專訪/鏡屋永恆時光花、渡邊直美人魚廣告海底造景!日本plantica花藝大師木村貴史的摩登花道世界觀

日本plantica花藝大師木村貴史的摩登花道世界觀

「真正的花道,不能與時代、生活脫離。」這是日本花道(亦稱華道)流派草月流秉持的創作理念之一,流傳千年之久的日本花藝,隨著時代更迭,前後誕生並演變出不少流派,而講究極簡及具時尚感的草月流,則在一個世紀前順勢而生。藝術家將一草一木、正綻放最美容顏的花卉,結合抽象巧思幻化成真實型態,並結合自然和哲學觀念,為朵朵花兒構出耀眼姿態。

 

然而花道是否就只能單純與器皿瓷器做搭配,對出身草月流派,領軍花藝團隊plantica的藝術家木村貴史(Takashi Kimura)而言,傳統精神固然要堅守,但若用一種更為摩登當代的手法去演繹花藝,將總被視為曲高和寡、深不可測的風雅之趣,轉化成生活中隨處可見的美好之情。「談及日本花道不少人會直覺聯想到傳統插花,但plantica則以獨特藝術觸覺,將花藝以嶄新方式演繹,寫下日本花道的全新扉頁。」木村貴史說道。

 

跳脫出既定框架,木村貴史率領的plantica自然不甘將視野僅放在日本當地,而是要深入各個不同領域國度,品牌自2007年成立以來,也如同木村貴史本人期許,足跡遍布全球,從時尚品牌愛馬仕(Herems)、路易威登(Louis Vuitton)、2015米蘭世博日本館、摩納哥公主花藝晚宴,到近期為渡邊直美出演的廣告操刀幕後花藝造景,以及甫在台北登場的《幻‧彩‧影 萬花筒特展》,plantica接連打造出讓人驚嘆的大型空間藝術創作,讓人享受花團錦簇所帶來的瑰麗饗宴。

 

不過究竟要成就出如此絢爛的視覺效果,其背後又藏著哪些符號意象以及創意靈感,為此La Vie趁著此次展覽,有機會與plantica創辦人木村貴史暢談,請他一一解析作品中的密碼!

 

 

plantica的名稱由來,具備怎樣的意思?

plantica由兩個單詞組合而成,分別是plant與ica,組合在一起便象徵「植物王國」。植物花卉從來不是單一的,因此plantica也肩負著這項使命,希望藉由花藝創作活動,讓更多人感受到花朵的魅力,當然,創作非單只是空間佈置而已,還包括攝影、裝置藝術、織物設計和產品設計等,可說是涵蓋了生活、藝術、時尚流行等面向。

 

日本花道擁有悠久歷史,在創作上,出身草月流的你,是否也會秉持某部分傳統花道精神或啟發呢?

當然,其精神概念存在於每個創作之中。簡單來說,花道藝術是藉由人們之手,用不同表現形態彰顯出天然花材的吸引力和美麗。

 

plantica將此概念融入現代創作中,舉例來說,傳統花道中,花卉會對應到適合的器物,而若用當代裝置來看,載體則為數位圖案、影像紀錄,兩種看似不同,卻皆是在表現花藝的美學和浪漫感性。

 

能否談談此次在《幻•彩•影 萬花筒特展》所打造的裝置藝術創作過程

由於本次展覽的主題圍繞著萬花筒,萬花筒總給人眼花撩亂的感受,要如何在視覺上找到美的和諧與平衡,是此次最大的挑戰。首先,團隊拍攝了大約1000種花卉圖象,然後運用電腦進行精密計算排列,從最小的材料單元一一組成絢麗的萬花筒圖案。

 

而進入展覽內的第一件互動裝置「流轉夢幻花園」即是用此概念設計,由全面鏡所構成的夢幻萬花筒隧道,透過不停播放多種花卉圖案影像,不停盛放的花朵,讓人有如置身夢中才會出現的夢幻空間。

 

那麼以plantica代表作「永恆時光花」為主體的鏡子空間「天地百花繚亂」呢?

