如何用內心的聲音跳舞？聲音，一直是雲門舞集藝術總監鄭宗龍重要的創作元素。這次《關不掉的耳朵》中，他不再探索外在世界的聲響，而是轉向內心更吵雜的角落——那些關不掉的自我對話、忘不掉的記憶聲音。如果心中正在喧囂，那麼就跳出來。

採訪前一天，鄭宗龍才從日本瀨戶內海藝術祭回來，雲門在隱身林間的四國村博物館半開放的舞台演出《定光》。「《定光》裡舞者要發出自然的口技聲響，透過麥克風把它放大。我記得前幾天他們發出的聲響一直跟那地方格格不入，所以就花了點時間讓他們聆聽那裡的聲音，10幾分鐘後，真的就不一樣了。」他形容有舞者像從台灣飛去的蟬，有人則模仿那裡的烏鴉，「天上常有一些烏鴉飛過去『啊、啊、啊』，這樣滿可愛的。」他模仿著。

聲音與音樂始終影響著鄭宗龍的創作，像《十三聲》中林強的電子樂與民間傳統音樂、歌謠的引用；《定光》轉譯從大自然中聽見的聲音；《波》透過數據從肌肉之中找到聲響⋯⋯，他認為舞蹈跟聲音沒辦法真正分開。「有個說法是聲音振動的頻率會讓身體產生一種動能，無論聽到流行樂或街舞音樂，人有了生理上的感覺，不管是啟動情緒也好、喚起記憶也好，人們聽見時特別容易有感觸。」

聲音不像視覺可以閉眼不看，總是無孔不入，持續滲入人的感知裡，影響著身體的節拍與律動。《關不掉的耳朵》又是一次從聲音出發的創作，只是他過往作品大多探索「外在」的聲音，這次則探向更吵雜的內在。「我覺得人在獨處的時候，都有很多的自我對話，甚至是對自己的審判。」他說，《關不掉的耳朵》便是在說耳朵不知道怎麼關上。他的世界靜不下來，像風在呼嘯，沒有停下的時候。

從生活與記憶中汲取音景

這場對內心的探索，源於鄭宗龍的好奇。「在我成長的記憶中，有些比較忘不掉的聲音，很奇怪，為什麼那些聲音會一直存在記憶裡？」2024年巡演間隙，他發現台灣電影音效大師杜篤之開設聲音設計線上課程，便買了下來。「印象很深刻的是，他說畫面不用說太多，就像你看見一個人站在那，一抬頭卻只聽見鳥飛去的聲音，就幫助觀眾把畫面與情境創造出來。」

他補充，舞蹈是抽象的，而聲音更加具象，就像人能辨認媽媽切菜的聲音、消防車呼嘯而過，人的聽覺可以運用記憶與經歷建立起情境。他想：用內心的聲音來跳舞有沒有可能？他寫了封信過去、聊得愉快，便開始與杜篤之、杜均堂父子打造這次作品。「過去他們都是在拍攝現場，能瞭解實際聲音的狀況，可是這次他得無中生有，完全靠我寫下連自己也看不太懂的抽象描述，把整個聲音場景建構起來。」對他們來說都是新的嘗試。

具體來說，鄭宗龍寫下了什麼？「腳步聲、關窗聲、關門聲、炒菜聲、風聲、下雨聲、打雷聲、狗叫聲⋯⋯，所有我腦袋裡面有的聲音都出來了，很吵雜，很多人在說話，但聽不清楚他們在講什麼。」其中，腳步聲令他回想起小時候半夜爸媽吵架，「從樓上跑到樓下然後甩門，砰！砰！砰！小朋友就是會害怕。」

記憶彷彿銘刻於身體之中，「它一直都在，就是有些時候聽到腳步聲就會緊張。」當他寫了一個男子腳步聲的形容給杜篤之，便被追問：男子多高？多重？場景是白天還是晚上？踩在草地上有沒有水？還是在家裡？穿靴子、雨鞋、拖鞋還是打赤腳？上樓梯還是下樓梯？走多快？心情好不好？他才意識到，一個聲音場景可以將情緒建構得多細膩。

