第56屆威尼斯藝術雙年展展覽 《吳天章：別說再見（Wu Tien-chang: Never Say Goodbye）》5/8於普里奇歐尼宮揭幕。由臺北市立美術館（北美館）策展，展覽探討戰後臺灣社會西化過程中的時代氛圍與特殊情懷，並回應上一世紀臺灣的政權更迭歷史。展覽展出臺灣當代藝術家吳天章的3件錄像裝置作品以及2件燈箱裝置作品，這也是北美館在過去20年參加威尼斯雙年展以來第一次以單一藝術家個展的方式呈現。展覽將於5月9日至2015年11月22日展出。

回應主題「道別」，展覽中展示了三件錄像裝置《心所愛的人》、《難忘的愛人》及特别為本次展覽發表的新作《再見春秋閣》。每一件作品都呈現了在乳膠皮膜服裝下的男女形象，探究著悲傷和分離的必然性。

吳天章在錄像裝置中融合了戲劇效果與魔術手法，以手工打造的道具與機械裝置佈景，讓靜態攝影轉變成動態影像。在最新委任的《再見春秋閣》影像中人物伴隨著輕快灑脫的跳步揮手道別，隨著流逝的風景，不斷變換的服裝，角色似乎在輕鬆地向過去道別，但實際上卻不過是在原地踏步。儘管周圍環境的不斷變化，他仍然只能原地打轉。《難忘的愛人》以一鏡到底的拍攝方式，帶觀眾回到過去手繪電影的年代，錄像中的男主角隨著音樂跳著舞，並同時在觀眾的眼前變換著服飾、手上的物件與布景從而成為另一個角色。吳天章以精緻的皮膜包裹《心所愛的人》影像中的女主角，演繹一種理想型態的完美情人形象，以含情脈脈的姿態，傾訴人間聚散離合的無奈和心酸。

為了此次威尼斯雙年展展覽，吳天章重新改製二件平面攝影代表作《永協同心》和《瞎子摸巷》，以不破壞古蹟建築牆面作為布展考量，重新以雷射反轉片製作成可自主發光的燈箱裝置。作品色彩飽滿鮮明，但所描繪的人物卻是身體比例失調或身患殘疾的社會邊緣人。 

在展覽看似歡愉輕快的炫目視覺背後，吳天章試圖演繹臺灣民眾在過往不斷更迭的外來政權及戰後社會西化影響下，縈繞在人們心中的記憶與往日情懷。通過描繪包裹著面具般人造乳膠皮膜和身著艷俗服裝的人物，吳天章希望揭示臺灣人身份的複雜性，同時描述臺灣社會那些深刻體會著人生悲歡離合的底層人民的生活狀況。

北美館展覽組組長方美晶女士談到：「吳天章的攝影和影像裝置作品中鬼魅般的人物以誇張、俗豔的華麗外表作魅惑偽裝以揭露過去那些個人甚至整個社會都無法承受的創傷。作品一方面隱揭戰後臺灣錯綜複雜的歷史記憶，另一方面植入對未來的浪漫憧憬。這兩條看似對立的平行線，將在本屆威尼斯雙年展臺灣展覽中，得到一個平衡與完美的交集點，預期將與展出場域產生饒富意味的深刻對話。」

關於吳天章

吳天章於1956年在貿易來往頻繁的基隆港出生，是臺灣當代藝術家的第一代。他以反映社會政治層面的油畫與數位攝影作品聞名。他的作品揭露出攝影媒材的矛盾之處：看似寫實，但卻往往帶著浮誇做作與虛擬的天性。自2000年以來，吳天章的編導式攝影結合了數位後製與影像拼貼的技術，融合了手繪的背景、劇本、舞台燈光、攝影、自製的道具，以及更重要的：吳天章必須指導他的演員將作品中充滿衝突的元素整合成特殊而動人的氛圍。吳天章目前住在臺北，也同時在此發展他的創作，其作品不僅時常在臺北美術館展出，也常常受邀至國際性的藝術中心舉辦個展，比如2010年在香港藝術中心、2009年中國美術館、2008年臺北駐紐約文化中心，以及1997年在日本福岡MOMA Contemporary舉辦個展。

臺灣百年來政權更迭的歷史及影響

臺灣在過去一個世紀裡政權更迭頻繁，從日治殖民時期到反共軍隊的基地，甚至在冷戰時期曾作為美軍的休憩地，不同地文化與物品從戰後外來勢力的母國移植到臺灣，在這樣的歷史背景下，臺灣人對外來物品的崇尚，也促使大量生產華而不實的仿製品。出生在貿易繁榮的基隆港，也同時見證了臺灣從戒嚴走向解嚴的吳天章，刻意以當地平民華麗俗艷的風格，來揭露出平時難以察覺臺灣社會底層的醜陋真相與死亡的氣息，以及如影隨形地、在臺灣漫長的移民歷史中所帶來的創傷經驗。

展覽資訊

開幕日期：2015 年5 月7 日 下午6時30分至晚上8 時

預展日期：2015年5月6 - 8日上午10時至晚上8 時

展覽日期：2015 年5 月9 日至11 月22 日 (每週二至週日 10:00—18:00)

展覽及開幕地點：義大利威尼斯 普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni）

圖片資料提供 / 台北市立美術館

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」