由於鑲滿鏡面的六角鏡屋是想形塑一個無限的空間,並擁有無數的花瓣落下之意,為此使用了888朵永恆時光之花於其中。之所以選擇使用888朵花,除了數字8在東方社會中具有「發」意思外,六角鏡屋所代表的6也同樣有吉利加乘之意;當然,鏡屋也同樣可以呼應日文中用數字「87」(Hana)來形容花,因此,這間鏡屋共具有6和諧、7幸運和8延伸等吉祥之意,是個具好風水的空間(笑)。

 

至於鏡屋裡的主角「永恆時光花」,則是團隊在1個月內精心手工製作,花朵皆是先經過烘乾處理,並一一保存於袋內,而這些彷彿時光被凍結的花朵,其最美的一面也將永不褪色。

 

花藝創作上最具挑戰的困難?

應該就是時間。花卉藝術基本上是一種極為短暫的藝術,保存期限經常只能達到一周左右,所以該如何呈現自然是相當棘手的。但是並不代表短暫就是缺點,反而更顯珍貴,讓大家的印象更為強烈鮮明。

 

你在工作中最重視的是什麼?希望呈現給觀眾怎樣的第一印象?

花對於每個人而言相當普遍,並非觸不可及,然而大多時候我們卻幾乎忽視其魅力。事實上,花對日常生活可說是緊密不可分,舉凡婚喪喜慶都會有它的身影來點綴,它不僅是將人們相互聯繫起來的媒介,更是帶給人們美好感受的事物。

 

plantica創立以來,我們便希望經由花與藝術結合,傳遞另一層的魅力和美感,我們渴望能發揮一點點作用與影響力,讓人們能夠更加珍惜它們。如果某個人因為我們作品感受到其不凡美麗,那也意味著我們在傳遞花朵魅力這件事上起了一些些效力。

 

plantica

由木村貴史於2007年創立,從事有關花與花藝相關業務與設計的花藝團隊,曾與愛馬仕、LVMH、資生堂、優衣庫、星野渡假村、三井outlet等品牌跨界合作,延伸出空間設計,裝置藝術、櫥窗展示等多樣化的呈現方式,也為服裝或日常生活等品牌設計花卉圖案。

 

文字:Ian Liu

圖片:時藝多媒體

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2026年巴塞爾藝術展香港展會(Art Basel Hong Kong)將於3月27日至29日展開。La Vie精選3位穩步邁入中堅世代的焦點藝術家,展現他們如何以更成熟語彙解構我們習以為常的生活。現居洛杉磯的藝術家Tala Madani,以她筆下最具代表性的角色「Shit Mom」銳利地譏諷社會對女性與母職的荒謬想像,在怪誕且幽默的視覺語彙中,精準勾勒出當代女性那份充滿張力且疲憊的生存群像。


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身兼女性與母親雙重身分,藝術家Tala Madani近年深有感悟。拿起畫筆,她戲謔且銳利,撕開了當代生活中關於女性、科技與社會期待的層層假面。針對Madani何以在當前藝壇備受矚目,Pilar Corrias藝廊(Pilar Corrias)團隊精準指出:「她質疑了那些我們視為理所當然的事物,將觀眾從舒適圈中拉了出來。她的作品透過怪誕、幽默且犀利的視覺語言,挑戰了性別、權力與表現形式的傳統規範。」

Tala Madani〈Squeegee Men (Hearts)〉,2024。(圖片提供:藝術家、Pilar Corrias 與 David Kordansky)
Tala Madani〈Squeegee Men (Hearts)〉,2024。(圖片提供:藝術家、Pilar Corrias 與 David Kordansky)

