當地毯成為裝置藝術 設計大師們都愛的地毯：BOLON

「地毯」對你而言的想像是什麼？是工藝、還是僅止於空間內裝飾的配角再配角？瑞典擁有近70歷史的BOLON，不僅與義大利針織時尚品牌MISSONI跨界合作，更是Jean Nouvel、Tom Dixon、ARMANI的首選品牌，仍維持家族經營的BOLON，如何扭轉商品形象，走向國際。La Vie直擊瑞典哥德堡總部，創意解密。

1949年，BOLON創始人Neils-Erik Eklud，也是第三代總監Annica Ekiund、設計總監Marie Eklund姐妹的祖父，以廢棄碎布編織的地毯，開啟了BOLON的編織之路。1967年第二代接棒，喜愛露營的Lars Eklund 和Monica（Annica及Marie父母），生產了專門為露營的戶外地毯，當時是許多瑞典人的愛用商品。然而，喜愛時尚的兩姐妹，卻決心轉型BOLON品牌導向設計及時尚，並將原來B2C市場，轉向B2B，短短13年間，公司營業額從7,400萬瑞典克朗，大幅躍升2.724億瑞典克朗，成長幅度高達270%；原來只有10人的家族經營品牌，一舉擴張至百人團隊。

一個家族經營的中小企業，如何壯大，甚至走出國際，被世界看見？

串連設計及時尚品牌

走入BOLON品牌總部行銷部辦公室內，如繭包覆形塑個人空間卻又維持公眾溝通的ID Trim Cap Chair，馬上引起我們一陣驚呼，今年5月新搬入的總部空間內，各類設計單品妝點空間，設計感十足。重新塑立品牌形象，與設計、時尚接軌連線，是BOLON成功之路的第一條織線。

設計總監Marie接受La Vie專訪時說道：「10年前其實地毯品牌並沒有「設計」的概念，當時我們第一個接觸的應該是Tom Dixon，因為合作愉快，開啟了我們與其他設計師合作認識的機會。」喜愛時尚的兩人，在一趟義大利旅行中，更從GIORGIO ARMANI的服裝目錄中，看見BOLON地毯，兩人欣喜若狂，隨即嘗試與ARMANI品牌聯絡，逐漸串起BOLON與設計及時尚品牌的連結。

如今攤開BOLON的一串好友名單，除了Tom Dixon及ARMANI，Jean Novuel、Jaime Hayón、Campana Brothers等一線建築、設計大師都在其中，並以各種不同的方式合作，然而這一切只是擴張品牌在設計界聲量的第一步。

當地毯成為裝置藝術

第二條打造品牌形象的織線是顛覆地毯的無趣印象，成為藝術、創意靈感的線頭。建築大師Jean Nouvel曾經說過：「我非常喜愛BOLON色彩的飽和度……而且當設計就緒，鋪上地毯之後，一切就改變了。」清楚說明地毯在空間中扮演的角色絕非配角，而是奠基空間質地的重要主角。

回憶與Novuel合作的經驗，讓Annica印象深刻，「不管是跟Tom Dixon或是Jean Nouvel，他們都相當注重細節。一般人眼中覺得沒什麼大不了的小地方，卻是他們眼中極大的問題！」例如斯德哥爾摩的燈光設計公司，就是萬中選一，只為呈現最佳效果。在2012年斯徳哥爾摩家具展中，BOLON邀請大師設計展間，Novuel以「生活總是接觸著各種材料」為概念，翻轉地毯只能鋪於地面的刻板印象，而是360度旋轉於空間中，瞬間成為BOLON Create系列的小宇宙，重新定義地毯的可能性，地毯成為裝置藝術的媒材，讓地毯不再只是地毯，更成為藝術。

綠色品牌計畫

第四條串起一切緯線的經線，則是BOLON的綠色計畫（BOLON GREEN）。BOLON地毯以耐用長達十年的PVC為素材，並可重複回收使用高達7次，然而如何避免環境汙染及再利用，是當代關注永續經濟無可避免的難題。

