爆破大師蔡國強首次俄羅斯大型個展開幕!重新思考俄羅斯十月革命百年歷史

蔡國強首次俄羅斯大型個展開幕 重新思考俄羅斯十月革命百年歷史

歷時兩年的籌備,以爆破藝術聞名的當代藝術家蔡國強,於俄羅斯首都莫斯科的普希金國家藝術博物館舉辦的首次大型個展《蔡國強:十月》,終於在9月12日隆重開幕。

 

於1917年爆發的俄羅斯十月革命,即將迎來百年的歷史時刻,普希金國家藝術博物館這次與蔡國強合作,打造一系列全新藝術作品,希望透過《十月》這個展覽,去思考每個人在歷史中的角色,以及個人夢想與人類全體理想的關係。

 

普希金國家藝術博物館是俄羅斯最重要博物館之一,1912年成立至今,館內藏有近70萬件藝術精品。而此次蔡國強的大型當代藝術裝置、火藥繪畫、多媒體視頻和手稿,將從館外庭院貫穿館內展廳,顛覆美術館的古典建築空間,打造創新且全方位的視覺體驗。

 

其中第一項藝術作品《秋天》,位於美術館的入口,早在開幕兩週前,其龐大的製作規模已經引起許多好奇民眾圍觀拍照,也在社交媒體上掀起話題。這項作品的基礎,是一座由幾百個嬰兒床組成的高山,接著用吊車自上而下,在每個嬰兒床中種下一兩棵3至4公尺高的白樺樹。

 

在嬰兒車種下的這些樹苗,最終將形成蔥蘢豐滿的白樺林,而在裝置過程中,白樺樹林已隨天氣轉秋開始發黃,想像展覽期間黃葉落滿山坡,想必會是相當壯麗的視覺感受。

 

進入館內後,映入眼簾的一件長達20公尺的白色綢緞,掛在美術館的巨大古典台階上空,以火藥爆破的方式印上了文字,這便是第二件作品《聲音》。蔡國強把書法、繪畫的平面藝術,轉換為磅礴詩意的空間裝置。觀眾隨著《聲音》拾級而上,頭頂上白綢寫下的,是《國際歌》的箴言:「從來沒有救世主,也不靠神仙皇帝」。

 

階梯的盡頭,是美術館的第一個大型空間「白廳」,頭頂一片銀色鏡面,讓本已高大的空間又放大了一倍。在白廳內展示的,除了兩側牆上各二十公尺長的火藥繪畫《河流》和《花園》,還有在展廳中間近三百萬棵金黃麥草形成的《大地》。

 

《大地》這幅作品,靈感來自於蔡國強兒時看過的蘇聯電影及俄羅斯油畫,那種陽光被雲彩遮住、投影大地麥田的神秘感受。而頭頂的鏡片,除了映照出《大地》的神祕符號,也倒映出兩側的畫作。黑白色系的《河流》展現出波濤洶湧的歷史感,而另一側呈現彩色的《花園》,繽紛的罌粟、康乃馨和蘇聯海報,則展現出當時人們內心的迷幻。

 

而在另外兩個側廊,則展出一批比較親切的小型作品,包括為展覽所作鉛筆手稿、鐳射刻紙技術手法,到火藥試驗等,讓觀眾能看到蔡國強的構思和創作過程。

 

展覽的最後,由大型影片作品《十月:為紅場所作的白天焰火》收尾,將觀展體驗帶到最終的高潮。在柴可夫斯基的弦樂中,白天焰火從紅場和莫斯科河岸升起,在空中形成一幅幅悲愴且賺人熱淚的畫卷。

 

同時,為了延續其與世界不同族群交流合作的藝術觀念和方法論,他們也邀請當地民眾親身參與火藥作品的創作。這些志願者在畫布擺上了一百張人民的照片,完成了《河流》的作品配置;《聲音》上的俄語書法,也是這些志願者教蔡國強寫的。

 

展覽也將在9月底推出英俄雙語畫冊,除了記錄大量精彩創作過程和作品照片外,也會收錄蔡國強本人撰文《少年的十月》和數篇學者的文章,以個人、歷史、藝術、政治等多角度,探討展覽議題。

 

而在今年11月,展覽亦將推出同名紀錄片,由夏姍姍執導。除了介紹展覽的幕後故事,還將通過蔡國強和俄羅斯畫家馬克西莫夫(Konstantin Mefodyevich Maximov)二人,揭示中俄藝術家在不同時代的冷暖,誠實面對變幻時代的迷茫和執著。

