想像無邊，光影無界——來自台灣的創作團隊「有用主張 UxU Studio」，受澳洲最大規模光影藝術節Vivid Sydney 2025之邀，攜全新沉浸式裝置《QUASAR》進駐雪梨市中心，成為該展創立以來首個獲選的台灣團隊；透過光與結構交織的空間語彙，引領觀者穿越記憶、宇宙與存在的邊界。從展覽年度主題到展出作品解析，La Vie帶你鑑賞「光藝術」的絢爛與沉謐。

Vivid Sydney 2025繽紛雪梨燈光音樂節盛大揭幕

台灣團隊「有用主張 UxU Studio」參展

從白晝之夜到國際燈節，綻放夢之光

由陳冠宏與陳映竹共同創立於2013年的「有用主張 UxU Studio」，過去不僅參與在白晝之夜、月津港燈節、台灣燈會等諸多藝術節及燈節展覽活動中，2018起更積極向國際舞台邁步，從阿姆斯特丹燈節（Amsterdam Light Festival）、倫敦冬季燈展（Winter Lights）到東京虎之門燈光藝術展（Toranomon Light Art）皆能見得其強大夢之光的綻放。

「我們一直在找尋一種語言，能連結人與世界、記憶與未來。而光，就是那條途徑。」

——有用主張 UxU Studio

Vivid Sydney展什麼、展多久，有哪些值得走訪的活動？

同時作為全球最具代表性的光影藝術盛會之一、澳洲最大型的年度節慶活動，Vivid Sydney每年吸引全球數百萬觀眾，融合燈光、音樂、創意與美食，將雪梨化作一座創造力漫溢的城市。本年度為期23天的盛會已於5月23日啟動，並將持續至6月14日，以「Dream」為題邀請大眾一同探索夢境與現實的界線。

活動期間多個地標建築如雪梨歌劇院、海港大橋、達令港等，都被各式燈光裝置與3D投影藝術點亮，營造夢幻夜間景觀。更有來自世界各地的音樂人在城市各處演出，呈獻多元文化的音樂饗宴。此外，子單元「Vivid Ideas」規劃舉辦各類講座與對話，邀請思想領袖分享創新理念與未來趨勢；「Vivid Food」則由雪梨餐飲業者推出特別菜單，提供各國美食愛好者從街頭小吃到高級料理，透由美食感受這座城市的創意氛圍。總的來說，Vivid Sydney既是一場視覺與聽覺的盛宴，亦為一個激發創意、促進交流的平台。無論藝術家、設計師、音樂人亦或普通觀眾，都能從中找到靈感，體驗夢想成真的可能。

5大重點解析沉浸式藝術裝置《QUASAR》

有用主張團隊新作《QUASAR》首登Vivid Sydney此一匯集跨領域創作者的藝術場域，便將承其名「類星體」浩瀚之美，向國際觀眾展現台灣光藝術的深度與細膩情感。

#01 科學退場，感知進場

《QUASAR》是一座以光為媒介的沉浸式裝置藝術，其靈感來自宇宙中最明亮且極端的天體之一：類星體（Quasar，亦以QSO=Quasi-Stellar Objects為人所知）。然這件作品並非對天文現象的再現，而是一次對「宇宙想像」的藝術性質疑與重構。

#02 打破線性邏輯，開展多維經驗

以動態燈光為主體，此作結合幾何構造與球體反射鏡面，形塑出一個可被多重觀看、同時具有感知折射與空間錯位的光場；企圖打破線性觀看的邏輯，轉而開展出一種非線性、多重維度的感知經驗。在不同時間節點與視角中，《QUASAR》由其變異與重組的姿態回應環境與觀者，生成一場動態的觀看過程與空間對話。

#03 擾動既有空間感，穿梭於二元秩序間的未定義地帶

作品座落於澳洲雪梨科技大學附近的歷史性場域「The Goods Line」；此地原為工業鐵路通道，經由都市再造轉為現代城市的公共廊道與綠帶，從承載高度文化與歷史記憶的線性場域，如今成了人流、交通與自然的交織之處。而《QUASAR》的出現，就如同一道干擾訊號，介入既有秩序之中，擾動城市的日常空間感、打破人們對熟悉場域的感知慣性，將原來總被快速通行的地帶化作一處值得停留、凝視與思索的時空節點。並以此裝置召喚觀者重新參與空間，邀請人們踏入一段曖昧不明、充滿想像力的旅程：介於夢境與現實之間、凝視與被凝視之間、移動與靜止之間。

#04 轉譯類星體的「超尺度性」，反觀自身存在的渺小

《QUASAR》作為一場對尺度、存在與觀看的詰問，將類星體遠超於人類理解範疇之外的「超越性」轉譯為一種可被感知的微觀時空景觀，迫使觀者面對自身之於宇宙的渺小與位置的不確定性。