身體與聲響的視覺對話

法國國立鳳凰劇院在2020年便促成《十三聲》法國9城巡演，這次《關不掉的耳朵》也是鄭宗龍首度受邀跨國場館共製。當時，他也因此認識了法國作曲家Esteban FERNANDEZ，這次Esteban專程駐地雲門劇場兩週，陪伴舞團一同創作。鄭宗龍帶他品嚐豆漿飯糰、逛全聯和菜市場、喝五十嵐、踅夜市與廟宇，「讓他在觀看我們排演之前，先感受到在這個地方生活的氛圍。」

這次配樂融入東亞的聲音元素，像鑼鼓、簫與弦音，卻以雜糅電子樂的方式呈現。Esteban也從法國古典樂大師德布西的作品中汲取旋律靈感，而有趣的是，德布西過去也曾從日本音樂中獲得啟發。「他們這世代比較沒有東西方、古典與現代音樂的界線，可以從許多角度轉換，世界觀非常廣闊。」

配樂會像風一般，托起舞者動作間演繹的情緒。而排練過程中，鄭宗龍持續與12位舞者探索動態與情緒間的關聯。他解釋：「像是在家庭中常見的爭執、憤怒情緒，在那樣的情緒狀態下，舞者的身體會產生什麼樣的反應，他們會有什麼樣的動作表現。」期間，設計師何佳興觀察了舞者靜止的形態與流動的線條，並落筆成為主視覺剛勁削瘦的「朶」字。

這次鄭宗龍更想要打開所有演出劇院，去除所有布幕與遮掩。整座建築，也彷彿化身為大型樂器。他玩笑說這是在「找死」，舞台視覺高度增加近乎一倍，與舞者的視覺比例落差更大了，「舞要編得激烈一些，才有能量傳遞出去。」吳耿禎將打造與聲音、與舞蹈對話的空間與裝置；與此同時，燈光設計師沈柏宏形塑出光的牆面，其間映射著藝術家張方禹的雷射設計，他們將一同透過光影反射、光的軌跡展現聲響的律動。

鄭宗龍形容不同於夜店、演唱會中雷射光線無節制的濫炸，張方禹幽微的語言精準克制，「他賦予視覺更悠長的時間感，更讓觀眾有時間去體會其中的情緒。」時尚設計師陳劭彥則從民間生活汲取靈感，一次樣衣就像檳榔西施的服裝，讓鄭宗龍想起曾在交流道旁看見檳榔西施身穿黑衣，被路過車燈一照，布料閃閃發光。這次服裝也會呈現微微反射的光感，拖曳間放大舞者的動作姿態，形成的視覺殘影正呼應聲音在空間中的延展、迴響。

在內心聲音中尋到共鳴

鄭宗龍在找尋貼近人的共通感受。「我們對於聲音的感受與自我對話的過程都是非常私密的，同時也是每個人的共同體驗，所以我跟藝術家、舞者們一起去探索。最棒的是每個人都從他的經驗裡提供他們的想像，我就把這些東西組合起來。」他相信，每個人都擁有自己獨一無二的感受與情緒，「大家要帶著自己對於聲音的感受跟自信進來，去理解心裡的那風聲、腳步聲，去連結他生命歷程中可能曾有過的各種經驗。」

說到內心的聲音，這位沒想過會接下雲門藝術總監的編舞家，至今已經走過5年了。他的內心可曾因從未預料到的責任與挑戰而不寧過？他頓了一下，坦言這些聲音直到去年都比較喧囂，現在越來越好轉了。他誠實地說自己一直在摸索，「我可能就像沙漠中的一滴水，盡可能讓自己變化成各種形狀，去填滿每一個空間跟隙縫，這樣可能會舒服一些，這是我最近的體悟。」

