在阿姆斯特丹實現反轉重力、逆流的光之瀑布!跟著台灣藝術團隊「有用主張」重回創作現場

有用主張〈Inversion Waterfall〉展出於2022阿姆斯特丹燈節

捱過疫情籠罩下的展演寒冬,被列為世界十大光影藝術節之一的「阿姆斯特丹燈節」(Amsterdam Light Festival)終於在2022年重新向全世界展開徵件,來自台灣的跨領域創作團隊「有用主張 UxU Studio」第四度入選,藝術家陳冠宏、陳映竹以NEOM科學博物館如巨船般的建築為背景,帶來尺度達10層樓高的聲光藝術作品〈Inversion Waterfall〉,這座「逆流的光瀑布」尺幅達歷年阿姆斯特丹燈節之最。本篇深入有用主張的創作幕後,一探磅礡背後長達6年的心路歷程。

↑ 有用主張〈Inversion Waterfall〉展出現場

先了解2022阿姆斯特丹燈節徵件目標

歷經兩年規模限縮、策展團隊重組後,阿姆斯特丹燈節在2022年的徵件條件明顯不同於以往,聚焦於過去「已發表過的創作」。面對今年度的策展主題「IMAGINE BEYOND」,有用主張最終選擇哪件作品應戰,以實現「想像之外」的畫面?曾在台南月津港燈節展出的〈Updown River〉雀屏中選。展出已發表過的作品,聽來簡單,但實際操作時並不然,除了要面對截然不同的展覽場域和環境,有用主張還必須解開阿姆斯特丹燈節策展團隊拋出的考題——如何讓作品再進化?

圖1-2014-Updown River_水上天來_高6米
有用主張〈Updown River〉展出於2014月津港燈節 

回望長達6年的「光之瀑布」實現之路

 2017年|第一次嘗試|與NEMO結緣、更理解創意與實務之間的平衡 

把時間拉回2017年,陳映竹回憶,當年完成月津港燈節的作品後,剛好有朋友分享了阿姆斯特丹燈節的國際徵件消息,並建議有用主張嘗試投件。2018年之前,阿姆斯特丹燈節因作品分佈範圍廣泛,且城市環境與水共生,於是發展出陸地、海上兩種不同的觀展動線;討論過後,初試身手的陳冠宏和陳映竹選擇陸地展區,並將〈Updown River〉改版為〈Light River〉參加徵選,嘗試透過作品如同「光成」之外觀,以水的意象呼應阿姆斯特丹特殊的地理和歷史紋理。

作品入選第一階段後,評審們給出回饋:「希望將作品調整為海上的規格,並將尺度放大,與參觀航線上的建築物立面相結合。」同時推薦NEMO為展出場地,這座科學博物館由曾獲普立茲克獎肯定的義大利建築師Renzo Piano設計,外形猶如巨船,貼合著水岸而生。當時,有用主張大膽回應評審們的建議,一舉將〈Light River〉的尺度從6米拉高為20米,並想像這座巨大光河流淌在NEMO立面。

圖2-2017-Light River_逆流河光_高20米_1
2017年〈Light River〉設計模擬圖 

這個大膽的修正最終落選,陳冠宏、陳映竹在討論檢討後也得到「預期之中」的結論,為何這麼說?主要是〈Light River〉以鷹架系統為主要結構,當作品高度拔升為20米,不僅造假昂貴,龐大的鷹架結構也難以跟NEMO的建築融洽結合。

有了這次經驗,兩人深知如果無法簡化作品的結構系統,未來再次遇到類似的情況也很難順利入選,更深刻了解到這樣一個每年有數百、甚至上千件作品參賽的國際盛事,除了注重創意之外,藝術家是否能落實作品、如何落實也非常重要,畢竟作品需要在戶外展出兩個多月,並度過氣候多變且零度以下的寒冬。從此,一顆待解的種子埋藏在他們心中。

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NEMO科學博物館(圖片來源:Tripadvisor) 

