文心藝所全新展覽《Li Yuan Chia 李元佳》現正展出李元佳典藏作品，回望抽象藝術先驅、「東方畫會」聯合創始人生前多面向開拓的50年輝煌創作歷程；邀你從平面字畫、淺浮雕到空間裝置，全覽其畢生所築之「點的宇宙」。

臺北展覽空間「文心藝所」即日起至2026年1月18日推出已故藝術家李元佳個展，特邀獨立策展人游崴策劃，重新考察文心藝術基金會對李元佳的豐富收藏，展出橫跨1950至1990年代，他分別於臺北、波隆那、倫敦、坎布里亞郡4地留下的創作，形式囊括書法、繪畫、掛毯、淺浮雕、互動作品及攝影版畫；並同步揭開藝術家檔案文獻，領觀者發掘李元佳創作中極簡、神祕而充滿觸覺暗示的「點」，及其背後恢宏的宇宙圖式。

北美館10年前便曾循「點」的脈絡，呈獻這位臺灣人不見得熟知、事實上卻對臺灣藝術發展別具影響力的前衛藝術家回顧展——該展可謂間接促成這次文心藝所直接以藝術家之名「Li Yuan Chia 李元佳」為題重現的半世紀軌跡。李元佳1929年出生於中國廣西、1994年逝世於英國卡萊爾，不僅逾半輩子旅居東西方4座城市，其生涯不同時期的多樣化創作也尤擅運用西方媒材傳達東方哲思，因此受譽為融會中外的當代大師，同時在抽象藝術與觀念藝術領域被推向開拓者地位。

▼ 2014年臺北市立美術館所舉辦的《觀・點》李元佳回顧展

跨領域抽象創作，半世紀走過東西方4地

若將李元佳落腳臺北、波隆那、倫敦、坎布里亞郡的時點拿作「創作節點」看待，則可大略劃分4大階段。第一階段自戰後遷臺起算，他先因投入李仲生門下，確立自身突破性的繪畫語言；後又於1957年與蕭勤、霍剛、夏陽等8位皆師承李仲生的年輕畫家一齊創辦「東方畫會」，有組織地推行臺灣戰後現代繪畫運動，名留藝術史。第二階段與上一階段分界在1950、1960年代之交，李元佳自此發展出後來貫穿他眾多作品的母題「點」，整體風格走向觀念化。1960年代中緊接著開啟第三階段，繪畫對他而言不再只是圖像的載體，更成操作、切割與重構的現場，將觀者注意力從筆觸轉移至幾何構成；這一傾向延續至1960年代末，他逐步探索互動式作品，另設立個人基金會進行更宏觀的藝術實踐。直到邁向1970年代、創作生涯的最後25年，李元佳終憑一己之力打造同名美術館，再誕攝影版畫類新作。

其作品單論「表面視覺」並無極大衝擊性，然從用色、圖形拼組所蘊含的深意，乃至藝術家思緒和意念上的獨特表達，卻有股彷彿能烙人腦海的精神性力量。以下逐一解析各階段創作型態與作品特徵。

▍1950年代：臺北

二戰後隨國民政府輾轉來臺，李元佳進入臺北師範學校（現國立臺北教育大學）就讀藝術科，同時修習於臺灣現代藝術代表人物李仲生的畫室，在其觀念啟發下，李元佳的早期創作揉合筆墨傳統和抽象表現，其中尤具書寫感的自由線條，與他同時期的書法作品有類似動勢，有時還混合甲骨文和象形文字意象，將自然萬物託寓於抽象形式；帶有音樂般律動感的開放結構，則展露來自康丁斯基、米羅等人的影響。

▍1960年代上半：波隆那

一腳踏上1960年代時間軸，李元佳已逐漸形塑出極簡抽象語彙，往往在大片留白的紙面節制地留下僅如污漬或果核般的細微墨點——這些饒富意趣的「點」，既是動作痕跡、亦為抽象觀念，承載著「一切與空無」的哲思。他也嘗試「冊頁形制」裝幀，主色選以黑、紅、金、白，象徵始與終、血與生命、高貴、純粹。1961年，移居義大利的李元佳成為歐洲前衛藝術運動團體「龐圖（Punto）」創始成員，短暫停留米蘭後，便入住設計師Dino Gavina在波隆那的家具工廠，環境的大幅轉換促使他開始以工業材料創作淺浮雕。