 

Text、Photo / BeautiMode

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巨球入侵小鎮,人群遍地倒臥:美國藝術家Alex Prager用荒謬而美的災難場景,反映當代人的集體焦慮

Alex Prager個展登陸TAO ART!電影美學造視覺迷宮,用荒謬美景反映當代集體焦慮

台北藝廊TAO ART現正展出Alex Prager個展《Echoes of Dissonance》,這位身兼攝影師、電影製片人身份的藝術家,帶觀者潛入她以精湛技術構築的視覺迷宮,感受人類對災難與未知的複雜迷戀;在不安與快感交織的奇異感受裡,解鎖影像中暗藏、那些關於當代人悲喜交織的集體記憶。

一座寧靜小鎮被巨球闖入,一群盛裝打扮的觀眾對著你拍手——Alex Prager建構的影像世界裡,平凡日常總是被某種神祕的不和諧感所戳破。這位深受好萊塢電影文化薰陶的藝術家,擅長在影像中置入懸疑與渴望,讓觀者在「窺探」的過程中,感受到一種被反向凝視的顫慄。

Alex Prager個展登陸TAO ART!電影美學造視覺迷宮,用荒謬美景反映當代集體焦慮
(圖片提供:TAO ART/攝影:王世邦)

揉攝影「窺探」本質與電影「虛構真實」表現手法

身兼攝影師、電影製作人身份的Alex Prager,創作深受電影藝術啟發,無論是好萊塢大眾電影或實驗電影,皆形塑了她慣用的創作語彙,另可見流行文化、街頭攝影的影響。Prager生於美國加州,從小在洛杉磯長大,出社會後也在這座電影之城工作生活,這樣的背景讓好萊塢電影對她創作的深刻影響,顯得自然而然。

Alex Prager個展登陸TAO ART!電影美學造視覺迷宮,用荒謬美景反映當代集體焦慮
(圖片提供:TAO ART)

Prager的影像作品中,無論是靜或動態,都可看出精心調度與鋪排的場景、演員充滿戲劇張力的表演、懸疑未解的敘事情節,以及融合當代與過去元素所製造、一種令人感到模稜兩可的懷舊感覺。這些特質交織成為Prager式美學,她遊走在小眾與大眾之間、虛構與真實之界,結合攝影的「窺探」本質及電影「虛構真實」的表現手法,透過精妙的場面調度,打造細膩、卻充滿視覺與情感張力的瞬間,為觀者營造一種介於熟悉與陌生之間的奇異感受——看著眼前的畫面略感不安,卻又因那股「可能發生在自己身上」的莫名熟悉感,忍不住想一探究竟。

Alex Prager個展登陸TAO ART!電影美學造視覺迷宮,用荒謬美景反映當代集體焦慮
(圖片提供:TAO ART/攝影:王世邦)

為何我們對災難場景感到著迷?

此次TAO ARTEchoes of Dissonance》展覽中,主要作品為Alex Prager2022年創作的〈跑(Run)〉。片中一座循古典好萊塢電影風格打造的小鎮,本應寧靜安穩,卻不知怎地被一顆巨大的鏡面球闖入,它恣意滾過街道、入侵人們的日常,整座小鎮彷彿變成一座巨型彈珠台。

Alex Prager個展登陸TAO ART!電影美學造視覺迷宮,用荒謬美景反映當代集體焦慮
(圖片提供:Alex Prager)

本片帶著觀眾隨鏡頭感受球體沿途造成的衝擊,敘事擺盪於悲劇與喜劇之間,揭示了現實生活中普遍存在的焦慮、不安與失控感。而在觀眾越感刺激、想著接下來要發生什麼時,作品更映照出一種人類的有趣心理——在現實生活中,我們極力避免災難的發生,可電影中的災難場景卻始終有著令我們難以抗拒的吸引力。

「荒謬美景」藏未竟的故事線

與〈跑〉同步拍攝的影像作品〈眠(Sleep)〉,有別於前者的鮮活,反倒呈現了一片靜寂場景。畫面中演員遍地倒臥,觀眾沒有故事脈絡去推敲前因後果,也不知該如何解讀這起事件的意義,只能眼看這曖昧而荒謬的一幕揣測。若要編輯來猜,也許跟〈跑〉中發生的巨球滾動事件有關也說不定?

