世界級藝術家：天野喜孝大師 Yoshitaka Amano

「一旦生活安逸，人的創造力便會枯竭。」Yoshitaka Amano

天野喜孝 ( Yoshitaka Amano ) ，世界級藝術家，跨舞台設計、服裝設計、插畫、繪本、彩繪玻璃、電影美術、電玩美術、動畫美術等界域。十四歲那年，他為見朋友上訪東京，帶著自己的作品參觀傳奇動畫公司「龍之子」，於是在 1967 年加入龍之子公司，參與「科學小飛俠」等成為世界人們共同童年回憶的經典動畫。離開龍之子創立「天」( Tan’s Production ) 製作公司後，插畫創作不斷，一直到 1987 年 負責「 最終幻想 ( Final Fantasy ) 」，在全世界造成風潮，「 Yoshitaka Amano 」正式在世界舞台亮相。直到今日，歷代最終幻想美術設計依然由天野大師負責。

「 我會先把整個故事讀一遍，然後按頭腦中閃現出來的畫面畫。我畫的是我頭腦中形成的景象。」Yoshitaka Amano

除了成為世界現象的「最終幻想」、「科學小飛俠」，天野大師為菊地秀行「吸血鬼獵人D」、夢枕貘「幻獸少年」、栗本勳「豹頭王傳說」、田中芳樹「創龍傳」、「亞爾斯蘭戰記」等知名小說畫的插畫作品，亦被人們奉為經典。

「 雖說如此，畫畫依然是一件純粹的事，100 年前，沒有動畫電影，也沒有遊戲，人們還是可以創作，可以畫畫。」Yoshitaka Amano

2016 年 CAFA game 論壇上，天野大師建議年輕人不要拘泥於創作的形式，最重要的是自我表述。在這點上大師自己執行得淋漓盡致。正當人們將天野喜孝定位為「插畫師」、「人物設定師」時，他的觸角早已伸到其他領域。

電影服裝設計如 < 陰陽師 > ; 電影概念設計如 < 畫皮2 >  ; 舞台劇背景及服裝設計如 日本舞台劇 <楊貴妃>、日本「寶塚」< Bluestoking Lady >、與歌舞伎泰斗「坂東玉三郎」合作等 ; 時尚領域合作對象如 Dior Homme、De Beers 等 ; 動畫如 < 天使之卵 >：此為與另一位同為「龍之子」出身的大師「押井守」合作的動畫 ，闡述天野大師自身的想法，讓全世界粉絲著迷又疑惑。而 改編自天野大師的繪本 < 蔬菜妖精 > 的 3D 動畫，可愛的風格讓人認不出出自天野大師筆下。另外 < 鳥之歌 >、< DEVA ZAN > 等動畫皆表達出大師不同的面相。

請問您使用什麼媒材感到最舒服？「水彩和單色印度墨水。」Yoshitaka Amano

天野大師在其他領域如石版畫、彩繪玻璃、鋁板噴漆創作 等領域亦佳績不斷。其中普普藝術風格的鋁板噴漆創作，在台灣的 MOMA 展出過，那時筆者初次見到大師以普普風創作，以為自己走錯展場。而石版畫亦在美國紐約有過個展。天野大師甚至和日本巨星級偶像 「Hyde」合作舉辦展覽。

「平時，我每天工作八到十個小時，並沒有固定的假期。只是在新年和夏季的盂蘭盆會有兩天的休息，這已經很奢侈了。我的業餘愛好？看電影或聽音樂，而這也是我工作的一部份，所以我的業餘愛好也是工作。」Yoshitaka Amano

天野大師 1952 年出生，十五年左右之後便踏進「龍之子」，這家產出天野喜孝、押井守、大河原邦男、高田明美、真下耕一以及西久保利彦 等日後知名大腕的傳奇公司。1983 ~ 1986 年，連四年得到「星雲賞」藝術部門大獎，1987 年以「最終幻想」世界知名，又為知名小說留下經典之作。似乎，大師沒有一刻是閒暇的。