BOLON GREEN分別從原料篩選、能源再利用、回收廢料三切面，架構綠品牌大計。首先全面禁用致癌因子鄰苯二甲酸酯（塑化劑的一種）於地毯中，並要求所有原料供應鏈皆在250公里範圍內，減少碳足跡。今年BOLON更挹注1,500萬歐元打造全新的回收廢料工廠，所有PVC角料經過研磨後再回收，加入紗線、填充劑等材質，重製成支撐地毯的厚底板，再生循環。BOLON以清楚定位轉型品牌、注入設計能量，讓一個老品牌有了全新面貌，是在不斷大聲力喊產業升級的台灣，足以參鑑的他山之石。

工藝

BOLON的地毯以結構及花紋兩種主要變化。其中織法結構可創造出如魔術般的視覺，最具代表性的就是Create系列（荷蘭Deventer教堂用的就是此系列）。一張地毯的顏色，直視與轉身180度觀察，顏色居然會從橘色變成黑色，然而卻是同張地毯，編織工藝的魔幻技法遠超過你我能想像。

1.首先將PVC材質與各種不同色料融合成不同的色線。

2.再以色線為素材，將花紋或結構設計輸入機器中，機器即可自行編織。

3.最後經過加熱固定經緯線，並加入厚底板，穩固地毯。

Text  / 彭永翔

Photo / 彭永翔、顏大非

via / Bolon

【完整內容請見《LaVie》2015年11月號】

今年9月，德國頂級廚電品牌Gaggenau即將於台北信義區開設全新旗艦展示中心，成為繼上海、北京與雪梨之後，亞太市場第四座品牌旗艦空間。在台北據點正式揭幕前，La Vie也率先走訪位於上海靜安的全球最大旗艦店「嘉邸（The Gallery）」，從這座1930年代的老洋房出發，一窺Gaggenau如何將340多年來累積的工藝底蘊，結合建築、科技與包浩斯美學，重新定義當代廚居生活。

走在上海靜安區的威海路，很難想像這條緊鄰南京西路商圈的街道，還存在著如此濃厚的老上海風景。街道兩旁是梧桐綠蔭、歷史建築，以及近年陸續進駐的咖啡館、藝廊與設計選物店，城市的節奏依舊快速，卻又多了幾分散步的餘裕。Gaggenau上海旗艦店「嘉邸」就藏身其中。這棟四層樓的老洋房前身為興建於1930年代的道里官邸，德國建築設計團隊1zu33保留原有建築結構與磚石立面，並融入上海海派文化與Art Deco語彙，讓近百年的歷史建築延續昔日風貌，也多了幾分當代設計的俐落。

推開厚重的大門，城市的喧囂彷彿被留在身後，映入眼簾的是名為「The Difference」的沉浸式品牌空間。深色石材、木頭、金屬與玻璃交織出沉穩而內斂的氛圍，耳邊傳來規律的鍛鐵敲擊聲，空間中央則擺放著來自品牌發源地——德國黑森林運來的巨大松樹樹根。材質、光影與多媒體影像在此交錯，引領訪客循著品牌340多年的發展脈絡，走進Gaggenau的工藝世界。

340年的工藝進化：Vario Expressive重新定義當代廚房

Gaggenau的歷史可以一路追溯到1683年，從一間鍛鐵工坊起家，歷經340多年發展，逐漸成今日的頂級廚房家電品牌。1956年推出全球第一款全嵌入式廚房家電，更重新改變了現代廚房的配置方式。深受包浩斯「形隨機能（Form Follows Function）」理念影響，Gaggenau始終相信，好的設計應回應使用需求，而非流於裝飾；俐落克制的線條、耐久的不鏽鋼與玻璃材質，以及對細節與手感的講究，都延續著這樣的設計思維。

二樓的展示空間，則進一步勾勒品牌對奢華廚居生活的想像。這裡搶先亮相將於下半年上市的Vario Expressive系列冰箱與酒櫃，也是台北旗艦店未來的一大亮點。全系列涵蓋冷藏冰箱、冷凍冰箱、三門法式冰箱與酒櫃，並採用模組化設計，每件設備既能獨立配置，也能依不同空間需求自由組合。

