奧塞美術館30週年大展就在故宮,你不能錯過的瘋狂藝術大師—梵谷與他的名畫故事!

瘋狂藝術大師—文森・梵谷(Vincent Van Gogh)與他的名畫故事

梵谷一生鬱鬱不得志,直到死後,才逐漸成為藝術史上的一代大師。帶你來看這位後印象藝術大師的生平故事,與他創作生涯中最值得一探的名畫秘辛。

 

才氣洋溢卻一生不得志、個性中帶著極端的愛與瘋狂,這就是著名後印象派畫家—文生・梵谷(Vincent Willem van Gogh,1853-1890)的生命寫照。


1853年,出生於荷蘭的梵谷,其實在成為畫家之前,曾經做過不同的工作,好比被伯父帶進歐洲最大藝術品交易公司上班、憑藉著高度的宗教狂熱向採礦工人傳教等等。從27歲開始,梵谷全心投入藝術創作,到37歲舉槍自盡之間,這短短十年時光,梵谷的生活可說是窮困潦倒,雖然他的叔伯輩在歐洲經營畫店、在市場取得良好聲譽,但個性倔強的梵谷卻與他們相處不來,這也進而導致梵谷活著的時候未能靠著繪畫獲得財富,除了偶爾賣出幾張素描外,生前僅售出過一幅油畫,而弟弟西奧(Theodore Van Gogh),便成為他最重要的經濟支柱來源。

 

看看這些文森・梵谷名畫背後的小故事,讓你下次與名畫相遇時,除了觀賞藝術之美外,也能走進畫裡的故事,和畫作人物一同悲喜。

 

《吃馬鈴薯的人》
創作年代:1885年
現藏位置:荷蘭梵谷博物館
這是梵谷心中最滿意的作品,也是他第一張展露繪畫才氣的創作,他用扭曲的線條、昏黃的色調傳遞出貧困農民生活。「我想傳達的觀點,是藉著油燈的光線,展現平民用工作的雙手,從盤內抓起馬鈴薯的畫面—他們誠實地自食其力。」梵谷說。雖然後人不斷傳頌說到,《吃馬鈴薯的人》傳遞出梵谷對人類、對土地的熱愛,但創作這幅畫的梵谷已經32歲,在老大不小的年紀過著藝術家的荒誕生活,讓長輩頗有微詞。

 

《在阿爾的臥室》
創作年代:1888年
現藏位置:荷蘭梵谷博物館
梵谷一共繪製了三幅《在阿爾的臥室》繪畫,創作時間落在1888~1889年,是他居住在法國普羅旺斯的阿爾時期,所繪製出來的系列畫作。有意思的是,去年美國芝加哥藝術學院博物館為了慶祝梵谷大展,在 Airbnb 推出「梵谷臥房」房型,內部色調與裝潢完全按照《在阿爾的臥室》來興建,一推出就引起媒體注目、旅客搶訂風潮,一晚僅要十美金票價;不過這房型目前已停止預定,沒有住過的梵谷迷就看看網路上的照片過癮一下吧。

 

《向日葵》系列
創作年代:1888~1889年
現藏位置:荷蘭梵谷博物館、英國倫敦國家畫廊、德國慕尼黑新美術館等
為了尋找心中的陽光,梵谷在1888年,從巴黎出發抵達法國南方的阿爾勒小鎮,畫出一系列的《向日葵》靜物油畫,當中有兩幅畫有15朵向日葵、一幅畫有14朵,而另外兩幅繪有12朵。隨著《向日葵》在國際藝術拍賣會上屢創佳績,它也成為梵谷的標誌創作,最著名的《花瓶裡的十五朵向日葵》,如今收藏於荷蘭梵谷博物館中。


《割掉耳朵後的自畫像》
創作年代:1889年
現藏位置:倫敦考陶爾德美術館
畫面中的梵谷,被繃帶包覆著耳朵,頭上戴著藍色的毛邊帽,身上穿著綠色外套,他的眼神凝視著畫面之外,蒼白而靜謐的神情,成為他最具代表性的自畫像。後人普遍相信,這幅畫的背景起因於,1888年12月聖誕節前夕,梵谷與同為畫家的好友保羅・高更(Eugène Henri Paul Gauguin)在一次劇烈爭吵後,高更憤而離去,沒想到梵谷因為情緒過分激動導致精神失常,在12月23日晚上揮著剃刀割下自己的耳朵,這一刀,也寫下近代藝術史上最著名的故事。

 

