神獸結合生死觀！日本藝術界「神隱少女」小松美羽談畫中獨特靈魂世界

充滿力量毫不遲疑地在畫板上勾勒出第一道線條，即使週圍被眾多雙眼注目環視，然而眼前穿著白色簡潔合氣道服，充滿靈氣的作畫女子，只見她先是氣定凝神地跪地冥想，讓自己入魂到作畫境界，隨之瀟灑地抓起顏料，恣意地在金色屏風畫板上宣洩出專屬她才能見著的守護獸奇幻形體。而她正是有著「神隱少女成人版」之稱，享譽國際畫壇的日本藝術家小松美羽，其落筆率性又俐落的姿態，加上畫作中那細膩強大的美感能量，皆將透過《繪獸繪靈—小松美羽台灣首個展》震撼台灣畫迷的心！

出生日本長野縣的小松美羽，擅長用繽紛色調、奇幻畫面，展現令人驚嘆的美學世界，這次受白石畫廊台北空間之邀，首次在台灣舉辦《繪獸繪靈—小松美羽台灣首個展》。年紀輕輕的她，自小即在大自然環境中成長，而這也或多或少促使她能見到另個空間形體神獸的機緣，雖從小就擁有能接觸它個世界的能力，但因為當時懵懂無知並不知曉那有多「特別」，伴隨著年齡增長，她才逐漸意識到原來那些「無形」形體並非常人所能窺見。像是注定被給予的這份天賦能力，加上曾目睹動物與親人離世的經驗，使小松美羽對於生死、靈魂特別敏銳，而她也藉由創作一一描繪出來這樣靈感養分，用畫筆勾勒出各種形體的神獸，闡述特殊生死觀外，也構築出她獨特的畫中靈魂世界。

 

Miwa_Komatsu（@miwa_komatsu_official）分享的貼文 於 2017 年 11月 月 22 7:51上午 PST 張貼

畫中的獨特生死觀

宛若用畫譜寫出面對死亡的美麗詩篇，當看著小松美羽的作品時，無不被那豐富構圖和獨特筆觸畫風所吸引，而這也不免好奇她那深藏於畫作背後的故事底蘊究竟為何，對於自己的作品多與生、死有強烈連結，她表示：「我從小就很喜歡動物，可以說是在動物圍繞下成長，我想人類與動物沒有差別，誰比誰更為優秀這個觀念於我而言是不正確的。小時候當動物離世時，便可看到近似於靈魂出竅的瞬間，就像是一團能量。」，她繼續補充：「像是作品《四十九日》誕生的原因，是遇到我尊敬的書法家祖父過世時，當時我也見到了祖父靈魂出竅的一刻，那以能量方式存在的形式，讓我發現原來人與動物步入死亡時並無分別，無論是哪種形體，最終都會變成一團能量、回歸地球，在死亡的那一刻達到平等。」。

談及令她藝術家生涯聲名大噪的《四十九日》，這幅獻給已逝疼愛她的祖父的創作，其在命名上是否與往生到投胎的天數有關，對此她答道：「沒有錯，原來台灣與日本在對於死後的概念是相同的。面對死亡，每個人會選擇不一樣的情感去迎接，對我而言在祖父往生時所感受到的能量，讓我有了人與動物是平等的想法，藉此轉化為作畫靈感，希望將這樣的生死感觸畫下來，並用版畫方式呈現。在死後的四十九日間，亡者可能會在天堂或地獄接受審判，展開另一段旅程，我想傳遞這樣的想法給各位，因而有了《四十九日》這幅作品。」。

黑白到彩色的視界轉變

曾被日本報章雜誌以「恐怖的世界」來形容畫作風格的小松美羽，近年創作一改早期黑白色系風格，轉為濃郁艷麗色彩，對於顏色風格上有著如次大的轉變，她表示：「我很喜歡線條的呈現，所以學生時代我主要是做銅版畫。當時覺得神獸的世界用黑白色來呈現非常適合，然後有了到台灣和其他國家的旅行經驗後，反而覺得顏色很重要，可以表現出人的情感以及很多事情，因此開始使用多種顏色下去創作。」。