Alex Prager個展登陸TAO ART!電影美學造視覺迷宮,用荒謬美景反映當代集體焦慮
(圖片提供:Alex Prager)

讓觀眾感受「被反向凝視」的顫慄

在較早期的錄像作品〈掌聲(Applause)〉中,Prager翻轉了表演者與觀眾之間的關係:觀者所面對的,是一群身穿戲服、妝容完整、扮演「觀眾」角色的表演者。在這群「觀眾」滑稽的外表與重複拍手動作之下,一種帶有窺視意味的不協調感悄然浮現——我們在觀看的同時,也感受到自己在被觀看。

Alex Prager個展登陸TAO ART!電影美學造視覺迷宮,用荒謬美景反映當代集體焦慮
(圖片提供:TAO ART/攝影:王世邦)

懸疑感中藏當代人的集體焦慮

無論就物理或心理層面的意義而言,「懸置/懸疑(Suspense)」始終是貫穿Prager創作實踐的核心。她以影像建構的夢幻場域,將情感經驗自然地納入其中,並映照出當代人「集體性的認知失調」。

對此TAO ART創辦人Vicky Chen分享自身看法:「 這次《Echoes of Dissonance》展出的系列,呈現了我們這個世代共享的特殊經歷。作為觀眾,我們得以透過作品所帶來的情感經驗,回望並反思這些集體記憶。Alex Prager是一位我關注已久的女性藝術家。她在創作初期就發展出相當前衛的拍攝方式,她的每一件作品,都能看出是投入很多心力和成本去製作的,充滿了豐富的技術細節,才能創造出如此精準而衝擊的畫面。」

Alex Prager個展登陸TAO ART!電影美學造視覺迷宮,用荒謬美景反映當代集體焦慮
(圖片提供:TAO ART/攝影:王世邦)
Alex Prager個展登陸TAO ART!電影美學造視覺迷宮,用荒謬美景反映當代集體焦慮
(圖片提供:TAO ART/攝影:王世邦)
Alex Prager個展登陸TAO ART!電影美學造視覺迷宮,用荒謬美景反映當代集體焦慮
(圖片提供:TAO ART/攝影:王世邦)
Alex Prager個展登陸TAO ART!電影美學造視覺迷宮,用荒謬美景反映當代集體焦慮
(圖片提供:Alex Prager)

Alex Prager個展《Echoes of Dissonance》

展期|2026.03.07-05.02

地點|TAO ART (台北市內湖區洲子街79-1號8樓)

開放時間|週二至週六 11:00-19:00

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日本攝影師蜷川實花專訪:走進「彼岸之光,此岸之影」,在光影、色彩交織中回望生與死

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由蜷川實花攜手科技藝術團隊EiM打造的《蜷川實花展 with EiM:彼岸之光,此岸之影》,於華山盛大展出中。睽違10年再度於台北舉辦大型個展,蜷川實花與EiM製作人宮田裕章特別接受台灣媒體的採訪,與我們分享展覽背後故事。

蜷川實花大展睽違10年再登台

2016年,台北當代藝術館推出的蜷川實花藝術個展,吸引了大量人潮,並刷新館方歷年觀展人數紀錄。多年後,再度來到台北展出的蜷川實花分享,她想傳達的內容核心一直都沒有改變,但這次展覽與EiM團隊及不同領域的夥伴合作,讓表現形式有很多的變化。比如過去她透過攝影、電影的拍攝展現光影,現在可以有更多不同的角度來呈現這些作品。「雖然宮田先生跟我屬於完全不同的職業,他是一位數據科學家,但透過與想法不一定一致的人討論創作方向、交流意見,能讓主題變得更有延展性。」

蜷川實花提到:「這次展覽跟過去不同,不只有我的攝影作品,更有許多我與EiM團隊及不同領域的夥伴共同創作,像是電影燈光、美術藝術家也賦予了展覽如電影般的氛圍。」(圖片提供:聯合數位文創)
蜷川實花提到:「這次展覽跟過去不同,不只有我的攝影作品,更有許多我與EiM團隊及不同領域的夥伴共同創作,像是電影燈光、美術藝術家也賦予了展覽如電影般的氛圍。」(圖片提供:聯合數位文創)

延伸閱讀:《蜷川實花展with EiM:彼岸之光,此岸之影》登陸台北!8大展區設計,走進光影交織的沉浸式藝術世界

宮田裕章補充,自己作為科學家,習慣宏觀地捕捉事物,身為攝影家的蜷川實花則是以近距離、微觀的角度創作。而正因為有這兩種不同的視野,加上EiM團隊的燈光、技術層面的協助,才能碰撞出作品的新模樣。

