近日登場的《2073 ☆ 超異次元戰鬥！神秘病毒的襲來》聯展，由藝術集合組織「蓋亞高校」攜手10位跨域創作者共同策劃，以一座充滿未來氛圍的虛擬學園世界為題，從視覺裝置到互動藝術等多元媒介，邀請觀眾走入次元裂縫世界，體驗病毒爆發下的未知與冒險！

「蓋亞高校」是什麼、在做什麼？

以一系列藍底大頭貼照在社群平台引起注目的「蓋亞高校」，究竟是個什麼樣的組織？作為推廣藝術家交流的平台，蓋亞高校今年曾在東京舉辦小型聯合藝術展，如今回到台北攜手創作者帶來《2073 ☆ 超異次元戰鬥！神秘病毒的襲來》展覽。

蓋亞高校是一間將時空背景設定在2072年的假想未來學校，其「學員」們來自各個創作領域，目前以邀請制為主，又分為參與展出的「正式生」與一般的「見習生」，未來期待透過各種活動將創作者聚集在一起，透過ip故事包裝等讓參與者及觀眾更能夠感受到認同及參與感，為世界注入更多想像力與活力。

這個聖誕節前夕，蓋亞高校也將舉辦「2073 ★ 病毒聚集：次世代誕生」創作者交流之夜活動，更包含下一屆蓋亞高校學員選拔的重要環節，參加者將能近距離與學長姐們交流互動與進行遊戲，並透過提交個人作品爭取進入蓋亞高校的機會。

10位創作者交織異次元世界

本次聯合藝術展共邀請到十位台、港、日藝術家參與，包含KINGJUN、Kurt Wu、李君慈（Jyunc-cih LI）、劉承杰（Jie Liou）、XIAN、ram2、YAMEPI、NINGEN、陳樂（MP7）與 BS.P，圍繞著「異次元」與「病毒」主題打造一系列作品，並透過不同媒材與風格，展現個體情感、人類觀察與虛實交錯的元素，構建充滿未來感與創意的平行世界。

KINGJUN將病毒比喻為內心深處的渴望與情感，透過粉嫩螢光色調創作出立體裝置《VIRUS FLOWER》，以病毒花展現感染與共鳴的力量；Kurt Wu透過簡約線條與溫暖筆觸，捕捉情感波動，將心靈情緒外化為經典的愛心圖騰，以細膩的《Mood of Heart》呈現人類的情緒；李君慈則帶來充滿想像力的兔子角色設計，探索多樣視角下的未來生命圖景，以柔和粉彩色調賦予可愛與深刻兼具的視覺呈現。

在數位藝術領域中，劉承杰的互動新媒體作品《Hearing the Echoes of Existence | In Memory of Black Star》結合空間設計與數位技術，探討「觀看者與被觀看」及「時間的非線性」，回應2073年虛實融合的世界觀；XIAN的3D作品《UNHUMAN AFTER》則以未來主義視角重構人類與科技的界線。

ram2的作品挑戰傳統角色設計，將實驗性雕塑與動漫、科幻風格結合，為流行文化注入新力量；日本潮流藝術家YAMEPI融合東京街頭文化與活潑配色，創作出充滿能量的角色，並將插畫延伸至服裝與商品設計，展現藝術與日常生活的緊密連結；NINGEN的《極樂世界》以簡約線條與大膽配色，捕捉幽默與情感細節，展現當代插畫的無限可能；陳樂則以3D視覺呈現Cyberpunk氛圍的東京街頭，並結合3D列印技術，以立體感突破虛擬與現實界線。

BS.P運用丹寧布創作，融合傳統與創新，以日式刺繡「刺子繡」結合刷色與破損質感，重構材料的美感與文化意涵，作品《加密の生命之紋》描繪出脆弱卻堅韌的生命力，而《古代虛擬生機》則延展古老生命印記至數位網絡，展現自然與人工交錯的奇妙之美，作品中的銀杏象徵永恆韌性，在病毒侵襲中依然閃耀生機。此外，BS.P本次也與Liao Sun合作打造未來花朵立體裝置，延續生命與希望的主題。

上「社課」了！講座與工作坊激發創作能量

除了展覽外，蓋亞高校也延伸「社課」概念，於本次活動期間推出一系列講座與工作坊，邀請參展藝術家及講師們與學員深度互動，課程內容涵蓋街頭藝術、視覺設計、服裝創作、AI生成、音樂製作與瑜珈伸展等多元領域。

其中，YAMEPI與台灣服飾品牌PLATEAU STUDIO®主理人Jerry共同主持講座，分享日本與台灣藝術、品牌經營與跨界創作的實戰經驗；金獎製作人剃刀蔣與米奇林則直擊音樂圈秘辛，現場解讀作品技術，歡迎音樂創作者攜作品前來切磋；藝術家BS.P與台灣潮流品牌YANGI創辦人楊艾倫，將探討服裝、設計與藝術的平衡之道，從籃球與街頭潮流到品牌定位，解構創作的核心價值；而李君慈將與鶴The Crane聚焦視覺與音樂的跨界對話，展現靈感共振的魅力；壓軸講座則邀請蓋亞高校「影像部」御用攝影師紅花與鹿虹，揭開AI算圖神秘面紗，帶來影像與科技交織的未來想像。

而在工作坊課程部份，有瑜伽品牌woom韻創辦人Melody結合陰瑜伽與筋膜球放鬆，輕鬆打造高質量睡眠；KURT WU將帶領學員製作專屬T-Shirt，結合燙印與電繡，創造病毒時代的防護潮流單品；KINGJUN的壓克力彩繪工作坊，將引導學員以心靈顏色創作獨一無二的病毒花；還有吉卜力台灣限定海報設計師董十行親授插畫技巧與創作心法，幫助學員突破盲點，打造扎實的創作力。

「蓋亞高校社課」系列活動資訊與報名方式請見活動售票頁面。

「2073 ☆ 超異次元戰鬥！神秘病毒的襲來」

展覽日期｜2024年12月14日至2025年1月5日
開放時間｜11:00–21:30
展覽地點｜NOKE忠泰樂生活 3F UNCANNY（台北市中山區樂群三路 200 號 3 樓）
入場方式｜免費參觀

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/10月號《韓國設計特搜》

想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group