奧塞美術館30週年大展就在故宮，你不能錯過的瘋狂藝術大師—梵谷與他的名畫故事！

梵谷一生鬱鬱不得志，直到死後，才逐漸成為藝術史上的一代大師。帶你來看這位後印象藝術大師的生平故事，與他創作生涯中最值得一探的名畫秘辛。

才氣洋溢卻一生不得志、個性中帶著極端的愛與瘋狂，這就是著名後印象派畫家—文生・梵谷（Vincent Willem van Gogh，1853-1890）的生命寫照。

1853年，出生於荷蘭的梵谷，其實在成為畫家之前，曾經做過不同的工作，好比被伯父帶進歐洲最大藝術品交易公司上班、憑藉著高度的宗教狂熱向採礦工人傳教等等。從27歲開始，梵谷全心投入藝術創作，到37歲舉槍自盡之間，這短短十年時光，梵谷的生活可說是窮困潦倒，雖然他的叔伯輩在歐洲經營畫店、在市場取得良好聲譽，但個性倔強的梵谷卻與他們相處不來，這也進而導致梵谷活著的時候未能靠著繪畫獲得財富，除了偶爾賣出幾張素描外，生前僅售出過一幅油畫，而弟弟西奧（Theodore Van Gogh），便成為他最重要的經濟支柱來源。

看看這些文森・梵谷名畫背後的小故事，讓你下次與名畫相遇時，除了觀賞藝術之美外，也能走進畫裡的故事，和畫作人物一同悲喜。

《吃馬鈴薯的人》
創作年代：1885年
現藏位置：荷蘭梵谷博物館
這是梵谷心中最滿意的作品，也是他第一張展露繪畫才氣的創作，他用扭曲的線條、昏黃的色調傳遞出貧困農民生活。「我想傳達的觀點，是藉著油燈的光線，展現平民用工作的雙手，從盤內抓起馬鈴薯的畫面—他們誠實地自食其力。」梵谷說。雖然後人不斷傳頌說到，《吃馬鈴薯的人》傳遞出梵谷對人類、對土地的熱愛，但創作這幅畫的梵谷已經32歲，在老大不小的年紀過著藝術家的荒誕生活，讓長輩頗有微詞。

《在阿爾的臥室》
創作年代：1888年
現藏位置：荷蘭梵谷博物館
梵谷一共繪製了三幅《在阿爾的臥室》繪畫，創作時間落在1888～1889年，是他居住在法國普羅旺斯的阿爾時期，所繪製出來的系列畫作。有意思的是，去年美國芝加哥藝術學院博物館為了慶祝梵谷大展，在 Airbnb 推出「梵谷臥房」房型，內部色調與裝潢完全按照《在阿爾的臥室》來興建，一推出就引起媒體注目、旅客搶訂風潮，一晚僅要十美金票價；不過這房型目前已停止預定，沒有住過的梵谷迷就看看網路上的照片過癮一下吧。

《向日葵》系列
創作年代：1888~1889年
現藏位置：荷蘭梵谷博物館、英國倫敦國家畫廊、德國慕尼黑新美術館等
為了尋找心中的陽光，梵谷在1888年，從巴黎出發抵達法國南方的阿爾勒小鎮，畫出一系列的《向日葵》靜物油畫，當中有兩幅畫有15朵向日葵、一幅畫有14朵，而另外兩幅繪有12朵。隨著《向日葵》在國際藝術拍賣會上屢創佳績，它也成為梵谷的標誌創作，最著名的《花瓶裡的十五朵向日葵》，如今收藏於荷蘭梵谷博物館中。

《割掉耳朵後的自畫像》
創作年代：1889年
現藏位置：倫敦考陶爾德美術館
畫面中的梵谷，被繃帶包覆著耳朵，頭上戴著藍色的毛邊帽，身上穿著綠色外套，他的眼神凝視著畫面之外，蒼白而靜謐的神情，成為他最具代表性的自畫像。後人普遍相信，這幅畫的背景起因於，1888年12月聖誕節前夕，梵谷與同為畫家的好友保羅・高更（Eugène Henri Paul Gauguin）在一次劇烈爭吵後，高更憤而離去，沒想到梵谷因為情緒過分激動導致精神失常，在12月23日晚上揮著剃刀割下自己的耳朵，這一刀，也寫下近代藝術史上最著名的故事。

《星夜》
創作年代：1890年
現藏位置：紐約現代美術館
「Starry starry night，Paint your palette blue and gray⋯」這首由美國民謠詩人唐・麥克林（Don McLean）撰寫的動人歌曲〈文森特（Vincent）〉，除了獻給藝術家梵谷之外，在歌曲開頭也把名畫《星夜》給寫進其中。雖然這幅畫與歌曲展現出來的魅力無比魔幻，然而《星夜》的創作背景，卻可說是梵谷生命裡最低潮的一段時光⋯。
 

歷經與畫家高更的劇烈爭吵、割下自己的耳朵、用手帕包起送給一名妓女⋯，梵谷一連串的失控行為，終於讓他在1889年5月8日自願前往位於阿爾勒聖雷米精神病院進行治療，在那裡度過了漫長的108天。

《星夜》正是那時期創作出來的代表畫作，從畫面上來看，當時藏在梵谷心中的深度憂鬱，透過藍色與粗重筆觸顯現，而夜空中的星體銀河更捲動成不同大小的漩渦，佔據畫作左下方的柏樹，更好像黑暗的巨型火焰不斷往上延燒，讓梵谷心中的躁動不安完整呈現。

《午睡》
創作年代：1890年
現藏位置：法國奧塞美術館
《午睡》描繪農人在田裡睡著的時光，透過梵谷的流動筆觸與鮮活色調，細膩展現溫潤的農家生活質地。值得一提的是，如果你想要親眼望見這幅畫，可以前往台北國立故宮博物院的《印象・左岸—奧塞美術館30週年大展》，這幅大作不僅首度來台，更是本次展覽一大亮點。

 

圖片來源／Van Gogh Museum、wikipedia.org

※本文由Marie Claire美麗佳人，未經授權，請勿轉載

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23