近年相當活躍的格式設計在總監王耀邦（格子）的帶領下，二度承接下臺灣文博會─華山1914文創園區「文化概念館」策展工作，從硬體到軟體規劃，視覺到主題設定，以及須邀請哪些當今臺灣一線的創作人共襄盛舉，格子要操心的事情絕不會少。

「設計如何改變人們的生活？」如果這是格子在去年文博會主題館規劃的主軸，今年他希望提出一個新的問題：「什麼樣的文化思考可以讓設計有不一樣的面貌？」他進一步說明「過往我們透過很多途徑談論設計，卻比較少談論到身體，身體就像一本百科全書，給我們很多原創性的可能。觀察這兩三年，改變這社會設計能量最重要的有三件事情：世代、美學、原創力，最後就有了『從身體創造』這個宣言。」

格子指出，設計領域中最關鍵的是原創性，是所有設計人最重視的面相。「這次的主題就是希望能藉由一個新的論述方式，讓大家重新思考創造性和身體之間的關係，它並不是很直觀去看設計如何改變社會的某個面向，而是想要提出一個思考途徑，也是邁向原創很重要的一個渠道。」在格子縝密操刀下，華山概念館因此發展出四大主題：視覺、高山、嘻哈、時尚，並包含工藝研究發展中心策劃的「工藝館」。

主題一：「一座高山博物館」─山岳與文明，重新思考的起點

臺灣山岳密集程度可謂世界之冠，聯合協同策展人詹偉雄所策劃的「一座高山博物館」，從人文地理學角度出發，派出兩隊人馬前往雪山進行「文化採集」工作，一組從雪山東陵經過圈谷攀爬上主峰，另一組循1930年代日本學者鹿野忠雄的路線，從志佳陽山經雪山南壁上主峰。透過各種「數位採擷」工作，紀錄下冬季雪山的純白世界、蝴蝶翅膀的璀璨折射等自然珍貴影像。展區入口是一道長達20米的通道，利用錯視手法，營造向上攀爬的錯覺。此外，現場還有40公尺的大投影或VR實境眼鏡等裝置，讓大家看見臺灣珍貴自然景象，提供人們面對自然思考的深度平台，「我們希望每個人看展時也能經歷一場身體與感官的刺激，這是一定要到現場才能感受的展覽現場性。」

主題二：「身體視文化」─前進一座山，用身體設計

「身體視文化」主題協同策展人兼展者方序中，聯合小子、Sydney Sie、李君慈、陳青琳、黃家賢、彭冠傑、3cm林永政共八位平面設計師與影像創作者，以一系列海報詮釋今年主題。「這次我們會載這八位創作者上合歡山，經由二天一夜真實攀爬過程，透過身體與心靈的感受，創作出一系列視覺海報。」展區中每個設計師都有一個獨立區塊，現場會垂降一道框形屏蔽，共有八個，必須彎腰鑽入才能看見隱藏內部的海報。「我們希望觀看的方式也能呼應『從身體創造』這個概念，觀者經由一些動作進入，進而看建設計師用身體與感覺創造的作品。」

主題三：「嘻哈囝」─衝撞現狀的嘻哈勢力

自然高山的策展概念外，格子也將觸角伸往嘻哈音樂，「這個音樂文化藉由音樂和語言，訴說對社會的反控，講出一種由下到上的聲音，身體感對嘻哈歌手而言是渾然天成，他們一定得要動。」協同顏社音樂創辦人張逸聖所規劃的展區，觀者走進會先經過一場重低頻裝置的聽覺洗禮，再開始一系列音樂、紀錄片、攝影，以及嘻哈很重要的歌詞文本展示，希望藉此讓觀者能從「身體性」與「社會性」議題，瞭解嘻哈之於身體的另一切面，並深入探索臺灣各個嘻哈家族的特色。「嘻哈非常地有地域性，北區有張震嶽、熱狗與頑童，中部有玖壹壹，南部有大支，完全是不同風格的音樂，這也是臺灣第一次有規模去梳理北區到南區的嘻哈文化。」

主題四：時尚的日常─攪動設計的庶民文化

此展區格子聯合協同策展人齊振涵（wisdom共同創辦人），邀請十個臺灣時尚品牌設計師，為十個職業別的工作者重新設計最合宜的服裝。例如：Shao Yen vs.漁民、IF&n vs.茶藝師、Just in case vs.紋身穿洞師等人。展區入口會有許多垂降的白襯衫組成的裝置，藉此呼應「如何界定職業別」的藝術性意念。「這十位服裝設計師會分別設計三套服飾：第一套是職人制服、第二套是從職人元素延伸設計出2018最新一紀的概念服、第三套則是將設計師原本2018春夏S/S系列與職人概念做一個MIX。我們希望這不只是單純跨界合作，更希望這能成為服裝設計師找到下一季最原創的靈感來源。」格子表示，而以上種種，在2018年的文博會將發什麼樣的火花？值得期待。