 2020年|第二次嘗試|光之瀑布尺度再突破,卻與荷蘭擦肩而過 

隨著經驗的累積、技術的精進,有用主張在2018年至2020年連續三年獲選阿姆斯特丹燈節參展,不只是台灣最初,也是華語圈創作者第一人。2020年,他們再度透過〈運用幻象-瀑布〉一作,試圖在城市景色中創造一座達15米的光之瀑布,將彷彿世界末日場景才能看見的超現實景色,生動地再現於都市當中。

圖3-2020-ALF版本_USE YOUR ILLUSION-WATERFALL_運用幻象-瀑布_高15米
2020年〈運用幻象-瀑布〉設計模擬圖 

可惜的是,當年疫情大爆發,策展團隊在封城的情況下,決定取消所有荷蘭境外的獲選作品,雖然遺憾,但卻是因應情勢的不得不。隔年,有用主張仍將遺珠之作製作出來,只是尺度縮小一半為7.5米高,並在2021月津港燈節展出。

圖4-2021-月津港版本_USE YOUR ILLUSION-WATERFALL_運用幻象-瀑布_高7.5米
有用主張〈運用幻象-瀑布〉展出於2021月津港燈節 

 2022年|第三次嘗試|把光之瀑布「送回」阿姆斯特丹 

雖然光之瀑布的尺度不斷突破,但將瀑布在阿姆斯特丹重現的夢想還未實踐,那顆種子仍在陳冠宏與陳映竹心中。也許是冥冥之中有註定,或許是策展團隊也對過去兩年未能展出的作品抱有遺憾,2022阿姆斯特丹燈節徵件的內容不若以往鼓勵並強調全新的創作,反而以發表過的作品為主要徵件對象,這讓陳冠宏在看到徵件消息時,馬上萌生將瀑布「送回」阿姆斯特丹展出的想法,畢竟這件創作是因應當年的主題、基地所發展而生的構想。

圖17- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_完成_夜
有用主張〈Inversion Waterfall〉展出於2022阿姆斯特丹燈節 

⭔ 讓光「反轉」成就逆流瀑布

前有〈Updown River〉、〈Light River〉和〈運用幻象-瀑布〉多種版本,針對這次投件,有用主張依然希望能讓光之瀑布再次進化;最後突發奇想,在不變動外觀形式的條件下,做了一個非常微妙的調整,讓作品擁有全新面貌——讓光反轉,變成向上逆流的逆轉瀑布,〈Inversion Waterfall〉於焉而生。

以光呈現的逆流瀑布,反轉了現實中不可逆的重力,創造彷彿時間倒流般的幻象,除了符合2022年度的「IMAGINE BEYOND」策展主題,亦有逆流而上的象徵,以正向意涵回應世界動盪的局勢。

圖15- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_完成_夜

圖11- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_完成_日
有用主張〈Inversion Waterfall〉展出於2022阿姆斯特丹燈節  

⭔ 克服未竟的任務:無數次的說服館方、計算結構與討論工法

有趣的是,作品在第一階段入選後獲得的回饋建議,竟與2017年時完全相同:希望將瀑布再次放大,並倚附在NEMO地標建築上。而有用主張的挑戰,就是實現這項過去未竟的艱難任務。

圖8- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_過程_ALF

圖9- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_過程_ALF
〈Inversion Waterfall〉佈展過程  

歷經數個月的溝通與證明(工法的討論、結構的計算),終於成功說服NEMO館方同意讓〈Inversion Waterfall〉在外立面上展出;期間內,藝術家也和阿姆斯特丹燈節團隊來回討論近百次,逐步克服如何將作品從30米的高空架設至海上浮台?如何不破壞建築外立面?如何維持緊急出口運作及地面車道暢通?⋯⋯等種種難題。

圖6- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_過程_台灣

圖5- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_過程_台灣
〈Inversion Waterfall〉製作過程 

最終,〈Inversion Waterfall〉透過懸吊結構以自然垂掛形成的弧線來設置,創造出NEMO館方要求的疏散動線與車道場域,同時彈性地建構出瀑布尾段與海上浮台銜接時所需的緩衝空間。由於全部的組件都事先在台灣及荷蘭分別預製,有用主張與阿姆斯特丹燈節的技術團隊,在現場僅花4天就設置好作品並完成燈光測試,成功攜手完成燈節歷年來最高大的作品。