就像在演出前密集編舞、排練的期間，有時需要處理太多事情，反而沒有時間胡思亂想；或許走出排練場，紛擾的聲音又會回來。耳朵關不掉，但他發現，「當你專心做作品、說話的時候，那聲音就會消失了。」

鄭宗龍
出生於台北艋舺，2002年國立臺北藝術大學舞蹈系畢業後加入雲門舞集，同時開始編舞。2006年起擔任雲門2特約編舞家，2012年任助理藝術總監，2014年任藝術總監。2020年，接續林懷民出任雲門舞集藝術總監。編舞作品有《十三聲》、《毛月亮》、《定光》、《霞》、《波》、《關不掉的耳朵》等。 

雲門舞集《關不掉的耳朵》 

演出場次❶｜10.23∼10.26
台北 國家兩廳院 國家戲劇院
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演出場次❷｜11.07、11.09
台中 臺中國家歌劇院 大劇院
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演出場次❸｜11.15∼11.16
高雄 衛武營國家藝術文化中心 歌劇院
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_{文｜吳哲夫　攝影｜李佳曄、劉振祥　圖片提供｜雲門舞集}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/10月號《韓國設計特搜》

在台灣音樂產業裡，音樂祭往往被視為一次性的絢爛煙火：陣容密集、話題快速堆疊， 然後在社群聲量退去後迅速消散。1 月 11 日 在臺北流行音樂中心舉辦的《龍虎門247音樂日》，睽違兩年後重啟，由「嘻哈龍虎門」和「我的檔期」強強聯手，想用更卓越的製作規格、更具視覺敘事的影像呈現， 試圖回答：台灣究竟還需不需要一個純正的嘻哈音樂祭？

➣本文選自La Vie 2026／1月號《一場朝聖的旅行》，更多精彩內容請點此

「你現在還有文化使命感嗎？」當嘻哈龍虎門Podcast《沒在宣傳的時候》邀來謝乾乾作為首集嘉賓，卻被反客為主，乾乾追問：「還要做《龍虎門247》嗎？」，國瑞則回：「那你還要做《大嘻哈時代3》嗎？」

嘻哈熱潮冷卻？不能只服務特定圈層

聊起當初是如何「入坑」成為苦主？乾乾坦言：「我本來沒有要做事，只是覺得這麼有趣的活動，沒再辦很可惜，單純想『丟一點錢看看』。」他笑說從出錢到出人，沒料到後來會捲進這麼深的製作。事實上，過去也曾有人想投資《龍虎門247音樂日》，但國瑞認為，要打造一個有別於台灣既有的音樂節，若沒有共同承擔體力、時間與風險的決心，絕對不會成功。

在這次《龍虎門247》並肩籌措資源、調度人力之前，兩人逐漸變熟，是因為國瑞深耕嘻哈文化、懂脈絡，被乾乾邀請加入《大嘻哈時代2》助理導演組，「沒有人比他更適合。」後來，《夜市王》在高雄夢時代舉辦總決賽，國瑞說：「我剛好人在附近，點的牛肉麵還沒來，就被急call去現場當導播助理兼計分員」。然而，這種「太好了，你來你上」的信任，足以克服所有《龍虎門247音樂日》遭遇的困難嗎？

洛杉磯啟示：音樂節應該成為「被記住的一天」

國瑞透露，247停辦期間，他參與過不少令他為之驚艷的海外音樂節，包括在洛杉磯Camp Flog Gnaw Carnival中，看到Tyler, the Creator、Doechii的演出，當時Doechii還只是樂壇新人，卻完成了整套高度完整、極具能量的表演。「她炸場後，隔天全美國人都知道她是誰。」國瑞形容那是一整天被精心編排的文化體驗，「無論是氛圍、質感、畫面都讓我反思，哇，是不是這輩子台灣都不會出現這種等級的現場。」

