在「超機制化（Hyperinstitutionalization）」的狀況下，形式特色變成了美學的保證，即使這些特色不見得與現實生活有關聯。那些不明白形式特色、未受文化薰陶的人缺少這類符碼，因此被看作（甚至也可能自認如此）是無知愚昧或感覺遲鈍的。

超機制化Hyperinstitutionalization

英國社會學家保羅．威利斯在介紹象徵創造力（symbolic creativity）這個概念時，引用了英國一般家庭民調的統計數字。儘管大力推廣民眾積極參與傳統藝術活動，但是最近一份有關人民福祉的民調依然顯示，年輕人把個人的非正式文化舉措看得比任何形式的「官方」文化還重要。那些可以幫助年輕人形塑自我認同的活動，包括了新科技、手機、iPod、社群網站、實境節目、名人八卦、選擇對的衣服、鞋子、化妝品以及髮型等等，全都名列前茅。這支持了威利斯的說法：目前，高端藝術的各種流派是由公共機構所建立的，與年輕人以及他們的生活沒有任何實質關聯。他主張，人們普遍認為藝廊裡的藝術比較特別、高等，也肯定與日常生活無關，而藝術掌權階層也沒有想減緩這樣的信念。

他認為，這些高端藝術機構事實上是在宣揚一種對文化腐敗的恐懼感，以強化自己得到補助和特殊待遇的權利。威利斯反對這種做法，認為日常生活、平時的活動與表現中，處處具有活力十足的象徵和活躍的象徵創造力。他指出，年輕人的生命雖然和藝術沒有關聯，但其實充滿各種表現、符號與象徵：

「年輕人會使用許多方式裝飾自己的日常生活空間和社會實踐，使之充滿人性與意義：像是個人的穿著風格與選擇；音樂、電視和雜誌的選擇與活用；戀愛的方式和次文化風格；朋友之間的相處風格、嘻笑與小題大做；音樂製作和舞蹈。」

高端藝術傾向和這些事物保持距離，堅持要先受過相關教育，因此導致藝術和生活脈絡完全脫節。這便造成威利斯所說的超機制化現象，而在這樣的狀況下，形式特色變成了美學的保證，即使這些特色不見得與現實生活有關聯。那些不明白形式特色、未受文化薰陶的人缺少這類符碼，因此被看作（甚至也可能自認如此）是無知愚昧或感覺遲鈍的。

關於尚未被機制化的文化

玩樂和身分認同Play and Identity

威利斯的定義跟英國1920和1930年代的激進傳統是不一樣的，後者遵循的是威廉．莫里斯（William Morris）等人的想法，以下面的數學等式來強調勞動的崇高地位：藝術＝工作／快感。因此，工作是必要的，是人類應用工具把原始素材變成商品或服務的能力（這種勞動通常會支薪）。然而，威利斯注意到，在機械化的現代產業裡，要在有支薪的工作中找到藝術是不可能的。他舉了一個極端的例子：根據某研究，英國工廠工人開車上班途中有象徵性生產的機會，比工作時還多。工作場合沒有機會讓人進行這種必要存在的象徵勞動，因此玩樂便成了個人表現的重要途徑。

在象徵活動中，非正規的場合較正規場合提供人們更多自由和選擇權，也漸漸成為必要的象徵勞動出現之處。威利斯說，從休閒娛樂產業快速成長這一點就能看出，玩樂愈來愈重要了；針對這個現象意見分歧，有人認為商業地位會貶低文化貨幣（cultural currency.）的價值，有人則不這麼想。

「對許多年輕人而言，是關乎文化存活的大事。」

這是我們每一個人生產及再生產自我身分認同的方式，塑造此刻的自己和可能成為的自己。這些身分置於某個時間與空間下，而我們在不同族群中（如種族、性別、年齡以及宗教信仰）的資格定位也因此確立。

