能夠短暫跳脫現實，進入她的藝想世界。

走進工作室，井然有序的小小空間是她日夜敲錘的夢想之地。她笑笑說本想為了這次的採訪邀約打造新作來分享，無奈敲花實在太花時間，只好作罷。最近期的，是今年春天參加「敲—燃-金工聯展」的兩件作品，分別名為「尋思的臉」和「寧憩的臉」。以過去自己去海邊尋找撿拾化石、倚靠大石短暫小憩的記憶為題材，運用敲花技法，重現那個當下凝神看海和與化石相遇生命表情。

求好心切的她，不分晝夜地趕工，「結果不小心敲太凸了。」不厭其煩地反覆修正調整，金屬被延展打得越來越薄，甚至敲破了只得再加一塊修補。雖是無心造成的插曲，卻讓作品多了一些不經意的線條感，呈現如同岩石般的質感，「就像是人與自然相融的寫照，我自己還滿喜歡的。」

去年的「嘟嘟銀樓」計畫，連接傳統銀樓的符號意涵，每個創作者以不同過往的手法重新詮釋銀樓印象。當時帶著一歲多孩子的蔡依珊，聯想到寶寶出生時傳統都會佩戴做成如意造型的金飾，有祝福孩子無病無災、平安長大的寓意。她從這個意涵出發，設計出虎頭造型的「如意虎戒」，上頭的鬍鬚，都得要一根根焊接上去再打磨，作工細緻。

看似日常的生活吉光片羽，也是蔡依珊的靈感汲取來源。比如工作室搬離學學文創後，曾在浦城街的一處民宅落腳，從高樓林立、商業氣息濃厚的內湖來到空氣裡飄散著慢活氛圍的師大商圈，街坊鄰居的門前種著尤加利葉、薄荷和薰衣草等綠植，「夏夜的巷弄芳蹤」系列於焉誕生。栩栩如生的花草也是蔡依珊作品中最廣受歡迎的主題，運用敲花技法展現枝葉舒展的曲折，讓冷硬金屬彷彿化為繞指柔。

創作本心 繼續勇敢逐夢

2012年I-Shan13受邀進入誠品文具館販售，隔年便以品牌獨立櫃位進駐誠品松菸，多年來面對大眾消費市場，始終有不錯的支持度。不過蔡依珊坦言，近年來面對平價流行度高、頻繁推出新品的快時尚，或是因為材質方便照顧、款式也相對年輕，而更受年輕族群喜愛的輕珠寶，確實都對品牌帶來一些衝擊。

令人頗感意外的是，走過十餘個年頭、資歷深厚的品牌，對外卻是相對低調。對此，蔡依珊有感而發說道，自己深知行銷推廣的必要性，但每件作品從發想設計到執行製作相當曠日費時，再加上考量到營運成本，疫情後品牌貨真價實成了她的一人工作室，每每面對行銷，更是無暇分身。如何在市場競爭加劇的現況當中，策略性地加強行銷力道，確實是無可迴避的課題。

品牌存續的話題難免沉重，她轉頭拿起尚未完成的珊瑚系列飾品，又笑吟吟地說起自己因為名字裡有「珊」，一直對珊瑚頗為鍾意，從以前就用來與銀飾結合設計，「而且珊瑚都長得不一樣，所以就只能一件件做。」

過去的敲花作品大多是形象鮮明的人臉、魚等造型，接下來蔡依珊還想嘗試一些不那麼具體的形狀或線條。雖然有著身為經營者的包袱，但講起金工時眼裡綻放的光芒，那是身為創作者最純粹爛漫的情感。

文字｜張雅琳

攝影｜Kris Kang

東港的海風混合著鹽味與香火氣息，每三年一科的東港迎王平安祭典，讓這座海口小鎮成為南臺灣最具代表性的民俗現場之一。當王船在夜色中點燃，火光映照海岸，人們透過送王儀式寄託消災祈福、送煞除厄的心願，也延續著長久以來的王爺信仰文化。

多數人未必知道，最終化為灰燼的王船，其實蘊含著木工造船、彩繪與雕刻工藝。當地的屏東縣王船文化館，便像是一座收藏地方記憶的船艙，將原本存在於祭典中的文化與技藝保存下來。