以「Shit Mom」撕開聖母畫作的純潔光環

近年,Madani筆下最具代表性的角色「Shit Mom」——一個完全由糞便構成、形態流動且汙穢的人物,誕生於極其私密的肉身經驗。2019年,在第2個孩子出生後,她發現自己難以在藝術史上那些神聖純潔、充滿母愛光輝的傳統母嬰畫作中尋得共鳴。對她而言,母職的現實並非總是潔白無瑕,而是充滿了疲憊、汙穢與失控。

她轉而以棕色油彩繪出「Shit Mom」,直接投射了母職現實中的混亂,藉此反擊社會對女性身體與母職必須保持潔淨、受控且道德完好的期盼。Pilar Corrias藝廊團隊補充:「Shit Mom反覆出現在Madani的作品中;這個角色挑戰了社會對女性那種難以企及的期待。我們能從她在攀爬時的掙扎、崩潰的瞬間,甚至是帶著快意從樓梯扶手溜下來的模樣中看見這點。」

以黑色幽默翻轉女性的生存張力

在近期個展《Daughter B.W.A.S.M.》(意為Born Without A Shit Mom)中,Madani進一步將這份母職觀察延伸至科技語境。她參考了Francis Picabia1916年將機器女性化的經典畫作,將追求極致精準的AI機器女兒與「Shit Mom」並置。這種對比揭示了當代社會的一個弔詭現象:我們對AI機器人那種「後人類式完美軀殼」的期盼,竟與父母投射在孩子身上的完美期望如出一轍。在追求精密算法的數位時代裡,母職中那份不可控的脆弱顯得如此格格不入,卻又無比真實。

此次來到巴塞爾藝術展香港展會(Art Basel Hong Kong)的畫作〈Shit Mom Ascending a Staircase (Motion Study)〉,展現了她對藝術史脈絡的熟稔與翻轉。作品向攝影先驅Eadweard Muybridge的動態研究致敬,讓Shit Mom笨拙地模仿女性優雅姿態,卻在移動中不斷失足崩解。而動畫作品《S.M. Ascends》則反轉了藝術史中「裸女下樓」的經典軌跡,讓角色在無止境的樓梯中,進行薛西弗斯式且徒勞的攀爬。

Tala Madani〈Shit Mom Ascending a Staircase (Motion Study)〉,2025。(攝影:FREDRIK NILSEN STUDIO。圖片提供:藝術家與 Pilar Corrias,倫敦 ©︎Tala Madani)
Tala Madani〈Shit Mom Ascending a Staircase (Motion Study)〉,2025。(攝影:FREDRIK NILSEN STUDIO。圖片提供:藝術家與 Pilar Corrias,倫敦 ©︎Tala Madani)
Tala Madani《S.M. Ascends》,2025年。(圖片提供:藝術家與Pilar Corrias,倫敦 ©︎Tala Madani)
Tala Madani《S.M. Ascends》,2025年。(圖片提供:藝術家與Pilar Corrias,倫敦 ©︎Tala Madani)

Pilar Corrias藝廊團隊分析:「反覆出現的樓梯符號致敬了藝術史的脈絡——從Marcel DuchampGerhard RichterEadweard Muybridge的動態研究;同時,這也反映了一種當代焦慮,隱喻著對抱負、進步與不斷攀升之壓力的追求。然而,在Madani手中,連這種『向上攀升』都變得不穩定且充滿不安,甚至帶有一種黑色幽默。」透過這些作品,Madani精確勾勒出當代女性在追求社會理想與回歸肉身本能之間,那種充滿張力、疲憊且略帶荒謬的生存樣貌。

Tala Madani肖像。(攝影:Brigitte Lacombe;圖片提供:David Kordansky Gallery)
Tala Madani肖像。(攝影:Brigitte Lacombe;圖片提供:David Kordansky Gallery)