延續品牌的建築思維，Vario Expressive系列將冰箱視為廚房空間的一部分，在材質、比例與光影之間，營造一致而俐落的空間秩序。深色短絲紋不鏽鋼、礦石黑鋁金屬與玻璃交錯出細膩的材質層次，暖白色抗眩LED燈則隨著環境光線與使用情境柔和變化；即使放滿各式食材，水平一致的層架設計，也讓內外視覺維持高度整齊。

除了外觀設計，Vario Expressive系列也將智慧科技融入日常使用情境。透過內建智慧感應器與專屬App，使用者可即時查看冰箱內的食材存量，不同保鮮區則可依肉類、海鮮或乳製品等食材特性，分別設定適合的保存環境。而這次最大的亮點之一，莫過於酒櫃系列搭載的侍酒師溫控程式，可依不同酒款自動調整至適飲溫度；搭配客製化層架配置與展示燈光，讓酒櫃兼具保存與陳列功能，打造更完整的奢華品飲體驗。

兩種設計語言，一套工藝思維：Expressive與Minimalistic烤箱系列

此次參訪的另一大亮點，則是品牌近20年來首度全面改款的Expressive與Minimalistic烤箱系列。兩個系列延續Gaggenau一貫的工藝精神，卻展現截然不同的設計語言：Expressive系列以「兩框一圓」（界定櫃體邊界的外框＋環繞煙燻玻璃的內襯框）勾勒鮮明輪廓，透過手工打磨的不鏽鋼材質，以及依循黃金比例（1：1.618）打造的懸浮式控制環，讓家電宛如空間中的雕塑；Minimalistic系列則以「兩線一圓」回歸極簡，捨去框體設計，提供鉑光銀與曜岩黑兩種面板選擇，幾乎與櫥櫃立面融為一體，在低調之中襯托建築與空間本身。

兩個系列皆搭載全新懸浮式不鏽鋼控制環，將隱藏於玻璃面板後方的數位介面，與保留實體旋鈕手感的操作方式結合，在科技與工藝之間取得平衡，也再次呼應品牌對細節比例與使用體驗的講究。

把「嘉邸」體驗搬進台北：Gaggenau台北旗艦店將於9月開幕！

此次實際走訪上海嘉邸後，除了驚嘆廚房科技如今所能達到的人性化程度，更令人印象深刻的是Gaggenau對每一處細節的講究。從材質、比例到光線配置，甚至控制環旋轉時的手感，都經過反覆推敲與上百次測試；就連烤箱內部的焊接處，也被打磨得彷彿一體成型。這些看似不起眼的細節，共同成就了更直覺而舒適的操作感受，也讓工藝自然融入日常生活與空間。

繼上海、北京與雪梨之後，Gaggenau即將於今年9月在台北信義區開設亞太第四座旗艦展示中心，並同樣由1zu33規劃設計，完整導入品牌最新展示概念與全系列產品。屆時，消費者也將有機會親身體驗這些藏在材質、工藝與操作手感中的細節，感受Gaggenau如何透過340多年的工藝積累，重新詮釋當代頂級廚居生活。

林宥嘉第7張專輯《Apples of Thy Eye》在去年7月數位上線，實體的液態黑膠則於今年4月底發行。如果你也是經過了漫長的預購等待，才拿到這張如藝術品般的專輯，不妨跟著設計師聶永真、陳聖智的分享，一探埋藏在「蘋果專輯」的設計細節。

2024年，林宥嘉推出睽違8年的專輯《王》。一年後，一首首釋出的新歌，也正式為第7張專輯拉開序幕。聶永真說明，剛開始開案時，專輯的名稱已經定下來，但他們花了滿多時間去釐清歌手的想法，最後才延伸出「每個人都是造物者眼中的蘋果，都是獨一無二且值得被珍惜的存在。」

延伸閱讀：設計師陳聖智、聶永真親解林宥嘉《王》專輯設計巧思

每一首歌，都是一個角色

而新專輯的每一首歌都代表著一個角色或群體，並以不同的蘋果作為單曲封面。比如以許多光點構成的〈歌迷〉，象徵演唱會現場歌迷揮舞手機的光；以性為主題的〈新郎〉，將蘋果做成類似帶著汗水的臀部輪廓；〈怪情歌〉的靈感則來自於MV畫面中的金髮與粉紅髮色。

