「真正的花道，不能與時代、生活脫離。」這是日本花道（亦稱華道）流派草月流秉持的創作理念之一，流傳千年之久的日本花藝，隨著時代更迭，前後誕生並演變出不少流派，而講究極簡及具時尚感的草月流，則在一個世紀前順勢而生。藝術家將一草一木、正綻放最美容顏的花卉，結合抽象巧思幻化成真實型態，並結合自然和哲學觀念，為朵朵花兒構出耀眼姿態。

然而花道是否就只能單純與器皿瓷器做搭配，對出身草月流派，領軍花藝團隊plantica的藝術家木村貴史(Takashi Kimura）而言，傳統精神固然要堅守，但若用一種更為摩登當代的手法去演繹花藝，將總被視為曲高和寡、深不可測的風雅之趣，轉化成生活中隨處可見的美好之情。「談及日本花道不少人會直覺聯想到傳統插花，但plantica則以獨特藝術觸覺，將花藝以嶄新方式演繹，寫下日本花道的全新扉頁。」木村貴史說道。

跳脫出既定框架，木村貴史率領的plantica自然不甘將視野僅放在日本當地，而是要深入各個不同領域國度，品牌自2007年成立以來，也如同木村貴史本人期許，足跡遍布全球，從時尚品牌愛馬仕（Herems）、路易威登（Louis Vuitton）、2015米蘭世博日本館、摩納哥公主花藝晚宴，到近期為渡邊直美出演的廣告操刀幕後花藝造景，以及甫在台北登場的《幻‧彩‧影 萬花筒特展》，plantica接連打造出讓人驚嘆的大型空間藝術創作，讓人享受花團錦簇所帶來的瑰麗饗宴。

不過究竟要成就出如此絢爛的視覺效果，其背後又藏著哪些符號意象以及創意靈感，為此La Vie趁著此次展覽，有機會與plantica創辦人木村貴史暢談，請他一一解析作品中的密碼！

plantica的名稱由來，具備怎樣的意思？

plantica由兩個單詞組合而成，分別是plant與ica，組合在一起便象徵「植物王國」。植物花卉從來不是單一的，因此plantica也肩負著這項使命，希望藉由花藝創作活動，讓更多人感受到花朵的魅力，當然，創作非單只是空間佈置而已，還包括攝影、裝置藝術、織物設計和產品設計等，可說是涵蓋了生活、藝術、時尚流行等面向。

日本花道擁有悠久歷史，在創作上，出身草月流的你，是否也會秉持某部分傳統花道精神或啟發呢？

當然，其精神概念存在於每個創作之中。簡單來說，花道藝術是藉由人們之手，用不同表現形態彰顯出天然花材的吸引力和美麗。

plantica將此概念融入現代創作中，舉例來說，傳統花道中，花卉會對應到適合的器物，而若用當代裝置來看，載體則為數位圖案、影像紀錄，兩種看似不同，卻皆是在表現花藝的美學和浪漫感性。

能否談談此次在《幻•彩•影 萬花筒特展》所打造的裝置藝術創作過程

由於本次展覽的主題圍繞著萬花筒，萬花筒總給人眼花撩亂的感受，要如何在視覺上找到美的和諧與平衡，是此次最大的挑戰。首先，團隊拍攝了大約1000種花卉圖象，然後運用電腦進行精密計算排列，從最小的材料單元一一組成絢麗的萬花筒圖案。

而進入展覽內的第一件互動裝置「流轉夢幻花園」即是用此概念設計，由全面鏡所構成的夢幻萬花筒隧道，透過不停播放多種花卉圖案影像，不停盛放的花朵，讓人有如置身夢中才會出現的夢幻空間。

那麼以plantica代表作「永恆時光花」為主體的鏡子空間「天地百花繚亂」呢？

由於鑲滿鏡面的六角鏡屋是想形塑一個無限的空間，並擁有無數的花瓣落下之意，為此使用了888朵永恆時光之花於其中。之所以選擇使用888朵花，除了數字8在東方社會中具有「發」意思外，六角鏡屋所代表的6也同樣有吉利加乘之意；當然，鏡屋也同樣可以呼應日文中用數字「87」（Hana）來形容花，因此，這間鏡屋共具有6和諧、7幸運和8延伸等吉祥之意，是個具好風水的空間（笑）。

