2025大阪世博「葡萄牙館」：隈研吾操刀白色海浪懸浮建築，展開「海洋，藍色對話」

2025大阪世博將在4月13日至10月13日舉行，葡萄牙館以「海洋，藍色對話」（Ocean, the Blue Dialogue）為主題，展開一段橫越500年的歷史對話，重新喚起人類與海洋共生的願景；建築展館邀來日本建築大師隈研吾領軍的隈研吾建築事務所（Kengo Kuma & Associates）操刀，以「解構」建築語彙，宛若懸浮的海浪姿態，表現出海洋的流動感與生命力！

有如白色海浪的懸浮建築展館

當湛藍海洋文化成為建築語言，葡萄牙作為因海洋而繁盛的國家，不僅在這場盛會中訴說過去，也會以前瞻姿態，回應當代對於永續與藍色經濟的關注。透過海洋視角，葡萄牙館連結聯合國永續發展SDG 7「可負擔且潔淨的能源」與SDG 14「海洋生態」兩大目標，重新凝視蔚藍海洋如何成為文明起點、經濟的驅動，同時更是未來創新的新啟發。

葡萄牙館建築以「帶領參觀者潛入海洋、探索海洋」為概念，宛如白色海浪般的建築，由日本建築大師隈研吾操刀，以極簡且富有詩意的語彙回應海洋的律動。建築以懸掛的繩索與回收漁網成為主要建材，透過其質感與形體，營造出能與陽光與微風自然交融的空間。

外觀猶如一抹波濤，上方結構懸浮半空，在陽光下輕盈浮起，大面積懸掛的繩索與回收漁網，交織出波光粼粼的姿態，特別是隨風搖曳時，展館彷彿會呼吸般，充滿有機生命力外，也玩轉海水流動的姿態，可望成為大阪世博園區內閃耀的「燈塔」。

另外，建築也與大阪世博「大根屋」之間巧妙互動，當遊客穿行其間，外觀宛若漂浮於海面，帶來如同沉浸於流動海洋中的奇幻感受。

沉浸式體驗感看見海洋文化過去與未來

葡萄牙館展覽以「一個以海洋締造過去、現在與未來的國家」（A country with a past, a present, and a future built with the ocean）為敘事主軸，帶來一場關於文明、科技與海洋的深度對話，展區分為「知識共享」與「攜手共創永續未來」兩大區域。

「知識共享」如同一座流動的時間之海，融合藝術、歷史與科技，帶領觀者回望葡萄牙與日本因海洋而交會的500年緣分。歷史文物象徵著航海時代的輝煌，而互動裝置則將視角拉回當代，讓人看建科技如何為海洋開啟全新可能。

「攜手共創永續未來」則為五感沉浸式體驗。面積200平方公尺的展區，將有專為大阪世博打造的5分鐘多媒體作品，邀請遊客從當前的環境挑戰出發，走入一場充滿希望的「美好烏托邦」之旅。

除了展覽空間外，葡萄牙館也有商店、多功能空間，以及主打葡萄牙美食的餐廳，讓訪客從味覺感受海洋的恩賜，體驗不同層次的「藍色對話」。

2025大阪世博「葡萄牙館」
展期：2025年4月13日至10月13日
更多資訊可至葡萄牙館官網查詢

資料來源｜Portugal Pavilion

電影《我的完美日常》以役所廣司飾演的公廁清潔工為主角，訴說在平凡而規律的日常中，日子間的縫隙總藏有值得反覆回味的美好。隨電影推波助瀾，東京公廁改造計畫「THE TOKYO TOILET」更廣為人知，也讓觀者更加明白公廁之於一座城市的重要性——它是人們著急時的救贖，是設計美感的載體，也是城市公共空間是否足夠包容的指標。

視線轉往地球另一端，倫敦西敏市（Westminster City）也正上演一場公廁設計革新！英國建築事務所Studio Weave以「城市採石場」為核心概念，運用辦公大樓拆除後的廢料為材，為當地街區打造一座全新公廁，其立面由不同色彩、紋路的石材拼接而成，看上去就像一座巨大的藝術雕塑。

打造讓市民感到安全、願意使用的公廁

這座充滿設計感的公廁，位在倫敦North Paddington一帶，由西敏市議會委託Studio Weave興建，用以取代鄰近Maida Hill住宅區原有的地下公廁。以新代舊的原因有二，一是舊公廁外觀難以辨認且不易抵達；另則是其位於治安死角，長期以來衍生出許多社會問題。也因此，Studio Weave必須思考如何讓新公廁成為社區廣場中，令人感到安全、可親、且願意使用的公共設施，同時兼顧低碳和永續。

