當地毯成為裝置藝術 設計大師們都愛的地毯：BOLON

「地毯」對你而言的想像是什麼？是工藝、還是僅止於空間內裝飾的配角再配角？瑞典擁有近70歷史的BOLON，不僅與義大利針織時尚品牌MISSONI跨界合作，更是Jean Nouvel、Tom Dixon、ARMANI的首選品牌，仍維持家族經營的BOLON，如何扭轉商品形象，走向國際。La Vie直擊瑞典哥德堡總部，創意解密。

1949年，BOLON創始人Neils-Erik Eklud，也是第三代總監Annica Ekiund、設計總監Marie Eklund姐妹的祖父，以廢棄碎布編織的地毯，開啟了BOLON的編織之路。1967年第二代接棒，喜愛露營的Lars Eklund 和Monica（Annica及Marie父母），生產了專門為露營的戶外地毯，當時是許多瑞典人的愛用商品。然而，喜愛時尚的兩姐妹，卻決心轉型BOLON品牌導向設計及時尚，並將原來B2C市場，轉向B2B，短短13年間，公司營業額從7,400萬瑞典克朗，大幅躍升2.724億瑞典克朗，成長幅度高達270%；原來只有10人的家族經營品牌，一舉擴張至百人團隊。

一個家族經營的中小企業，如何壯大，甚至走出國際，被世界看見？

串連設計及時尚品牌

走入BOLON品牌總部行銷部辦公室內，如繭包覆形塑個人空間卻又維持公眾溝通的ID Trim Cap Chair，馬上引起我們一陣驚呼，今年5月新搬入的總部空間內，各類設計單品妝點空間，設計感十足。重新塑立品牌形象，與設計、時尚接軌連線，是BOLON成功之路的第一條織線。

設計總監Marie接受La Vie專訪時說道：「10年前其實地毯品牌並沒有「設計」的概念，當時我們第一個接觸的應該是Tom Dixon，因為合作愉快，開啟了我們與其他設計師合作認識的機會。」喜愛時尚的兩人，在一趟義大利旅行中，更從GIORGIO ARMANI的服裝目錄中，看見BOLON地毯，兩人欣喜若狂，隨即嘗試與ARMANI品牌聯絡，逐漸串起BOLON與設計及時尚品牌的連結。

如今攤開BOLON的一串好友名單，除了Tom Dixon及ARMANI，Jean Novuel、Jaime Hayón、Campana Brothers等一線建築、設計大師都在其中，並以各種不同的方式合作，然而這一切只是擴張品牌在設計界聲量的第一步。

當地毯成為裝置藝術

第二條打造品牌形象的織線是顛覆地毯的無趣印象，成為藝術、創意靈感的線頭。建築大師Jean Nouvel曾經說過：「我非常喜愛BOLON色彩的飽和度……而且當設計就緒，鋪上地毯之後，一切就改變了。」清楚說明地毯在空間中扮演的角色絕非配角，而是奠基空間質地的重要主角。

回憶與Novuel合作的經驗，讓Annica印象深刻，「不管是跟Tom Dixon或是Jean Nouvel，他們都相當注重細節。一般人眼中覺得沒什麼大不了的小地方，卻是他們眼中極大的問題！」例如斯德哥爾摩的燈光設計公司，就是萬中選一，只為呈現最佳效果。在2012年斯徳哥爾摩家具展中，BOLON邀請大師設計展間，Novuel以「生活總是接觸著各種材料」為概念，翻轉地毯只能鋪於地面的刻板印象，而是360度旋轉於空間中，瞬間成為BOLON Create系列的小宇宙，重新定義地毯的可能性，地毯成為裝置藝術的媒材，讓地毯不再只是地毯，更成為藝術。

綠色品牌計畫

第四條串起一切緯線的經線，則是BOLON的綠色計畫（BOLON GREEN）。BOLON地毯以耐用長達十年的PVC為素材，並可重複回收使用高達7次，然而如何避免環境汙染及再利用，是當代關注永續經濟無可避免的難題。

