不睡，才有驚喜！全球夜間城市藝術祭「白晝之夜」2017喚醒台北！

2017-09-21

巴黎藝術博物館文化台北白晝之夜 Nuit Blanche

「Nuit Blanche 白晝之夜」是全球的夜間城市藝術祭，2002 年創始於法國巴黎，在每年10月的第一個週六跨夜舉行。「白晝之夜」三大特色為：「跨夜舉辦」、「免費參加」及「公民參與」，透過多樣化的藝術作品及演出安排，讓人自然接觸藝術，自由穿梭於城市空間之中。「白晝之夜」在城市中塑造獨特的交流共享環境，透過藝術轉化都市空間，讓整個臺台北市化身一夜限定的大型美術館！

畫樂交鋒前線 Ligne de Front

當法國的即興畫家碰上臺灣的搖滾樂手，互飆創作的兩人將會擦出什麼樣的火花？
Ligne de Front 由法國畫家 Paul Bloas 與搖滾樂手 Teyssot-Gay 一同創造，結合搖滾樂與繪畫的大型行為創作演出，在吉他的激烈樂音下，Paul 將不斷穿梭來回於繪畫與音樂的世界中，在巨大木作畫板上繪製兩座受樂音扭曲的巨人像。

來到台北白晝之夜的 Paul，將與椅子 Chairs'樂團的裘詠靖一起完成這場創作，線條和色漿構築出的圖像在長達一小時的音場環繞中不斷相互質疑、干涉、回應，是圖畫，也是神祕難測的夢境！

Info│法國「巨人」藝術家─Paul Bloas

法國藝術家Paul Bloas 以著名的《silhouettes 》於1980年在布列塔尼的城市布列斯特開始發跡。他的作品最初是以白色外框描繪形體並散布在這海港城市中的廢棄大型牆面。於1990年宣布關閉的彭塔尼鳥監獄，隔年也因為Paul Bloas的藝術創作進駐，才又讓這個地方重生。藝術家Paul Bloas 習慣先於工作室描繪大型線條、添上色彩，隨後搬至藝術現場黏貼於主要物體上。這種創作方式很快讓他被大眾所認識，因此自1990年開始，他的作品開始出現於柏林、布達佩斯、畢爾包和馬達加斯加。

與大部分藝術家的思維相左，與其讓藝術品與畫布可以永久留存，Paul Bloas 傾向《期限限定》的想法。所有巨型畫作會在黏貼於牆上後，隨著時間漸漸消逝 – 即便還是會留下一絲痕跡，那也是陽光、風或雨水-屬於大自然的意願。

經典命題 vs. 前衛翻玩

白夜海浴 Les Baigneurs（注意！人偶內真的有藝術家，當晚請勿拍打餵食！）
在藝術史中，海水浴是近代繪畫的經典主題，例如畢卡索就曾以海水浴為題創作。而這次，來自法國的當代藝術家 Clédat & Petitpierre 將以網紗密集構築成大型穿戴式人偶雕塑，親自演繹經典的海邊浸浴情境！

這兩尊身穿復古直條紋泳衣的人偶，會在入夜後的台北街頭緩緩甦醒，圍繞著兩塊藍色大毛毯和一顆黃球，自在地漫步、嬉戲、做日光浴，就像孩童、海與日光在街頭召開的原始聚會。

打開夜晚的台北城，讓全世界的美進到我們家門

Nuit Blanche 白晝之夜，2002年創始於法國巴黎，在10月第一個週六夜晚舉行。活動初始構想為提供一般市民親近當代藝術的場域，根基於「都市創新」及「公共空間設計」兩大核心概念，讓市民在同歡中以嶄新視野深入認識自身生活的城市空間。

2016 年臺北市與國際接軌，於北門舊城區首度舉辦，引發巨大迴響，創紀錄成為台灣史上最多人上街參與的藝術文化活動。2017 年，白晝之夜將移師公館地區，串聯臺灣大學、溫羅汀街區及客家文化主題公園三大場域，建構屬於臺北城南的「時代精神軸線」，以公館城區所承載的多元文化底蘊及自由獨立精神為軸心，深入刻劃城南街巷獨有的文化與城市景觀。同時以當代藝術中的文化混種精神操作城市策展，大量引入跨文化、跨領域、跨世代的多樣展演作品，在蘊含豐富人文肌理的城南街區上交錯呈現，激盪白夜火花。

台北公館與你一起不睡

10/7（六）18:00～10/8（日）06:00，整個台北公館地區將化身夜間的城市美術館，並於空間定位上建構出一條屬於台北城南的「時代精神軸線」：臺灣大學—羅斯福路—客家文化主題公園。

當晚，人群將於臺大正中央的總圖書館前集結，沿椰林大道走過徹夜發光的臺大系所及博物館建築群，穿越承載民主時代記憶的臺大正門廣場進入溫羅汀獨立商圈的巷弄，在多元獨立的書店、咖啡館及音樂藝術表演空間中穿梭，感受台北城南揉合自由叛逆性格與精緻人文底蘊的獨有文化樣態。