為回收石材賦予多元質感

為了降低公廁建造過程的隱含碳排（embodied carbon），Studio Weave選擇石材作為主要建材，並以「城市採石場（urban quarry）」為概念，從倫敦一棟剛被拆除的辦公大樓，回收粉紅芬蘭花崗岩、挪威黑角閃長石等材料，並與擅長石材處理的建築團隊Stone Masonry Company合作，透過劈裂、磨光與拋光等不同表面處理方式，為回收石材賦予多元質感。

結構藏永續設計思考

設計過程中，Studio Weave也與工程顧問Webb Yates交流協作，盡可能減少回收石材再利用所需的加工程序，盼能降低公共工程成本，也減少碳排放，因此新公廁建築的尺度和細部設計，多是依照回收板材的尺寸延伸發展。此外，石牆結構與內部單元彼此獨立，便於日後設施維修，也確保未來石材還可拆卸、再利用，再進入下一個生命循環。

在低調與辨識度間取得平衡

談及這份公廁設計任務，Studio Weave總監Eddie Blake在接受《Dezeen》訪問時表示，整體設計的核心在於打造一處具有「尊嚴感」和「公共性」的空間，「這座建築必須容易被看見、且一眼就能辨識，讓民眾能快速找到公廁，同時降低反社會行為發生的機率。」此外他也提到，公廁被歸類為「背景型建築」，其意指不以奇特造型搶奪視覺焦點，而要藉內斂的量體、色彩與材質融入環境。因此本案最大的挑戰，就是在低調與辨識度之間取得平衡。

「城市採石場」概念如何在資源有限的時代發揮作用？

Studio Weave團隊也期盼藉由這座公廁，讓更多人關注「城市採石場」的概念，也就是城市中其實蘊藏大量的高品質建材資源，靜待著被重新利用。Blake對此表示，在資源面臨緊縮的時代，我們這一代最大的挑戰就是如何更有效率地運用資源，「團隊也十分關注建築所乘載的文化意義，這次我們將原屬於金融機構的外牆材料，轉變成公共廁所的建築結構，這過程本身就傳遞了強而有力的訊息。」

英國正逐漸成為「公廁荒漠」？

由此案延伸，讓我們看向英國當今的公廁使用狀況：根據英國皇家公共衛生學會（Royal Society for Public Health）調查，目前英國的公廁數量正持續減少，以英格蘭（England）為例，過去10年間減少了14%左右。對此學會提醒，像這樣的「公廁荒漠（public toilet deserts）」正對民眾的健康造成負面影響，也對英國的高街（High Street）商業環境有所衝擊。

對於「公廁荒漠」現象，Blake有感而發：「一座公廁足以體現民主精神，它證明了一座城市仍足夠相信自身的價值，願意向大眾提供最基本、也是所有人都需要的公共服務。」他希望在公廁逐漸從英國城市生活淡出的此刻，能透過這件案子，讓人們更加了解投資城市公共基礎建設的重要性。

加州必訪藝文地標——洛杉磯郡立美術館（LACMA），2026年5月迎來全新展館「David Geffen Galleries」開幕。普立茲克獎得主Peter Zumthor受託設計新館，為LACMA打造一座高架式的展覽空間，專門展示永久典藏。這座展館的獨特之處在於，所有展品皆在單一樓層的開放式空間展出，且空間具備高度彈性，觀展動線可因應不同策展計畫靈活延展，邀觀眾在此依自身步調自由探索。

你肯定在美劇裡看過LACMA這片「光景」

以202盞復古街燈組成的巨型裝置〈城市之光（Urban Light）〉為門面亮點，美國西部規模最大的藝術博物館——洛杉磯郡立美術館（LACMA），不僅園區腹地廣大，館藏亦高達15.5萬件。位在一座由大量移民組成、多元文化交織的城市，LACMA的策展與收藏方針也深刻反映了洛杉磯包容、前衛的城市風格，及多元的「環太平洋」文化視角。

LACMA館藏年份橫跨6,000年藝術史，除包含大量西方現代藝術大師如安迪·沃荷（Andy Warhol）、賈柯梅蒂（Alberto Giacometti）等人名作，這裡的伊斯蘭藝術、古代美洲藝術、日本及亞洲藝術收藏也聞名國際。

