第56屆威尼斯藝術雙年展展覽 《吳天章：別說再見（Wu Tien-chang: Never Say Goodbye）》5/8於普里奇歐尼宮揭幕。由臺北市立美術館（北美館）策展，展覽探討戰後臺灣社會西化過程中的時代氛圍與特殊情懷，並回應上一世紀臺灣的政權更迭歷史。展覽展出臺灣當代藝術家吳天章的3件錄像裝置作品以及2件燈箱裝置作品，這也是北美館在過去20年參加威尼斯雙年展以來第一次以單一藝術家個展的方式呈現。展覽將於5月9日至2015年11月22日展出。

回應主題「道別」，展覽中展示了三件錄像裝置《心所愛的人》、《難忘的愛人》及特别為本次展覽發表的新作《再見春秋閣》。每一件作品都呈現了在乳膠皮膜服裝下的男女形象，探究著悲傷和分離的必然性。

吳天章在錄像裝置中融合了戲劇效果與魔術手法，以手工打造的道具與機械裝置佈景，讓靜態攝影轉變成動態影像。在最新委任的《再見春秋閣》影像中人物伴隨著輕快灑脫的跳步揮手道別，隨著流逝的風景，不斷變換的服裝，角色似乎在輕鬆地向過去道別，但實際上卻不過是在原地踏步。儘管周圍環境的不斷變化，他仍然只能原地打轉。《難忘的愛人》以一鏡到底的拍攝方式，帶觀眾回到過去手繪電影的年代，錄像中的男主角隨著音樂跳著舞，並同時在觀眾的眼前變換著服飾、手上的物件與布景從而成為另一個角色。吳天章以精緻的皮膜包裹《心所愛的人》影像中的女主角，演繹一種理想型態的完美情人形象，以含情脈脈的姿態，傾訴人間聚散離合的無奈和心酸。

為了此次威尼斯雙年展展覽，吳天章重新改製二件平面攝影代表作《永協同心》和《瞎子摸巷》，以不破壞古蹟建築牆面作為布展考量，重新以雷射反轉片製作成可自主發光的燈箱裝置。作品色彩飽滿鮮明，但所描繪的人物卻是身體比例失調或身患殘疾的社會邊緣人。 

在展覽看似歡愉輕快的炫目視覺背後，吳天章試圖演繹臺灣民眾在過往不斷更迭的外來政權及戰後社會西化影響下，縈繞在人們心中的記憶與往日情懷。通過描繪包裹著面具般人造乳膠皮膜和身著艷俗服裝的人物，吳天章希望揭示臺灣人身份的複雜性，同時描述臺灣社會那些深刻體會著人生悲歡離合的底層人民的生活狀況。

北美館展覽組組長方美晶女士談到：「吳天章的攝影和影像裝置作品中鬼魅般的人物以誇張、俗豔的華麗外表作魅惑偽裝以揭露過去那些個人甚至整個社會都無法承受的創傷。作品一方面隱揭戰後臺灣錯綜複雜的歷史記憶，另一方面植入對未來的浪漫憧憬。這兩條看似對立的平行線，將在本屆威尼斯雙年展臺灣展覽中，得到一個平衡與完美的交集點，預期將與展出場域產生饒富意味的深刻對話。」

關於吳天章

吳天章於1956年在貿易來往頻繁的基隆港出生，是臺灣當代藝術家的第一代。他以反映社會政治層面的油畫與數位攝影作品聞名。他的作品揭露出攝影媒材的矛盾之處：看似寫實，但卻往往帶著浮誇做作與虛擬的天性。自2000年以來，吳天章的編導式攝影結合了數位後製與影像拼貼的技術，融合了手繪的背景、劇本、舞台燈光、攝影、自製的道具，以及更重要的：吳天章必須指導他的演員將作品中充滿衝突的元素整合成特殊而動人的氛圍。吳天章目前住在臺北，也同時在此發展他的創作，其作品不僅時常在臺北美術館展出，也常常受邀至國際性的藝術中心舉辦個展，比如2010年在香港藝術中心、2009年中國美術館、2008年臺北駐紐約文化中心，以及1997年在日本福岡MOMA Contemporary舉辦個展。

臺灣百年來政權更迭的歷史及影響

臺灣在過去一個世紀裡政權更迭頻繁，從日治殖民時期到反共軍隊的基地，甚至在冷戰時期曾作為美軍的休憩地，不同地文化與物品從戰後外來勢力的母國移植到臺灣，在這樣的歷史背景下，臺灣人對外來物品的崇尚，也促使大量生產華而不實的仿製品。出生在貿易繁榮的基隆港，也同時見證了臺灣從戒嚴走向解嚴的吳天章，刻意以當地平民華麗俗艷的風格，來揭露出平時難以察覺臺灣社會底層的醜陋真相與死亡的氣息，以及如影隨形地、在臺灣漫長的移民歷史中所帶來的創傷經驗。

展覽資訊

開幕日期：2015 年5 月7 日 下午6時30分至晚上8 時

預展日期：2015年5月6 - 8日上午10時至晚上8 時

展覽日期：2015 年5 月9 日至11 月22 日 (每週二至週日 10:00—18:00)

展覽及開幕地點：義大利威尼斯 普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni）

圖片資料提供 / 台北市立美術館

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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