夢我所夢：草間彌生亞洲巡迴展台灣站 KUSAMA YAYOI, A Dream I Dreamed 重點展品介紹

1. 〈圓點執念〉(Dots Obsession, 2015)

紅底白色圓點圖案的巨大氣球，散落在空中、地面，同時填滿空間的氣球亦是個圓，因此數以萬計的圓就這樣滿佈在觀眾眼前。在氣球內部，白色圓點隨著鏡面反射延伸至整個空間，讓觀者有種被淹沒的錯覺，就像作者為其命名「圓點執念」，就是執意讓你無法忽視這些色彩亮麗、可愛的圓，同時也逐漸產生被密集圓點吞噬的恐懼。圓點可說是草間彌生的代名詞，雖然圓點總被人當作可愛的元素，但在其作品中，卻顯現出一種征服觀眾的強烈存在感。草間自幼為強迫症所苦，創作的圓點是不斷出現在她眼中的幻覺，而她自我治療的方法，就是執起畫筆，讓「自我消融」(self-obliteration)在其不斷衍生的幻覺之中，因此草間的圓點也顯示出生命中一切的喜悅、傷痛與快感，更成為她創作的骨幹。
 

2. 〈無限鏡屋-靈魂閃耀〉(Infinity Mirrored Room－Brilliance of the Souls, 2014)

草間彌生喜歡在作品中探索無限空間的魅力，在〈無限鏡屋〉(Infinity Mirrored Room)作品中，藉由鋪設鏡面的牆壁與天花板，草間創造出無限延伸的空間，再透過鏡面與地上的水面投射，她讓黑暗的空間，灑落無數如粒子般的光點，光點延伸放射，直到無垠的鏡面深處。觀眾在參觀的同時，周遊於架設在地面上的水道，彷若置身浩瀚宇宙，見證粒子的增生與消解。草間第一次以鏡子作為創作的媒介是 1965 年的裝置作品〈無限鏡屋-陽具的原野〉 (Infinity MirroredRoom-Phalli’s Field)，從此以後這個可以折射延伸空間感的創作媒材不斷出現在她的作品中。草間試圖透過這類創作帶給觀眾一種無限的感覺 並讓人忘卻自我 隨著草間的作品一同體驗「自我消融」(self-obliteration)的過程。

3. 〈為摯愛的鬱金香永恆祈禱〉(With All My Love for the Tulips, I Pray Forever, 2013)

本作品是草間彌生為了亞洲巡迴展，特別製作的一件大型彩色裝置作品。透過各種色彩、大小不一的「圓點」，這個草間彌生一生慣用的符碼，從平面的牆，再延伸到立體的鬱金香裝置上，整個空間形塑出一種無限重複和變化的視覺感受。同時這些圓點也讓空間和物體合而為一，並給人一種暈頭轉向的混亂感。這些彌漫空間、看似簡單的圓點，其實隱含了藝術家關於「消融」(obliteration)的哲思。正如草間在自傳中所言：「一般而言，藝術家不會把自己的心結直接和盤托出表現在創作裡，可是我是把自己的心結和恐懼直接轉化為表現的物件…把自己融進那些表現物裡面，這就是我所謂的『消融』，…當我在自己全身畫滿圓點，然後把背景也都填上一樣的圖案，這樣我就可以消除自己的存在。」更可見圓點在其生命中的重要意義。
 

4. 〈南瓜〉(Pumpkin, 2013-2014)
90 年代中期開始，草間彌生積極創作許多戶外的立體作品，透過在公共空間的展示，讓作品與人的距離更為貼近，其中最具知名度的便是南瓜系列。草間彌生認為南瓜是十分可愛討喜的植物，帶有強烈的野性和詼諧氣息，可恣意吸引人們的目光。她曾說：「當我抱起南瓜時，便會想起遙遠孩提時代的記憶。我的心有好幾次，都因南瓜獲得救贖，在過往內心困苦的日子裡，南瓜總能撫慰我的心靈。」
正因著她對南瓜抱持著特殊的情感，草間彌生在京都學習繪畫時，就經常畫南瓜，並從畫南瓜得到強大的精神安定感。而她描繪的南瓜細緻而生動，觀眾無不在觀賞的第一刻就愛上了這圓嘟嘟、療癒人心的創作！
 