視角拉回國內，台灣為什麼沒有「純嘻哈音樂祭」？答案可能很殘酷。

國瑞表示，現有的大型活動，多半仍隸屬於廠牌或以藝人作為延伸，例如本色音樂《本色祭》、玖壹壹《南北貳路音樂節》等，「247更想讓『任何世代、任何位置的饒舌歌手，都能被完整閱讀』。」

OG 回歸、世代串聯

國瑞和乾乾私下探究：「台灣市場真的不夠大嗎？」棘手的是，這次247試著做得更「純嘻哈」，公布演出陣容後，卻可能讓不那麼熟悉饒舌的觀眾卻步。國瑞回想：「以前我辦，很常被圈內人批評，說怎麼找這些人啊、根本不夠嘻哈啊。這次沒被罵，會不會是嘻哈圈覺得沒問題，可是大眾看不懂？」乾乾則指出，有被看見、被討論、被傳播出去的內容，必會伴隨質疑，「所以被罵可能才是對的！」

今年除了金曲得主熊仔、新科金曲歌王呂士軒、J.Sheon、美麗本人，滿人Manchuker的名號格外引人矚目。國瑞認為，滿人所象徵的是華語饒舌歷史的關鍵位置，若場域本身 不夠成熟，反而會顯得突兀。

針對台饒現狀，乾乾提出自己獨到的比喻——嘻哈像異國料理，有空會想去吃，但要每週都把它當主食，並不實際。「這是全球都在發生的，2025年告示牌百大熱門榜裡，嘻哈其實比以往少很多。嘻哈是否變大眾或主流，不是一個音樂節就能扭轉的事。」

Full Set 火力全開，人海戰術不如打造個人專場

要定義什麼是成功的音樂節，兩人的標準是聲音、舞台、燈光與觀眾狀態，缺一不可。

這次247最有野心的企劃，是新增被喻為「職業運動聯盟」的「龍虎門狀元」選拔。「演出陣容裡的藝人都是Pro級如名人堂的存在，在247現場迎接新的Rookies。」國瑞描述這是介於音樂節、頒獎典禮與電視節目之間的機制：參賽者先經過觀眾投票，再進入錄音室由業界前輩評分，最後站上音樂節主舞台，接受現場觀眾的即時反應。

「你站在那裡唱2、30分鐘，所有人都會知道，你有沒有準備好要成為一名職業饒舌歌手。」國瑞認為拼盤秀早已失去「被需要的理由」；但一個音樂節若不斷產出明日之星、甚至成為台灣嘻哈某種在現場被見證的「起點」，那它才有可能「長」出自己的必要性。

乾乾回應，好看的嘻哈表演要讓表演者獨自站在最前面，樂團藏在後方，「那種張力才是嘻哈最帥的時刻吧。」這次247舞台做成狹長延伸台，不僅考驗體力，藝人更貼近觀眾，意味著必須把個人魅力開到最大。

「一般音樂祭大概會用到150盞燈，我們用了750 盞，遠高於常規。」為了降低LED螢幕的存在感，不願一直投放藝人特寫、動畫素材， 他笑稱：「舞台上已經有人在演唱、講話，旁邊又放火、水、龍、地獄之類的畫面，炫目到不知道要看哪裡，這種現場會讓我『ADHD』（注意力不足過動症）發作。」

比照專輯錄音規格的音樂節現場

視覺以外，乾乾也在乎聽感。「如果我們願意為畫面花這麼多力氣，更沒有理由在聲音上退讓。」過去台灣長期存在一種慣性工作邏輯——錄音室是一套標準，外場演出是另一套標準，而音樂節現場，往往又被默認可以再更鬆。「但對我來說，聲音沒有這麼多妥協的藉口，」他並不認同「外場本來就不可能跟錄音室一樣好」這種說法。