                 ⭣宮田裕章曾策劃2025大阪世博「Better Co-Being」主題館

打造虛實交錯的沉浸式空間

在這由8大展區構成的展場中,以大量影像作品、立體藝術裝置與革新數位技術,呈現出蜷川實花獨特又強烈的色彩美學,也創造出虛實交錯的沉浸式空間。蜷川實花提到,這次的展覽可以有很多種觀賞方式,她希望大家像是進行自己的一段旅程,從不同路徑、角度去觀看,進而有不同的新發現。當看完全部作品,也彷彿看完一場電影或舞台劇,能感受到其中的故事性。

《綻放的情感》展區一隅(圖片提供:聯合數位文創)
《綻放的情感》展區一隅(圖片提供:聯合數位文創)

有許多想留下的閃閃發光日常瞬間

而在這個任何事物都能輕易用AI生成的時代,蜷川實花又是如何看待這股風潮?「其實AI不是壞事,我也常用AI解決生活中的問題。但目前在創作作品時,我並沒有打算使用AI,因為在我們的日常中,有太多閃閃發光、我想留下來的時刻,光是捕捉這些瞬間就竭盡全力了。」她認為,只要稍微改變觀看世界的方式、不用去到很遠的地方,也會有許多新發現和想拍的事物,這也是她堅持以真實拍攝影像創作,不倚賴電腦CG生成視覺的原因。

蜷川實花堅持以真實拍攝影像創作,不倚賴電腦CG生成視覺,透過鏡頭捕捉城市與自然景致的光影瞬間。(攝影:Adela Cheng)
蜷川實花堅持以真實拍攝影像創作,不倚賴電腦CG生成視覺,透過鏡頭捕捉城市與自然景致的光影瞬間。(攝影:Adela Cheng)

有死亡,美麗地活著才顯得動人

宮田裕章說,他自己是日本生成AI協會的會長,使用AI就像是在現實中進行加工,但這次展覽他們更重視如何去感受世界、是否能產生共鳴。他進一步補充,展覽的主題「彼岸之光,此岸之影」,其實與「死亡」有關。正因為有死亡的襯托,美麗地活著這件事才顯得格外動人。「AI可以輕易地做出很多美麗的事物,但唯一無法成立的就是『死亡』。比起AI很容易達到的境界,我們更想用人為的方式來表現這些東西。」

「深淵彼岸的夢」展區一隅(圖片提供:聯合數位文創)
「深淵彼岸的夢」展區一隅(圖片提供:聯合數位文創)
「光之細語,色彩之夢」展區一隅(圖片提供:聯合數位文創)
「光之細語,色彩之夢」展區一隅(圖片提供:聯合數位文創)

用整個感官全然感受主題

比方來說,「深淵彼岸的夢」、「光之細語,色彩之夢」這兩大展區,有很多不同的光影與色彩變化。人們可以從由2,000條水晶串飾構成的空間,望向一旁鮮豔的花朵,也可從絢麗的繁花中,感受水晶串飾所形塑的光影層次。宮田裕章希望大家不是用文字或語言來思考死亡,而是用感官去感受這個主題。「一個人的個體消失的瞬間,其實會有很多的情感,可能是開心的、難過的、依戀的⋯⋯,蜷川實花的作品有很多色彩和繽紛的畫面,那麼是不是可以用這麼多不同的色彩來表現消失之前的情緒?」

由2,000條水晶串飾構成的「光之細語,色彩之夢」,蝴蝶、花朵、愛心、眼睛及水晶在光線折射下閃爍出無數變幻色彩。(圖片提供:聯合數位文創)
由2,000條水晶串飾構成的「光之細語,色彩之夢」,蝴蝶、花朵、愛心、眼睛及水晶在光線折射下閃爍出無數變幻色彩。(圖片提供:聯合數位文創)
「深淵彼岸的夢」、「光之細語,色彩之夢」兩大展區並鄰,觀者可從不同角度、路徑欣賞作品交織出的獨特風景。(圖片提供:聯合數位文創)
「深淵彼岸的夢」、「光之細語,色彩之夢」兩大展區並鄰,觀者可從不同角度、路徑欣賞作品交織出的獨特風景。(圖片提供:聯合數位文創)

