觸覺引領，潛進李元佳「點的宇宙」：極簡抽象大師4段旅居創作，從書法、浮雕、攝影版畫和空間裝置讀懂神祕語彙

文心藝所全新展覽《Li Yuan Chia 李元佳》現正展出李元佳典藏作品，回望抽象藝術先驅、「東方畫會」聯合創始人生前多面向開拓的50年輝煌創作歷程；邀你從平面字畫、淺浮雕到空間裝置，全覽其畢生所築之「點的宇宙」。

臺北展覽空間「文心藝所」即日起至2026年1月18日推出已故藝術家李元佳個展，特邀獨立策展人游崴策劃，重新考察文心藝術基金會對李元佳的豐富收藏，展出橫跨1950至1990年代，他分別於臺北、波隆那、倫敦、坎布里亞郡4地留下的創作，形式囊括書法、繪畫、掛毯、淺浮雕、互動作品及攝影版畫；並同步揭開藝術家檔案文獻，領觀者發掘李元佳創作中極簡、神祕而充滿觸覺暗示的「點」，及其背後恢宏的宇宙圖式。

北美館10年前便曾循「點」的脈絡，呈獻這位臺灣人不見得熟知、事實上卻對臺灣藝術發展別具影響力的前衛藝術家回顧展——該展可謂間接促成這次文心藝所直接以藝術家之名「Li Yuan Chia 李元佳」為題重現的半世紀軌跡。李元佳1929年出生於中國廣西、1994年逝世於英國卡萊爾，不僅逾半輩子旅居東西方4座城市，其生涯不同時期的多樣化創作也尤擅運用西方媒材傳達東方哲思，因此受譽為融會中外的當代大師，同時在抽象藝術與觀念藝術領域被推向開拓者地位。

▼ 2014年臺北市立美術館所舉辦的《觀・點》李元佳回顧展

跨領域抽象創作，半世紀走過東西方4地

若將李元佳落腳臺北、波隆那、倫敦、坎布里亞郡的時點拿作「創作節點」看待，則可大略劃分4大階段。第一階段自戰後遷臺起算，他先因投入李仲生門下，確立自身突破性的繪畫語言；後又於1957年與蕭勤、霍剛、夏陽等8位皆師承李仲生的年輕畫家一齊創辦「東方畫會」，有組織地推行臺灣戰後現代繪畫運動，名留藝術史。第二階段與上一階段分界在1950、1960年代之交，李元佳自此發展出後來貫穿他眾多作品的母題「點」，整體風格走向觀念化。1960年代中緊接著開啟第三階段，繪畫對他而言不再只是圖像的載體，更成操作、切割與重構的現場，將觀者注意力從筆觸轉移至幾何構成；這一傾向延續至1960年代末，他逐步探索互動式作品，另設立個人基金會進行更宏觀的藝術實踐。直到邁向創作生涯最後25年、以1970年代為始的第四階段，李元佳終憑一己之力打造同名美術館，再誕攝影版畫類新作。

其作品單論「表面視覺」並無極大衝擊性，然從用色、圖形拼組所蘊含的深意，乃至藝術家思緒和意念上的獨特表達，卻有股彷彿能烙人腦海的精神性力量。以下逐一解析各階段創作型態與作品特徵。

▍1950年代：臺北

二戰後隨國民政府輾轉來臺，李元佳進入臺北師範學校（現臺北教育大學）就讀藝術科，同時修習於臺灣現代藝術代表人物李仲生的畫室，在其觀念啟發下，李元佳的早期創作揉合筆墨傳統和抽象表現，其中尤具書寫感的自由線條，與他同時期的書法作品有類似動勢，有時還混合甲骨文和象形文字意象，將自然萬物託寓於抽象形式；帶有音樂般律動感的開放結構，則展露來自康丁斯基、米羅等人的影響。

▍1960年代上半：波隆那

一腳踏上1960年代時間軸，李元佳已逐漸形塑出極簡抽象語彙，往往在大片留白的紙面節制地留下僅如污漬或果核般的細微墨點——這些饒富意趣的「點」，既是動作痕跡、亦為抽象觀念，承載著「一切與空無」的哲思。他也嘗試「冊頁形制」裝幀，主色選以黑、紅、金、白，象徵始與終、血與生命、高貴、純粹。1961年，移居義大利的李元佳成為歐洲前衛藝術運動團體「龐圖（Punto）」創始成員，短暫停留米蘭後，便入住設計師Dino Gavina在波隆那的家具工廠，環境的大幅轉換促使他開始以工業材料創作淺浮雕。

▍1960年代下半：倫敦

1967-1968年，李元佳受倫敦信號藝廊跨領域、實驗性及多元族裔的氣氛吸引，應其邀約前往倫敦參展，亦開始自學攝影、撰寫英詩，並將之融入創作。駐倫敦期間，他另在里森藝廊舉辦過3場備受矚目的個展，作品可見某種觸覺轉向：「點」被圓形磁鐵物件取代、展示形態出現互動性，進而躋身英國參與式藝術（Part-Art）先鋒；同時持以「玩具藝術」概念著手複數版創作（意即打造多件相同或極為相似的系列作，每件皆為「原作」；概念如編有特別序號的藝術玩具）。活躍於英國少數以非西方藝術家為核心的前衛藝術社群，李元佳確被視為一名世界主義者。