圖18- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_完成_夜
仰望〈Inversion Waterfall〉 

↑ 有用主張分享〈Inversion Waterfall〉的幕後功臣

⭔ 幕後花絮:不再愁眉苦臉的NEMO代表

藝術家也分享佈展過程中的趣事,當時NEMO的負責主管每天都苦著臉來監工,當10層樓高的〈Inversion Waterfall〉完成試燈時,主管才終於露出笑容說道:「我們是科學博物館,逆流而上的瀑布在現實上是不可能的,但你們卻用光的元素實現了這個美麗的想像,並成功地將這樣的意象與建築完美的結合,真是太棒了!」

圖13- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_完成_夜
有用主張〈Inversion Waterfall〉展出於2022阿姆斯特丹燈節  

有用主張 UxU Studio

由陳冠宏與陳映竹於2013年共同創立,為一多元取向的跨領域團隊,工作內容涵括藝術創作、建築、室內、工業設計等,以跨域尋求更多的可能性。

資料、圖片|都市藝術工作室、有用主張 UxU Studio

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回到未來!影視裡的復古未來主義:專訪漫威美術指導Kasra Farahani

回到未來!影視裡的復古未來主義:專訪漫威美術指導Kasra Farahani

近年的影視作品中,復古未來主義(Retro-futurism)以懷舊而前衛的姿態反覆現身,它既描繪飛天汽車與銀白城市的烏托邦,也映照冷戰陰影下的焦慮與諷刺。而對漫威美術指導Kasra Farahani來說,這樣的世界構築不只關乎風格與美學,更是一場關於想像力的實驗——在矛盾的時間縫隙裡,為觀眾開啟一個帶有溫度與真實的科幻宇宙。

駕駛著飛天汽車、身穿太空服的人們在飄浮城市的高塔間穿梭;老舊的機器人端著銀色托盤,為顧客送上今日的膠囊餐點⋯⋯。在許多電影裡,我們似乎都曾見過這樣的「未來」。那是一個由金屬與夢想構築的世界,一切閃爍著科技的光澤,卻隱隱流露出懷舊的氣息,甚至帶有幾分荒謬的滑稽。這種看似矛盾的視覺語彙,其實正是復古未來主義最令人著迷的地方——它帶領人們回到那個相信「一切皆有可能」的時代,再次凝視那從未真正被實現的未來。

(圖片提供:Disney+)
在《驚奇4超人:第一步》(2025)中首次登場的機器人管家赫比,展現了濃厚的復古未來主義風格。(圖片提供:Disney+)

太空夢、霓虹雨與超級英雄

復古未來主義的美學最早可追溯至20世紀初期的科幻小說與視覺藝術。當時人們見證了飛機、收音機與電視的誕生,對於未來的想像前所未有地樂觀而宏大;進入冷戰時期後,太空競賽更將這股科技信仰推向巔峰,從包浩斯建築到家電廣告,設計語言開始被「太空時代」的形象徹底占據,金屬、流線、圓頂與閃亮的銀白色,成為象徵進步與希望的符號。

(圖片提供:華納兄弟)
電影《銀翼殺手》(1982)背景設定於2019年的洛杉磯,在外星殖民與複製人崛起的世界裡,揭示科技侵蝕下的人性困境。(圖片提供:華納兄弟)

然而,隨著80年代個人電腦的普及、冷戰的陰影與能源危機的延續,人們不再仰望太空,而是轉向螢幕與數位世界,也讓過去那些關於科技烏托邦的願景顯得天真而遙遠。在這樣的時代背景下,復古未來主義的概念逐漸興起,成為人們重新理解「過去如何想像未來」的一種文化視角,也成為日後許多電影與設計取材的靈感來源。

(圖片提供:華納兄弟)
《巴西》(1985)描繪了一個充滿官僚與監控的反烏托邦未來,在荒誕黑色幽默中揭露人性對自由與夢想的渴望。(圖片提供:華納兄弟)