至於鏡屋裡的主角「永恆時光花」，則是團隊在1個月內精心手工製作，花朵皆是先經過烘乾處理，並一一保存於袋內，而這些彷彿時光被凍結的花朵，其最美的一面也將永不褪色。

花藝創作上最具挑戰的困難？

應該就是時間。花卉藝術基本上是一種極為短暫的藝術，保存期限經常只能達到一周左右，所以該如何呈現自然是相當棘手的。但是並不代表短暫就是缺點，反而更顯珍貴，讓大家的印象更為強烈鮮明。

你在工作中最重視的是什麼？希望呈現給觀眾怎樣的第一印象？

花對於每個人而言相當普遍，並非觸不可及，然而大多時候我們卻幾乎忽視其魅力。事實上，花對日常生活可說是緊密不可分，舉凡婚喪喜慶都會有它的身影來點綴，它不僅是將人們相互聯繫起來的媒介，更是帶給人們美好感受的事物。

plantica創立以來，我們便希望經由花與藝術結合，傳遞另一層的魅力和美感，我們渴望能發揮一點點作用與影響力，讓人們能夠更加珍惜它們。如果某個人因為我們作品感受到其不凡美麗，那也意味著我們在傳遞花朵魅力這件事上起了一些些效力。

plantica

由木村貴史於2007年創立，從事有關花與花藝相關業務與設計的花藝團隊，曾與愛馬仕、LVMH、資生堂、優衣庫、星野渡假村、三井outlet等品牌跨界合作，延伸出空間設計，裝置藝術、櫥窗展示等多樣化的呈現方式，也為服裝或日常生活等品牌設計花卉圖案。

文字：Ian Liu

圖片：時藝多媒體

阿爾豐斯·慕夏（Alfons Maria Mucha）在1894年為巴黎舞台劇《Gismonda》設計的海報，以優雅曲線、大自然圖樣和女性形象融合的創新風格一夕成名。到了1900年，他已經是全球最知名的藝術家之一，更是新藝術運動（Art Nouveau）的代表人物。位於慕夏故鄉捷克的「慕夏博物館」（The Mucha Museum），將其一生貢獻與成就凝結於此，成為喜愛慕夏者必訪的文化地標。

慕夏博物館的現有空間不大，在夏季觀光潮更是擁擠。由慕夏親孫帶領的慕夏基金會（The Mucha Foundation）決定將展覽空間移至全新修復完成的18世紀宮殿「Savarin Palace」，期望能讓更多人看見慕夏的作品，並讓博物館成為與在地文化連結的場所。新場館「Savarin Palace」位於布拉格市中心，將使用宮殿內最具歷史價值且保存最為完好的區域，經過精心修復後盛大開放。

「我的創作目的從來不是為了拆解，而是為了建構、搭建橋樑；因為我們都必須懷抱希望，相信人類會更加團結，而這種團結將因相互理解而變得更容易實現。」 ——阿爾豐斯·慕夏

新藝術運動遇上巴洛克宮殿建築

Savarin Palace建於18世紀，是捷克的重要文化地標之一。在19世紀末期，該宮殿曾作為民族學博物館使用，而後轉型成為社交俱樂部，更曾是捷克著名的「黑光劇」（Black Light Theater）起源地。經過修復後，Savarin Palace於2024年9月舉辦布拉格藝術週（Prague Art Week），開啟該場館的嶄新篇章。

修復工程由捷克建築師Eva Jiřičná執掌，歷經近三年時間完成。團隊在修復期間與文物保護專家密切合作，發現了許多珍貴的設計細節，也重新修補建築立面的11座巴洛克雕像。Eva Jiřičná表示：「我們面臨的最大挑戰，是如何將這座18世紀華麗建築與慕夏的作品相結合，讓這兩種截然不同的風格和諧共存。我們希望這個空間不僅是展示藝術品，還能幫助大家深入理解藝術設計與文化歷史之間的複雜關係。」