當時他們先提出整體的視覺基調，確定走向後，便發展出現在所看到的「蘋果」造型，後續每首單曲的視覺也都在這樣的骨骼架構下進行製作。陳聖智補充，起初得知專輯將以單曲形式陸續釋出時，他們便認為這是個很特別的企劃形式，原本唱片公司沒有打算讓每首單曲封面都不一樣，「但我們覺得如果歌手本身這麼有企圖心，讓每一首歌都能單獨被檢視，那單曲封面也能依照企劃方向延伸，使視覺與歌曲的結合可以更完整。」

讓音樂載體化為可陳列、收藏的作品

至於為什麼是液態膠？陳聖智說，初期連是否推出實體專輯都不確定，但大家經過一輪討論後，認為仍需要一個可以收藏的物件。當時曾評估CD、卡帶、USB等形式，後來林宥嘉提出，希望這張音樂的載體本身能更具特殊性，同時也能如同一件作品般、被陳列於家中。因此，他們最終選定了液態膠，並重新設計了實體封面。聶永真說，他們當初提了許多版本，其中一個提案便是專輯中最直接且最代表性的兩個符碼——眼睛與蘋果，這也是林宥嘉一眼就選中的版本。

以「眼睛」與「蘋果」創造經典的封面視覺

聶永真表示，其實像封面有一個眼睛和蘋果，它的呈現方式可以有很多種，而這次他們以極度圖像化的方式來表達，也會讓專輯更具藝術性與經典感。「另一方面，以黑膠這個尺寸而言，一個眼睛與一個蘋果並行在一起，它的視覺張力非常的強。這也是當初我們會有這一版提案的原因。」另外也能發現，除了封膜上的貼紙，封面並沒有出現任何專輯名稱，他們希望透過具有辨識度的眼睛與蘋果，讓人們能直接得知「Apples of Thy Eye」這個名稱。

細看封面，還藏了一個小巧思。陳聖智說，蘋果旁的「A」符號，不僅代表Apple，轉個方向後，看來就像是側邊的眼睛；再轉向，則化為象徵林宥嘉（Yoga Lin）的「Y」。

翻開專輯內頁，可見從11首歌延伸而來的「眼睛」符號，長成一棵隱喻宇宙的基因樹，這也象徵著各式各樣的個體，在同一個環境下生長、彼此牽引且共生的關係；與之相對應的另一頁，則是將「Apples of Thy Eye」的英文字母圖像化後，組構出屬於人類的生命樹。

跳脫傳統黑膠配置，滿載細節的裝幀

而如果有在收藏黑膠的樂迷應該不難發現，相較主流黑膠以附上大海報、單張歌詞的形式，《Apples of Thy Eye》的裝幀方式較為少見，從亮膜封套、金色騎馬釘、多頁歌詞本、燙金、網版印刷等細節，都賦予了這張實體專輯如藝術作品般的收藏價值。除此之外，陳聖智提到，有些國外歌手的液態黑膠，無法直接收進封套，因此他們特別調整了封套的版型與厚度，使液態膠在收納後，即使平放也不會翹起。

世界上的每一個人都是重要的

回到液態膠本身，陳聖智分享，除了製作這張液態膠的壓片廠外，還需送往另一個工廠加工、打造出噴濺效果，也由於最終噴濺成型的樣貌無法預測，因此，每一張液態膠都是獨一無二的，這也呼應了專輯的核心概念——「世界上的每一個人都是重要的」。他補充，液態膠內的黑灰色液體也是特別訂製而成，讓音樂載體本身與數位封面上的眼睛有所連結。

而這張蘋果專輯的核心想法，也被收進最細微的地方。歌詞本中，「你」、「我」、「他」、「人」等字樣下方，那些看似只是點綴的小點點，其實都是一顆顆被極度縮小的蘋果，一再提醒著我們，每一個人都值得被看見與珍惜。