再走過羅斯福路上電光數位藝術集結的台電大樓，沿汀洲路來到客家文化主題公園，這裡是城南的大院子，日治時期規劃的休閒運動公園，現今搭起了客家戲台，邀請市民在這一夜，搬個板凳看戲，或從跨堤平台遠眺新店溪、凝視蜿蜒流過台北城南的多元文化記憶。

via / 台北白晝之夜

我們如何能不被遺忘？安卓藝術《陰性空間》用「修復」和「慢工」證明存在，對抗被忘記的恐懼

by Izzie Pang 2026-10-21

2026展覽藝文展覽安卓藝術

人們追求鮮活和不朽，背後是對「被遺忘」的恐懼。暫且不談如何被深刻記著，先思考，我們能如何「不被遺忘」？

在安卓藝術推出的新展覽《陰性空間》中，8位女性藝術家試圖透過「修復」和「慢工」之勞動，讓自己與創作時相伴的材料，有重新被觀看和記得的機會。她們以舊木窗、舊衣服、香蕉皮、織線……各種零碎材料為起點，透過織、縫、刺與編等慢工，重新整理記憶、身體和生活經驗，逐步建構一處安頓身心的精神棲居。

「這不是一場單純談論女性身份的展覽。」

《陰性空間》集結來自台灣、菲律賓、羅馬尼亞的8位女性藝術家，包含陳家翊、陳妍伶、羅懿君、謝鴻均、瑪莉娜．克魯斯（Marina Cruz）、派翠西亞．伊斯塔柯（Patricia Eustaquio）、安德利亞．梅達爾（Andreea Medar）與安娜・瑪瑞亞・米庫（Ana Maria Micu）。

「這並不是一場單純談論『女性身份』的展覽。我們更關心藝術家如何從材料、記憶與生活經驗出發，回應這個充滿不安與衝突的時代。」安卓藝術總監李政勇說道，他更進一步解釋：「這裡的『陰性』不是柔弱，也不是與生俱來的女性特質，而是一種面對世界的行動方式——透過照護、保存、修補與持續勞動，藝術家重新思考力量的樣貌。修復不是退讓，而是在斷裂之後，仍選擇重新建立關係。」

面對全球衝突、社會撕裂與氣候變遷，《陰性空間》不將女性簡化為和平或溫柔的象徵，而是透過材料的切削、縫補、編織與重組，將內在經驗轉化為可被看見、觸碰與感知的物質實踐。展覽所談的「修復」，實際發生在藝術家與材料長時間的相處中，比如舊木窗保存建築與生活的痕跡，舊衣承載家族記憶，植物與廢棄物則將觀看延伸至身體、環境與消逝。作品因此成為「記憶的容器」，也成為重新理解日常的入口。

從舊木窗到香蕉皮，讓材料成為「時間的證物」

陳家翊長期關注人、環境與物質的共生關係，她的《存在》系列作品將日治時期的建築遺構——舊木牛眼窗，重新製作為燈箱，藉此將城市發展中破損的建築與生活記憶，轉化為流動的發光窗景。

陳妍伶的《紅線》將紅線轉化為象徵臍帶與血液流動的牽繫，呈現母親面對未知的焦慮與超越視覺的生物性連結。

菲律賓藝術家瑪莉娜．克魯斯（Marina Cruz）從家族祖屋淹水的記憶出發，以微觀的寫實筆觸描摹舊衣、拉鍊、布料褶皺、陶盆與植物，使洪水留下的生活痕跡，凝結為一幅關於家族記憶與日常照護的私密情感風景。

羅懿君使用風乾香蕉皮、香蕉絲與生漆，將易腐敗的植物材料，轉化為近似皮膚的形體。作品回應馬奎斯小說《沒有人寫信給上校》中長年等待卻始終未獲回覆的張力，以及人物在困頓中維持尊嚴與信念的狀態，使脆弱的材料承載等待、失落與持續存在的重量。

藉「慢工」拒絕快速消耗和遺忘

以手工刺繡貫穿創作核心，安德利亞．梅達爾（Andreea Medar）追溯家族記憶與歷史起源。在她的作品中，線跡穿越紙張、畫布與透明塑料，成為連結日常光影、家鄉風景與時間記憶的路徑。

跨足繪畫、雕塑與織品創作的派翠西亞．伊斯塔柯（Patricia Perez Eustaquio），重新詮釋了菲律賓藝術家卡洛斯．「波東」．法蘭西斯科（Carlos “Botong” Francisco）描繪醫學史的壁畫，呈現傳統薩滿巫者「巴貝蘭」（babaylan）借助自然力量療癒的景象。她透過數位技術重新拆解、編排壁畫圖像，再將其轉化為織毯，邀請觀者從不同角度觀看歷史，並思考其與自我的關係。

修復自我與世界共生關係

修復也發生在個人記憶、生活空間與自然環境之間。比如謝鴻均為新作《在虛空中塗寫》重返臺北老家畫室，重新探訪「壁花」意象——油彩、羽毛碎片與帶翅膀的童年洋裝彼此交織，使畫面成為一處關於成長、記憶與自我重構的內在居所。

安娜・瑪瑞亞・米庫（Ana Maria Micu）則觀察居住與工作空間中的植物。在她此次呈現的新作品中，植物不再只是靜止的風景，而是與藝術家共同經歷發芽、伸展、枯萎與再生，成為理解時間、生活與共生關係的對象。

8位參展藝術家在《陰性空間》中，以身體、物件、光影與材質回應當代個體的生存處境與精神困境，共同構築出一處具有「再生能量」的修復場域。她們在物質的餘溫與時間留下的痕跡中，呈現「陰性」力量如何跨越內在經驗與外在世界的界線，並將「修復」延伸至材料、記憶與感知之間的關係。展覽由此為觀者提供一處安頓心靈的觀看空間，讓現實與內在經驗中的裂縫被看見，並保留持續縫補的可能。