威利斯認為，象徵創造力本質上是活力、情感、興奮以及精神流動。他相信這是自信的基礎。解釋完象徵創造力，以及它發生的必要條件後，威利斯接著舉了一些象徵創造力的生產實例。他認為，這是我們每一個人生產及再生產自我身分認同的方式，塑造此刻的自己和可能成為的自己。這些身分置於某個時間與空間下，而我們在不同族群中（如種族、性別、年齡以及宗教信仰）的資格定位也因此確立。象徵創造力讓我們相信，我們可以改變這個世界，並且在世上留下自己的痕跡。威利斯認為，這些創造活動帶有過渡性質，因為我們總是不斷實驗不同的方式來表現我們的身分認同，並且擁有自己的文化感知，例如，我們知道何種髮型、語言或音樂對我們產生的效益最大。

威利斯十分強調象徵性生產的這個面向。他說，年輕人容易感到被邊緣化，是因為社會藉由制度、廣告、雜誌和電視等，建構出一種對年輕人的期許，但是年輕人卻發現，社會期許他們成為的模樣和實際上的差別甚大。英國一項關於足球流氓的研究同樣指出，被邊緣化的少年對抗既有的觀念、定義自己的身分認同的必要性。

本文內容出自La Vie麥浩斯出版書籍《看得見的符號》，更多精彩內容請參閱《看得見的符號：154個設計藝術案例 理解符號學基本知識》。

不是所有英雄都披著披風。在台灣，有支隸屬於空軍的「海鷗救護隊」在全台各地面臨重大災難時總是挺身而出，從九二一地震到八八風災等災難現場，都有他們奮力救援的身影。

「海鷗救護隊」的故事即將透過《逆風行動 Seagull 7026》影集與電影計畫面向大眾，本作由張永昌（肯特）導演執導，集結《角頭》鄭人碩、《一把青》連俞涵及《聽海湧》黃冠智等實力派演員，融合真實救援事件、極限災難場景與專業職人精神，詮釋海鷗部隊前往災區執行任務的英勇故事。

台灣重大災難救援現場，海鷗部隊不缺席

《逆風行動 Seagull 7026》是台灣首部以空中救護為題的影視計畫，由肯特動畫、夢想動畫、阿榮影業共同出品。本作改編自明毓屏於2014年出版的著作《海鷗 7026》，這本奠基於實地採訪的小說作品，以海鷗救護隊近十年的重大救難任務為軸，鋪排出救護隊員面臨災難的心境，並刻畫人類與大自然對抗的頑強精神。為了如實描繪事件真貌，作者多次走訪海鷗部隊位於嘉義的基地，與現役及退役海鷗隊員對談，最終決定以1999九二一震災、2000八掌溪事件及2009八八風災為核心展開敘事。如今故事自書頁躍上螢幕，將以震撼視覺呈現於觀眾眼前。

突破台劇製作規格，虛擬棚還原災難場景

談及將《海鷗 7026》影像化的起心動念，導演肯德透露因自己曾經歷九二一大地震，當時海鷗救護隊在極其艱難的環境下執行救援任務，他始終心懷感激和敬意；數年前讀到小說，被書中故事深深打動，拍攝《逆風行動 Seagull 7026》的想法自那時起便在心中萌芽。然而，要還原空中救援現場，無論場景搭建或拍攝設備都需大筆資金，加上若要前進山區拍攝，還需考量劇組人員安全及天候等因素，拍攝想法要付諸實行並不容易。

所幸近年LED棚技術迅速發展，《逆風行動 Seagull 7026》拍攝計畫終於在2024年底正式啟動。製作團隊與阿榮片廠、夢想動畫攜手，在虛擬攝影棚內將實景導入180° LED平面雙端弧形螢幕當中，讓演員如身臨其境，彷彿在山川之間拍攝。劇組也首次引進六軸平衡台，其不僅具備擬真的震動機制，還能乘載約2噸的重量，得以支撐拍攝用的直升機機艙，及演員在平台上移動的負重，既確保拍攝過程的安全性，也為畫面更添真實感。