▍1960年代下半：倫敦

1967-1968年，李元佳受倫敦信號藝廊跨領域、實驗性及多元族裔的氣氛吸引，應其邀約前往倫敦參展，亦開始自學攝影、撰寫英詩，並將之融入創作。駐倫敦期間，他另在里森藝廊舉辦過3場備受矚目的個展，作品可見某種觸覺轉向：「點」被圓形磁鐵物件取代、展示形態出現互動性，進而躋身英國參與式藝術（Part-Art）先鋒；同時持以「玩具藝術」概念著手複數版創作（意即打造多件相同或極為相似的系列作，每件皆為「原作」；概念如編有特別序號的藝術玩具）。活躍於英國少數以非西方藝術家為核心的前衛藝術社群，李元佳確被視為一名世界主義者。

▍1970-1990年代：坎布里亞郡

1969年離開倫敦，李元佳移居北英格蘭的坎布里亞郡鄉間，作品隨之擴張為與自然環境結合的空間裝置。他且向藝術家Winifred Nicholson買下一間農舍，建成李元佳美術館（LYC Museum and Art Gallery），自1971年開館10餘年間共舉辦逾200檔展覽，並獨立出版展覽圖錄，無疑是英國北方重要的現代藝術據點。創作方面，李元佳仍持續發展具互動性與觸覺性的「宇宙點」浮雕及圖騰式繪畫。1982年結束美術館營運後，他更投入攝影版畫，為自己拍攝和沖印的黑白照片手工上彩；這些影像融匯自然主義和編導式攝影，時而以隱匿面容的方式自拍入鏡——抒情、陰鬱的晚期作品，悄然透露藝術家心境。

李元佳個展《Li Yuan Chia 李元佳》

• 時間：即日起至2026年1月18日10:30-18:30（每週二休館）
• 地點：文心藝所（台北市內湖區民權東路六段180巷10弄6號）

>> 更多資訊可至文心藝所官方臉書、官方IG了解。

位於首爾道峰區倉洞(창동；Changdong)的首爾市立攝影美術館（서울시립 사진미술관；Photo SeMA）歷經近十年籌備，於2025年5月開館，成為韓國首座公立攝影專門美術館。佔地7,048平方公尺（約2,132坪）、地上四層地下兩層，填補了攝影公共資源的空缺。作為「博物館美術館・城市首爾」計畫一環，與周邊AI科學館形成文化聚落，為首爾東北圈注入文化動能。

體現光與影對比的建築設計

建築由奧地利維也納建築事務所Jadric Architektur與韓國室內設計事務所1990 uao共同設計，靈感來自相紙與快門，結合光感大廳與暗室空間，運用黑色混凝土與灰金屬，體現光與影的對比。館長Han Jung-Hee（한정희）指出，韓國攝影雖已有百年歷史，學術與制度建構仍在起步，因此攝影美術館將致力於攝影的收藏、研究、展示與教育，打造理解與對話的平台。

開館首展以「光的視角 광(光)적인 시선」為題，策劃兩檔展覽——《光彩：起始的瞬間》（광채光彩: 시작의 순간들）、《儲藏故事》（스토리지 스토리Storage Story），回應建館歷程與攝影本質，從影像與記憶、建築與材料、資料與未來的交織中，開啟一場關於攝影與光的對話，象徵韓國攝影藝術的新篇章正式展開。

凝結韓國攝影百年的圖書收藏館

另外，位於4樓的攝影圖書館面積約200平方公尺，是保存韓國攝影史與攝影師作品的收藏空間。館藏超過一萬冊書籍，特別購入在弘益大學附近現已停運的「wrm資料室」（whatreallymatters）三千餘冊設計類藏書，突顯攝影與設計間的緊密關係。此圖書館排除一般圖書，聚焦攝影圖書的編輯與美學價值，成為攝影研究與創作的重要資料平台。未來也將開設攝影書工作坊，促進攝影師與設計師的交流與實作。

▸ 《光彩：起始的瞬間》

展出韓國攝影史5位代表攝影家的經典之作，回顧攝影從紀實走向藝術的演變歷程。透過十餘年收藏與研究，呈現出影像如何映照時代、探索美學，並形塑獨特的語言。

鄭海昌（ 1907~1967，정해창；Jung Hae-Chang）：舉辦韓國人首次個展、將攝影納入藝術體系

鄭海昌於1929年舉辦韓國首場攝影個展，融合韓國傳統美感與西方繪畫構圖，突破紀實框架，展現出攝影藝術新的可能。作品從靜物美學探索，到以木偶象徵人性，反映文化交融與自我省思。雖然1937年中止藝術攝影，但其對攝影與繪畫界限的思考，啟發後世在傳統與現代間找尋新的語彙，成為韓國攝影史的重要先驅。