多件早期油畫、草圖將首度公開

新的慕夏博物館將整合慕夏基金會30多年來的策展經驗，並展出多件從未公開的作品，包括慕夏早期的油畫、手繪草圖等，以及最新的相關學術資料。展品將定期更新，為重複來訪的觀眾塑造新鮮感。

全新慕夏博物館將於2025年1月24日啟用，更多資訊請見慕夏基金會官網。

佛家說「彼岸」，指的是通往解脫、悟道的方法或途徑。深受佛學影響與啟發，常藉作品探討生命哲思的藝術家陳威廷，睽違三年在台舉辦個展，便以《彼岸》（Paramita）為題，匯集近十年平面繪畫、立體雕塑、手寫詩文等類型的重要創作，呈現自身對生命、成長、存在等課題的深刻思考，並傳遞對於此岸與彼岸、現實與幻境的探索和詮釋。《彼岸》即日起至2024年12月29日於高雄市立美術館展出。

生命的每個目的地都如「彼岸」

「波羅蜜多」（Paramita）一詞，在佛教中意指「到彼岸」，彼岸既飄渺又真實，指的是超脫生死與輪迴的涅槃；而對應的「此岸」則是處於不斷輪迴的境地。陳威廷對「彼岸」自有詮釋，他出生於台南，後因求學、當兵、工作、創作等不同生命階段，輾轉於屏東、高雄、台中、台北等台灣城市生活，後又赴日本東京藝術大學攻讀碩士課程，「我的生命歷經很多『位移』，對我來說各個目的地都像是『彼岸』。正好我的作品常探討生死等二元議題，談論很多『從這一邊到那一邊』的概念，『彼岸』這個詞作為展名，表達了作品中很多想法和情緒。」

藝術家的十年創作斷代史

《彼岸》將作品分為平面繪畫、紙上作品、立體雕塑三大類，並由策展人曾學彥策劃為四部配置：此地（Here）、生相（Portraits）、彼岸（There）、書寫（Writing）。「此地」與「生相」展示陳威廷前期創作的總結，大量使用卡漫風格的角色與物件組成畫面主體；「彼岸」呼應展覽名稱，是藝術家以少年的視角「回望」或「前瞻」成年後的人生境遇；「書寫」公開藝術家日常生活中的手稿、塗鴉、文字。

繪本、詩歌、文學滋養藝術創作

多年以來，陳威廷藉創作朝向原生家庭、人際關係的根源探究，以詩文作為敘事文本，並建構虛擬角色作為引路者，將東方哲思與當代視覺風格融為一題。

各生命階段的經歷，都在陳威廷作品中留下深刻印記：童年時愛看繪本，書中圖像與文字的密切接觸奠定他早期的創作風格；少時相伴的卡通動畫和玩具反斗城，影響他為動物畫「肖像」，並帶動物們走出畫框、成為雕塑，如同玩具店中被賦予立體型態的卡通IP；大學讀中文系養成對文字的敏銳感知，詩歌成了他表達內心世界的重要媒介，亦融入作品為畫面提供隱喻性的線索，此外，經典文學作品也為創作帶來啟發，本次個展便可見多幅他再讀卡繆《異鄉人》後、以「太陽」為主角的反思之作。

從《彼岸》3件亮點作品看陳威廷的創作思考

▍凡是符號，皆有意義

這幅小狗頭上插著蠟燭的童趣畫作，是陳威廷送給媽媽的母親節禮物，當時為了讓禮物更顯特別，他不以過往常畫的熊為主角、改以小狗作為主視覺，燭光則有所寄情，暗示著親密關係間「給予」的雙面性。「我是個喜歡賦予符號意義的人，可能中文系背景讓我對詞語和形象間的連結比較敏感。火照亮他人時也正慢慢消逝，不只象徵著有人願意給予，也帶有重生的價值和可能性，這樣的兩面性對我來說很有意思。」