航向地方記憶的文化之船

文化館建築以王船為概念，流線型外觀如同船隻破浪前行，牆面大小不一的圓孔，如浪花飛濺，而建築最大的孔洞，則被設計在象徵王船「龍目」的位置。整體建築將迎王祭典的意象融入細節中，曾榮獲2026年義大利A'Design Award 金獎、2025年倫敦設計大獎金獎等多項國內外建築設計獎項。

財團法人屏東縣文化基金會駐館專員梁芝茗表示，許多人因為名稱，以為館內只介紹王船，但其實文化館更核心的主題，在於整體王爺信仰文化。「王船是王爺信仰中的一環，像祭典、科儀、文物與工藝，皆為文化館保存與研究的範圍。」她說。

文化館的成立，源自於對文化斷層的關注。製作東港王船的司阜們，本身以木造漁船工藝為業，參與王船建造，是基於信仰投入的無酬奉獻。王船完成後最終焚化，也讓這門工藝長期處於「完成即消失」的循環之中。

現代漁船材質大多以玻璃纖維為主流，木造漁船的需求大幅減少，造船師也隨著年齡增長逐漸凋零，也讓以木造技術為基礎的王船工藝，面臨傳承斷層的挑戰。因此文化館透過典藏、展示與系統化整理，希望建立一套能延續工藝知識與技術的保存機制。

從海洋信仰到在地文化

文化館展區共分四層，展覽動線也像是一段逐漸深入地方文化的旅程。進入大廳，抬頭可見一比一打造的典藏王船，巨大船艉凌空伸出，氣勢磅礡。參觀路徑自《生命的長河》沉浸式劇場展開，透過三百六十度環形投影，重現東港迎王祭典的神聖與浩大，讓觀眾彷彿置身其中。

一樓展覽也介紹送王船如何與「和瘟去厄」觀念相關，以及所衍生出的道教科儀、陣頭演藝與工藝技術，還有王爺信仰如何隨著移民傳播至東南亞與臺灣。

來到二樓，則深入探討東南亞王船文化的對照，展現王爺信仰的跨地域性。此外，二樓展區也概述全臺重要的王爺信仰祭典，包括西港刈香、南鯤鯓代天府五府千歲進香期、東港迎王平安祭典等，並展示法器、糊紙神像與陣頭文物。

三樓進一步深入屏東地區，包括東港、南州與小琉球等地迎送王祭典與科儀的差異；到了四樓，則聚焦東港東隆宮迎王祭典，完整呈現送王儀式與添載文物。梁芝茗提到，館方希望觀眾看見的，不只是單一祭典，而是信仰如何深深交織於地方生活之中。

真正能航行大海的王船

文化館最重要的典藏，是由東隆宮王船組司阜打造的一比一實木王船。王船是代天巡狩的千歲爺巡行人間時所乘坐的神船，承載著消災祈福與送煞除厄的信仰意義。因此對東港人而言，王船不光是祭典中的象徵物，更是一種信仰寄託。

東港王船的船型參考傳統福船，長度約十四公尺，設有前、中、後三支桅桿，也配備錨、舵與櫓等完整航行結構。雖然屬於祭祀用途，但仍具備實際航行能力。

船體內部空間也比照真實船隻規劃，包括五王艙、水手艙、廚房與牲畜艙等配置，甚至連火砲、刀槍與生活物資皆完整呈現，使王船在信仰與造船技術之間形成獨特交會。

走近細看，更能感受工藝細節的密度。船頭雙龍護珠氣勢莊嚴，船身兩側繪有黑鮪魚、蟳與鰻魚等東港代表性漁獲，象徵地方漁業與對豐收的祈願；船上人物木雕與微型家具亦栩栩如生，構築出一座縮小卻完整的海上世界。

館內保留司阜當時現地現造的手繪設計圖，而從設計圖到實體船身的轉化過程，也讓觀眾得以看見，王船工藝並非單一技藝，而是結合造船結構、彩繪與雕刻的綜合性工藝。

工藝在時間中持續變動

梁芝茗並不強調東港王船「完全遵照古法」，她形容它更接近一艘「中式仿古帆船」，是司阜們參考東隆宮珍藏的百年小型王船，再結合自身造船經驗與想像，一步步發展而成的成果。換句話說，王船本身就是一種持續演變的工藝。梁芝茗說，在當代的討論中，重點已不再是「是否完全復刻傳統」，而是工藝如何在新的條件下被延續與轉化。

