文心藝所全新展覽《Li Yuan Chia 李元佳》現正展出李元佳典藏作品，回望抽象藝術先驅、「東方畫會」聯合創始人生前多面向開拓的50年輝煌創作歷程；邀你從平面字畫、淺浮雕到空間裝置，全覽其畢生所築之「點的宇宙」。

臺北展覽空間「文心藝所」即日起至2026年1月18日推出已故藝術家李元佳個展，特邀獨立策展人游崴策劃，重新考察文心藝術基金會對李元佳的豐富收藏，展出橫跨1950至1990年代，他分別於臺北、波隆那、倫敦、坎布里亞郡4地留下的創作，形式囊括書法、繪畫、掛毯、淺浮雕、互動作品及攝影版畫；並同步揭開藝術家檔案文獻，領觀者發掘李元佳創作中極簡、神祕而充滿觸覺暗示的「點」，及其背後恢宏的宇宙圖式。

北美館10年前便曾循「點」的脈絡，呈獻這位臺灣人不見得熟知、事實上卻對臺灣藝術發展別具影響力的前衛藝術家回顧展——該展可謂間接促成這次文心藝所直接以藝術家之名「Li Yuan Chia 李元佳」為題重現的半世紀軌跡。李元佳1929年出生於中國廣西、1994年逝世於英國卡萊爾，不僅逾半輩子旅居東西方4座城市，其生涯不同時期的多樣化創作也尤擅運用西方媒材傳達東方哲思，因此受譽為融會中外的當代大師，同時在抽象藝術與觀念藝術領域被推向開拓者地位。

▼ 2014年臺北市立美術館所舉辦的《觀・點》李元佳回顧展

跨領域抽象創作，半世紀走過東西方4地

若將李元佳落腳臺北、波隆那、倫敦、坎布里亞郡的時點拿作「創作節點」看待，則可大略劃分4大階段。第一階段自戰後遷臺起算，他先因投入李仲生門下，確立自身突破性的繪畫語言；後又於1957年與蕭勤、霍剛、夏陽等8位皆師承李仲生的年輕畫家一齊創辦「東方畫會」，有組織地推行臺灣戰後現代繪畫運動，名留藝術史。第二階段與上一階段分界在1950、1960年代之交，李元佳自此發展出後來貫穿他眾多作品的母題「點」，整體風格走向觀念化。1960年代中緊接著開啟第三階段，繪畫對他而言不再只是圖像的載體，更成操作、切割與重構的現場，將觀者注意力從筆觸轉移至幾何構成；這一傾向延續至1960年代末，他逐步探索互動式作品，另設立個人基金會進行更宏觀的藝術實踐。直到邁向創作生涯最後25年、以1970年代為始的第四階段，李元佳終憑一己之力打造同名美術館，再誕攝影版畫類新作。

其作品單論「表面視覺」並無極大衝擊性，然從用色、圖形拼組所蘊含的深意，乃至藝術家思緒和意念上的獨特表達，卻有股彷彿能烙人腦海的精神性力量。以下逐一解析各階段創作型態與作品特徵。

▍1950年代：臺北

二戰後隨國民政府輾轉來臺，李元佳進入臺北師範學校（現臺北教育大學）就讀藝術科，同時修習於臺灣現代藝術代表人物李仲生的畫室，在其觀念啟發下，李元佳的早期創作揉合筆墨傳統和抽象表現，其中尤具書寫感的自由線條，與他同時期的書法作品有類似動勢，有時還混合甲骨文和象形文字意象，將自然萬物託寓於抽象形式；帶有音樂般律動感的開放結構，則展露來自康丁斯基、米羅等人的影響。

▍1960年代上半：波隆那

一腳踏上1960年代時間軸，李元佳已逐漸形塑出極簡抽象語彙，往往在大片留白的紙面節制地留下僅如污漬或果核般的細微墨點——這些饒富意趣的「點」，既是動作痕跡、亦為抽象觀念，承載著「一切與空無」的哲思。他也嘗試「冊頁形制」裝幀，主色選以黑、紅、金、白，象徵始與終、血與生命、高貴、純粹。1961年，移居義大利的李元佳成為歐洲前衛藝術運動團體「龐圖（Punto）」創始成員，短暫停留米蘭後，便入住設計師Dino Gavina在波隆那的家具工廠，環境的大幅轉換促使他開始以工業材料創作淺浮雕。