在他的理解裡，嘻哈演出高度仰賴人聲的清晰度、低頻的控制與節奏的動態層次；如果外場聲音糊掉，歌詞不復存在，表演者的技術與情緒也會一併被吞掉，「連聽都聽不清楚，要怎麼被作品打動？」他指出，如今硬體持續進化，已有工具可以對應所有場景需求，關鍵在操作的人懂不懂、敢不敢要求。

他和我的檔期團隊，這次在247中這樣思考：「如果當作在錄一張專輯，這個音質我能不能接受？」從PA系統、混音到現場監聽，都要讓饒舌歌手在台上輸出的，是一個「可以被當成作品聽」的狀態。

「現場 x 線上」共存 247 延伸彩蛋！

《龍虎門247音樂日》將被國瑞和乾乾打造成一個「線性」節目，從下午一點到晚上十點，換場時觀眾才會被告知接下來要幹嘛，音樂節將變成可以被「導演」、被節奏控制的「長篇敘事」。

更瘋的是，乾乾還打算把我的檔期另一個全新節目IP的「試播集」直接在247現場錄製——首屆全國剪刀石頭布「世界拳王大賽」！所有參與《龍虎門247音樂日》的現場觀眾， 入場即可參戰，當日決選出的冠軍將獲得獎金十萬元，「接下來我們要從22個縣市，包含連江縣，繼續打到全台拳王總冠軍，這是一套人人都會的世界古拳法，也可以把它想像成『成功學』真人秀，那些『從來沒輸過』的人會怎麼解釋自己的勝利邏輯、心理策略？怎麼用猜拳講出一 套人生哲學？」

沒賠錢，才有下次

ㄎㄧㄤ的講完了，眼下無法忽視的卻是贊助難找、現金流吃緊。若票房與贊助未能達標，「就算大家玩得很開心，身為主辦的我們也不會開心。」

乾乾道破，整個247成本約莫1,200萬，現金流450萬，票賣光的話能回收800萬，但業務從暑假開始籌贊助，截至12月還沒有任何廠商點頭。他和國瑞對此毫不避諱地說：「絕對不要幻想賠錢還可以覺得很浪漫，賠過的人都知道帥不起來。」

國瑞回想前兩屆247都得自己背鍋、扛壓力，這次多了乾乾一起討論、消化外界的聲音，乾乾則說：「檔期像工廠，做完產品就丟出去看反應；龍虎門必須把『丟出去之後』的那段路走完，才會發生票房、口碑，反映市場現實。」從售票系統、宣發節奏，到對外溝通，他向國瑞學到很多原本不熟悉的任務，「每次開會，只要把『嘻哈』烙出來說服國瑞，他就會瞬間腦衝：『幹，好啊做啊！』可說是理性談判、感性投降啊。」

休息兩年後，以更成熟且野心勃勃的姿態回歸，國瑞期待有朝一日247能被觀眾認證是一個值得信賴、值得回來的現場，不用公布卡司、票就賣光！他和乾乾一致認為：「如果市場願意接受，它就留下來；如果不被需要，也沒有非存在不可的理由。」所以「台灣究竟還需不需要一個純正的嘻哈音樂節？」這考題，也只能交給下個有志之士來作答了。

🎧️ 耳機糾察隊　我最近在聽的嘻哈

國瑞
1. 謝乾〈剪接〉
2. 黃金年代〈十年〉
3. Multiverse〈恨帥潮〉

謝乾
1. J.cole〈Wet Dreamz〉
2. Saba & no ID〈How To Impress God〉
3. Logic〈Never Been〉

郭國瑞

嘻哈龍虎門主理人，品牌誕生於2021年，台灣第一個嘻哈推廣平台，致力於推廣嘻哈音樂和文化，並打造影音創作、音樂媒體、龍虎門247音樂節，致力於用音樂連結所有人，打造台灣的音樂場景，是目前Instagram有逾13萬人追 蹤、YouTube高達14.5萬人訂閱的新生代社群品牌。