林奭濟（1918-1994，임석제；Lim Suk-Je）：以寫實主義視角展現社會現實

1948年，林奭濟舉辦韓國首場藝術攝影個展，標誌著韓國攝影從唯美的沙龍風格走向現實主義。代表作〈網與日〉（그물과 해）以極端低角度與強烈明暗對比捕捉漁網之力感，結合新客觀主義視角，透過工具而非人物來描繪勞動的痕跡，藉由這樣的影像語言，將無名者推向歷史舞台中央，是帶領韓國攝影走向現代的重要轉折人物。

李亨祿（1917-2011，이형록；Lee Hyoung-Rok）：創立脫離傳統沙龍、提倡現實主義攝影的「新線會」

李亨祿自1935年投身攝影，1956年創立「新線會」（신선회），推動韓國攝影從唯美沙龍轉向寫實主義，關注韓戰後的庶民生活，如其代表作〈街頭的修鞋匠〉(거리의 구두상)就展現了生活的韌性。不過他在1960年創辦了「Salon Ars」（싸롱아루스），開始反思寫實主義的侷限，探索更強調造形感的攝影表現，如另一作品〈構成〉（구성）就以鋼骨結構與光影對比，象徵攝影從紀實邁向藝術的跨越。

Cho Hyun-Du（1918~2009，조현두）：開創抽象造型攝影新局面 

Cho Hyun-Du是韓國抽象攝影的先驅，1964年國展設攝影部門後獲首屆特選，開創抽象攝影的新視野。代表作〈殘雪〉(잔설）捕捉冰層細節，突破紀實框架，展現自然抽象美感。透過實驗性的技法，將攝影轉化為一種自由的藝術語言，推動韓國攝影從寫實走向現代主義。

朴英淑（1941- 박영숙；Park Young-Sook）：創立第一個大學女性攝影社團「淑美會」

朴英淑是韓國女性攝影的先驅，1960年代突破性別限制，成為首位舉辦個展的女性攝影師。她在淑明女子大學創立攝影社「淑美會（숙미회）」，為女性攝影開創舞台。畢業後任職女性雜誌，透過「詩與攝影」專欄展現獨特的視角。1966年個展推動女性攝影進入主流，作品細膩地捕捉了女性生活與內心，1980年代以實驗性創作挑戰性別刻板，開啟韓國攝影的新時代。

▸ 《儲藏故事 Storage Story》

邀請6位藝術家以倉洞的「倉」為意象，將過去朝鮮時代此地作為穀倉的歷史轉化為影像與記憶的儲藏空間。透過建築、檔案與歷史，詮釋美術館不只是展覽場域，更是保存、創作與記憶交織的場所，展現出攝影在當代藝術的多重層次與意義。

Seo Dong-Sin（서동신）以攝影探討觀看與認知，挑戰影像可即時傳達意義的傳統觀念。將美術館建設過程中的功能性照片與收藏的圖像解構重組，創作〈功能性函數的失靈〉(기능적 함수의 오작동)系列共22件作品。原本如數學公式的照片經拼貼疊加，模糊原意，展現影像流動與多種意義，並邀請觀者在美術館空間中，重新思考攝影的藝術與認知的可能。

Won Seoung-Won（원성원）透過數位拼貼創作虛實交錯的影像，探索人與社會間的關係。六件作品取材自攝影美術館建設的過程，融合水、木、沙、礫等自然元素，表現出建築與自然共生的概念。館體扭曲延展成小丘，與造景師Kweon Ji-Yeon共構「森林演替」意象，象徵建築如生命般從自然誕生又回歸自然，帶領觀者體驗時間與循環流動。

Jung Ji-Hyun（정지현）與Park Sang-Min合作，將美術館建設檔案影像轉化為3D雕塑與絲網印刷等多媒材作品。其中一件作品〈Cast Capture_3P 02_7043〉以3D掃描重現館內空間，結構輕薄如羽翼，隨光線浮現出隱藏的影像，宛如記憶逐漸成形。作品融合光影與材質，模糊數位與物質、攝影與雕塑的界線，展現建築作為記憶容器的意義，成為時間與故事的凝聚體。

朱龍聲（주용성；Joo Yong-Seong）聚焦在攝影美術館的所在地首爾倉洞，從地名語源出發，訪談居民並蒐集口述歷史，補足官方資料的不足。展出的36件作品，重構地方記憶與歷史脈絡，呈現城市開發中被忽視的集體身份。透過影像與文字交織，讓倉洞的人文故事浮現，賦予美術館深厚的歷史根基，使其成為承載時間與記憶的場所。

Oh Joo-Young（오주영）虛構一位攝影美術館的AI修復師，透過學習館藏影像，探索影像修復與觀看的本質。作品記錄AI如何解讀藝術與記憶，思索「原作性」的意義。四件作品回應數位時代藝術的保存倫理，展現人機共思的可能，傳達出科技不僅是工具，更是感知與詮釋的主體。