Tala Madani

1981年生於伊朗德黑蘭,現居美國洛杉磯。擁有耶魯大學藝術學院繪畫與版畫碩士學位。其創作以繪畫與動畫為主,常以充滿黑色幽默與怪誕感的筆觸,解構權力結構、男性特質及當代社會的集體行為。作品風格遊走於具象與抽象之間,展現出高度的敘事張力。曾於洛杉磯當代藝術博物館(MOCA)、倫敦白教堂美術館(Whitechapel Gallery)及斯德哥爾摩現代美術館舉辦個展。作品亦被紐約現代藝術博物館(MoMA)、古根漢美術館及泰特現代藝術館等重要機構收藏。

2026《Art Basel Hong Kong》

地點|香港會議展覽中心(香港灣仔博覽道1號)

時間|
貴賓預展(憑邀出席)
3月25日(三)12:00-20:00
3月26日(四)12:00-20:00
3月27日(五)12:00-14:00
3月28日(六)12:00-14:00
3月29日(日)11:00-12:00

開幕之夜
3月26日(四)16:00-20:00

公眾開放日
3月27日(五)14:00-20:00
3月28日(六)14:00-20:00
3月29日(日)12:00-18:00

*參展藝術家及藝廊的完整名單:artbasel.com/hongkong/encounters

文|吳哲夫 圖片提供|各單位

* 編按:本文原載於《La Vie》2026年3月號,網路版經編輯部重新整編與擴充

更多精彩內容,請見 La Vie 2026/3月號《平衡的設計哲思》

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2026年巴塞爾藝術展香港展會(Art Basel Hong Kong)將於3月27日至29日展開。La Vie精選3位穩步邁入中堅世代的焦點藝術家,展現他們如何以更成熟語彙解構我們習以為常的生活。入圍2025年M+希克獎(Sigg Prize)的藝術家畢蓉蓉(Bi Rongrong),將山水畫採風精神轉向對都市肌理的採集,透過織品縫合起城市的皮膚,喚起人類與自然規律的內在連結。


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主攻織品媒材的畢蓉蓉(Bi Rongrong),總在尋找人造紋樣的深意。她分享:「紋樣是一種人類將觀察到的、感知到的世界進行語言轉換的表達方式 。這是一種很偶然、很直覺的感受。」曾修習山水畫的她,習慣將「外師造化,中得心源」與「搜盡奇峰打草稿」的採風精神作為創作起點。這份從山川鄉野培養出的觀察力,在2014年英國曼徹斯特(Manchester)的駐留經驗中迎來轉折 。在這座英倫搖滾與獨立音樂重鎮,街頭巷尾鋪天蓋地的音樂海報與塗鴉,讓她意會到城市紋理其實與自然規律一樣,處於無窮盡的裂變與生長之中。

「如果說城市是我們在混沌之中尋找並構建的一些有規律的序列,那麼這種序列也同時在發生無窮盡的裂變,它本身也是大自然的一部分。」

發現建築的皮膚連結世間

自此,建築皮膚、唱片封面,乃至於旅途中在博物館內擷取的古代紋樣,皆成為畢蓉蓉解讀城市的對象,並藉此感受自身與世界的連結。在觀察過程中,她發現許多空間中冷硬石牆常代以柔軟門簾,地毯亦可被轉譯為堅硬石毯。

她敏銳察覺到材質間流動、代換的可能性。當她將擷取的織品紋樣轉向繪畫之中時,不禁開始思考:為什麼不把繪畫也轉為織物呢?她解釋:「如果說一塊地毯與一套金屬器皿可以成為游牧民族某一時刻的臨時之家,石牆與電腦也可以成為我們某一時刻的臨時之家,那麼織物既是家的一部分,也是我的作品的一部分 。它是一種媒介,更是一種思考方式。」

〈縫合的城市皮膚〉,2022。(攝影:Zhang Jing_Hugo;圖片提供:藝術家與A Thousand Plateaus Art Space)
〈縫合的城市皮膚〉,2022。(攝影:Zhang Jing_Hugo;圖片提供:藝術家與A Thousand Plateaus Art Space)
〈縫合的城市皮膚〉,2022。(攝影:Zhang Jing_Hugo;圖片提供:藝術家與A Thousand Plateaus Art Space)
〈縫合的城市皮膚〉,2022。(攝影:Zhang Jing_Hugo;圖片提供:藝術家與A Thousand Plateaus Art Space)