天野大師很少詳談關於「最終幻想」的一切，「我還做了很多事。」他說。

大師一生至今所做都如他自己所說的，不受限、不拘泥、舒己意，創作再多樣，都來自同一顆種子。或許在工業革命後，分工越來越細的世界，應該要記得，發散的枝枒，相聚於根。

如大師所說，重要的是「意」，而不是形式。

Text、Photo / FLiPER

「設計不要做得太滿，留下一點空間，作品才有張力，也才能呼吸。」近乎將半生時光傾注於「花」的形色之間，被譽為花藝教父的朱永安，三十年來從精緻的花藝創作逐步跨越至抽象植物藝術裝置。談及貫穿創作歲月的美學核心，他借用時裝大師山本耀司的哲思——當設計抵達 98 分的臨界時，便該懂得適度留白。這份對殘缺與未完的克制，成為他「減法美學」的養分，在繁複的自然語彙中，精準捏塑出植物與空間對話的生命力。

懂得留白的創作哲思

從花藝競賽起家，朱永安曾前往德國、瑞士旅居進修習藝，也在日韓、法國、新加波等地進行展演與教學，在經歷了東、西方花藝美學文化洗禮，伴隨著審美觀點的演進，今日的他，已愈來愈少追求繁複技巧，而是讓植物本身的自然姿態成為創作語言，透過抽象的方式重新解構花朵、枝葉、樹皮、樹根與藤蔓等材料，將花藝創作更藝術化詮釋。

在創作裡，他特別在意「比例」與「留白」：前者是看得見的視覺美學，後者則是需要身體與心去感受的餘裕。對他而言，真正成熟的美，往往來自知道什麼可以留下，又知道什麼時候應該停下來。對於如此創作哲思，朱永安分享道：「留白會讓設計更有力，懂得留白的設計師也展現出游刃有餘的信心，因為他知道『夠了』。」

以有機線條軟化空間，成就衛浴裸設計

不只是減法美學，植物的榮美與枯萎，也給了朱永安對於生命的所感，以及師法自然的創作本質。「現代建築經常由大量直線、硬質材質構成，儘管擁有華麗建材與尺度，仍可能顯得冰冷」，朱永安選擇以有機的植物線條、枝葉花朵等自然素材介入其中化解，透過僅僅一個物件的改變，就使得讓空間重新與自然產生連結。氣流吹過時，植物裝置甚至會隨之產生變化，讓風的吹拂被看見了，空間的調性因此變得有溫度。

這樣的觀察也讓他重新定義生活物件存在的意義。「浴室是一個人獨處很重要的空間，我有許多靈感也誕生於在衛浴獨處時。」就如 TOTO NEOREST 系列中的 NX 馬桶，獨特的視覺綜合了曲線與流線，以及恰如其分的造型比例，讓衛浴空間一改專注於機能的調性，得以散發溫潤如同玉一般的典雅氣息，成為能夠安心與肌膚接觸的絕佳「裸設計」範例，也貫徹著朱永安「少即是多」的減法美學。

此外，TOTO NEOREST NX 頂級的陶瓷工藝更搭配自動化科技，減少日常操作負擔，涵蓋智能輔助的自動清潔、光觸媒技術分解污垢等，實用的功能性讓使用體驗極致昇華，讓人得以在衛浴裡更加自在地放鬆，留給身心餘裕，亦再次呼應了減法美學的核心。

將藝術與自然寫入衛浴生活

朱永安也大膽以抽象性轉化的創作手法，將衛浴加入與自然連結的想像，「或許浴缸就是野溪裡的一塊大石頭，浴室彷彿是隱蔽的山林瀑布，透過與自然情境的塑造，以及設備的挑選，衛浴便再也不是我們認知中的空間。」他以 TOTO 絢彩系列的臉盆舉例，令人驚艷的四季色彩臉盆，跳脫過往大眾對於衛浴設備印象，不只能夠隨空間設計風格挑選、自由玩轉衛浴色彩，朱永安更認為，這是一種人們透過追求自然元素找到心靈療癒的體現，也印證了其創作路上對自然的嚮往。面對的不規則臉盆形體、霧面呈現，搭配髮絲質地紋理的龍頭， 他也類比「自然界裡沒有一塊石頭是平整的，也不是每一塊都光滑亮麗，看到這些的產品出現，對我來說是藝術與自然置入生活的絕佳寫照。」此外，不只透過設備造型貼近自然，TOTO 的 G 系列控溫淋浴組也透過七大水流模式功能，為頭皮、肌膚與肌肉帶來各式按摩觸感，讓人不知不覺卸下壓力，回歸心靈的平靜，寫下舒緩身心的新定義。