Oh Joo-Young的作品其中之一〈機械鑑賞系統〉（기계 감상 시스템）邀請觀眾選出三張喜愛的館藏影像，排列後按下紅色按鈕，觸發AI即時解讀並呈現結果。觀眾在教導AI觀看的同時，也學習其詮釋。作品模糊人機觀看主體的界線，探討AI時代觀看與理解的關係及其可能性。

Melmel Chung（정멜멜）重製攝影美術館的典藏資料，拍攝1950至70年代的影像與攝影器材，再以數位技術解構重組，轉化為當代視覺語言。作品如拆除典藏庫之牆，讓沉睡記憶再次被觀看。她回應美術館的保存角色，同時探問攝影在時間與技術交織下，如何在當代被重新理解與敘述。

首爾市立攝影美術館（서울시립 사진미술관；Photo SeMA）
地點｜ 68 Madeul-ro 13-gil, Dobong-gu, Seoul (서울 도봉구 마들로13길 68)
營業時間｜週二至週五：10:00-20:00 / 週六、周日、國定假日：夏季（3月-10月）10:00-19:00；冬季（11月-2月）10:00-18:00 ＊週一休館
門票｜免費

更多資訊可至網站查詢

首檔展覽《光彩：起始的瞬間》、《儲藏故事》展期 2025.05.29-2025.10.12

我們藉由攝影、透過觀景窗捕捉世界，一張張照片不只凝結生活脈動於一瞬，更顯影了每個人觀看世界的方式。但你是否曾想過，我們每一次拍攝，究竟是單純仰賴自身直覺和經驗，亦或被觀景窗設計影響的結果？

攝影師李雨軒在與各式相機相處的過程中，發現其觀景窗的大小、亮度、對焦方式等，都悄悄影響著攝影者的觀看姿態。在好奇心驅使之下，他展開「拍攝觀景窗」的創作旅程，將這些「觀看的入口」視為影像的主角，而非單純的機械空腔，再現「機器所看到的世界」。即日起至10/26，李雨軒於一嶼ISland發表個展《Viewfinder》，集結10組經典相機的內部構造影像，邀請觀者一同墜入光影、器械與記憶交織之境，思考觀看及攝影的本質。

實驗攝影，擁抱意外

自人生第一台底片相機起，李雨軒即被觀景窗所吸引——透明卻隱藏力量的界面、微弱亮度、鏡頭反射與對焦機制的細節，成為他後續創作的起點。「實驗性」是李雨軒作品的一大關鍵字，他曾以顯微鏡對焦底片、鏡頭反置、焦段設定為無限遠，也將彩色底片沖洗成黑白，每一次實驗都是對視覺感受的新探索。失焦等偶然的「意外」，是他創作中極為迷人的元素。

走進展場，與觀景窗「雙向凝視」

此次《Viewfinder》展覽現場，共展示了10台經典老相機的觀景窗及內部構造，透過微距拍攝、逆光與底片質感等技術細節，呈現一個個極小卻深邃的影像世界。每一件作品都像一扇微型窗口，凝聚光線、記憶與時光的痕跡，觀者不只是觀看影像，也在當下一同進入作品所創造的空間，重新思考「觀看」與「被觀看」的微妙關係——當你透過相機觀景窗觀察世界時，這些機械似乎也正在回望著你。

觀景窗裡藏了什麼？

為微觀並拍攝觀景窗，李雨軒深入研究微距攝影，期間他逐漸理解鏡頭「放大倍率」的奧妙，「每一次倍率的提升，帶來的畫面衝擊像是進入了一個無法觸及的觀看維度。」至此觀景窗內部不再只是輔助工具，而像是一個平時被我們所忽略的隱性空間。

他也談及拍攝過程中的挑戰：「顯微鏡對光線與對焦技術要求很高，拍攝過程中必須長時間在強光下作業，並小心地調整焦距，每一個微小的移動都可能讓畫面完全失焦。這是一場對技術與耐性的考驗。」實驗到最後，他為了能拍攝到觀景窗後方，特別設計一個轉接裝置，將微距鏡頭延伸至另一台相機，讓兩台相機互相拍攝。像這樣相機對著相機的拍攝模式，對他來說隱喻了人與人之間觀看與被觀看的關係，也呼應著《Viewfinder》欲傳達的「雙向凝視」主題，不妨到展覽現場細品領會。

李雨軒攝影個展《Viewfinder》

展期｜2025.09.19－10.26

地點｜一嶼ISland（台北市大安區青田街6巷10號）