蜷川實花提到,無論是父親的離世,或是自幼就不斷思考人終將一死這件事,都讓她意識到,正因為萬物都有完結與凋零的一天,活著的時間才顯得格外重要。這也使她更加珍惜生活中許多美麗的瞬間,並透過色彩與影像將其呈現出來。

「解放與執著」展區呈現蜷川實花的攝影作品,並結合精緻的複合媒材、立體裝飾藝術與空間設計。(攝影:Adela Cheng)
「解放與執著」展區呈現蜷川實花的攝影作品,並結合精緻的複合媒材、立體裝飾藝術與空間設計。(攝影:Adela Cheng)

以黑白展區創造強烈的視覺衝擊

特別的是,在極其絢爛繽紛、充滿各式色彩的展覽中,「與光影共舞」這個展區卻以黑白的影像作品來呈現。蜷川實花說,黑白攝影對她而言並不陌生,她正是以黑白作品出道,而黑白更能直接地傳達出那些隱藏在色彩之下她想表達的事情。「這些是我在沖繩潛水拍攝的影像。在水底下可以忘記、放棄任何東西,因為只能專注於呼吸這件事,在那樣的身體狀態下,捕捉與感受到的光影也跟平常全然不同。」

「與光影共舞」展區刻意打造成近似劇院的空間形式,讓觀者從鮮豔繽紛的色彩,過渡至純粹的黑白影像,藉此產生強烈的視覺反差。(攝影:Adela Cheng)
「與光影共舞」展區刻意打造成近似劇院的空間形式,讓觀者從鮮豔繽紛的色彩,過渡至純粹的黑白影像,藉此產生強烈的視覺反差。(攝影:Adela Cheng)

宮田裕章補充,這一區刻意打造成類似劇院的模式,讓觀者從鮮豔色彩到純粹黑白的空間,能感受到強烈的視覺衝擊,也更能體會到光與影的變化。這樣的空間轉換,也是希望人們在走動之間,產生一種被空間吸住、甚至吞噬的感受。在體驗過程中,人們或許會浮現出近似於面對死亡時的依戀或情緒。他也透露,這個黑白展區之前未在京都展出,雖然曾在沖繩以影像作品的形式亮相,但在這次台北展覽,則是以更完整的樣貌呈現。

「與光影共舞」展區一隅(圖片提供:聯合數位文創)
「與光影共舞」展區一隅(圖片提供:聯合數位文創)

特別融入台北街景、寺廟蹤影

值得一提的是,因為拍攝工作,來過台灣近50次的蜷川實花笑說,自己甚至曾因為太過熟悉、放鬆,發生過忘記帶護照的插曲。而為了這次台北的展覽,她也加入屬於這座城市的在地元素,前往赤峰街、大稻埕等地拍攝。走進「生命的呼吸」第一展區中,仔細觀察投射在水箱的影像,便能發現台北街景、寺廟與巷弄的蹤影。

「生命的呼吸」展區一隅(圖片提供:聯合數位文創)
「生命的呼吸」展區一隅(圖片提供:聯合數位文創)
蜷川實花特地秘密遊歷台北取材,將城市元素融入展覽創作。(圖片提供:聯合數位文創)
蜷川實花特地秘密遊歷台北取材,將城市元素融入展覽創作。(圖片提供:聯合數位文創)

在習以為常的風景裡捕捉閃耀片刻

談及拍攝故事,她提到大稻埕有點像以前的日本,充滿懷舊的氣息。而台灣的廟宇與日本神社截然不同,色彩更加鮮豔,帶有強烈的在地感。拍攝當天剛好遇到下雨,濕潤的空氣與天氣狀態,讓廟宇彷彿閃閃發光,讓她留下深刻印象。蜷川實花認為,不同的天氣與心境,能拍到不一樣的風景。正因如此,只要稍微改變觀看世界的視角,即便在習以為常的日常裡,也能捕捉到那些閃耀、值得被留下的瞬間。

「深淵彼岸的夢」以盛開的繁花與720度全景影像空間組成。(圖片提供:聯合數位文創)
「深淵彼岸的夢」以盛開的繁花與720度全景影像空間組成。(圖片提供:聯合數位文創)
「深淵彼岸的夢」展區一隅(圖片提供:聯合數位文創)
「深淵彼岸的夢」展區一隅(圖片提供:聯合數位文創)

《蜷川實花展with EiM:彼岸之光,此岸之影》
地點:華山1914文創園區 東2C、D棟
展期:2026.1.17 - 4.19,除夕休館,購票請上udn售票網

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