當色彩與形體不再只是裝飾，而能成為生活中對於自然表情的優雅轉譯，衛浴空間便因此有了蓬勃生氣的想像與串連，也透過便利的自動化機能創造生活更多的「留白」。從朱永安的觀點來看，或許改變的只是一個細節，但被重新照顧到的卻是每天與空間相處的身心感受，這樣的調整，恰好延續了他創作的哲思：設計不必填滿，只要從真正重要的細節著手，讓其發揮地恰到好處，就已是最好。而留白下來的，是讓人深呼吸的餘裕。

若近期正計畫為衛浴空間帶來一些改變，不妨可走進全新改裝的 TOTO 台北品牌旗艦館，從設計美學到產品細節，親身感受科技與工藝如何融入日常，為生活創造更多舒適與從容的餘裕。點此預約專人導覽

Text｜Diane Tang

Photo｜探索星球Go Explore Planet / Jun

設計離生活究竟有多近？一件每天使用的物品、一套容易辨識的視覺，甚至人們停留與行走的公共空間，都藏著設計者對問題的觀察。2026臺北設計獎把來自不同文化背景的創意提案帶進松山文創園區，邀請人們換個角度，重新閱讀熟悉的日常。

今年，來自64個國家及地區的4,620件作品匯聚臺北設計獎，最終選出139件國際競賽入圍作品，以及15件臺北城市設計選拔作品。不同文化背景、不同尺度的創意在此交會，也回到設計最根本的起點：如何理解人的需求，回應生活與環境正在發生的變化。適逢雙十連假，10月9日至11日，臺北設計獎以「設計．不設限 Empower Design, Beyond Limits」為核心價值，將這股創意能量帶進松山文創園區。除了作品本身，創作者也將分享一路走來的思考與實踐，市民則透過展覽、交流與體驗，找到接近設計的不同入口。

設計的尺度，比想像更大

走進台灣設計館03、04兩館，工業設計、公共空間設計、視覺傳達設計與臺北城市設計選拔入圍作品，將在雙十連假10月9日至11日集中亮相。類別不同，關注的尺度也隨之改變，從貼近身體與使用經驗的產品，延伸至訊息傳遞、公共環境與城市生活，幾個領域放在一起，恰好看見設計如何穿梭於不同尺度：日常細節值得重新檢視，熟悉的環境也可能找到新的解法。真正值得看的，未必只是形式上的新意，更在於創作者面對現實需求時，提出了什麼選擇。展場裡並列的作品，最終指向同一件事—生活還有哪些地方，值得設計再往前一步。

永續從一份酸菜說起

永續談了很多年，真正困難的始終是如何做得具體。10月11日「臺北設計×生活」主題分享會，兩位入圍設計師帶來截然不同的實踐方式。酷麥設計鄭啟宏以「辣點酸菜」回望花蓮土地與傳統醃製文化，將發酵的時間與地方風土，轉化為綠色橢圓的山形意象、紅色燙金圓點，以及呈現發酵過程的層疊結構，使熟悉的食物有了新的視覺語言。曾裕屏則把目光轉向鳳梨葉纖維，為農業剩餘資源尋找新的用途。材料經過轉換，還得顧及舒適度、機能、既有製造流程與量產可行性，才能真正成為人們願意穿上的產品。兩個案例切入的方向不同，卻都碰觸到永續最實際的一面：地方文化如何延續、剩餘材料如何再次被使用，最終都必須經得起真實生活的考驗。

用一杯咖啡的時間認識設計

看展不一定得一路走到底，臺北設計獎也替三天展期留了一點輕鬆的節奏。展區入口設置「臺北設計獎咖啡館」，預計送出2,000杯咖啡；找到展區裡的新品牌元素拍照存證，或說出「臺北設計獎．設計．不設限」，就能到服務台兌換。尋找線索的過程，也多了一份逛展的趣味。

另外，逛展的樂趣也不只停在作品前！10月9日至10日，現場將透過歷年徵件影片與有獎問答，帶觀眾認識臺北設計獎一路累積的創意軌跡；展場照片也能延伸成另一種參與，依指定方式上傳至「臺北設計獎TDA」Facebook粉絲專頁，就有機會把iPad mini、Apple Watch Series 11、AirPods 4等獎項帶回家。少了一點競賽的距離，多了一些可以親自加入的趣味，人們或許為作品而來，也可能因一杯咖啡走進來，在松菸度過一段與設計相遇的午後。

_{撰文 | 邵瀠萱 圖片提供 | 臺北市政府產業發展局}