▍以藝術演繹經典文學文本

在前往東京藝術大學進修之前，陳威廷自認只是個喜歡畫畫、寫詩的人，不敢談自己是藝術家。他看待藝術的視野，在讀到雲門舞集創辦人林懷民之作《九歌》後被拓展，「我看見怎麼用視覺（表演）藝術重新揣測、演繹文學作品的文本，原來藝術的可能性是很多的。」

《九歌》帶來的啟發也反映在陳威廷近日重讀卡繆名著《異鄉人》後的創作，書中主角槍殺阿拉伯人的情節，及時常被提及的炙熱、令人難耐的陽光，讓他畫下多件賦予太陽「想法」的小幅畫作，如〈逃亡的太陽〉是他想像：「人想逃離這世界，會不會太陽也不想待著？」另一件乍看像月亮的作品，則是想像太陽總是照亮他人、有天累了隨意躺在草地上休息的姿態。

陳威廷亦對《異鄉人》主角的處境和行為有所反思：「我從書中的情節、作者的書寫狀態，聯想自己面對世界的方式，也重新調整自己和世界的關係。主角感受到的『熱』讓我很有感覺，我很難想像人被逼到一個極限，會怎麼去回應外在。現在的時代要說是最快的時代也不爲過，收到資訊要很快消化、理解，回到我剛說的，我們要怎麼『正確地』面對外在，而且『正確』是什麼？我們也不得而知。」

▍延伸自佛學的生命哲思

談及自身面對外在世界的不確定，陳威廷提到日本編輯友人曾說常在他的作品中看見「迷惘」的狀態——曖昧、流動、難以捉摸，卻也充滿想像空間。這樣的狀態也反映於展覽後段多件大尺幅畫作，其中一件呼應日本戰時習俗的作品尤為深刻——綠丘在魔幻、超現實的畫面中綿延，一人靜坐樹下、一人彷彿在山丘上跳著舞，兩人都望著高掛夜空的月亮。

陳威廷曾聽朋友說，戰時人們無法見到征戰沙場的情人和親人，便用類似皮影的方式，將月亮想像為畫布，將思念之人的形貌投射至月亮上，想像他們就在那；這在日語中有個浪漫的名字——「追影」，背後卻是動盪時代下人們無處安放的無助心緒，略顯諷刺。如果說月亮是思念的投射，那大樹便是思考人生的媒介，陳威廷說：「佛家中佛陀在菩提樹下頓悟，畫中人在那樹下，不見得會得到答案，但或許會獲得一個思考的機會。」

做觀眾的擺渡人，探索此岸到彼岸的過渡狀態

《彼岸》以藝術家十年來的創作及生命歷程為索引，帶領觀者隨藝術家及畫中引路者的帶領，探索生命中的過渡狀態。有趣的是，展間正好是左右二分的長方形空間，有著明顯可見的端點和終點，觀展動線善用此特點，讓早期與近期作品相對，並藉燈光明暗變化暗示藝術家於不同生命階段的心境轉折；中段更巧妙安排三幅畫作銜接，不僅氛圍自明亮轉向幽暗，更透過畫作中的流星、彼岸花等意象，帶觀者從藝術家的外在轉向內心世界探索，同時遊走於明暗之間找尋自己的生命狀態。

陳威廷於創作自述寫下：「『彼岸』是哀悼，也是致敬過去與不可言喻的明天。它是位移變化的虛渺，一葉舟獨自游向他方，無邊也無際，見山還是山。」藝術創作對陳威廷而言，是對存在的反映，每件作品都是「移情」的片段，描繪著他所存在的世界。

陳威廷個展《彼岸 Paramita》

展覽日期｜2024.11.09日（六）－12.29（日）

展覽地點｜高雄市立美術館 B1 Kspace（高雄市鼓山區美術館路80號）

開放時間｜週二至週日 9:30－17:30（週一休館）