5. 〈曼哈頓自殺慣犯之歌〉 (Song of a Manhattan Suicide Addict, 2010)

在由鏡面圍繞而成的空間裡，化著濃妝的草間彌生頭戴紅色假髮、身穿紅底白黑圓點衣服現身，配合自編的手勢，深情吟唱著自創的詩篇，而她的身後，是她創作出的一件件名作。這間暗室通過鏡面的反射，將觀眾包圍在草間彌生的世界，創造出難以言喻的感受，屬於草間般萬眾矚目的光彩世界，沒有字幕，卻讓人駐足。
 

6. 〈我的永恆靈魂系列〉(MY ETERNAL SOUL, 2009-2013)

〈我的永恆靈魂〉(MY ETERNAL SOUL)是草間彌生最新的系列繪畫作品。重複的使用她早期創作即出現的圖案如圓點和網，以及〈永恆的愛〉(LOVE FOREVER)系列作品中不斷重複的眼、側臉、以及蝴蝶、花朵、嘴唇、狗和女人等圖案，她以醒目的色彩和金屬顏料，即興地將具象和抽象的圖像混合表現在畫布上。畫作中的形體大多為直覺的表現，而非恐懼的奇思幻象。自 2009 年到 2013 年中，此系列已經有多達 310 件作品，並已成為草間彌生最大規模的系列作品。這系列作品的首度亮相是在泰特現代美術館(Tate Modern)2011 年主辦的草間彌生回顧展，在展出之初即吸引了全球的目光。

與她早期的單色調作品相比，她採用了更加強烈並且鮮明的表現形式，正如草間彌生自己所說：「我想要畫 1000 幅至 2000 幅畫。我想要繼續畫畫，即使我死了，我也會繼續畫畫。」而這個系列，不僅展現這位偉大藝術天才的成熟風範，更重要的是，這也是草間用生命極力描繪自己生活的經典之作。
 

圖片版權：
Copyright of Yayoi Kusama
Courtesy of Ota Fine Arts, Tokyo / Singapore, Victoria Miro, London, David Zwirner, New York, Yayoi Kusama
Studio Inc.

從城市街道到山林越野，跑步是一種跨越世代和文化的共同本能，努力往前奔跑揮汗的姿態，更在某些時刻達到鼓舞人心的能量。以此為想像，英國藝術家Julian Opie的全新LED影像裝置作品《Marathon. Women.》，則讓銀座GINZA SIX的挑空中庭化身為「懸浮空中的跑道」！

作品極具辨識度的Julian Opie，其極簡線條搭配鮮明色彩，強烈簡約風格讓人看過後就印象深刻；其作品靈感來自生活四面八方，從古典肖像畫、埃及象形文字、日本浮世繪，到公共指標與道路標誌等，經由他之手，都能被轉化一件件簡潔明快的視覺創作。

在空中展開一場無止境的馬拉松

本次《Marathon. Women.》同樣依循Julian Opie的視覺語彙，以英國國家田徑代表隊選手為靈感的影像裝置，只見7位女性跑者化為擁有鮮豔色彩與簡潔線條的人物形象，並各自以不同的顏色與速度，在彷彿漂浮於半空中的長方形螢幕上不斷奔馳，形成一場沒有終點的賽跑。

《Marathon. Women.》從人類最原始的肢體動作「奔跑」出發，之所以聚焦此項主題，Julian Opie表示是自己過往在公園拍攝城市行走者時，被跑者穿越鏡頭時自然且富節奏的擺動吸引；當時，他便心想若能將跑者在奔馳的速度、姿勢與細節，提煉為極簡的線條與色彩，應該會是相當有趣的創作。