編織一場跨越時空的城市採風

此次展出的〈縫合的城市皮膚〉(Stitched Urban Skin)是2022年勞斯萊斯藝術計畫「繆斯」(Rolls-Royce Muse)首屆飛翔女神挑戰賽的獲獎之作 。畢蓉蓉遊走在不同文化語境間,發現整趟與紋樣相遇的旅程充斥著偶然性 。她形容,這就像在森林裡採集樹葉標本,原先並不做任何設定。「但有意思的是,我時常發現我所採集的,無論是中國紋樣、歐洲紋樣,或兩河流域的紋樣等等,它們都存在某些共性。」她將具備共性的紋樣梳理出來,透過傳統鉤針編織與LED、金屬、壓克力等硬質材料,交織成為這件作品。

「城市的皮膚就像我們生物體的皮膚一樣,越到表面毛細血管越為豐富與複雜。城市皮膚的材質與肌理,由無數有序與無序的細胞交織與層疊在一起,相互穿插、相互作用,形成一重又一重的合奏。」

〈縫合的城市皮膚〉,2022。(攝影:Luke Walker;圖片提供:藝術家與A Thousand Plateaus Art Space)
〈縫合的城市皮膚〉,2022。(攝影:Luke Walker;圖片提供:藝術家與A Thousand Plateaus Art Space)
〈縫合的城市皮膚〉,2022。(攝影:Luke Walker;圖片提供:藝術家與A Thousand Plateaus Art Space)
〈縫合的城市皮膚〉,2022。(攝影:Luke Walker;圖片提供:藝術家與A Thousand Plateaus Art Space)

近期,她更以作品〈去連接、去鑿洞、去抽紗〉入圍2025年香港M+博物館希克獎(Sigg Prize)。這件源自她在瑞士TaDA駐地期間發展的作品,進一步融入了當時對蕾絲背後精神的體悟 。對畢蓉蓉而言,織品的「縫合」動作,是連接、抽離與再連接萬物的往復循環 。「人類一直在尋找、調整自己在自然之中的一個恰當位置,我相信這個過程同樣是一個不斷往復的過程。」

〈去連接、去鑿洞、去抽紗〉(2025)於「希克獎 2025」展覽現場,2025年。(攝影:鄭樂天;圖片提供:M+)
〈去連接、去鑿洞、去抽紗〉(2025)於「希克獎 2025」展覽現場,2025年。(攝影:鄭樂天;圖片提供:M+)

畢蓉蓉肖像。(攝影:Ladina Bischof)
畢蓉蓉肖像。(攝影:Ladina Bischof)

畢蓉蓉Bi Rongrong

1982年生於中國寧波,現居上海。畢業於南京藝術學院與荷蘭聖尤斯特藝術學院。其作品強調藝術與空間的對話,創作起源於對城市建築與自然景觀的素描蒐集,透過將採集到的紋理與色彩進行轉化,跨越素描、織物、動畫與空間裝置等多種媒介,重組出具備節奏感的視覺景觀。2022年獲得勞斯萊斯「繆斯」藝術項目首屆「飛翔女神挑戰賽」大獎,並入圍2025年香港M+博物館「希克獎」(Sigg Prize)。

2026《Art Basel Hong Kong》

地點|香港會議展覽中心(香港灣仔博覽道1號)

時間|
貴賓預展(憑邀出席)
3月25日(三)12:00-20:00
3月26日(四)12:00-20:00
3月27日(五)12:00-14:00
3月28日(六)12:00-14:00
3月29日(日)11:00-12:00

開幕之夜
3月26日(四)16:00-20:00

公眾開放日
3月27日(五)14:00-20:00
3月28日(六)14:00-20:00
3月29日(日)12:00-18:00

*參展藝術家及藝廊的完整名單:artbasel.com/hongkong/encounters

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