謝乾乾

我的檔期負責人，曾任知名製作人阿弟仔的行政助理，期間接觸音樂執行製作，也曾為前饒舌廠牌南門音樂及饒舌樂團逃生口THEXIT成員，並擔任音樂製作人。2016年成立我的檔期有限公司，經手近200支MV以及廣告，近年任《大嘻哈時代2》製作人及導演、《夜市王》製作人，後者於第60屆金鐘獎榮獲「節目類節目創新獎」。

_{文｜張瑋涵　圖片提供｜我的檔期有限公司、嘻哈龍虎門}

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被法國媒體喻為「一根驕傲高舉的中指，對著世界的崩壞」、「真正屬於21世紀的嶄新舞作」，法國編舞團體 (LA)HORDE 由 Marine Brutti、Jonathan Debrouwer 與 Arthur Harel 組成，2019年起接任馬賽國立芭蕾舞團藝術總監，此次於2025 Camping Asia 帶來《崩世光景》（Room With A View），構築出一個既像白色立方體、又彷彿廢墟與未來之間的空間，邀請觀眾直視世界各種光怪陸離。首度來台的 Jonathan、Arthur，以及隨著舞團返國的台灣舞者嚴龍賜，與我們暢談他們如何在崩解失序的時代中，聚集、呼吸，並共同前行。

➣本文選自La Vie 2026／1月號《一場朝聖的旅行》，更多精彩內容請點此

《崩世光景》誕生於 2020 年，那是一個全球共同經歷斷裂與不安的時間點。這件作品並非描述單一事件，而是試圖捕捉一種集體狀態： 世界正在崩塌， 但人們仍試圖在混亂中找到光的方向。

Jonathan 描述，「你可以看到一群人從各自的位置出發，慢慢走向同一個方向。」Arthur 則表示：「我們並不是要給出一個明確的答案，而是邀請觀眾感受『一起行動』本身的力量。」

對 (LA)HORDE 而言，群體不是壓抑個體的結構，而是讓個體得以被看見的場域，有人衝在最前方，也有人退到邊緣；有人承擔重量，有人短暫失衡⋯⋯，這些不穩定的關係，構成了作品最真實的情感核心。

肢體革命，讓差異並存

熟悉表演藝術的觀眾也許有察覺，當代舞蹈中，身體除了是個體的展示，也可以作為政治、社會與情感的承載容器。《崩世光景》共18位舞者未被整齊編排，
他們來自多個國家，在舞台上奔跑、跌落、支撐彼此，形成既混亂又高度凝聚的運動狀態。

「差異本身就是一種禮物。」Arthur 指出，不同性別與文化背景的舞者，對同個動作、主題，往往有完全不同的理解，「我們不追求動作完全一致，也不要求舞者複製一樣的情緒。」

音樂在《崩世光景》中亦扮演極其關鍵的角色，電子音樂製作人 Rone 以電子節拍雕塑音場地景，他與 (LA)HORDE 反覆調整節奏和密度。Arthur 回憶，一開始的音樂版本過於飽滿、接近夜店或俱樂部的強烈質感，但他們很快意識到，舞者需要空間。Jonathan表示，「音樂塑造了群體的時間感與呼吸的力量，但我們需要讓身體有呼吸的地方，讓光、舞台與陰影也能進入。」於是音樂被削減、拉開、留白，最終成為一種既推動集體、又允許停頓的節奏結構。

舞蹈，集體之凝視

表演開場，「大理石採石場」兀自矗立在舞台上，房間裡躁動的身體隨之失神跳動，觀眾看到青春的挫敗、哀傷與憂鬱，恍惚與痛苦，《崩世光景》同時存在關於和平、性別、慾望、集體、恐懼與希望的線索，觀眾只需要一起經歷。Arthur 笑稱：「我們從來不擔心觀眾是否『看懂』，那不是我們的工作。」作品一旦完成，它便不再屬於創作者，而是屬於觀眾的經驗。

