專訪／鏡屋永恆時光花、渡邊直美人魚廣告海底造景！日本plantica花藝大師木村貴史的摩登花道世界觀

「真正的花道，不能與時代、生活脫離。」這是日本花道（亦稱華道）流派草月流秉持的創作理念之一，流傳千年之久的日本花藝，隨著時代更迭，前後誕生並演變出不少流派，而講究極簡及具時尚感的草月流，則在一個世紀前順勢而生。藝術家將一草一木、正綻放最美容顏的花卉，結合抽象巧思幻化成真實型態，並結合自然和哲學觀念，為朵朵花兒構出耀眼姿態。

然而花道是否就只能單純與器皿瓷器做搭配，對出身草月流派，領軍花藝團隊plantica的藝術家木村貴史(Takashi Kimura）而言，傳統精神固然要堅守，但若用一種更為摩登當代的手法去演繹花藝，將總被視為曲高和寡、深不可測的風雅之趣，轉化成生活中隨處可見的美好之情。「談及日本花道不少人會直覺聯想到傳統插花，但plantica則以獨特藝術觸覺，將花藝以嶄新方式演繹，寫下日本花道的全新扉頁。」木村貴史說道。

跳脫出既定框架，木村貴史率領的plantica自然不甘將視野僅放在日本當地，而是要深入各個不同領域國度，品牌自2007年成立以來，也如同木村貴史本人期許，足跡遍布全球，從時尚品牌愛馬仕（Herems）、路易威登（Louis Vuitton）、2015米蘭世博日本館、摩納哥公主花藝晚宴，到近期為渡邊直美出演的廣告操刀幕後花藝造景，以及甫在台北登場的《幻‧彩‧影 萬花筒特展》，plantica接連打造出讓人驚嘆的大型空間藝術創作，讓人享受花團錦簇所帶來的瑰麗饗宴。

不過究竟要成就出如此絢爛的視覺效果，其背後又藏著哪些符號意象以及創意靈感，為此La Vie趁著此次展覽，有機會與plantica創辦人木村貴史暢談，請他一一解析作品中的密碼！

plantica的名稱由來，具備怎樣的意思？

plantica由兩個單詞組合而成，分別是plant與ica，組合在一起便象徵「植物王國」。植物花卉從來不是單一的，因此plantica也肩負著這項使命，希望藉由花藝創作活動，讓更多人感受到花朵的魅力，當然，創作非單只是空間佈置而已，還包括攝影、裝置藝術、織物設計和產品設計等，可說是涵蓋了生活、藝術、時尚流行等面向。

日本花道擁有悠久歷史，在創作上，出身草月流的你，是否也會秉持某部分傳統花道精神或啟發呢？

當然，其精神概念存在於每個創作之中。簡單來說，花道藝術是藉由人們之手，用不同表現形態彰顯出天然花材的吸引力和美麗。

plantica將此概念融入現代創作中，舉例來說，傳統花道中，花卉會對應到適合的器物，而若用當代裝置來看，載體則為數位圖案、影像紀錄，兩種看似不同，卻皆是在表現花藝的美學和浪漫感性。

能否談談此次在《幻•彩•影 萬花筒特展》所打造的裝置藝術創作過程

由於本次展覽的主題圍繞著萬花筒，萬花筒總給人眼花撩亂的感受，要如何在視覺上找到美的和諧與平衡，是此次最大的挑戰。首先，團隊拍攝了大約1000種花卉圖象，然後運用電腦進行精密計算排列，從最小的材料單元一一組成絢麗的萬花筒圖案。

而進入展覽內的第一件互動裝置「流轉夢幻花園」即是用此概念設計，由全面鏡所構成的夢幻萬花筒隧道，透過不停播放多種花卉圖案影像，不停盛放的花朵，讓人有如置身夢中才會出現的夢幻空間。

那麼以plantica代表作「永恆時光花」為主體的鏡子空間「天地百花繚亂」呢？

由於鑲滿鏡面的六角鏡屋是想形塑一個無限的空間，並擁有無數的花瓣落下之意，為此使用了888朵永恆時光之花於其中。之所以選擇使用888朵花，除了數字8在東方社會中具有「發」意思外，六角鏡屋所代表的6也同樣有吉利加乘之意；當然，鏡屋也同樣可以呼應日文中用數字「87」（Hana）來形容花，因此，這間鏡屋共具有6和諧、7幸運和8延伸等吉祥之意，是個具好風水的空間（笑）。

至於鏡屋裡的主角「永恆時光花」，則是團隊在1個月內精心手工製作，花朵皆是先經過烘乾處理，並一一保存於袋內，而這些彷彿時光被凍結的花朵，其最美的一面也將永不褪色。

花藝創作上最具挑戰的困難？

應該就是時間。花卉藝術基本上是一種極為短暫的藝術，保存期限經常只能達到一周左右，所以該如何呈現自然是相當棘手的。但是並不代表短暫就是缺點，反而更顯珍貴，讓大家的印象更為強烈鮮明。

你在工作中最重視的是什麼？希望呈現給觀眾怎樣的第一印象？

花對於每個人而言相當普遍，並非觸不可及，然而大多時候我們卻幾乎忽視其魅力。事實上，花對日常生活可說是緊密不可分，舉凡婚喪喜慶都會有它的身影來點綴，它不僅是將人們相互聯繫起來的媒介，更是帶給人們美好感受的事物。

plantica創立以來，我們便希望經由花與藝術結合，傳遞另一層的魅力和美感，我們渴望能發揮一點點作用與影響力，讓人們能夠更加珍惜它們。如果某個人因為我們作品感受到其不凡美麗，那也意味著我們在傳遞花朵魅力這件事上起了一些些效力。

plantica

由木村貴史於2007年創立，從事有關花與花藝相關業務與設計的花藝團隊，曾與愛馬仕、LVMH、資生堂、優衣庫、星野渡假村、三井outlet等品牌跨界合作，延伸出空間設計，裝置藝術、櫥窗展示等多樣化的呈現方式，也為服裝或日常生活等品牌設計花卉圖案。

文字：Ian Liu

圖片：時藝多媒體

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23