鄭人碩、連俞涵等主演談拍攝幕後

作為災難救援片，《逆風行動 Seagull 7026》十分考驗特效團隊的功力，導演肯特本就專精於動畫特效，此番聯手夢想動畫歷經4個月的後製細心雕琢，才完成前導片中的震撼視覺。為紀念九二一震災，前導片特別選在9/21當日發布，演員們也分享拍攝過程中的感觸。

近年以《角頭》系列電影再創事業高峰的鄭人碩，在《逆風行動 Seagull 7026》中飾演一名因故被迫轉調到海鷗救護隊的戰鬥機飛行員，外表看似勇猛無懼，實則內心充滿矛盾。拍攝前，鄭人碩反覆觀看空拍影像，嘗試理解飛行員所見的高空視野，田調時除了向飛官們學習機械操作，也針對執行任務時心境與情緒的變化有所交流。真以飛行員身份上戲後，鄭人碩深感痛苦：「因為黑鷹直升機只有我（駕駛）在開，想要幫忙隊員卻不能做，但救難過程中所有情緒都必須收起，就像是啞巴吃黃連。」

在《一把青》飾演朱青一角，以精湛演技備受矚目的連俞涵，這次再度參演空軍主題作品，卸下軍眷身份，轉而飾演空軍作戰指揮部中校管制長。主角陣容還有今年以《聽海湧》及《人生清理員》雙料入圍金鐘獎男主角、男配角的新生代演員黃冠智，他在片中飾演一名在現實與夢想間拉扯的直升機副駕駛，肩負軍官家庭寄予的厚望，卻無心從軍、甚至排斥飛行，只想追求內心所願回歸創作；今年有《角頭—鬥陣欸》電影作品上映的是元介，在片中則飾演一名想離開部落、展開新生活的原住民，本身也是排灣族原住民的他，對角色頗有感觸。

演員們也分享許多有趣的拍攝幕後，是元介對1:1的直升機機艙印象深刻：「光是看到就很震撼，雖然在棚內拍攝，但也不輕鬆，記得一場戲抱傷患跳上直升機，本以為自己體力還不錯，沒想到3趟之後，我發現我手在抖、腳超酸，隔天躺了半天。但看到海報和前導片釋出後，感覺一切都值得了。」連俞涵則被虛擬棚呈現出的視覺效果震撼：「看了前導片真的覺得虛擬棚超真實，雖然大家分開拍攝，但一起在其中進入這個《逆風行動》，真的太熱血了！」

行動的下一步

《逆風行動 Seagull 7026》獲文化部虛擬拍攝計畫補助，並在中華文化總會、國防部與空軍救護隊的支持和協助下，順利完成前導片拍攝。目前製作團隊正籌備後續影集和電影劇本開發，募資也同步進行中，未來將透過虛擬攝影棚技術實現更多震撼場景，如高空懸吊、暴風駕駛、夜間海上搜索等，將台灣影視製作規格推向新高度。

以Neo-Soul、R&B融合民謠的細膩風格聞名，LINION讓華語音樂多了靈魂的Chill氛圍。他不僅經常在社群上分享烹飪美食，私底下還是不折不扣的嗜甜男子。專訪當天，我們一起前往他的私藏愛店，他說：「創作、生活、甜點，都在提醒我，別忘了找到讓自己舒服的方式。」或許，這就是他想帶給聽眾的，最真實也最持久的能量。

最新創作專輯《自己自己 mi casa su casa》中有一首(原來我自作多情》，LINION 從男性視角出發，以 R&B／Neo-Soul 的絲滑律動為基底，氛圍浪漫卻帶點複雜心緒，像甜點帶來的微妙滋味，餘韻悠長。

甜點記憶——從日常開始的喜歡

LINION 從小就與甜點有著緊密連結，母親愛吃麵包與甜食，家裡常常有奶酪、蛋糕，逛百貨公司時更是少不了帶些點心回家。這些隨手可得的甜點成為日常的一部分，形塑一種不需刻意追求卻能自然獲得的快樂，這種「遇見了就好好享受！」的態度，也悄悄影響了他看待創作的方式。