雖然復古未來主義起源於對未來的樂觀想像,但當這份願景顯得過於理想化,許多創作者也開始以它構築出一種帶著憂鬱與諷刺的「未來幻象」。在電影《銀翼殺手》(1982)中,日式霓虹、工業廢墟與陰雨都市,交織出一個被科技與記憶腐蝕的世界,人工智慧與複製人的出現,引領觀眾反思人性與存在的界線;而在《巴西》(1985)裡,被管線纏繞的大樓與無處不在的監控看似是荒誕的寓言,實際上卻是對早期科技信仰的深刻反諷。這些作品共同揭示了復古未來主義的另一面——它並非單純的懷舊,而是一面映照人類焦慮與理想的鏡子。

在近10年的影視作品中,復古未來主義也再度崛起。無論是《明日世界》(2015)的懷舊太空城設計、《銀翼殺手2049》(2017)對原作的視覺復刻與延伸,還是《小行星城》與影集《明天會更好!》(2023)中幽默荒誕的科幻敘事,都展現了復古與未來並行的奇異錯置。而隨著漫威電影宇宙的擴張,這樣的風格也被重新詮釋於超級英雄的世界之中。從《星際異攻隊》(2014)的70年代太空歌劇氛圍,到《洛基》(2021)中結合粗獷主義與中世紀現代風格的「時間變異管理局」(TVA),再到今年7月上映的《驚奇4超人:第一步》,皆帶領觀眾投入復古未來主義的無限想像。

( 圖片提供:環球影業)
《2001:太空漫遊》(1968)由庫柏力克執導,劃時代的視覺與哲思,奠定了這部電影在科幻史上無可取代的經典地位。( 圖片提供:環球影業)
( 圖片提供:環球影業)
《小行星城》(2023)以獨特的對稱美學與復古色彩,描繪一場小鎮科學大會裡的荒誕故事。( 圖片提供:環球影業)

《洛基》:一個凍結於過去與未來之間的時空

「我認為復古未來主義的迷人之處,在於那種單純而真誠的驚奇與敬畏感。」Kasra Farahani接受La Vie專訪時說道。作為《洛基》與《驚奇4超人:第一步》的美術指導,Kasra過去也曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》與《阿凡達》等多部作品的製作;他擅長從建築與文化脈絡出發,將抽象的世界觀化為具體的空間。

(圖片提供:Disney+)
影集《洛基》(2021)以「時間變異管理局」為核心,講述洛基穿梭多重時空,揭開宇宙秩序與命運的故事。(圖片提供:Disney+)

在《洛基》的核心場景「時間變異管理局」中,他以混凝土牆面、暗橘色燈光與泛著金屬光澤的控制面板,打造出同時屬於過去與未來的矛盾空間。這些元素融合了粗獷主義與中世紀現代主義,靈感來自建築師Marcel Breuer、Pier Luigi Nervi與Paul Rudolph的結構語彙,以及經典科幻電影《2001:太空漫遊》中對未來秩序的想像,構築出一種彷彿停滯於太空時代的氛圍。

(圖片提供:Disney+)
《洛基》經典角色「Miss Minutes」以50年代美國流行的擬人動畫風格登場,讓「人工智慧」 的形象多了一層懷舊。(圖片提供:Disney+)

「就像大學或政府機關,在興建或整修時常獲得大量經費,但完成後的數十年間卻幾乎不再改變,整個環境彷彿被凍結在那個時代的瞬間。」Kasra如此形容他對TVA世界觀的思考。從色彩、家具到牆面的材質,機構裡的一切都停留在一個過去的未來之中,就連影集經典角色「Miss Minutes」,也延續了這份時代錯置的幽默:她以50年代美國汽車產業公共宣傳片(PSA)的擬人動畫風格登場,溫柔卻略帶詭異的語調、鮮明的色彩與手繪質感,讓「人工智慧」的形象多了一層懷舊。「在我看來,構築世界觀最重要的原則就是一致性。要思考的是,在那個時空中的人,會如何想像『未來』?」他補充道。