在這樣的基礎上，地方開始出現不同的思考方向。有人提出木造與玻璃纖維結合的複合材質，也有人思考與遊艇產業合作，引入現代船舶技術，作為王船製作的輔助方式。

梁芝茗認為，真正仍在延續的工藝，本來就不可能停留在單一形式。「大家會一起討論下一艘王船該怎麼做，引進新的思維，而不是一味守舊。」也正是在這樣的過程中，傳統工藝不再只是被保存的對象，而是持續與當代生活對話與實踐。

工藝季讓傳統走進生活

2026臺灣工藝季期間，王船文化館推出一系列工藝課程，包括漆線雕、神明冠冕串珠藝術與木雕體驗等，讓原本多見於宗教祭典與匠師手中的技藝，被轉化為可親身參與的手作經驗。

在實作中，漆線不再只是神像上的裝飾，而可能成為日常器物的紋理；木雕技法也不再侷限於神轎與王船，而開始延伸至生活物件之中。對年輕世代而言，工藝不一定帶著遙遠的歷史感，它可以是一場手作課、一件作品，或是一種重新認識地方文化的入口。王船文化館所做的，正是讓這些原本可能逐漸消失的技藝，在當代被看見，也被重新使用。

這樣的延伸其實與館方的核心理念相呼應，文化並非靜態保存，而是在持續的轉化中延續生命。

梁芝茗也期待，未來王船文化館能進一步升格為博物館，成為全球華人王船信仰的重要交流基地。就像最終在火光中燃燒的王船，即使化為灰燼，它所承載的信仰與工藝，仍會在不同人的手中，被一次次重新延續。

文字 / 蔡蜜綺

攝影 / 邱家驊

一張紙，能承載多少土地的故事？在雲林斗六的「紙農書院」，蒜頭皮、稻稈、玉米梗葉，甚至颱風過後散落的枝葉，都是工藝家黃世豐眼中的珍貴素材。他將田間常見的農業剩餘物，透過蒸煮、打漿、抄紙等繁複工序，轉化為紋理與色彩各異的手工紙。那些原本被忽略的植物纖維，在他的巧手下重新組構，也讓雲林的物產、季節與風土，化作一張張獨一無二的紙上風景。

在表情豐富的手抄紙襯托下，像是一齣由植物共同演出的微型劇場，在名為「紙農書院」的空間裡登台。而這齣戲的「導演」，是工藝家黃世豐。

黃世豐與擅長染織創作的妻子先後在埔里共同成立「小滿居染織工坊」與「紙農書院」染織紙微型聚落，5 年前移居雲林。這個融合「紙」與「農」的空間，代表兩人將埔里手工造紙技術帶進農業大縣的雲林，嘗試使用農作廢棄物為原料，一場有意思的纖維實驗就此展開。

打造城裡的微型工藝角落

年輕時，黃世豐任職「天染工坊」曾與陳景林老師學習自然染色纖維工藝，於「天染花園」協助營運與天然染色教學時，曾短暫接觸手抄紙工藝，之後應紙觀光工廠工作邀約，意外地前往有「造紙小鎮」之稱的埔里。在埔里的15年間從興趣學習走到自設古法手工造紙工坊。後來他結合染、織、紙、陶四種工藝，成立「紙農書院」染織紙陶微型聚落，在寬闊的千坪空間裡打造出手創聚落，讓工藝與生活並存。

多年後移居雲林，在親友介紹下來到雲中街文創聚落。老屋木構、榻榻米與日式空間尺度，讓他一眼著迷，決定落腳於此。只是，原本遼闊的一千多坪場域，如今一下子濃縮進不到十坪的榻榻米廳室裡。

站在「押入」（壁櫥）前，黃世豐指著收納其中的材料與工具笑說，過去那些完整的體驗課程，「我現在濃縮成兩個簞笥（箱櫃）就講完了。」空間縮小了，但某種工藝的本質反而被重新淬煉出來。那些看似微小的紙纖維、植物殘片與手作痕跡，被更仔細地安放進生活裡。誰說在都市環境裡，工藝就不能存在？在黃世豐的打理之下，隱身在日治警察宿舍群的斗室，成為城市裡的迷人工藝角落。

從蒜皮到牛糞的纖維實驗

立地於雲林，置身於截然不同的環境條件裡，黃世豐依舊不改初衷，秉持因地制宜、就地取材、從零到一的精神投入創作。黃世豐說，手抄紙原本就是取自天然材料，而身為農業大縣的雲林，田間生產剩餘的農作廢棄物，在他眼中正是造紙的有趣材料。

