當地毯成為裝置藝術 設計大師們都愛的地毯：BOLON

「地毯」對你而言的想像是什麼？是工藝、還是僅止於空間內裝飾的配角再配角？瑞典擁有近70歷史的BOLON，不僅與義大利針織時尚品牌MISSONI跨界合作，更是Jean Nouvel、Tom Dixon、ARMANI的首選品牌，仍維持家族經營的BOLON，如何扭轉商品形象，走向國際。La Vie直擊瑞典哥德堡總部，創意解密。

1949年，BOLON創始人Neils-Erik Eklud，也是第三代總監Annica Ekiund、設計總監Marie Eklund姐妹的祖父，以廢棄碎布編織的地毯，開啟了BOLON的編織之路。1967年第二代接棒，喜愛露營的Lars Eklund 和Monica（Annica及Marie父母），生產了專門為露營的戶外地毯，當時是許多瑞典人的愛用商品。然而，喜愛時尚的兩姐妹，卻決心轉型BOLON品牌導向設計及時尚，並將原來B2C市場，轉向B2B，短短13年間，公司營業額從7,400萬瑞典克朗，大幅躍升2.724億瑞典克朗，成長幅度高達270%；原來只有10人的家族經營品牌，一舉擴張至百人團隊。

一個家族經營的中小企業，如何壯大，甚至走出國際，被世界看見？

串連設計及時尚品牌

走入BOLON品牌總部行銷部辦公室內，如繭包覆形塑個人空間卻又維持公眾溝通的ID Trim Cap Chair，馬上引起我們一陣驚呼，今年5月新搬入的總部空間內，各類設計單品妝點空間，設計感十足。重新塑立品牌形象，與設計、時尚接軌連線，是BOLON成功之路的第一條織線。

設計總監Marie接受La Vie專訪時說道：「10年前其實地毯品牌並沒有「設計」的概念，當時我們第一個接觸的應該是Tom Dixon，因為合作愉快，開啟了我們與其他設計師合作認識的機會。」喜愛時尚的兩人，在一趟義大利旅行中，更從GIORGIO ARMANI的服裝目錄中，看見BOLON地毯，兩人欣喜若狂，隨即嘗試與ARMANI品牌聯絡，逐漸串起BOLON與設計及時尚品牌的連結。

如今攤開BOLON的一串好友名單，除了Tom Dixon及ARMANI，Jean Novuel、Jaime Hayón、Campana Brothers等一線建築、設計大師都在其中，並以各種不同的方式合作，然而這一切只是擴張品牌在設計界聲量的第一步。

當地毯成為裝置藝術

第二條打造品牌形象的織線是顛覆地毯的無趣印象，成為藝術、創意靈感的線頭。建築大師Jean Nouvel曾經說過：「我非常喜愛BOLON色彩的飽和度……而且當設計就緒，鋪上地毯之後，一切就改變了。」清楚說明地毯在空間中扮演的角色絕非配角，而是奠基空間質地的重要主角。

回憶與Novuel合作的經驗，讓Annica印象深刻，「不管是跟Tom Dixon或是Jean Nouvel，他們都相當注重細節。一般人眼中覺得沒什麼大不了的小地方，卻是他們眼中極大的問題！」例如斯德哥爾摩的燈光設計公司，就是萬中選一，只為呈現最佳效果。在2012年斯徳哥爾摩家具展中，BOLON邀請大師設計展間，Novuel以「生活總是接觸著各種材料」為概念，翻轉地毯只能鋪於地面的刻板印象，而是360度旋轉於空間中，瞬間成為BOLON Create系列的小宇宙，重新定義地毯的可能性，地毯成為裝置藝術的媒材，讓地毯不再只是地毯，更成為藝術。

綠色品牌計畫

第四條串起一切緯線的經線，則是BOLON的綠色計畫（BOLON GREEN）。BOLON地毯以耐用長達十年的PVC為素材，並可重複回收使用高達7次，然而如何避免環境汙染及再利用，是當代關注永續經濟無可避免的難題。

BOLON GREEN分別從原料篩選、能源再利用、回收廢料三切面，架構綠品牌大計。首先全面禁用致癌因子鄰苯二甲酸酯（塑化劑的一種）於地毯中，並要求所有原料供應鏈皆在250公里範圍內，減少碳足跡。今年BOLON更挹注1,500萬歐元打造全新的回收廢料工廠，所有PVC角料經過研磨後再回收，加入紗線、填充劑等材質，重製成支撐地毯的厚底板，再生循環。BOLON以清楚定位轉型品牌、注入設計能量，讓一個老品牌有了全新面貌，是在不斷大聲力喊產業升級的台灣，足以參鑑的他山之石。