圖片提供:Disney+
湯姆希德斯頓與歐文威爾森在《洛基》中攜手演出,展開一場跨越多重時空的冒險,並逐步揭開潛藏於宇宙秩序背後的陰謀與真相。(圖片提供:Disney+)
(圖片提供:Disney+)
在《洛基》的核心場景「時間變異管理局」中,混凝土牆面、暗橘燈光與金屬質感的控制面板交織,展現結合粗獷主義與中世紀現代主義的美學語彙,也營造出過去與未來並置的矛盾氛圍。(圖片提供:Disney+)

《驚奇4超人:第一步》:一座科幻摩天樓裡的小木屋

如果說《洛基》探索的是時間與秩序的荒謬,那麼《驚奇4超人:第一步》則將復古未來主義推向另一個高峰。這一次,Kasra為一個靈感來自60年代的平行宇宙「地球-828」建構世界:紐約上空飛著汽車,街道閃烁著銀藍光芒,整座城市既現代又帶著古典的浪漫氣息。電影的核心場景「巴克斯特大樓」更是這種氣質的縮影。

(圖片提供:Disney+)
《驚奇4超人》經典角色「石頭人」不僅力大無窮,還具有防火耐寒的超能力。(圖片提供:Disney+)

「我認為『未來感』最明顯地體現在誇張的室內尺度,以及戲劇性、曲線感強烈的表面與輪廓;但在材質上,我選擇保留那些在當時的普通住宅裡也隨處可見的熟悉元素。」他將這座超級英雄總部重新想像為「頂樓裡的小木屋」,以木質牆面、中央壁爐與下沉式談話區構築出家的溫度,讓觀眾在科幻的未來裡仍能感受到生活的真實。

(圖片提供:Disney+)
(圖片提供:Disney+)

「我們希望這裡更像『家』,而不只是炫目的豪宅。」Kasra進一步說明,為了營造這份親切感,他選用了中世紀現代主義常見的自然元素,如天然石板、暖色木料與植栽,並搭配金色與黃銅細節,與外部銀白的城市形成鮮明對比。其中最具象徵性的空間之一,莫過於4超人每週共享家庭晚餐的廚房:半球形烤肉架、自動蛋糕轉盤,以及在燈光下閃爍的金屬桌面,都彷彿重現了1964年紐約世博會的未來願景,讓觀眾回到那個充滿希望的年代。

(圖片提供:Disney+)
4超人的廚房場景以中世紀現代主義為基調,並透過植栽與暖色系細節營造親切氛圍;半球形烤肉架、自動轉盤等復古家電,則呼應1964年紐約世博會對未來生活的想像。(圖片提供:Disney+)

「這是一個關於樂觀與烏托邦的故事,讓我們得以從那些常見的反烏托邦題材中暫時抽離。」

(圖片提供:Disney+)
4超人的藍白制服靈感源自60年代NASA太空人的工作服;為還原當時新興的人造纖維質感,團隊特別選用帶有輕微光澤的彈性面料。(圖片提供:Disney+)

對Kasra而言,美術設計的首要任務是服務於敘事,並支撐每一場戲的情感意圖。「無論借鑑何種美學靈感,只要『故事』是核心考量,最終的設計就會自然成為該故事獨有的風格。」

從《洛基》到《驚奇4超人:第一步》,復古未來主義不再只是懷舊的表象,而是一種以「想像」為核心的創作語言。「我不確定它是不是一種潮流,但它確實捕捉了一個充滿創新的黃金時期。」他認為60年代後大眾文化逐漸轉向悲觀,未來常被描繪為冷酷、荒蕪,甚至被機器統治的世界;而復古未來主義之所以迷人,或許正在於那份帶著浪漫與希望的無限想像。

「我很想創造一個設定在1920年代的『未來』,或一個發生在西元3000年的世界——這兩種想像都充滿挑戰,卻也令人極度興奮,不是嗎?」

(圖片提供:Kasra Farahani)
在建構電影世界觀時,Kasra強調最重要的是「一致性」,而關鍵在於思考「在那個時空中的人,會如何想像未來?」(圖片提供:Kasra Farahani)

Kasra Farahani

伊朗裔美術指導與設計師,現居於洛杉磯。早年學習工業設計,曾於多個設計領域工作,後轉入電影產業。曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》、《阿凡達》等多部作品,並擔任《洛基》與《驚奇4超人:第一步》美術指導,擅長從建築與文化脈絡出發,將抽象世界觀化為具體場景。

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銀座GINZA SIX全新裝置《Marathon. Women.》:英國藝術家Julian Opie打造懸浮空中的馬拉松跑道

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從城市街道到山林越野,跑步是一種跨越世代和文化的共同本能,努力往前奔跑揮汗的姿態,更在某些時刻達到鼓舞人心的能量。以此為想像,英國藝術家Julian Opie的全新LED影像裝置作品《Marathon. Women.》,則讓銀座GINZA SIX的挑空中庭化身為「懸浮空中的跑道」!