BOLON GREEN分別從原料篩選、能源再利用、回收廢料三切面，架構綠品牌大計。首先全面禁用致癌因子鄰苯二甲酸酯（塑化劑的一種）於地毯中，並要求所有原料供應鏈皆在250公里範圍內，減少碳足跡。今年BOLON更挹注1,500萬歐元打造全新的回收廢料工廠，所有PVC角料經過研磨後再回收，加入紗線、填充劑等材質，重製成支撐地毯的厚底板，再生循環。BOLON以清楚定位轉型品牌、注入設計能量，讓一個老品牌有了全新面貌，是在不斷大聲力喊產業升級的台灣，足以參鑑的他山之石。

工藝

BOLON的地毯以結構及花紋兩種主要變化。其中織法結構可創造出如魔術般的視覺，最具代表性的就是Create系列（荷蘭Deventer教堂用的就是此系列）。一張地毯的顏色，直視與轉身180度觀察，顏色居然會從橘色變成黑色，然而卻是同張地毯，編織工藝的魔幻技法遠超過你我能想像。

1.首先將PVC材質與各種不同色料融合成不同的色線。

2.再以色線為素材，將花紋或結構設計輸入機器中，機器即可自行編織。

3.最後經過加熱固定經緯線，並加入厚底板，穩固地毯。

Text  / 彭永翔

Photo / 彭永翔、顏大非

via / Bolon

【完整內容請見《LaVie》2015年11月號】

恆成紙業旗下內容品牌「野点nodate」出版《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》，以10則刺青師深度專訪，描摹40年台灣刺青生態演變 。操刀裝幀設計的HOUTH，分享如何以設計過程中的各種巧思呼應刺青文化，及其中的次文化與反叛精神。

延續2024年推出的卡帶專輯《調皮》（The Skin Surfing）和刺青認領圖小書《刺花Tshiah-hue》，恆成紙業旗下內容品牌「野点nodate」持續關注刺青藝術社群，推出最新作《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》，是台灣第一本梳理刺青生態演變的深度觀察與圖冊。

作者張玉音長年書寫藝文領域，年少時期曾親身見證刺青文化背負的污名，步入不惑之年後，毅然決定讓各色刺青佔據肌膚。她深入田野，透過本書帶領讀者一窺台灣刺青在世代輪轉之下，所發展出的不同技藝與風格，以及諸多產業重要議題，包含師徒制的轉型、國際展會的功能更迭、比賽評選機制的變化、社群媒體對整個生態的重塑，甚至包括盜圖與人才外流等現象。

全書採11冊分冊設計，包含1冊序言，以及10冊跨世代刺青師的專訪與反思，依序記錄其師、富哥、Kubrick、House、York、Ray、Upa、阿弘、柯廷、張先生的創作世界。從中，可見橫越40年來的刺青風格演變，從轉化自令人畏懼的江湖印記的細膩台式工藝，一路到當代 Gen Z 的 Y2K 邪典氣質，以及這一文化在不同時代面臨的挑戰，和刺青師們各自持續創作、開拓的路徑。

閱讀體驗的定調

本書裝幀由何婉君與黃紀滕（Hans）組成的的HOUTH團隊操刀。在月初舉辦的裝幀座談會中，張玉音與 HOUTH 進一步分享設計幕後。

設計初期，團隊曾發展出另一套視覺方向，閱讀體驗偏向「沉靜」。最終擇定的方向，則是希望打破傳統文史書「厚重、精裝、大部頭」的既定印象，留下刺青文化原有的次文化氣質與自由度，同時吸引圈層之外的讀者產生好奇與閱讀興趣。採用11本輕薄短冊的分冊設計，也是呼應每一冊皆代表不同世代的歷史切片與文化精神，讓讀者可以自由抽取閱讀，依照自己的節奏與偏好的順序，進入不同年代與刺青師的故事。

圍繞在身體的「物理性」

刺青的載體是人體皮膚，本書裝幀也以身體的「物理性」作為核心概念。書盒上那隻乾淨、沒有刺青的鮮明手臂，其實正是 Hans 親自拍攝的自身手臂。空白手臂象徵刺青的載體，也像一塊等待被書寫的皮膚，串接台灣能量蓬勃卻曾經缺乏完整脈絡的40年刺青史。