Julian Opie認為「跑」這個動作深深扎根在人們的本能裡，而GINZA SIX開放挑高的中庭空間，更能將這份動態能量放大，擴散至整個空間；為了讓人們能切實感受跑步的速度感，他選擇讓作品動起來，以長 10 公尺、寬 8 公尺、高 1 公尺左右的 LED 螢幕箱體作為主要架構，搭配有著紅、藍、黃、綠等不同顏色的跑者人物，帶來強烈的躍動感與沉浸式體驗。

裝置作品充分運用 GINZA SIX 中庭的建築特性，當從不同樓層和角度觀賞時，人們的目光很快便能被螢幕上，有著不同色彩的跑者時所吸引，並開始追著某個特定顏色看，在心中默默為目光鎖定的跑者加油打氣，進而對作品產生共鳴互動與新鮮感受。

《Marathon. Women.》預計將一路展出至2026年秋天，有機會造訪銀座的人，不妨走進GINZA SIX，近距離欣賞這場永無止境的空中賽跑。

資料來源｜GINZA SIX

建國橋下的「八德市場」真的要拆了，跟著跨域藝術團隊「場外OFF-SITE」回訪前的一兩天，這裡才被嶄新的白鐵皮包圍起來，已經闖不進去。他們表示，戀舊並非場外的關注所在，如同《橋洞》計畫，他們只是在城市裂隙間尋找藝術發生的可能，並想陪伴存在於地方的記憶走下去。

站在剛被封住的八德市場前，新舊鐵皮前後重疊竟帶有種拼貼美感，市場的最後身影意外以這種形式被記錄下來。早在2021 年，「場外OFF-SITE」將這裡化身《橋洞》展覽的場域時，市場因都市計畫被拆除的命運已經決定了。

2011年，投身藝術管理的鍾婕敏（Jamie）、建築設計背景的姜秉汎（餅乾）共同創立了「場外OFF-SITE」，如今團員遍及各領域創作者，長居荷蘭鹿特丹、工業設計背景的Chester Chuang也是他們多年遠端連線的合作夥伴。他們曾營運位在台北民生社區的畫廊空間「Café Showroom」，慢慢地，他們覺察到固定空間的展演形式少有變化。下個階段好像不一定非綁在單一場域，Jamie回憶，「那時想到能向外面、城市中的非典型空間去策劃，好像更彈性，可以再跟別人一起創造出全新的東西，那種隨機、機動的感覺很好玩。」而他們的目光投向了建國高架橋下的八德市場。

當藝術在城市縫隙中落腳

Jamie形容八德市場的日常場景充滿張力，彷彿處在一種「懸浮狀態」——那裡既是穿越的通道，又有一定的掩蔽性；表面上看似雜亂無序，實際有著獨特的運作邏輯。

2018年，他們策劃了《超級市場》，後來的《橋洞》更進一步延伸到橋下週遭其他場域。而他們究竟怎麼挑地點？Jamie笑說她可沒有像樣的雷達，大多得仰賴餅乾的直覺。餅乾分享，他進入一個地方，會先觀察人們的表情、肢體、空間品質和氣氛的流動性等等，「有些地方，會感覺能包容我們做些有趣的事情，便問問看，就真的借給我們了。」

協調藝術家的成員賴珮竹（Betty）則細數起藝術家與空間的奇遇：張碩尹、鄭先喻〈她與你與她的戀愛〉被安排在了羊肉爐空間；藝術家「法咪咪」余政達與饒舌歌手春豔當時共同發展中的單曲〈Charlie的叭叭洗澎澎〉，正巧展出的對面就是計程車休息站；梁懷志〈建八隱園〉正需要大量的空間現地創作；關注藝術教育與人文價值的洪芷寧，〈衛生的冬暖夏涼〉也發掘出這裡消逝的小角落、小故事。