至於整體創作風格漸漸不再那麼恐怖，甚至帶有和平安定感，「約莫在28歲時，我開始『冥想』的習慣，變得不再是單純用第三隻眼看世界，而是以靈魂來感受這個世界，在心情上也變得較沉靜，我想這自然也反映在作品上。另外，過去我多是一個人作畫，然而現在有了團隊，不再是單打獨鬥，也開始嘗試各式媒材，在創作心情上想必與以往會有明顯不同。」小松美羽回答道。

藝術生涯最大創作《五次元》台灣首展 眼睛成創作關鍵元素

第四次造訪台灣的小松美羽，此回《繪獸繪靈—小松美羽台灣首個展》則為第一個在台灣開辦的畫展，她表示每次來台都能充滿感受到自然、土地與人的能量，上回來台時她的腦內更自然地浮現閃閃發光的龍之模樣，隨後她便將這份想像轉為創作題材，並難得地使用銀色線條來描繪神獸的輪廓，因而創作出《台灣水龍》作品。而在此次個展中，小松美羽也為台灣獨家創作了多幅作品，其中最為搶眼，也是她藝術創作生涯中最大幅作品《五次元》更是讓人為之驚嘆。

由於《五次元》是一旁作品吽獅子、阿獅子系列演變成最終形態，之所以興起這系列創作，她說：「這系列作品我以神獸的嬰兒、孩童、成人，以及最大張的神獸家庭為概念，藉此告訴大家即使是一般人肉眼看不到的神獸世界也與人們無異，有著家庭、傳承延續的概念，而強大的神獸也以溫暖的力量守護著我們。」。

在小松美羽的作品中不難發現「眼睛」是極為重要的元素，不僅具有點睛的效果，更是將畫所想訴說的氛圍傳遞之關鍵核心，「眼睛除了能見到邪惡、不好的東西外，我認為人彼此之間也能通過眼神達到交流。看到一個人的眼睛富有力量時，也可以得到他的力量，因此眼睛這個元素才會成為我創作重要的要素之一。」。

 

Miwa_Komatsu（@miwa_komatsu_official）分享的貼文 於 2017 年 12月 月 7 4:01上午 PST 張貼

如同她所訴，雙眸能夠見識到好與壞，那麼比起一般人能看見更多的她，是否曾想過倘若有天無法再見識到另一種景色會是怎樣的情形？她想了一會答道：「在我們小的時候可能都有機會看到不一樣的世界、感受各種事物，然而隨著長大漸漸忙碌後，反而無法感受看到，我認為這蠻可惜的。也因此每次作畫前我都會進行冥想，這是個相當重要的步驟，因為可以幫助讓我的靈魂保持純淨，對於神獸抱持著尊敬外，也讓靈感能湧上來。為了不讓這樣的連結斷掉，我會去泰國和印度修行，一邊冥想一邊唸著箴言，與其擔心不如自然的面對，讓自己與那個世界連結，保持看得到的狀態。」。

神獸系列創作可望動畫化

被譽為「神隱少女成人版」的小松美羽，自言非常開心能有這樣的稱號，加上自己很喜歡動畫大師宮崎駿的作品，即使雖然有些害羞但卻也感到相當光榮。創作能量強大的她，被問及有否想過將神獸系列發展成更完整的動畫相關作品，她笑說先前在台灣有美術館館方人員向她這樣建議，自己在日本也曾與動畫相關人士接觸，對於這樣的想法不設限；而一旁的經紀人此時則補充《你的名字。》導演新海誠和小松美羽是相當交好的朋友，或許未來雙方有機會合作發展神獸系列相關影視作品。

對於此次來台首展並收到粉絲們熱烈支持與迴響，小松美羽開心表示台灣正進行的個展，對她來說是全新的冒險，並感謝大家在社群上幫忙宣傳。接下來想嘗的挑戰？「此次不僅是來開辦畫展，也希望自己此時能更上層樓，目前也有新合作企劃正在醞釀，今後還會有更多不一樣的事情發生，屆時也希望大家可以繼續支持。」。

Info | 《繪獸繪靈—小松美羽台灣首個展》

展期：2017.12.2-2018.1.7 免費參觀

時間：週二~週日 11:00-19:00 （週一公休）

地點：白石畫廊（台北市內湖區基湖路1號）

Photo via 白石畫廊

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23