細數著斗南的馬鈴薯、水林地瓜、莿桐蒜頭等，不同產區的農業剩餘物，依照季節提供不同的植物纖維；甚至連崙背畜牧業產生的大量牛糞、庄頭裡神明生日或遶境後產生的滿地炮仔紙，也能成為造紙材料。

遇到颱風天，他格外忙碌。「滿目瘡痍的時候，我們全家會開車出去撿東西。」黃世豐笑說，他的後車廂長年放著鋸子與花剪，隨時準備「拾荒」。倒木、斷枝、吹落的果實，在別人眼中或許是災後廢棄物，在他眼裡卻都是可再利用的纖維素材。在探尋的過程裡，他逐漸發現雲林的創作材料俯拾即是，大量且陌生的纖維素材，異於他在埔里所接觸到的，並直接影響他的創作表現。

拾荒者眼中的紙上風景

紙農書院的一只木抽屜裡，整齊收納著一束束天然纖維：秋收後曬乾的稻稈、從麻布袋拆解抽出的麻繩、舊時蓑衣使用的棕櫚樹片，以及被剝除丟棄的茭白筍殼。

光是這幾種材料，透過不同處理方式、纖維比例與成漿結構的變化，就能組合出截然不同的紙張表情。黃世豐認為，造紙工藝的其中一個困難點是材料前端的處理。從採集時間、保存狀態，到使用什麼工具、如何熬煮，每一個環節都影響著植物最後能否成為可用的纖維。他常形容，熬煮紙漿很像料理，有些材料必須先曬乾後才能加工，有些則得趁新鮮時立即處理；而不同植物纖維，也必須依特性選擇「蒸煮」或「浸漚」等不同方式處理，要是煮得太過頭，纖維便會糜爛，便無法抄成紙。

他說：「纖維皆可造紙。」但看如何處理材料。當代手工紙使用的楮或構樹多半為海外進口，但這些材料在過去同樣是「就地取材」，只是現在願意投入前端處理的人力越來越少，許多原料仰賴外部供應。

造紙是幾千年的技術，原料跟工序其實差不多，但不同地方的物產材料，會造就紙不同的應用。」在黃世豐眼裡，紙真正迷人的地方，在於纖維被重新組構後，會顯現出材料原本未曾被看見的紋理與色彩。例如以玉米梗葉製成的信封，紙面會自然散布細微的綠色、紫色纖維痕跡，而這些顏色，在材料還沒變成紙之前，其實並不明顯。

一紙地方共好的新空間

從想像一張紙的表情出發，再回頭選擇纖維材料，利用技法的堆疊，呈現出抽象的主題。例如〈熱鬧的秋天〉，他刻意挑選能呈現豐富層次感的植物纖維，但又必須壓低色彩飽和度，讓整體維持秋天沉穩而帶有暖意的色調。

並且，他也把創作延伸至紙商品設計，成為公司行號祝福的小卡、米禮的手感包裝等等，將地方、風土與物產的線索，全濃縮在一張紙裡。

為使人們有機會靠近工藝、理解工藝，甚至親手感受工藝。黃世豐將原本繁複冗長的工藝流程，重新拆解、設計成可被體驗的課程，並搭配下午茶以及老街導覽行程，讓工藝成為一段感受地方生活的旅行。

適逢一年一度的臺灣工藝季與六五工藝節，紙農書院今年推出單人成行的「日式桌燈」與「織畫」課，降低參加的門檻，吸引許多來自外縣市的工藝愛好者報名。他認為，工藝裡大量重複的動作，會讓人慢慢沉澱下來，尤其有助於培養孩子的專注與耐性。「有些孩子不一定擅長語言表達，但透過動手操作，反而更容易找到自己的節奏與能力。」今年暑假，紙農書院也預計完成新的空間計畫，一樓將結合「庇護咖啡館」，並導入社區產品與地方選物，二樓則規劃可容納四、五十人的體驗教室，成為共享地方特色與觀光資源的生活場域。

「我不覺得手工藝會消失。」在黃世豐看來，未來越是科技化，人們反而越渴望五感經驗。他說：「某種程度上，工藝會變成一種形而上的東西。」以手虔誠而做，把自己信奉的意念貫注其中，像是一種信仰。

文字 / FunnyLi

攝影 / 王士豪