工藝

BOLON的地毯以結構及花紋兩種主要變化。其中織法結構可創造出如魔術般的視覺，最具代表性的就是Create系列（荷蘭Deventer教堂用的就是此系列）。一張地毯的顏色，直視與轉身180度觀察，顏色居然會從橘色變成黑色，然而卻是同張地毯，編織工藝的魔幻技法遠超過你我能想像。

1.首先將PVC材質與各種不同色料融合成不同的色線。

2.再以色線為素材，將花紋或結構設計輸入機器中，機器即可自行編織。

3.最後經過加熱固定經緯線，並加入厚底板，穩固地毯。

Text  / 彭永翔

Photo / 彭永翔、顏大非

via / Bolon

【完整內容請見《LaVie》2015年11月號】

林宥嘉第7張專輯《Apples of Thy Eye》在去年7月數位上線，實體的液態黑膠則於今年4月底發行。如果你也是經過了漫長的預購等待，才拿到這張如藝術品般的專輯，不妨跟著設計師聶永真、陳聖智的分享，一探埋藏在「蘋果專輯」的設計細節。

2024年，林宥嘉推出睽違8年的專輯《王》。一年後，一首首釋出的新歌，也正式為第7張專輯拉開序幕。聶永真說明，剛開始開案時，專輯的名稱已經定下來，但他們花了滿多時間去釐清歌手的想法，最後才延伸出「每個人都是造物者眼中的蘋果，都是獨一無二且值得被珍惜的存在。」

延伸閱讀：設計師陳聖智、聶永真親解林宥嘉《王》專輯設計巧思

每一首歌，都是一個角色

而新專輯的每一首歌都代表著一個角色或群體，並以不同的蘋果作為單曲封面。比如以許多光點構成的〈歌迷〉，象徵演唱會現場歌迷揮舞手機的光；以性為主題的〈新郎〉，將蘋果做成類似帶著汗水的臀部輪廓；〈怪情歌〉的靈感則來自於MV畫面中的金髮與粉紅髮色。

當時他們先提出整體的視覺基調，確定走向後，便發展出現在所看到的「蘋果」造型，後續每首單曲的視覺也都在這樣的骨骼架構下進行製作。陳聖智補充，起初得知專輯將以單曲形式陸續釋出時，他們便認為這是個很特別的企劃形式，原本唱片公司沒有打算讓每首單曲封面都不一樣，「但我們覺得如果歌手本身這麼有企圖心，讓每一首歌都能單獨被檢視，那單曲封面也能依照企劃方向延伸，使視覺與歌曲的結合可以更完整。」

讓音樂載體化為可陳列、收藏的作品

至於為什麼是液態膠？陳聖智說，初期連是否推出實體專輯都不確定，但大家經過一輪討論後，認為仍需要一個可以收藏的物件。當時曾評估CD、卡帶、USB等形式，後來林宥嘉提出，希望這張音樂的載體本身能更具特殊性，同時也能如同一件作品般、被陳列於家中。因此，他們最終選定了液態膠，並重新設計了實體封面。聶永真說，他們當初提了許多版本，其中一個提案便是專輯中最直接且最代表性的兩個符碼——眼睛與蘋果，這也是林宥嘉一眼就選中的版本。

以「眼睛」與「蘋果」創造經典的封面視覺

聶永真表示，其實像封面有一個眼睛和蘋果，它的呈現方式可以有很多種，而這次他們以極度圖像化的方式來表達，也會讓專輯更具藝術性與經典感。「另一方面，以黑膠這個尺寸而言，一個眼睛與一個蘋果並行在一起，它的視覺張力非常的強。這也是當初我們會有這一版提案的原因。」另外也能發現，除了封膜上的貼紙，封面並沒有出現任何專輯名稱，他們希望透過具有辨識度的眼睛與蘋果，讓人們能直接得知「Apples of Thy Eye」這個名稱。

細看封面，還藏了一個小巧思。陳聖智說，蘋果旁的「A」符號，不僅代表Apple，轉個方向後，看來就像是側邊的眼睛；再轉向，則化為象徵林宥嘉（Yoga Lin）的「Y」。

翻開專輯內頁，可見從11首歌延伸而來的「眼睛」符號，長成一棵隱喻宇宙的基因樹，這也象徵著各式各樣的個體，在同一個環境下生長、彼此牽引且共生的關係；與之相對應的另一頁，則是將「Apples of Thy Eye」的英文字母圖像化後，組構出屬於人類的生命樹。

跳脫傳統黑膠配置，滿載細節的裝幀

而如果有在收藏黑膠的樂迷應該不難發現，相較主流黑膠以附上大海報、單張歌詞的形式，《Apples of Thy Eye》的裝幀方式較為少見，從亮膜封套、金色騎馬釘、多頁歌詞本、燙金、網版印刷等細節，都賦予了這張實體專輯如藝術作品般的收藏價值。除此之外，陳聖智提到，有些國外歌手的液態黑膠，無法直接收進封套，因此他們特別調整了封套的版型與厚度，使液態膠在收納後，即使平放也不會翹起。