▍1960年代下半：倫敦

1967-1968年，李元佳受倫敦信號藝廊跨領域、實驗性及多元族裔的氣氛吸引，應其邀約前往倫敦參展，亦開始自學攝影、撰寫英詩，並將之融入創作。駐倫敦期間，他另在里森藝廊舉辦過3場備受矚目的個展，作品可見某種觸覺轉向：「點」被圓形磁鐵物件取代、展示形態出現互動性，進而躋身英國參與式藝術（Part-Art）先鋒；同時持以「玩具藝術」概念著手複數版創作（意即打造多件相同或極為相似的系列作，每件皆為「原作」；概念如編有特別序號的藝術玩具）。活躍於英國少數以非西方藝術家為核心的前衛藝術社群，李元佳確被視為一名世界主義者。

▍1970-1990年代：坎布里亞郡

1969年離開倫敦，李元佳移居北英格蘭的坎布里亞郡鄉間，作品隨之擴張為與自然環境結合的空間裝置。他且向藝術家Winifred Nicholson買下一間農舍，建成李元佳美術館（LYC Museum and Art Gallery），自1971年開館10餘年間共舉辦逾200檔展覽，並獨立出版展覽圖錄，無疑是英國北方重要的現代藝術據點。創作方面，李元佳仍持續發展具互動性與觸覺性的「宇宙點」浮雕及圖騰式繪畫。1982年結束美術館營運後，他更投入攝影版畫，為自己拍攝和沖印的黑白照片手工上彩；這些影像融匯自然主義和編導式攝影，時而以隱匿面容的方式自拍入鏡——抒情、陰鬱的晚期作品，悄然透露藝術家心境。

李元佳個展《Li Yuan Chia 李元佳》

• 時間：即日起至2026年1月18日10:30-18:30（每週二休館）
• 地點：文心藝所（台北市內湖區民權東路六段180巷10弄6號）

>> 更多資訊可至文心藝所官方臉書、官方IG了解。

新北市美術館於2026年3月21日至9月6日推出阿根廷藝術家托馬斯・薩拉切諾（Tomás Saraceno）在臺灣的首次大型個展「共織宇宙」（Interwoven）。

托馬斯・薩拉切諾是誰？

出生於1973年的托馬斯・薩拉切諾現居柏林，是當代藝術界長期關注生態與科技議題的重要藝術家。他的創作跨越藝術、科學與社會行動領域，並與生物學家、物理學家與環境研究者合作，將蜘蛛網、空氣流動與宇宙結構等研究轉化為可被感知的藝術經驗。透過跨領域合作，持續探索那些平時難以察覺的連結，使觀眾得以重新理解生命與環境之間的關係。

在展覽中穿梭不同尺度的世界

展覽「共織宇宙」以「網絡」作為核心概念。從蜘蛛絲所構成的微觀結構，到科學家提出的宇宙網理論，藝術家透過作品呈現一種關於世界的想像：生命、自然與宇宙並非彼此孤立，而是透過無數看不見的關係彼此交織。觀眾將在展覽中穿梭於不同尺度的世界——從蜘蛛透過絲線震動感知環境的微觀生命，到宇宙中連結星系的巨大網絡，感受那些將萬物連結在一起的無形絲線。

重新想像人類與萬物交織的世界

美術館也透過沉浸式裝置、聲音作品與社群參與計畫，邀請觀眾與空氣、蜘蛛、雲層、孢子、種子、暗物質以及宇宙等不同存在一同感知世界，重新思考人類與自然萬物之間交織共存的關係。展覽亦回應當代文化機構如何面對全球環境與社會變遷的提問，嘗試透過藝術開啟新的感知方式，形塑未來的公共想像。

蜘蛛、宇宙與感知的網絡

本次展出的重要作品之一〈關注之網〉（Webs of At-ten(s)ion）呈現由多種蜘蛛共同編織而成的三維網絡。蜘蛛透過絲線的震動感知世界，蛛網既是建築結構，也是感官系統。在展場中，不同物種的蜘蛛沿著既有的網絡持續編織，形成跨越時間與物種的對話，也象徵即使在看似差異或衝突的群體之間，仍有可能發展出共存與合作的模式。