普利茲克建築大師Peter Zumthor設計新館，混凝土與玻璃共舞

為創造更符合當代需求的展演空間，LACMA於2020年啟動開館以來最大規模的新場館建設——「David Geffen Galleries」由瑞士建築大師Peter Zumthor操刀，他與執行建築團隊SOM、LACMA館長Michael Govan密切合作，構思一座流動、蜿蜒、延展近274公尺的混凝土建築，其外部以通透的玻璃帷幕覆蓋，引自然光流入室內；整體抬升約9公尺，彷彿輕盈漂浮於地面之上，讓訪客置身高架展廳時，可隔窗眺望洛杉磯城市景色。

Peter Zumthor雖非多產的建築師，但他對材料運用之嫻熟、光影掌控之精妙，以及對極簡主義的極致演繹，讓他在2009年拿下「建築界的奧斯卡」——普立茲克獎。他為數不多的作品，多不在繁華都市，而是坐落郊區或隱於大自然之中，其中又以瑞士「瓦爾斯溫泉浴場 （Therme Vals）」為代表作。他運用當地開採的6萬塊片岩，將浴場塑成一座彷彿從山間自然生長出的石砌迷宮；室內光影透過精心設計的屋頂縫隙灑落，與水面、石材紋理交織，營造出一種充滿神性、令人抽離現實的感官體驗。

27種尺度的展廳在同一樓層「攤開」

視線從瑞士小鎮回到洛杉磯，LACMA新館無論就規模、形式、風格來說，對Peter Zumthor都是生涯的一大突破。這是他在美國的第一件建築作品，也是首次挑戰如此大尺度之作。David Geffen Galleries將取代LACMA始建於1960年代、圍繞著中央庭院配置的一系列老舊場館，用猶如「珍奇櫃」的空間佈局，為策展帶來更多可能、看展注入更多驚喜。

David Geffen Galleries全新展覽空間共包含27間展廳，每間的空間尺度、光線層次、所提供的觀展視野都不相同；且展廳都集中在同一樓層，彷彿被「攤平」在建築當中，透過彈性而多變的空間佈局，鼓勵觀眾自由探索，在各個角落偶遇藝術，而非依循固定路徑參觀。而其他設施如書店、餐廳、咖啡廳、演講廳等，則分散在建築下部7座不同的量體當中，未與展廳穿插，以讓訪客潛心沈浸於藝術之中。

材質藏巧思：呼應地質、保護珍貴館藏

除格局外，材質中也藏Peter Zumthor埋下的巧思。在館外，他巧妙利用材質提醒來客腳下土地的「本質」，如園區內一片鑲嵌著白色貝殼的黑色混凝土磨石子地面，過去曾經是一片海床。而在封閉的室內展廳，他選用一種以矽為基底、帶深紅和靛藍色調的塗料，覆蓋混凝土牆面，並從狹長的頂部窗戶引入光線，搭配他親自設計的壁燈，種種細節只為確保對光線敏感的展品，能在不受傷的情況下，亦有柔和、均勻的光芒照耀以完美展示。

除此之外，儘管建築的玻璃帷幕本身就具備抗紫外線功能，Peter Zumthor為了進一步保護館藏，特別邀請日本織品設計師須藤玲子（Reiko Sudo）設計了一系列不同密度的金屬紗簾，讓布料、紙等質地較為脆弱的展品，即使擺在距離玻璃窗5公尺內的範圍也能安全展出。

巨大雕塑〈Smoke〉鎮守入口

造訪David Geffen Galleries，公共藝術也值得駐足細賞，像是鎮守入口的大型雕塑〈Smoke〉，是LACMA最具代表性的館藏之一，此作出自美國藝術家Tony Smith之手，由數個狀似蜂巢的幾何結構共築，形態如向升起的煙霧，媒材剛硬卻有著輕盈而不失份量感的視覺效果。

此外，混凝土地面刻紋與圖樣，是墨西哥藝術家Mariana Castillo Deball的手筆。他以中美洲神話中象徵死亡與重生的「羽蛇神（Quetzalcoatl）」為題創作，連結新場館建築及其下的土地，向曾在此生存過的祖先與神靈致敬。

David Geffen Galleries的興建計畫，不僅象徵LACMA策劃與執行20餘年的轉型邁入新階段，朝全球性藝術博物館再進一步，也更加鞏固了它作為美西最具規模綜合性美術館的地位。