作為對比，書盒內部則印製滿版刺青作品，來自本次最資深的兩位受訪人物——其師與富哥。當讀者將書冊從盒中抽出時，如同刺青逐漸覆上身體，也隱喻台灣刺青文化在40年間，從地下次文化逐步走向自我認同與個人表述的過程。

紙材選擇上，同樣延續「物理性」的概念。封面選用「新浪潮」紙材，保留類似皮膚表面的霧面粗糙質地；外盒則以瓦楞紙搭配半斷工法製作，利用偏街頭、工業感的材質，營造看似精裝、實則平裝的視覺狀態，呈現介於粗糙與精緻之間的氣質，也隱隱呼應「野点」作為內容品牌，長期穿梭於不同文化圈層之間的姿態。

為了呼應刺青文化相對銳利的調性，HOUTH 在內頁選擇帶有亮面質感的「雜誌紙」，影像與文字會微微透出下一頁，產生近似皮膚透度與色料滲透的視覺感受。過程中，張玉音還特地前往舊書攤，找來八〇、九〇年代的《Times》雜誌進行比對，確認印樣既具有足夠遮蔽性、不干擾閱讀，同時也保留與當年雜誌紙張相近的物質感，讓本書內容觸及的時間跨度，也被精準收束在紙頁的選材。

以刺青風格轉化的編排巧思

字型的選用，同樣呼應次文化語境。封面使用由黑體改造的實驗字體「獅尾尖刺黑體」，帶有地下刊物與小誌文化中的野性與銳利感；拉丁字體也選用帶有尖角細節的字型相互呼應。內文則以蘋方繁編排，搭配較大的字級與方正結構，保留長篇閱讀的舒適性。每冊的封面編號與頁碼，則依據受訪刺青師的個人風格重新轉化設計，例如以美式傳統刺青風格聞名的 HOUSE，其數字「4」便加入裝飾風格語彙。

此外，許多裝幀細節也隱含對刺青工藝的轉譯。書盒上的書名與 ISBN 燙印，模擬刺青留在皮膚上的痕跡，並加入微微暈染效果，重現色料隨時間沉入皮膚後的自然擴散。每冊開頭與結尾的紙頁，則模擬刺青工序中的描圖紙；其中特別使用到紅色，是向台灣資深刺青師「其師」的 freehand 技法致敬——他習慣以紅色油墨直接在人體上繪製，再進行刺青。

細看內容，會發現各冊也藏有呼應每位刺青師背景與特色的小巧思。例如在富哥的篇章，刺青工具被編排成形似一支手槍，幽默呼應他早年「八成客源是社會人士」的經歷；而刺青師 Upa 長期以刺針模擬繪畫筆觸，在肌膚上留下如詩般的抽象痕跡與氣泡質感，因此 HOUTH 也在編排中刻意保留更多留白與空氣感，讓圖文之間形成更自由的節奏。

《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》以紮實的訪談書寫，織就一部由刺針、墨水和圖像構成的時代群像錄；也透過裝幀設計，承載台灣刺青文化這40年來層層堆疊、多元而鮮活的歷史。

關於野点nodate｜

恆成紙業旗下內容品牌，將紙的物質性與承載文化抽象意涵，透過議題企劃與活動串聯交織出版、視覺設計、次文化、聲音藝術等多元創作領域，以紙張、媒介作為文化實驗場，並擴充傳統的用紙受眾。於2024年底有正式的出版產品，著力實踐內容生產的主動權，打破傳統出版與媒體界限，並且以紙業背景為紮實基底，對媒體型態、製作方式進行再思考。

資料提供｜野点nodate

文字整理、文｜李尤

JIL SANDER攜手西班牙室內設計雜誌《Apartamento》，於2026米蘭設計週期間共同呈現《Reference Library》展覽。匯聚來自世界各地具獨特視角的作家、設計師、藝術家、建築師、電影人、思想家與創作家等精心挑選的60本書籍，組成一個啟發思考、陪伴人生各個時刻的閱讀書單。