▍1970-1990年代：坎布里亞郡

1969年離開倫敦，李元佳移居北英格蘭的坎布里亞郡鄉間，作品隨之擴張為與自然環境結合的空間裝置。他且向藝術家Winifred Nicholson買下一間農舍，建成李元佳美術館（LYC Museum and Art Gallery），自1971年開館10餘年間共舉辦逾200檔展覽，並獨立出版展覽圖錄，無疑是英國北方重要的現代藝術據點。創作方面，李元佳仍持續發展具互動性與觸覺性的「宇宙點」浮雕及圖騰式繪畫。1982年結束美術館營運後，他更投入攝影版畫，為自己拍攝和沖印的黑白照片手工上彩；這些影像融匯自然主義和編導式攝影，時而以隱匿面容的方式自拍入鏡——抒情、陰鬱的晚期作品，悄然透露藝術家心境。

李元佳個展《Li Yuan Chia 李元佳》

• 時間：即日起至2026年1月18日10:30-18:30（每週二休館）
• 地點：文心藝所（台北市內湖區民權東路六段180巷10弄6號）

>> 更多資訊可至文心藝所官方臉書、官方IG了解。

位於美國邁阿密的「Superblue」沉浸式藝術中心將於2027年初在日本京都開設海外首座據點「Superblue Kyoto（スーパーブルー 京都）」，開幕時也將迎來藝術家James Turrell的大型個展，完整呈現藝術家半世紀以來對光、空間與人類感知的探索。

2020年成立的Superblue，致力於帶來觸動五感的沉浸式藝術體驗，是一家專注於沉沉浸式藝術的企業；2021年，Superblue於邁阿密開設首座藝術中心，展出過Es Devlin、teamLab、James Turrell等享譽國際的藝術家的大型作品。而這次，Superblue將於2027年初進駐京都車站東南部地區，也為這座古都增添一處藝術新風景。

Superblue沉浸式藝術中心進駐京都

Superblue Kyoto設於teamLab於2025年10月開幕的日本最大規模美術館「teamLab Biovortex Kyoto」對面。兩座場館皆是京都市推動「京都車站東南部地區活化方針（京都駅東南部エリア活性化方針）」的一環，透過活用當地市有土地、設置並營運相關設施，打造「創造並傳遞新價值的創意據點」，進一步推動以文化藝術與青年世代為核心的城市發展。

鄰近京都車站、就在teamLab Biovortex Kyoto對面

從目前釋出的圖片來看，施工中的Superblue Kyoto建築外觀，將採用teamLab Biovortex Kyoto相同的靛藍色調，兩座場館不僅在地理位置上隔街相望，也將在視覺上形成呼應。值得一提的是，Superblue Kyoto與teamLab Biovortex Kyoto皆位於京都車站步行可達的範圍內，方便旅人們探索這兩座大型藝術空間，也為京都帶來全新的藝術目的地。

展出James Turrell半世紀以來的創作

而這次Superblue Kyoto的開幕首展，將迎來世界級藝術家James Turrell大型個展，展出他自1960年代早期作品至最新創作，呈現他對光、空間與人類感知超過半世紀的探索。觀眾將能在展覽中體驗到James Turrell多樣的表現手法，從彷彿沉浸於無邊無際的色彩空間，到仔細凝視光線所帶來的「形體」與「深度」交錯，細細感受他如何將光本身轉化為藝術。

將光化為藝術、探索人類感知的可能性

提起James Turrell，許多人會聯想到《Skyspaces》、《Ganzfeld》等系列作品，而他另一件歷時多年打造的大型創作，則是位於美國亞利桑那州的《羅登火山口》（Roden Crater，1977年至今）。他以這座約40萬年前形成的死火山為創作場域，在火山口內部設置多間房室與隧道，引入太陽、月亮與繁星的光線，呈現不斷變化的天體景象，也將整座火山轉化為一件持續創作中的大型地景藝術。

而James Turrell將光本身作為創作主題，持續探索人類如何感知事物，以及這些感知如何形塑我們對現實的認識。他的作品帶有冥想般的沉靜氛圍，卻也時常撼動觀者的感官，讓觀者重新留意「觀看」這件事，也帶來不同以往的感知體驗。Superblue Kyoto此次以他的作品作為開幕首展，也讓人期待這座全新藝術場館將帶來什麼樣的觀展體驗。更多展覽資訊預計於2026年12月公布。

