專訪/勇士花藝師!日本花藝大師東信Azuma Makoto創造無限可能的花燦爛

勇士花藝師:專訪日本花藝大師─東信Azuma Makoto

在日本文化之中,松是一種傳統的、精神上的存在。將松樹固定於金屬立方體框架中、名為「式1」(Shiki 1)的作品因其衝擊性引發了毀譽參半的討論,卻也確確實實地讓日本花藝大師東信(Azuma Makoto )的名字為全世界所知曉。


2014 年,東信依然繼續著他實驗性的嘗試,可以說,這是一位沒人能夠效仿的「勇士花藝師」。他在美國將植物送上平流層,發布《In Bloom:EXOBIOTANICA》, 淡漠地將令人感覺高尚的植物之臨終狀態展現給世人。這位勇士究竟是在與什麼抗爭呢?為了找到答案,我們在位於青山的JARDINS des FLEURS1 內,圍繞最新話題與花藝師東信進行了訪談。

 

La Vie: 請先與我們分享《In Bloom》系列的理念。

Azuma Makoto(下列簡稱AM):這是一個實驗項目,將花卉放到難以想像的空間裡,觀察它們身上所產生的現象與姿態的變化。從另一個方面來說,它又是一項挑戰,我們嘗試著以遊戲的心情去完成類似海盜扮演、秘密基地等小時候幻想過的事情、夢想。

 

勇士花藝師:專訪日本花藝大師─東信Azuma Makoto


La Vie:這種理念源自於什麼想法?

AM:兩年前在亞馬遜拍攝作品的時候,我有一種違和感。即便是在雄偉的自然環境中進行創作,完成的作品也無法超越自然造化。當我懷著對這件作品的疑問、以花藝師身分第二次抵達那邊之後,我認識到應該從相反方向出發去開展作品。爾後我才察覺到,自己最想挑戰是在絕對不會出現花的空間裡創造出名為「花」的生物,使這個空間產生改變。並且我還想嘗試在花卉無法生長的惡劣環境中完成插花,以此提高自己的技能、讓自己邁向全新的創作平台。

 

勇士花藝師:專訪日本花藝大師─東信Azuma Makoto


La Vie:《DAGAT & BULAKLAK》是一種什麼樣的實驗?

AM:平時我們都在陸地上完成插花,已習慣於陸地的創作模式,因此這個作品的目的在於,希望通過海上插花這種此行為來尋找不同以往的刺激與靈感,引出不一樣的可能性。最終呈現在我們眼前的是一件比在陸地完成鮮活得多的作品。比如說,由於海面強烈的反射與因日照而枯萎的花朵,那種變化過程的鮮活程度呈現出與店鋪展示完全不同的氛圍,十分有趣。另外,在猶如暈船般的浮游感之中進行創作,讓我們體驗到前所未有的輕快感。如現場圍觀人群所評論:「看上去像怪獸」、「感覺馬上就會動起來」,這件作品充分展現了那一種(活生生)的感覺。

 

勇士花藝師:專訪日本花藝大師─東信Azuma Makoto


其實原本是計劃在Dumpsite(廢棄物處理場)完成作品的,但實際前往當地考察之後發現垃圾的色調並不能完美融合花朵色調。因此我們繼續尋找其他的場地,最終找到了Hinoba-an2。這是一片風平浪靜的碧藍海域,我們覺得它非常適合挑戰新作品。

 

La Vie:選用蠍尾蕉和香蕉的理由是?

AM:這是當地的代表性植物。不過最關鍵的理由在於它們與大海的對比。我們認為,只用蠍尾蕉的紅色就能表現出強烈的氣勢,與大海對比鮮明,挺好看的。

 

La Vie:冷熱兩個極端共存的花卉世界。是什麼樣的世界觀?

AM:之前有做過冰鎮松樹的作品,當時就考慮有機會的話也試試冰鎮花卉。由於製作工藝特殊,在創作時機與場地上很有難度,不過這次的場地是一處天然的冷凍庫,於是藉著這個好機會將想法變成了現實。這件作品通過「冰塊」這一濾鏡將花卉生長過程中的鮮活度、即「活著的同時已經死去、死亡的同時卻又活著」的狀態成功表現了出來。除了植物之外,結冰的節點出現的冰的波動與扭曲、靜止不動的氣泡等實際存在的細節,也通過意識類的方式真實地將日常生活中花卉的生命感表現了出來。


勇士花藝師:專訪日本花藝大師─東信Azuma Makoto


另外還能從冰塊立方體的頂角觀察到花卉不同角度的姿態,這種微妙的表現方式也很重要。根據觀察角度的不同,花朵會呈現極不相同的姿態,因此人為地通過冰塊將其提取出來,在我看來是非常有趣的表現方式。

 

La Vie:內容上有什麼特點嗎?