#05 對一切本質事物的再思考：非關具體形象，遊走模糊邊界

不再關注具體的形象，而是創造一種模糊邊界的經驗結構，《QUASAR》使觀者進入一場關於自身與他者、內在與外部、現實與虛構的感知對話——不單只是一件作品的展出，更是一場感知系統的重組；它喚起人們對光的本質、空間的可能性，以及我們與這世界關係的再思考。

Vivid Sydney 2025繽紛雪梨燈光音樂節｜《QUASAR》有用主張裝置藝術展

• 時間：2025年5月23日至6月14日
• 地點：澳洲雪梨市中心（S33°52'58.15", E151°12'9.39"）
• 了解更多：Vivid Sydney官方網站＆《QUASAR》官方介紹頁、有用主張官方網站

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」

高橋一生和小朋友玩在一起的畫面會不會太美好！東京國立新美術館即日起呈獻為期11天的「學展」，其中將夾帶兩件從今年首登場的藝術計畫《想像他者的四天》中生成的多人共創畫作，本屆頒獎典禮更將放映導演二宮健於4天工作坊期間所記錄孩子們揮灑創意的珍貴影像。從培養共感力與想像力的角度出發，此項目所回應並試圖溫柔改變的社會現況發人深省。

第75屆學展（Gakuten）推出實驗性影像製作企劃《想像他者的四天（他者を想像する四日間）》，邀來演員高橋一生，協同7名從本屆參展者中選出的國中小學生完成兩幅大型畫布作品，並隨學展其他作品於2025年8月7日至17日在東京國立新美術館公開展出。而由電影導演二宮健同步拍下創作全過程的特別影像，則將於8月9日舉行的得獎者表彰典禮上限定放映，供得獎者及相關人員觀賞，循作品本身和紀錄片兩種途徑見證其中軌跡。

學展是什麼？

藝術教育人士西田信一（Nishida Shinichi）在1950年創立的「學展」，是日本第一個全國性學生油畫比賽；70餘年來由日本學生油畫會興辦，無參賽資格限制，亦接受來自海外的國際作品，現正於全球範圍內致力發掘年輕世代的藝術才能。評選項目涵蓋繪畫、插圖、工藝、攝影、數位創作等多元領域，且從幼稚園到大學的不同年齡層創作者都能報名。比賽核心自歷史案例中承襲而來，堅信「優秀的藝術不受年齡、國籍或名聲所限制」的精神，至今持續將才華橫溢的作品推向世界舞台；近年不僅廣邀各界知名人士擔任評審，大獎作品亦得機會於巴黎展出。

▼ 每屆學展於東京國立新美術館進行公開展出

實驗企劃《想像他者的四天》首登場

高橋一生主導、二宮健側拍，「即興」培養共感力與想像力

作為今年學展首次實施的藝術計畫，《想像他者的四天》旨在培養孩子「想像他者的能力」（意近中文「共感能力」所指涉，可能包括從他人視角看待事物，抑或經由共創形式對他人的表達有所共鳴等）。此理念發想自當代社會中人們「想像他者」能力普遍稀缺的現況，讓參與者透過肢體表達、即興演出、交流對話和揮灑作畫等環節，反覆加深「設想眼前的人、甚至於某個不存在對象」這樣的共感經驗。

在為期四天的工作坊中，高橋一生並非以導演或演出指導的角色參與，而是單純扮演從旁陪伴、覺察和承接孩子內心轉折變化的「伴行者」角色，構建出一個自由且深刻的創作空間，最終引導他們繪出兩幅「想像的藝術」作品。而將此場景具象化的正為導演二宮健，他詳實記錄7位小朋友4日體驗的側拍影片，將打開交織現實和創意的敏銳視角，靜靜喚起觀眾的想像力。

台灣觀眾對高橋一生肯定都不陌生，其別具感染力的演技與親切形象，為此類藝術教育項目盡心力自在想像之中。而擔任共同企劃兼導演的二宮健，早被認為是風格辨識度極高的日本新生代創作者。10多歲開始影像創作，就讀於大阪藝術大學期間即獲得京都國際學生影視節（KISFVF）大獎肯定，現年僅33歲已憑《裸睡美人》、《吉娃娃羅曼死》、《午夜少女戰爭》等多部代表作為觀眾所認識，亦曾在2017年作品中與高橋一生合作。此次他充分發揮個人尤擅長的實驗性手法，大膽而細緻地捕捉了孩子們朝氣蓬勃、充滿生命力的表情和創作歷程。

《想像他者的四天》紀錄片雖不開放一般觀眾觀賞，不過未來10天人正好在東京的讀者們，走過路過國立新美術館倒可逛進展廳，一覽高橋一生和小藝術家們帶來的兩大件畫作及第75屆學展的完整展出。

第75屆學展特別影像企劃《想像他者的四天》

【作品展覽】

• 時間：2025年8月7日至17日
• 地點：國立新美術館2D學展展示室

【影像放映】

• 時間：2025年8月9日
• 地點：國立新美術館講堂（僅限得獎者及相關人員入場）

資料來源：學展