身處於這個「速讀」時代，我們的視線在電子螢幕上游離，閱讀變得碎片化。演算法在我們尚未消化內容前，已為我們決定下一步。為獲得快樂而閱讀的想法大幅減少，書本反而成為一種值得被珍視的媒介，一件需要被握在手中、邀請你放慢節奏、停留片刻的物件，更是讀者與故事之間自由選擇的私人時刻。

書本承載著記憶，甚至帶給你驚喜

而《Reference Library》正是在這樣的背景下誕生，肯定了這些物件與行為的價值，也為「全神貫注於值得關注的事」賦予意義。

書本承載著記憶，將把書交到你手中的那個人、初次翻閱時的場景，以及當下的珍貴片刻一併保存。它在人與人之間悄然流轉，也會在不經意間喚起你對某個人的想念。在適當的時候，它會帶給你意想不到的驚喜，比如促使你與某人聯絡、重新思考某些事情、前往某個地方或重新開始。而生活中鮮有其他事物能做到這一切。

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以鏡面構築的閱讀空間

此次展覽由米蘭建築事務所studioutte設計，在米蘭市中心的JIL SANDER展示廳舉行。其由多個鉻合金展示台一字排開，在閱讀燈的映照下，其倒影被鏡面牆反射，構成一個讓人細細品味、沉浸於閱讀的完美空間；人們能隨心所欲地從一本書移到另一本書，自由遊走於書中世界。

戴起白手套、翻閱現場書籍

展覽每小時限額60名，每位參觀者登記後會獲邀進入圖書館，並獲贈一對白手套，這個小儀式將改變人們對待事物的方式及對事物的呵護程度。參觀者可拿起、翻開及閱讀現場的書籍，結束時白手套將作為禮物贈予讀者，作為一份靜謐、紀念這段美好時光的紀念品。

探索60位創意人士書單

此次精選的60本書單中，涵蓋了多部影響深遠的思想與文學作品，比如法國思想家加斯東·巴舍拉《空間詩學》(The Poetics of Space)、谷崎潤一郎《陰翳禮讚》(In Praise of Shadows)，以及尚·布希亞《物體系統》(The System of Objects) 等，從空間、光影到人與物件之間的關係，延伸出對感知與日常經驗的重新理解。

另外，維吉尼亞·伍爾夫《海浪》(The Waves)與萊納·馬利亞·里爾克《給青年詩人的信》(Letters to a Young Poet)則以細膩的內在書寫，回應閱讀作為一種內在且延續的體驗。這些書籍不僅構成一份閱讀清單，更引導觀者在觀看與閱讀之間，建立更深層的連結。

JIL SANDER 創意總監Simone Bellotti表示：「我為這段即興而短暫、僅存在數日的計畫，特別挑選了一本童年時讀過的書，作為贈予米蘭圖書館的禮物——由Italo Calvino撰寫的《樹上的男爵》。主角 Cosimo 選擇棲身樹上，從高處觀看世界，反而比地面上的人看得更清晰。Calvino在此構建了一種優雅的理論：主角的性格古怪、被孤立、誤解，卻正因其非典型的視角，影響了周遭的一切。這幾乎可被視為創作中狀態最純粹的隱喻。」

Apartamento聯合創辦人Marco Velardi說道：「Apartamento與JIL SANDER的合作是自然契合的成果。我們雙方深知我們身邊的事物從不單只是裝飾，更是個人經歷的延伸，關於對事物的專注、珍視及對一次性消費的反抗。猶如一件精心製作的服裝一樣，書本同樣是一種經過深思熟慮、為流芳百世而存在的創作。」

Reference Library
日期： 2026年4月20日（星期一）至4月24日（星期五）
地址： Via Luca Beltrami 5, Milan
開放時間： 上午11時至下午5時
預約連結請點此
預覽地點：JIL SANDER 專門店（Via Verri 5, Milan）