原定為單次企劃的《橋洞》，隨著拆遷持續，在市場的藝術行動難以為繼，他們開始延續「橋洞」的概念探向周遭地區。2024年末，他們和京都都市設計師Mariko Sugita合作4天的建築工作坊，帶著大家實際找出喜歡的城市細節，並且拾起廢棄物、實際動手做裝置。他們也找到藏身萬象大樓廢棄空間中生猛的健身房「Our Gym」，與舞者、來自德國柏林的Sabine Zahn和Benjamin Foerster-Baldenius攜手合作，舉辦「城市體操#1」。

歸納起來，「橋洞」關注的大都是那些帶有點公共性、卻與私人領域界線模糊的地帶。Jamie解釋：「因為這些地方仍保有與人的互動，這種『不完美的公共空間』正是我們最珍惜的特質。」

在城市中並行的多重時間感

即便「橋洞」至今的活動場域大多給人「舊」的印象，他們坦言自己私底下一點也不懷舊，似乎只有遠在荷蘭的 Chester愛收老件。對於最近從韓國流行回來的「台灣感性」——某種程度上是對台灣新舊交織的城市景觀，帶著懷舊濾鏡——他們也沒有很大的共鳴。Betty 想了一下，說有時人們談論懷舊，似乎都像站在「制高點」俯視的角度，「橋洞」比較接近想作為他們的新鄰居。她解釋：「其實我們已經知道市場消失的結果，我們沒強烈要保留下這市場的刻意行動，並非試圖令它再生。反而，我們參與了它整個消失的過程，我覺得我們比較接近陪伴者的角色。」

談到這裡，倒是令Jamie想起，一些外國創作者造訪建國橋下時，都展現出很大的興趣。「他們似乎感受到一種特別的時間感：附近很新，裡面卻很舊；外面速度飛快，裡面卻很慢⋯⋯。有很多對比在那邊，就好像過去還停留在現在，即將要發生什麼新的事情，但又還沒有真正抵達未來。」那些老地方之所以迷人，某種程度上，是一種還沒被整理成單一敘事的陌生熟悉感。他們想保留下那種還沒有被決定的曖昧狀態，這比想像已經被定格的「懷舊」更能「有機生長」。

從建築角度來說，餅乾分享他過去在挪威讀建築時，較少談建築本身的結構，「我們更多討論的是光線、材料，或者人在裡面所感受到的氛圍，以及這些要如何表達出來。」他想起小時候在光華商場穿梭，在或許雜亂卻多樣的攤商間各種探險，現在重建的商場已經失去這種多元性。他推想，礙於法規和公標案發包限制，能給予設計的時間經常太短，因而成果經常同質、刻板化。

他回顧策劃《橋洞》的過程，「好像我們從中學習到一些東西，未來建築師在翻新空間或蓋全新建築時，這些都會是想法的來源。」Jamie也補充：「每一次都市更新，都像是把一段生活的語言覆蓋掉。『橋洞』嘗試透過影像、聲音與空間裝置，讓被邊緣化的敘事重新被聽見。藝術在這裡並不是對抗，而是讓人重新意識到，城市的時間其實是多重並行的。」

為創作者需要的對話空間搭橋

Betty形容「橋洞」是一個搭橋，是與所有不同領域創作者共構的過程。她觀察到，創作者非常需要對話的機會。「當時大家其實就是一週聚會一次，討論彼此的想法。我們會先勾勒出大家現在想做什麼樣類型的創作，然後很發散地聊聊目前生活的狀態跟創作的狀態， 再從中思考我們可以提供什麼樣的觀點。」各領域創作者與空間的聯繫，可能就此意外產生。Jamie說，他們始終希望在既有展覽體制之外尋找「場域如何發聲」的方式。「『橋洞』也作為其中的行動節點，嘗試在都市的縫隙中搭起暫時性的聚場，讓觀看、對話與共處成為作品的一部分。」