AM:除了拍攝手法之外,我也通過分類標題( 第一部為Whole、Flock、Coexistence、Hybrid 和Appearance)來表達想法,為自己想傳達的事物加點「標籤」。在第二部裡我希望用更簡單的方式來傳達,因此分類也只有兩種(Whole和Bristle),希望以此展現更多花卉的不同姿態。例如為了比前面一部更突顯每朵花的特徵,拍攝時每種花都有正面照,並且不僅對焦於一點,而是力求所有部分都要對上焦。在BRISTLE 部分則是從正側面拍攝,表現獨立的植物身上的生命力。第一部與第二部之間最關鍵的不同在於光線。第一部著重表現生與死的混亂無序,第二部則採用接近自然光的光線,盡量展現植物原本的姿態。

 

 

採訪  / 大久保玲子Reiko Okubo  

翻譯 / 蔡萍萱Cai Pingxuan  

via / Azuma Makoto   Photo : Shiinoki

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史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會(Fondation Louis Vuitton),匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品,從加州時期以泳池為題的一系列作品,到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫,展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置,並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作,也同時回顧David Hockney早期的代表性作品,帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示:「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽,連我現在正在創作的畫作也會展出,我想這一定會非常精彩。」

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
《David Hockney 25》展覽現場(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來,David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年,他的創作生涯豐富且多產,無論媒材或技法皆持續創新,從未停下腳步。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
David Hockney(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言,並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕,像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯,以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像(泳池與兩個人像)》等作品,以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Christopher Isherwood and Don Bachardy(圖片來源:David Hockney)

1980至1990年代,David Hockney轉而描繪自然景觀,並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分,則聚焦David Hockney近25年回到英國,於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期,他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主,像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》,以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等,都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
May Blossom on the Roman Road(圖片來源:David Hockney)

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間,他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色,透過科技筆觸描繪生活的希望,持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時,他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像,並以傳統畫框裝裱數位畫作,產生時空交錯的視覺效果。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Full Bloom, 27th March 2020, No. 1(圖片來源:David Hockney)

來到展覽的尾聲,則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品,其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發,畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外,David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像,為這場規模空前的回顧之旅收尾。

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After Munch: Less is Known than People Think(圖片來源:David Hockney)
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Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique(圖片來源:David Hockney)

David Hockney 25

展覽日期|2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點|Fondation Louis Vuitton

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讓自我如幻夢般流動!Ana Karkar個展《Pipe Dream》登台:以變形女體,挑戰對情色和親密的既定想像

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊(Galerie Marguo)攜手合作,推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡(Ana Karkar)在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識,幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中,她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世,情緒張力飽滿,洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力,帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境,穿越現實與幻想的邊界。

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(圖片提供:TAO ART)
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(圖片提供:TAO ART)

狂想般的視覺語言,包裹對「自我」的見解

東西方神話、實驗電影、克林姆等維也納分離派畫家……滋養著卡卡的創作養分,引領她發展出近似「狂想」的視覺語言。她用極具流動性的筆觸描繪女體、勾勒女性意識,像是種反叛,挑戰人們對情色與親密的既定想像;也是份宣言——自我沒有固定的形式、沒有清晰的邊界,而是如花般層層綻放,在關係中不斷展開、變形與再生。

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(圖片提供:TAO ART)

在卡卡的藝術宇宙裡,身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器,神聖又脆弱,蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚,引領觀者在幻象與現實之間,重新凝視身體與存在的關係,想像蛻變的可能。

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(圖片提供:TAO ART)

《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品,持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence畫中濃綠與青藍色調,喚起水與生命誕生的意象,與火的元素形成對比,象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象,神秘而無法被定義;她內心彷彿燃燒著渴望,只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

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(圖片提供:TAO ART)

另一邊,〈Scales畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞,形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇,白與紫的色彩對比空靈而神秘,營造近乎神話般的場景。

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藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響,也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中,糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象,強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒(Egon Schiele);激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙,則呼應了克林姆(Gustav Klimt)的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演,從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪(Brian De Palma)到達利歐·阿基多(Dario Argento),以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

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(圖片提供:TAO ART)

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂,都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」,延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格,根植於卡卡的生活背景,她出生並成長於舊金山,從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後,曾進入Louis Vuitton總部工作,於影像製作和數位媒體部門任職7年,現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷,皆深深影響她的創作。

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(圖片提供:TAO ART)

在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為,「卡卡畫的不是單純的身體,而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變,還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角,創造了一個心理空間,在那裡,身體不再是固定的,而是不斷變化、彼此交織,充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

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(圖片提供:TAO ART)

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream

展期|2025.05.0707.12

開放時間|週二至週六 11:0019:00

地點|TAO ART(台北市內湖區洲子街79-18樓)