另一件作品〈如何將宇宙陷入蛛網？〉（How to Entangle the Universe in a Spider/web?）則將蜘蛛網轉化為宇宙圖景。透過光與空間裝置，蜘蛛網的結構被比擬為連結星系的暗物質網絡，讓觀眾思考微觀與宇宙尺度之間的相似結構與共振關係。

在大型裝置〈算法．韻律〉（Algo-r(h)i(y)thms）中，蜘蛛網被轉化為一個可進入的張力空間。觀眾在其中移動與感知震動，身體成為網絡的一部分，體驗不同生命之間的連結與平衡，並透過聲音與振動感受萬物之間的關係。

展覽亦回應當代關於地球與環境危機的重要討論。從「人類世」（Anthropocene）到「資本世」（Capitalocene）的概念，都指出人類活動與資本主義體系對環境造成的深遠影響。薩拉切諾因此提出另一種觀看世界的方式——「大氣世」（Aero(s)cenic），將大氣視為連結所有生命與物質的共同媒介，並重新思考人類與地球之間的關係。

藝術、社群與氣候行動

展覽同時呈現藝術家與阿根廷北部大鹽沼及瓜亞塔約克湖（Laguna de Guayatayoc）原住民社群長期合作的成果。這些社群持續對抗鋰礦開採對土地與水資源造成的威脅。鋰被稱為「21世紀的白金」，是電動車電池與能源儲存系統的重要材料，但每開採一公噸鋰礦可能消耗高達兩百萬公升的地下水，使南美洲「鋰三角」地區成為全球經濟與政治競逐的焦點。

在此背景下，藝術家推動「大氣世」（Aerocene）計畫，想像一種不依賴化石燃料的未來。展覽中首次在臺灣呈現的〈太陽能飛行博物館〉（Museo Aero Solar），由回收塑膠袋製成並僅依靠太陽熱能升空。這件作品既是一件雕塑，也是一項氣候行動，更是一種集體創作與合作的實踐。

此外，觀眾亦被邀請參與〈公平雲朵〉（Fairclouds）計畫，透過描繪雲朵形狀的創作，連結阿根廷社群守護水資源的行動，形成一幅關於水、記憶與未來的集體圖景。本展亦透過教育與社群參與計畫，邀集新北市多所學校與地方社群共同參與。

托馬斯．薩拉切諾：共織宇宙
日期｜2026.03.21–2026.09.06
地點｜新北市美術館6A、6B展間

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜新北市美術館、文字整理｜Adela Cheng}

2016年開館以來專注當代寫實藝術策展，南投毓繡美術館今年度預定藉兩大檔期，標記此一軸線上的10年里程碑。上半年《我們走了十年》現正進行中，下半年《想像的質地》已悄然啟動；從紐西蘭、美國、英國、比利時遠道而來的4位藝術家，以及台灣在地藝術家暨策展人宋曉明，將在寫實脈絡下翻攪甚至顛覆寫實，同場揭示多元美學觀點。秋涼之前，本文帶你率先掌握展覽主題，一併揭曉交融聲音與表演的跨域計畫。

走了十年，國際聯展《想像的質地》挑戰寫實底線

毓繡美術館10週年典藏與行動回顧展《我們走了十年》即日起至2026年8月23日結束後，國際聯展《想像的質地》接續在9月19日開展。

延伸閱讀：翻頁前，回望當代寫實這一路：毓繡美術館《我們走了十年》匯聚日本、義大利等48件典藏作，在南投山中編織光影與藝術

作為10週年計畫的下半年環節，館方特別邀請目前執教於台師大美術系、專精現代與後現代寫實繪畫研究的藝術家宋曉明擔任客座策展人，以展覽題名「想像的質地（Imaginative Reality）」回應毓繡美術館長期著眼的當代寫實藝術本質，亦隨之丟出挑戰與質疑：當衝突和變動已成現下社會之常態，創作者如何用作品持續翻攪寫實概念？