《星夜》
創作年代:1890年
現藏位置:紐約現代美術館
「Starry starry night,Paint your palette blue and gray⋯」這首由美國民謠詩人唐・麥克林(Don McLean)撰寫的動人歌曲〈文森特(Vincent)〉,除了獻給藝術家梵谷之外,在歌曲開頭也把名畫《星夜》給寫進其中。雖然這幅畫與歌曲展現出來的魅力無比魔幻,然而《星夜》的創作背景,卻可說是梵谷生命裡最低潮的一段時光⋯。

 

歷經與畫家高更的劇烈爭吵、割下自己的耳朵、用手帕包起送給一名妓女⋯,梵谷一連串的失控行為,終於讓他在1889年5月8日自願前往位於阿爾勒聖雷米精神病院進行治療,在那裡度過了漫長的108天

 

《星夜》正是那時期創作出來的代表畫作,從畫面上來看,當時藏在梵谷心中的深度憂鬱,透過藍色與粗重筆觸顯現,而夜空中的星體銀河更捲動成不同大小的漩渦,佔據畫作左下方的柏樹,更好像黑暗的巨型火焰不斷往上延燒,讓梵谷心中的躁動不安完整呈現


《午睡》
創作年代:1890年
現藏位置:法國奧塞美術館
《午睡》描繪農人在田裡睡著的時光,透過梵谷的流動筆觸與鮮活色調,細膩展現溫潤的農家生活質地。值得一提的是,如果你想要親眼望見這幅畫,可以前往台北國立故宮博物院的《印象・左岸—奧塞美術館30週年大展》,這幅大作不僅首度來台,更是本次展覽一大亮點。

 

圖片來源/Van Gogh Museum、wikipedia.org

※本文由Marie Claire美麗佳人,未經授權,請勿轉載

專訪插畫家陳姝里:玩泥弄土,捏出一顆自由的心

(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

「對我而言,創作不會總是有很強烈的意圖。」一開口,陳姝里如此輕描淡寫,卻正好道出她在藝術創作之路上「自然而然」轉向陶藝的關鍵。過去十餘年,她穿梭在插畫與平面設計之間,也因此在插畫界中闖出一番成績。只是,日復一日,面對形形色色的客戶需求,她漸漸無法沉浸在「純創作」的心流之中。「會去捏陶,就像是一種自然轉換的過程,因為當時的我,很需要自己的空間,不僅是實體的空間,心理也是……」

創作的起點

日光穿過半掀的調光簾透進屋內,落在工作桌上散落的色紙碎片。這些看似「無用」的東西,偶然被陳姝里收了起來,並衍生出她的創作系列:《拾獲物》(found object)。

「這些色紙碎片是剪紙過程中剩餘的材料,本來應該要被丟進垃圾桶的,但我覺得這些造型不一的圖形,其實更吸引我。於是我就把喜歡的碎片變成新的創作素材,拼貼出《組合》這系列作品。」

陳姝里剪紙剩餘的色紙碎片,衍生出她後續一連串的《拾獲物》創作系列。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里剪紙剩餘的色紙碎片,衍生出她後續一連串的《拾獲物》創作系列。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

偶然出現的碎紙片,意外帶給陳姝里更純粹、單純的創造樂趣。平時面對繁雜的平面設計與插畫工作,容易使她陷入過度的計畫與目的性。然而在這些碎紙片面前,心思卻能回到最初的空白。「這些剪紙碎片構成的創作,我叫它們『小雕塑』。某一天,我突然有個想法,如果把這些平面的紙片,變成立體的作品,可以怎麼呈現?」

可以說是記憶使然,陳姝里立刻想到一種既熟悉又陌生的創作手法:陶作。原來,陳姝里的舅舅是陶藝家,小時候陳姝里在過年時會去舅舅的工作室玩陶。大學也修過一學年的陶藝課,所以捏陶對陳姝里來說並不陌生。

剩餘的色紙碎塊,被陳姝里視為寶貝,她著迷這些色紙的造型,甚至大量蒐集再將其拼貼成為一件作品。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
剩餘的色紙碎塊,被陳姝里視為寶貝,她著迷這些色紙的造型,甚至大量蒐集再將其拼貼成為一件作品。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

捏陶,也是在捏塑自己的心

捏陶看似閒適,但她苦笑說自己其實沒什麼時間可以閒下來,大部分時間被工作填得密不透風。後來有了小孩,時間又被分割得零零碎碎。「以前我可以每天工作十個小時,但自從女兒出生,人生又多了一種角色和責任。生活一直處在停不下來,不斷忙碌、擔心的狀態。」