作品極具辨識度的Julian Opie,其極簡線條搭配鮮明色彩,強烈簡約風格讓人看過後就印象深刻;其作品靈感來自生活四面八方,從古典肖像畫、埃及象形文字、日本浮世繪,到公共指標與道路標誌等,經由他之手,都能被轉化一件件簡潔明快的視覺創作。

Julian Opie倫敦工作室照(圖片來源:GINZA SIX)
Julian Opie倫敦工作室照(圖片來源:GINZA SIX)

在空中展開一場無止境的馬拉松

本次《Marathon. Women.》同樣依循Julian Opie的視覺語彙,以英國國家田徑代表隊選手為靈感的影像裝置,只見7位女性跑者化為擁有鮮豔色彩與簡潔線條的人物形象,並各自以不同的顏色與速度,在彷彿漂浮於半空中的長方形螢幕上不斷奔馳,形成一場沒有終點的賽跑。

《Marathon. Women.》中7位跑者的奔跑姿態,是以英國國家田徑代表隊的選手為原型所創作而成。(圖片來源:GINZA SIX)
《Marathon. Women.》中7位跑者的奔跑姿態,是以英國國家田徑代表隊的選手為原型所創作而成。(圖片來源:GINZA SIX)

《Marathon. Women.》從人類最原始的肢體動作「奔跑」出發,之所以聚焦此項主題,Julian Opie表示是自己過往在公園拍攝城市行走者時,被跑者穿越鏡頭時自然且富節奏的擺動吸引;當時,他便心想若能將跑者在奔馳的速度、姿勢與細節,提煉為極簡的線條與色彩,應該會是相當有趣的創作。

2019 Tokyo Opera City Art Gallery展覽現場照(圖片來源:GINZA SIX)
2019 Tokyo Opera City Art Gallery展覽現場照(圖片來源:GINZA SIX)

Julian Opie認為「跑」這個動作深深扎根在人們的本能裡,而GINZA SIX開放挑高的中庭空間,更能將這份動態能量放大,擴散至整個空間;為了讓人們能切實感受跑步的速度感,他選擇讓作品動起來,以長 10 公尺、寬 8 公尺、高 1 公尺左右的 LED 螢幕箱體作為主要架構,搭配有著紅、藍、黃、綠等不同顏色的跑者人物,帶來強烈的躍動感與沉浸式體驗。

GINZA SIX全新藝術裝置《Marathon. Women.》(圖片來源:GINZA SIX)
GINZA SIX全新藝術裝置《Marathon. Women.》(圖片來源:GINZA SIX)

裝置作品充分運用 GINZA SIX 中庭的建築特性,當從不同樓層和角度觀賞時,人們的目光很快便能被螢幕上,有著不同色彩的跑者時所吸引,並開始追著某個特定顏色看,在心中默默為目光鎖定的跑者加油打氣,進而對作品產生共鳴互動與新鮮感受。

GINZA SIX全新藝術裝置《Marathon. Women.》(圖片來源:GINZA SIX)
GINZA SIX全新藝術裝置《Marathon. Women.》(圖片來源:GINZA SIX)

《Marathon. Women.》預計將一路展出至2026年秋天,有機會造訪銀座的人,不妨走進GINZA SIX,近距離欣賞這場永無止境的空中賽跑。

GINZA SIX全新藝術裝置《Marathon. Women.》(圖片來源:GINZA SIX)
GINZA SIX全新藝術裝置《Marathon. Women.》(圖片來源:GINZA SIX)

資料來源|GINZA SIX

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