想像無邊，光影無界——來自台灣的創作團隊「有用主張 UxU Studio」，受澳洲最大規模光影藝術節Vivid Sydney 2025之邀，攜全新沉浸式裝置《QUASAR》進駐雪梨市中心，成為該展創立以來首個獲選的台灣團隊；透過光與結構交織的空間語彙，引領觀者穿越記憶、宇宙與存在的邊界。從展覽年度主題到展出作品解析，La Vie帶你鑑賞「光藝術」的絢爛與沉謐。

Vivid Sydney 2025繽紛雪梨燈光音樂節盛大揭幕

台灣團隊「有用主張 UxU Studio」參展

從白晝之夜到國際燈節，綻放夢之光

由陳冠宏與陳映竹共同創立於2013年的「有用主張 UxU Studio」，過去不僅參與在白晝之夜、月津港燈節、台灣燈會等諸多藝術節及燈節展覽活動中，2018起更積極向國際舞台邁步，從阿姆斯特丹燈節（Amsterdam Light Festival）、倫敦冬季燈展（Winter Lights）到東京虎之門燈光藝術展（Toranomon Light Art）皆能見得其強大夢之光的綻放。

「我們一直在找尋一種語言，能連結人與世界、記憶與未來。而光，就是那條途徑。」

——有用主張 UxU Studio

Vivid Sydney展什麼、展多久，有哪些值得走訪的活動？

同時作為全球最具代表性的光影藝術盛會之一、澳洲最大型的年度節慶活動，Vivid Sydney每年吸引全球數百萬觀眾，融合燈光、音樂、創意與美食，將雪梨化作一座創造力漫溢的城市。本年度為期23天的盛會已於5月23日啟動，並將持續至6月14日，以「Dream」為題邀請大眾一同探索夢境與現實的界線。

活動期間多個地標建築如雪梨歌劇院、海港大橋、達令港等，都被各式燈光裝置與3D投影藝術點亮，營造夢幻夜間景觀。更有來自世界各地的音樂人在城市各處演出，呈獻多元文化的音樂饗宴。此外，子單元「Vivid Ideas」規劃舉辦各類講座與對話，邀請思想領袖分享創新理念與未來趨勢；「Vivid Food」則由雪梨餐飲業者推出特別菜單，提供各國美食愛好者從街頭小吃到高級料理，透由美食感受這座城市的創意氛圍。總的來說，Vivid Sydney既是一場視覺與聽覺的盛宴，亦為一個激發創意、促進交流的平台。無論藝術家、設計師、音樂人亦或普通觀眾，都能從中找到靈感，體驗夢想成真的可能。

5大重點解析沉浸式藝術裝置《QUASAR》

有用主張團隊新作《QUASAR》首登Vivid Sydney此一匯集跨領域創作者的藝術場域，便將承其名「類星體」浩瀚之美，向國際觀眾展現台灣光藝術的深度與細膩情感。

#01 科學退場，感知進場

《QUASAR》是一座以光為媒介的沉浸式裝置藝術，其靈感來自宇宙中最明亮且極端的天體之一：類星體（Quasar，亦以QSO=Quasi-Stellar Objects為人所知）。然這件作品並非對天文現象的再現，而是一次對「宇宙想像」的藝術性質疑與重構。

#02 打破線性邏輯，開展多維經驗

以動態燈光為主體，此作結合幾何構造與球體反射鏡面，形塑出一個可被多重觀看、同時具有感知折射與空間錯位的光場；企圖打破線性觀看的邏輯，轉而開展出一種非線性、多重維度的感知經驗。在不同時間節點與視角中，《QUASAR》由其變異與重組的姿態回應環境與觀者，生成一場動態的觀看過程與空間對話。

#03 擾動既有空間感，穿梭於二元秩序間的未定義地帶

作品座落於澳洲雪梨科技大學附近的歷史性場域「The Goods Line」；此地原為工業鐵路通道，經由都市再造轉為現代城市的公共廊道與綠帶，從承載高度文化與歷史記憶的線性場域，如今成了人流、交通與自然的交織之處。而《QUASAR》的出現，就如同一道干擾訊號，介入既有秩序之中，擾動城市的日常空間感、打破人們對熟悉場域的感知慣性，將原來總被快速通行的地帶化作一處值得停留、凝視與思索的時空節點。並以此裝置召喚觀者重新參與空間，邀請人們踏入一段曖昧不明、充滿想像力的旅程：介於夢境與現實之間、凝視與被凝視之間、移動與靜止之間。

#04 轉譯類星體的「超尺度性」，反觀自身存在的渺小

《QUASAR》作為一場對尺度、存在與觀看的詰問，將類星體遠超於人類理解範疇之外的「超越性」轉譯為一種可被感知的微觀時空景觀，迫使觀者面對自身之於宇宙的渺小與位置的不確定性。

#05 對一切本質事物的再思考：非關具體形象，遊走模糊邊界

不再關注具體的形象，而是創造一種模糊邊界的經驗結構，《QUASAR》使觀者進入一場關於自身與他者、內在與外部、現實與虛構的感知對話——不單只是一件作品的展出，更是一場感知系統的重組；它喚起人們對光的本質、空間的可能性，以及我們與這世界關係的再思考。

Vivid Sydney 2025繽紛雪梨燈光音樂節｜《QUASAR》有用主張裝置藝術展

• 時間：2025年5月23日至6月14日
• 地點：澳洲雪梨市中心（S33°52'58.15", E151°12'9.39"）
• 了解更多：Vivid Sydney官方網站＆《QUASAR》官方介紹頁、有用主張官方網站

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？