Superblue Kyoto（スーパーブルー 京都）
地址：京都市南区東九条東岩本町15-3

資料來源｜Superblue Kyoto

現正於台北藝廊TAO ART舉辦的《露水幻夢》雙人展，由來自英國的Benjamin Spiers（班傑明．斯皮爾斯）與台灣藝術家曾建穎，攜手策展人陳若盈一同呈獻。兩位藝術家的創作根植於截然不同的繪畫傳統，卻同樣著迷於身體作為「蛻變」場域的可能性。展覽由此出發，探索「可見之物」和「內在感受」之間持續流變的感知狀態，讓不安的美與張揚的怪誕彼此交織，形成一場矛盾又超現實的視覺對話。

Benjamin Spiers：潛入瘋魔世界

Benjamin Spiers的繪畫作品充滿原始生命力，可見超現實主義、抽象主義、立體主義等不同風格的交疊。他擅長運用油彩，以驚人的寫實感刻畫出奇幻的形體，把人們半夢半醒所感受到的幻想和恐懼，帶入畫布當中；畫中介於人與非人之間的角色，其形體怪異，有的脖子鼓脹、有著四肢扭曲，將觀者引進他們所處的瘋魔世界。

這次Benjamin Spiers在展覽中帶來多件2026年創作的油彩新作。在〈淺眠者〉中仍可見「人類」的形體，畫中乳白液體自宛如人偶的沉睡臉孔上滴落，臉龐輪廓在接近下顎處逐漸變形，角色噘起的紅唇散發情欲氣息。

〈天然粉紅〉中的人物經歷著強烈的蛻變，頭髮與耳朵交織纏繞，拉長、旋扭的手指則融化為液態。一隻眼睛在髮絲半掩之下，將觀者的目光錨定在這個幻象迷宮之中，令人屏息。

〈惡之華〉則轉向超越人類的維度，召喚出幽異的想像——散發微光的髮絲與花瓣彼此連結，如煙霧般飄浮。頭髮是Spiers創作中的重要元素，既暗示著身份建構、增強了畫面的戲劇性，也隱喻某種原始的本能力量，如同無意識思緒與幻想般不斷滋長、變形。

曾建穎：遊走神聖與日常之界

曾建穎主要使用水墨、礦物顏料、亞洲手工紙，以及源自東亞繪畫傳統的「堆高」技法進行創作。他將身體視為慾望、精神性、記憶與文化經驗交會的載體，並透過佛教圖像、酷兒視角與繪畫媒材自身的歷史，建構游移於神聖與日常之間的視覺語言。

時常從宗教圖像中汲取靈感，曾建穎將繪畫視為「精神性的容器」，藉此創造出新的人體圖式，並與既有文化脈絡對話。比如在桃形屏風作品〈仙果〉中，他在屏風正面描繪一顆熟桃，切開的缺口微微露出桃的內部，下方的舌狀葉片則暗示感官慾望和生命無常；另一面則是近距離重疊的後腦勺與臉龐，既可能是鏡子前的自我凝視，也可能是兩個人物之間的親密舉動——自我與他者之間的界線因而模糊。

在帶有壁畫質感的雙聯畫〈身體角質：半夏〉與〈身體角質：忍冬〉中，曾建穎以細密筆觸建構出奇異的「肉裝」，隱喻防衛性的自我重塑。人體承載著意識的流動，在有機與人造、可見與想像之間來回擺盪。對他而言，這種雙重性呼應著〈莊周夢蝶〉中虛實辯證的意涵。

〈沃野〉中，仰臥的男性身體以奇特的角度扭曲，填滿整個畫面，宛如一座山巒，引導觀者如遊覽山水畫般，沿著人體移動視線。曬得通紅的皮膚散發出近乎可觸、帶有情欲的熱度，也喚起觀者對日常身體經驗的記憶。

如《聊齋志異》般詭異卻幽美動人？

Benjamin Spiers與曾建穎以精湛的畫技與富感官性的風格，創造出鮮活的混種形體，使其成為轉化與無限可能的場域。在他們的作品中，身體既是被觀看的對象，也是感知與經驗發生之處。

策展人陳若盈表示：「最初構想這個雙人展，是因為在建穎和Benjamin的畫中感受到某種張力與電流般的衝擊，愉悅與痛苦交織並存。我看見人既是原始的動物，也蘊含聖潔之美。儘管媒材與文化語境不同，他們的作品都帶來一種先於語言、強調感官性的觀看經驗。畫中的人物彷彿具有意識，被凝視的同時也回望著我們。這種感受轉瞬即逝，既實且虛，就像水：流動、透明、難以捕捉，卻也蘊含穿透與蛻變的力量。」

TAO ART創辦人Vicky Chen則表示：「 Ben與建穎的作品都有種奇異而迷人的美。觀看他們的畫，常讓我想起小時候看《聊齋志異》的感受：如夢似幻，帶著幾分詭異，卻又幽美動人。畫中人物的眼神、曖昧的姿態與變幻的形體，彷彿藏著許多不可言說的秘密，讓人感到些許不安，卻又忍不住凝視。對我而言，有趣的作品正是如此，能勾起層層回憶，也牽引出無盡的幻想。」

《露水幻夢》Benjamin Spier與曾建穎雙人展

展期｜2026.10.24－2027.01.23

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00