漸漸地,她感覺快被外界的人事物塞滿,內心沒有了自己的位置⋯⋯「我喜歡創作,但成為媽媽之後,時間變得很破碎,加上疫情嚴重的那年,我24小時育兒,一天也許只有30分鐘的空檔。但我還是想創作,我需要創作。我內心知道,若再不撥一點時間給自己,我會失控。」

在這個掙扎的時刻,陳姝里接觸到陶藝,摸到陶土的那一刻,她感到一股似曾相識的感覺。「我以為自己已經忘了,但觸覺帶我回到小時候,在家門口玩泥巴,把泥土捏成球。手中握著泥球,我好滿足。而捏陶的時候,我又感受到那種純粹的快樂。」

開始創作陶藝後,陳姝里就想要將《拾獲物》中的平面造型化為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
開始創作陶藝後,陳姝里就想要將《拾獲物》中的平面造型化為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

放下執念,享受不可控

對陳姝里而言,不論是紙片創作、插畫,或是後來的雕塑、捏陶,本質都相通。她喜歡組合與拼貼,就像剪紙的碎片可以重新拼出新的造型;陶土也是如此,需要一塊一塊地塑造、連結,再進窯燒製。

然而,創作不總是順利。偶爾作品會在燒製過程中出現意想不到的變化,或是不如預期。但她並不懊惱,反而樂於接受這種「不可控的成果」。「把錯誤留給媒材」是她打破完美、走向自由的一步。

一邊說,一邊拿出一樣作品。陳姝里試著把那個作品立起來,但隨即就倒下去:「這是一個立不起來的作品,我取名為《水平》。它也是我把剪紙碎片立體化的成果,本來想把陶土實心的部分挖除,讓作品平衡站起,沒想到作品還是無法站立。由垂直站立的狀態變成只能水平擺放。似乎是要我放下執念,接受它最後的狀態。」

陳姝里在原有的工作室裡,再整理出一個專屬創作陶藝的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里在原有的工作室裡,再整理出一個專屬創作陶藝的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

她笑笑地繼續說:「所以這是一個失敗的作品嗎?我不這麼認為。或許對有些人來說,這是失敗品。但我卻因此看到,它有其他呈現方式。不只《水平》,我也有其他作品燒完後乍看不喜歡,但時間一久卻慢慢能夠欣賞它美的地方。」

陳姝里在大眾認知的「失敗」與「錯誤」中找到了另一種未曾想像的美。特別是當陶藝作品最後出窯時,會帶來無預期的驚喜或驚訝。她脈脈望著層架上的陶盤說道:「我好像也能更坦然面對生活中的不可控了呢!」

陳姝里熱愛作陶時的快樂,特別是捏塑作品造型時,她會想像自己走進作品,進入一個很純粹的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里熱愛作陶時的快樂,特別是捏塑作品造型時,她會想像自己走進作品,進入一個很純粹的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

文字 / 洪孟樊

攝影 / 林家賢

延伸閱讀

RECOMMEND

一次收集奧拉弗.埃利亞松Olafur Eliasson私藏歌單、書單10+

一次收集奧拉弗.埃利亞松Olafur Eliasson私藏靈感歌單、書單10+

Olafur Eliasson熱愛音樂。他認為音樂如同鏡子一樣映照出他的心情,承接並映照出他日常中忽視、未被滿足的情緒與需求。他也持續進修、閱讀,避免自己陷入知識的盲區——他永遠好奇還有什麼自己不知道的事物。在這裡,Olafur親身分享他私藏的歌單與書單。

➤ 延伸閱讀:深度專訪藝術家奧拉弗.埃利亞松Olafur Eliasson:世界沒有理所當然,唯有展開你的好奇心

Olafur歌單4+1:承接你的心緒

 

❶ 《In Waves》

Jamie xx|2024

睽違9年,相較前張個人專輯的繽紛,這英國電音鬼才交出的作品更顯憂鬱複雜,卻眼望舞池的純真快樂。

 

❷ 《Lahai》

Sampha|2023

生於西非獅子山裔移民家庭,英國非裔音樂人Sampha第2張專輯冠以祖父之名,揉合電子與靈魂樂,探索自己成為父親後的內省與溫暖。

 

❸ 《Enjoy the Silence》

Naima Joris|2025

這位疫情期間因社群翻唱而備受注目的比利時爵士歌手,回歸初心重新詮釋曾療癒她的歌曲。

 

❹《Go》

Jónsi|2010

這是Sigur Rós主唱Jónsi的首張個人專輯與個人的華麗冒險,夢幻假音飄盪, 在後搖與更流行的樂種間嬉玩。

 