策展脈絡故圍繞「當代繪畫的不確定性」核心題旨，由館方攜手5位坐擁不同文化背景的藝術家，透過約60件風格迥異的創作實踐，反思視覺圖像的深層意涵，進而形塑廣義寫實範疇內各有詮釋的多樣時代面紗，涵養偏鄉地區美學底蘊。以下逐一爬梳參展藝術家創作軌跡及作品特徵。

▍紐西蘭藝術家Emily Wolfe

現往返居住牛津、倫敦兩地。善用拼貼手法描摹既熟悉又超現實的古典風景，同時寄寓情緒與記憶的流動性於具體畫面，使圖像不僅僅指涉單一想像。

▍美國藝術家Cameron Martin

早期多融合照相機和印刷特質，其中奠基高明度、低對比等強烈調性構築風景的壓克力作品，尤顯露他始終關注的圖像構成及邊界問題：根據繪畫的不確定性，「完整再現」非唯一的創作途徑和訴求。

▍英國藝術家Nicholas Middleton

擅於採取單色調，轉化影像的三維現實為畫布的二維平面，並經由暗示圖像無法完全類比真實視覺經驗，強調繪畫形式的再思考。

▍比利時藝術家Greet Van Autgaerden

片段性的多彩畫面處理，將視覺現實抽離至斷裂的畫布平面，企圖讓觀者在其營造的畫面張力中，拓展風景圖像的感知可能，從而思索人類文化與當代自然景觀的關係。

▍台灣藝術家暨本展策展人宋曉明

創作始於圖像過剩時代下對圖像本質的深刻探問，結構布局理性，常以極其逼真的紙膠帶為視覺符號，斟量寫實繪畫風格的定義與平面物質在繪畫中的價值。

圖像的價值不再是提供答案，而是促發想像

身處當代藝術環境，人們已經難以賦予視覺圖像和平面繪畫簡單清楚的定義。然有賴此次邀展作品紛呈的觀點，《想像的質地》正帶領觀者進入繪畫形式所衍生出更廣袤的想像境地；這無疑是毓繡美術館身為當代寫實藝術展館亟欲審視的議題。9月正式開幕之際，4位海外藝術家預計親自來台，館方同步規劃後續講座等相關活動，致力促成創作者與觀者間更深層的交流。

▼ 2025年，美國藝術家Tony Matelli至毓繡美術館舉辦台灣首展《佈局》期間，館方亦邀請藝術家座談分享

展前預熱：跨域計畫遊走空間，在「對稱破缺」中尋找詩性失序

聯展正式開幕前，深耕國際網絡的台灣當代音樂團隊捌號會所（Studio Acht）創辦人林芳宜，將聯手柏林新音樂室內樂團（Ensemble KNM Berlin）發起為期13天的多國共製計畫《殘缺的對稱》，向場館空間汲取創作材料，實現聽覺與視覺藝術的互文效應，開啟觀展新視界。

計畫主題發想自物理學的「對稱破缺（Symmetry Breaking）」理論，指完美對稱的系統受到擾動後產生的結構性偏移——「失衡」恰為動態生命的起點。林芳宜以此對應美國作曲大師莫頓費爾德曼（Morton Feldman）經典作品《Crippled Symmetries》，視毓繡美術館清水模建築為「聲場」、聲音為「展品」，並打破舞台限制，憑多重空間同步、全場域移動式演出型態，讓觀眾參與不限於靜坐同一位置聆聽，更被引導起身行走，而自主意識空間的存在、重新辨識空間中潛藏的節奏變異。演奏家甚會在小型場域進行一對一展演，內容由雙方即時決定，造就不可複製的聲音互動經驗。整體通過不穩定空間的建構，挑戰人們對穩定結構的預期，感受藝術如何在不同步的交錯作用中變幻與迴響。

毓繡美術館

南投縣草屯鎮健行路150巷26號

• 開放時間：10:00-17:00，週一及國定假日休館、週四15:00閉館
• 當期展覽：點此查看
• 下期展覽：

跨域計畫《殘缺的對稱》

- 展期：2026年9月1日至13日

- 地點：園區各處

國際聯展《想像的質地》

- 展期：2026年9月19日至2027年1月31日

- 地點：展覽館

>> 更多相關資訊詳洽官方網站或官方社群。