世界上的每一個人都是重要的

回到液態膠本身，陳聖智分享，除了製作這張液態膠的壓片廠外，還需送往另一個工廠加工、打造出噴濺效果，也由於最終噴濺成型的樣貌無法預測，因此，每一張液態膠都是獨一無二的，這也呼應了專輯的核心概念——「世界上的每一個人都是重要的」。他補充，液態膠內的黑灰色液體也是特別訂製而成，讓音樂載體本身與數位封面上的眼睛有所連結。

而這張蘋果專輯的核心想法，也被收進最細微的地方。歌詞本中，「你」、「我」、「他」、「人」等字樣下方，那些看似只是點綴的小點點，其實都是一顆顆被極度縮小的蘋果，一再提醒著我們，每一個人都值得被看見與珍惜。

一座城市的魅力，往往藏在細節裡，像是一張讓人過目難忘的海報、一把讓長輩和孩子都能安心坐下的椅子，又或是一片在炎熱夏日裡，能讓人忘記城市喧囂的綠意廣場。這些隱而不顯的日常即景，都是讓城市更迷人的原因。而作為全台唯一獲得「世界設計組織」（WDO）、「國際設計社團組織」（ICoD）、「國際室內建築師設計師團體聯盟」（IFI）三大國際設計組織認證的國際設計競賽，邁入第19屆的「臺北設計獎」即日起至6月30日，廣邀全球創意人一起用好設計，回應來自城市的提問，創造出更美好的生活風景。

兩大徵件項目，集結多元創意能量

以「讓設計成為形塑美好未來的驅動力」為核心願景，今年臺北設計獎分為兩大項目，其中「國際競賽」涵蓋工業設計、視覺傳達設計與公共空間設計三大類，以不設定特定主題的方式，給予創作者最純粹的靈感自由；「臺北城市設計選拔」則以「永續‧共融」為題，無論是聚焦淨零碳排、韌性城市，或是懷抱著人文關懷與共享共融的思維，只要能與臺北產生對話、提出解決方案，都是這條賽道渴望留下的創意輪廓。

至於評選標準則從應用性（40%）、創意性（30%）、技術性（20%）及藝術性（10%）四大面向全面評估，格外看重作品的可量產性及市場性。總獎金則高達新臺幣450萬元，最高榮耀「全場大獎」獎金更達60萬元，得獎作品亦可取得年度標章授權，為創作者增添國際獎項的實質肯定。

評審來自4大洲、11個國家，匯聚多元設計眼光

另一方面，「臺北設計獎」向來以接軌國際為人所知，今年評審團更齊聚來自歐、亞、美、非四大洲，共11國的專業評審。像是工業設計類評審包含SONY設計團隊負責人Daisuke Ishii、西班牙瓦倫西亞地區設計基金會執行長暨WDO理事的Xavi Calvo等人；視覺傳達設計類則有ICoD秘書長Anssi Kähärä、Landor中東區域執行創意總監Lara Assouad等；公共空間設計類有Snøhetta建築事務所亞洲合夥人暨董事總經理Robert Greenwood、IFI理事Tatu Ahlroos等專家；臺北城市設計選拔則由臺灣設計研究院院長張基義領軍，易境永續設計顧問創辦人暨執行長何宗翰等設計人共同評選。

如此多元的文化背景，不僅能讓參賽作品在不同文化脈絡下接受檢視，淬鍊出凌駕於短暫潮流之上的「好設計共識」，更讓臺北設計獎成為創意人直面頂尖設計眼光的絕佳契機。

一次搞懂徵件眉角，傾聽得獎作品背後的思考工序

如果你正躍躍欲試，那麼將於6月3日（三）13:30–16:30在榕錦時光生活園區2樓舉辦的「2026臺北設計獎徵件暨年度活動說明會」，絕對是不容錯過的良機。當天不僅將詳細解析徵件辦法，更規劃歷屆得獎案例深度分享。在此，說明會也特別邀請曾以「金瑞田嬰小屋」榮獲臺北城市設計選拔金獎的樸明建築師事務所蔡崇憲建築師、曾以「溝通的開始Typing..._臺北市立美術館休憩空間規劃」奪得工業設計類金獎的無氏製作等獲獎團隊，不藏私地解構創意理念與實踐歷程。說明會最後也有問答與自由交流時間，讓人用一個午後的時光與大師對話，找到創意的方向。

畢竟，設計從來不只是關乎美感，更是我們回應城市，改變生活的溫柔革命。第19屆臺北設計獎的徵件倒數中，如果你對於身處的城市懷抱期待，這次不妨讓世界看見，你的好設計將如何形塑城市的未來。

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_{文字 | 郭慧  圖片提供 | 臺北市政府產業發展局}