同場加映:《I Hear You》

Peggie Gou|2024

因藝術收藏而相識,Olafur為活躍柏林的韓國DJ Peggy Gou首張完整專輯《I Hear You》設計專輯封面,她穿戴的作品便是Psychoacoustic empathy amp〉(2023);Olafur也執導單曲〈1+1=11〉MV,並將場景設定在他的柏林工作室,親自獻上一舞

 

Olafur書單×6:餵養你的靈感

 

❶ 《Is a River Alive?》

Robert Macfarlane|2025

土地是否能擁有人格權?Olafur觀察到台灣也正處理這議題,賦予河流或山脈人格權,自然界便也有了自我保護的法理基礎。

《Is a River Alive?》,Robert Macfarlane,W. W. Norton & Company,2025。(圖片來源:W. W. Norton & Company)
《Is a River Alive?》,Robert Macfarlane,W. W. Norton & Company,2025。(圖片來源:W. W. Norton & Company)

 

❷ 《Conflict Is Not Abuse》

Sarah Schulman|2016

資深酷兒運動者直面當代痛點:我們太快將不適貼上受害標籤?這部挑釁之作解構二元對立思維,呼籲重新思考責任與修復。

《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)
《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)

 

❸《山之生》

Nan Shepherd|1977(中譯版-新經典文化|2019)

手稿沉睡30年後,這位蘇格蘭女作家畢生的登山札記才問世。她以詩人之眼凝視高地荒原,成為自然書寫的經典。

《山之生》中譯版,Nan Shepherd,新經典文化,2019。(圖片來源:新經典文化)
《山之生》中譯版,Nan Shepherd,新經典文化,2019。(圖片來源:新經典文化)

 

❹ 《The Discovery of Slowness》

Sten Nadolny|1983

海軍傳奇在冰天雪地中尋找西北航道,天生行事緩慢卻屢建奇功,挑戰效率至上的現代迷思。

《The Discovery of Slowness》,Sten Nadolny,Penguin Publishing Group,1997。(圖片來源:Penguin Publishing Group)
《The Discovery of Slowness》,Sten Nadolny,Penguin Publishing Group,1997。(圖片來源:Penguin Publishing Group)

 

❺ 《心靈的傷,身體會記住》

Bessel van der Kolk|2014(中譯版-大家出版|2017 )

這本書顛覆創傷研究的既有認知, 認為痛苦不只存在腦海,更銘刻在 身體之上,重新思考療癒的定義。

《心靈的傷,身體會記住》中譯版,Bessel van der Kolk,大家出版,2017。(圖片來源:大家出版 )
《心靈的傷,身體會記住》中譯版,Bessel van der Kolk,大家出版,2017。(圖片來源:大家出版 )

 

❻ 《The End of Nature》

Bill McKibben|1989

在氣候變遷尚未被關注之時,McKibben便已提出獨立於人類之外的「自然」已不存在,我們需要重新審視與環境的關係。

《The End of Nature》,Bill McKibben,Random House Trade Paperbacks,2006。(圖片來源:Random House Trade Paperbacks)
《The End of Nature》,Bill McKibben,Random House Trade Paperbacks,2006。(圖片來源:Random House Trade Paperbacks)

 

 

Olafur Eliasson,柏林。(攝影:Vidar Logi, 2024|Courtesy of CIRCA © 2024 Olafur Eliasson)
Olafur Eliasson,柏林。(攝影:Vidar Logi, 2024|Courtesy of CIRCA © 2024 Olafur Eliasson)

奧拉弗.埃利亞松 Olafur Eliasson

冰島-丹麥藝術家,1967生於丹麥哥本哈根,工作室位於柏林。作品探索藝術與世界的廣泛連結。自1997年起,他的個展陸續於世界各大美術館展出,創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影,以其挑戰感知並強調環境共創的展覽與公共裝置,在國際藝壇享有盛譽。2003年,他在倫敦泰德現代美術館的渦輪大廳創作《The weather project》,以迷霧籠罩的巨大發光「太陽」創造沉浸式體驗。2008年,他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布,呈現於《The New York City Waterfalls》計畫中。埃利亞松亦透過藝術探索氣候變遷的議題,例如2014年,他將格陵蘭冰川的碎冰帶至哥本哈根市中心,隨後2015年在巴黎、2018年於倫敦再次展出此《Ice Watch》計畫,讓路過的民眾得以親手觸摸來自格陵蘭的冰川碎片,見證冰川融化消逝的脆弱過程。2012年,創立社會企業「小太陽」(Little Sun),並持續參與其發展至2024年。2014年,他與Sebastian Behmann共同成立Studio Other Spaces,這是一間專注於藝術與建築的創作機構。

更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》

延伸閱讀

RECOMMEND