理想生活場景：一間海邊甜點店

聊到夢想中的甜點店，LINION的腦海浮現出一個濱海、靠近潛點的木質空間，圓弧桌腳、暖黃色的燈光，開放式廚房讓人像走進朋友家一樣自在。菜單上不會有繁複花樣，只有布丁、香蕉蛋糕、冰淇淋這些簡單卻經典的品項。店裡放著依天氣而定的音樂，下雨天是柔和的Neo-Soul，晴天則可能是帶點慵懶的R&B。「而且一定要寵物優先。」孩子也有專屬的遊戲與隔音空間。那是一個屬於LINION的烏托邦——生活與音樂都融入其中的溫暖場域。

細膩層次＋完美平衡＝美好生活

LINION對甜點有一套獨到的偏執與標準，如：提拉米蘇要酒香與苦韻並存，「好的提拉米蘇應該像被一層油脂感包覆，圓潤、滑順在口中延展開來，不能過酸」；布丁應綿密、入口即化，不能像果凍般Q彈；香蕉蛋糕的話，他偏愛鬆軟帶點濕潤的口感，香氣濃厚，入口有點黏稠卻不膩，「最好能帶著微微的溫熱，蛋糕體太乾的會像肉鬆，那種不行！」冰淇淋他則鍾情焦糖、開心果口味，會特地去尋找小店，目前最喜歡的是Old Bridge義式冰淇淋。

低潮後的苦與甜——學會「獨處」和「誠實」

第一張專輯帶著陰鬱氛圍，後來的作品則逐漸展現更多輕盈與自在，他說當「一定要寫出一首歌」的焦慮來襲，創作會變得痛苦。坦言自己過去曾陷入撞牆期，生活狀態混亂，連運動也無法帶來快樂，對音樂的熱情一度變成沉重壓力。「那時候很像被社會毒打，撞得滿身傷痕，才慢慢理解創作不能只靠蠻力突破，很多你以為是對的方法，只是把你榨乾。」真正幫助他走出來的，是時間、運動，以及自我和解。他允許自己停下來，去潛水、去跑步、去旅行，慢慢重新描繪生活的樣貌。「我希望LINION這個名字可以走得很久。」他開始嘗試早起和規律作息，更懂得在創作裡尋找節奏，學會用自律、耐心和自我照顧支撐長遠的音樂旅程。

尋找屬於自己的純粹節奏

LINION認為創意不是坐下來硬擠，而是在生活中慢慢積累，「靈感像冰山，浮出水面的——小塊背後，是很長的醞釀。」除了發呆、走路，他近年也開始投入潛水，甚至準備鐵人三項。這些都是創作過程的一部分。新專輯《自己自己 mi casa su casa》，靈感來自蘭嶼朋友隨口的一句熱情招呼——「小梨，自己自己！（你來啦，當自己家的意思）」在那樣的氛圍裡，他感受到一種真正的放鬆與自在，成為專輯的核心精神：「就是讓自己舒服。」這句話看似簡單，卻在城市裡顯得難能可貴。這張專輯不再追求「被理解」，而是營造一個空間，讓聽眾能自由進出。「你不需要一定要聽懂或喜歡，舒服就好。」正如他對甜點的品味，不必複雜，只要純粹而真實，就能帶來滿足。

LINION

來自於淡水，被歌迷暱稱為「梨農」，新生代節奏藍調（R&B）唱作人，以貝斯為主奏樂器，風格融合 Neo-Soul、R&B，音樂親民且帶著都會的豐富情感。自美國洛杉磯的Musician Institute（MI）音樂學院畢業後，於2018年發行首張專輯《Me In Dat Blue》，後陸續推出《Leisurely》、《HIDEOUT》，2025年推出最新創作專輯《自己自己 mi casa su casa》，將於10月在華山Legacy 舉辦專輯同名演唱會。

_{文｜張瑋涵　攝影｜林科呈}

_{Hair｜Roy Yan（mindgame）Make Up｜ChunHua Huang　場地協力｜權泉珈琲KWON SAEM COFFEE、秋波名曲珈琲}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/9月號《開一家甜點店》