跟著 場外 OFF-SITE 在橋下各角落踏查

發現 ❶ 計程車休息站與野生小廟

一聲巨響，《少年吔，安啦！》顏正國對著高架橋下計程車司機扣下霰彈槍的情節，便發生在市場對面的休息站。如今休息站依舊，而入口過道旁，一張供桌簡單搭起的小廟是司機們的心靈依歸。老家在附近的餅乾，提到市場裡也有個小廟，小時常看到人們聚在前面，盯著香煙飄散的形狀，試圖參透明牌數字。（台劇情節？）

發現 ❷ 清潔隊祕密據點

當初，藝術家「法咪咪」余政達與饒舌歌手春豔共同發展中的單曲〈Charlie的叭叭洗澎澎〉，剛巧表 達對計程車司機生活的關懷，正適合展在計程車休息站一旁的資源回收站。這裡樓下是冷氣房辦公室，其上與橋底的夾層間隙則成為泡茶聊天的樓頂小院，簡直是理想工作室格局。

發現 ❸ 畸零地上的小房子

市民大道旁的畸零地上，矗立著 一幢突兀的小房子。這格局看起來正是大小適宜的展廳，場外曾想要租下成為《橋洞》計畫的展區之一，可惜最終沒能談攏。後來曾短暫成為洗車店，如今又回到招租狀態，就像城市中一座安靜雕塑，總引人產生藝術可能的遐想。

發現 ❹ 每週來買阿華涼糕

過去開在市場馬路邊的名店阿華涼糕，來車暫靠買糕的「得來速」式交易早已成為地方日常風景。如今店面搬回了舊址對面的廚房，擺了張販售小桌在外邊。《橋洞》計畫曾提議合作，老闆卻說要做生意而婉拒，倒是Jamie成為了每週必訪常客。不過，她剛才發現「老闆根本不記得我」，Betty笑著評論，老闆簡直是「無情的賣糕機器」。

發現 ❺ 〈美美の國度〉招牌

據說，這一帶的老鋁框招牌都出自市場同一店家之手，過去場外委託製作的〈美美の國度〉招牌依然掛在《橋洞》計畫工作室一旁。作品以高 架橋下的故事為文本，邀請駐店美甲師將這些文字與撿拾的在地廢棄物，轉化為指甲上的微型創作。不時探出人行道招引來客的招牌，也成為即將消失的城市印記。

鍾婕敏（Jamie）

獨立策展人與國際品牌顧問，「場外OFF-SITE」創辦人，倫敦藝術大學藝術產業管理系碩士。2011年於民生社區共同創立畫廊空間「Café Showroom」（～2018），並在同年與姜秉汎等人成立「場外OFF-SITE」。策展包括《超級市場》（2018）、《橋洞》（2021）等，持續透過展覽策劃實踐當代藝術與都市介入的多元可能。

姜秉汎（餅乾）

建築設計師，「場外 OFF-SITE」主要成員，曾為「草字頭 Double-Grass」共同創辦人。畢業於挪威卑爾根建築學校，透過設計或規劃活動、家具、空間、裝置、書籍等不同規模的實踐，嘗試在各種功能性需求中平衡藝術的開放性與敘事性。除設計實務外，他亦透過「場外OFF-SITE」推動臨時建築與公共計畫，探索城市邊緣場域所蘊含的文化潛能。

賴珮竹（Betty）

品牌與文化顧問、富陞國際事業有限公司負責人。擅長跨領域策劃、品牌定位及國際市場溝通。畢業於國立臺灣師範大學美術系，自2010年深耕藝廊與藝術博覽會產業15年，歷任東京日動畫廊台灣代表、台北國際藝術博覽會藝術總監、大苑藝術博覽會執行長及新苑藝術畫廊經理。現以顧問身分專注於品牌策略與文化內容的整合，持續連結藝術文化、身心靈教育與保健零售等多重領域。

_{文｜吳哲夫　攝影｜羅柏麟　圖片提供｜場外 OFF-SITE}

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