Jonathan 進一步說明，「我們關心的是情感是否被觸動，而非訊息是否被正確解碼。」《崩世光景》不試圖說教，有人在其中看到革命與希望，有人感受到焦慮與失序；有人被集體能量震撼，也有人注意到個體在群體中的孤獨—這些都是作品所允許、甚至歡迎的觀看方式。

打開感知，你我都有舞動的能力

Camping Asia 致力於「讓任何人都能進入舞蹈」，正與 (LA)HORDE 的教育理念高度契合，「技術固然重要，但它不是唯一路徑。」Jonathan 和 Arthur 認為，「一個跳躍、一個滑行，都必須與作品的提問有所關聯。沒有意識的技巧才會成為問題。」

在 YouTube、網路自學盛行的時代，「我們更相信『傳承』（transmission），而不是單一系統的訓練。」Arthur 還提及，「我們與香奈兒共享一種『House』的概念—照顧創作者、重視技藝和集體關係。」無論是高級時裝或舞蹈創作，本質上都仰賴長時間的身體勞動與無限耐心。

嚴龍賜：被允許衝撞，是自我療癒的開始

嚴龍賜最早會接觸舞蹈，不是命中注定的天啟，是因為學校才藝練習可以在午休時間進行。看似輕巧的起點，後來一路延伸成他跨越台北、荷蘭、歐洲自由接案生活，再抵達法國馬賽的路。如今，他成為 (LA)HORDE 所領導的馬賽國立芭蕾舞團新加入的台灣舞者，並在《崩世光景》中登台。

母親是阿美族的嚴龍賜，真正被「身分」這件事觸動，是在參與布拉瑞揚舞團作品《勇者》及《拉歌》的過程。那段經驗給了他很大的力量，不只是讓他確定「我想繼續跳舞」，也讓他開始追問：我是原住民嗎？我的文化是什麼？多年後，他也學會用更鬆的方式回答自己，「身分不是考核，而是慢慢長出來的自我理解。」

某天深夜，他的 Instagram 收到私訊，對方正是 (LA)HORDE 團隊，邀請他參與舞者徵選，當時他十分訝異，「我好像沒有那麼酷可以加入他們？」自2024年加入後，他密集參與多個計畫。這次《崩世光景》中，段落動作強烈直接，如暴力與衝突，排練時，他常被觸動，甚至會不自覺掉眼淚，「那是一種身體把過往經驗翻出來的反應」，他心疼生命裡發生過的事，也心疼那些曾被忽略的感受，並在其中找到被治癒、被釋放的出口。

在外界的想像中，國際舞團常被貼上菁英、高壓、競爭的標籤，但嚴龍賜卻在 (LA)HORDE 這個大家庭裡感受到「愛」，舞者彼此支持、互相包容，也願意給彼此空間。他至今最難忘的，是一位 48 歲的日本資深女舞者在排練《崩世光景》時，一邊強烈拍擊自己一邊望向他，彷彿用身體鼓勵他：「勇敢一點，沒關係！」強大的能量傳遞，把「不要怕」直接撞進他的身體。

嚴龍賜想起亞洲人在表達上往往相較安靜、克制，而當有人用這麼直接的方式提醒你「可以更放開、更為自己對抗」，那一刻，他感受到自己在集體中被看見、被允許。

「台北的高密度建築、自然景觀、城市與山林的交錯，讓我們想到《崩世光景》中介於文明與崩解之間的狀態。」

訪談最後，Jonathan 與 Arthur 不忘強調：「這個世界充滿噪音、資訊超載與集體焦慮，能夠花1個小時，與大家一起靜靜地看向同個方向，本身已是極其珍貴的事。」《崩世光景》不斷叩問：在崩塌的時代，我們是否還願意一起走？而 (LA)HORDE 的答案，始終寫在那些奔跑、跌倒、再次站起來的身體之中。