Info│2018臺灣文博會─文化概念館

日期：2018/04/18-04/22／東二館｜2018/04/18-04/29

時間：10:00─20:00 

地點：華山1914文創園區（台北市中正區八德路一段1號）

Text / CW ANX

Photo / 張藝琳、陳敏佳

圖片提供 / 格式設計展策 InFormat Design Curating

【更多精彩內容請見 2018《La Vie》雜誌 4 月號】

「對我而言，創作不會總是有很強烈的意圖。」一開口，陳姝里如此輕描淡寫，卻正好道出她在藝術創作之路上「自然而然」轉向陶藝的關鍵。過去十餘年，她穿梭在插畫與平面設計之間，也因此在插畫界中闖出一番成績。只是，日復一日，面對形形色色的客戶需求，她漸漸無法沉浸在「純創作」的心流之中。「會去捏陶，就像是一種自然轉換的過程，因為當時的我，很需要自己的空間，不僅是實體的空間，心理也是……」

創作的起點

日光穿過半掀的調光簾透進屋內，落在工作桌上散落的色紙碎片。這些看似「無用」的東西，偶然被陳姝里收了起來，並衍生出她的創作系列：《拾獲物》（found object）。

「這些色紙碎片是剪紙過程中剩餘的材料，本來應該要被丟進垃圾桶的，但我覺得這些造型不一的圖形，其實更吸引我。於是我就把喜歡的碎片變成新的創作素材，拼貼出《組合》這系列作品。」

偶然出現的碎紙片，意外帶給陳姝里更純粹、單純的創造樂趣。平時面對繁雜的平面設計與插畫工作，容易使她陷入過度的計畫與目的性。然而在這些碎紙片面前，心思卻能回到最初的空白。「這些剪紙碎片構成的創作，我叫它們『小雕塑』。某一天，我突然有個想法，如果把這些平面的紙片，變成立體的作品，可以怎麼呈現？」

可以說是記憶使然，陳姝里立刻想到一種既熟悉又陌生的創作手法：陶作。原來，陳姝里的舅舅是陶藝家，小時候陳姝里在過年時會去舅舅的工作室玩陶。大學也修過一學年的陶藝課，所以捏陶對陳姝里來說並不陌生。

捏陶，也是在捏塑自己的心

捏陶看似閒適，但她苦笑說自己其實沒什麼時間可以閒下來，大部分時間被工作填得密不透風。後來有了小孩，時間又被分割得零零碎碎。「以前我可以每天工作十個小時，但自從女兒出生，人生又多了一種角色和責任。生活一直處在停不下來，不斷忙碌、擔心的狀態。」

漸漸地，她感覺快被外界的人事物塞滿，內心沒有了自己的位置⋯⋯「我喜歡創作，但成為媽媽之後，時間變得很破碎，加上疫情嚴重的那年，我24小時育兒，一天也許只有30分鐘的空檔。但我還是想創作，我需要創作。我內心知道，若再不撥一點時間給自己，我會失控。」

在這個掙扎的時刻，陳姝里接觸到陶藝，摸到陶土的那一刻，她感到一股似曾相識的感覺。「我以為自己已經忘了，但觸覺帶我回到小時候，在家門口玩泥巴，把泥土捏成球。手中握著泥球，我好滿足。而捏陶的時候，我又感受到那種純粹的快樂。」

放下執念，享受不可控

對陳姝里而言，不論是紙片創作、插畫，或是後來的雕塑、捏陶，本質都相通。她喜歡組合與拼貼，就像剪紙的碎片可以重新拼出新的造型；陶土也是如此，需要一塊一塊地塑造、連結，再進窯燒製。

然而，創作不總是順利。偶爾作品會在燒製過程中出現意想不到的變化，或是不如預期。但她並不懊惱，反而樂於接受這種「不可控的成果」。「把錯誤留給媒材」是她打破完美、走向自由的一步。

一邊說，一邊拿出一樣作品。陳姝里試著把那個作品立起來，但隨即就倒下去：「這是一個立不起來的作品，我取名為《水平》。它也是我把剪紙碎片立體化的成果，本來想把陶土實心的部分挖除，讓作品平衡站起，沒想到作品還是無法站立。由垂直站立的狀態變成只能水平擺放。似乎是要我放下執念，接受它最後的狀態。」

她笑笑地繼續說：「所以這是一個失敗的作品嗎？我不這麼認為。或許對有些人來說，這是失敗品。但我卻因此看到，它有其他呈現方式。不只《水平》，我也有其他作品燒完後乍看不喜歡，但時間一久卻慢慢能夠欣賞它美的地方。」

陳姝里在大眾認知的「失敗」與「錯誤」中找到了另一種未曾想像的美。特別是當陶藝作品最後出窯時，會帶來無預期的驚喜或驚訝。她脈脈望著層架上的陶盤說道：「我好像也能更坦然面對生活中的不可控了呢！」

文字 / 洪孟樊

攝影 / 林家賢

Olafur Eliasson熱愛音樂。他認為音樂如同鏡子一樣映照出他的心情，承接並映照出他日常中忽視、未被滿足的情緒與需求。他也持續進修、閱讀，避免自己陷入知識的盲區——他永遠好奇還有什麼自己不知道的事物。在這裡，Olafur親身分享他私藏的歌單與書單。

➤ 延伸閱讀：深度專訪藝術家奧拉弗．埃利亞松Olafur Eliasson：世界沒有理所當然，唯有展開你的好奇心

Olafur歌單4+1：承接你的心緒

❶ 《In Waves》

Jamie xx｜2024

睽違9年，相較前張個人專輯的繽紛，這英國電音鬼才交出的作品更顯憂鬱複雜，卻眼望舞池的純真快樂。

❷ 《Lahai》

Sampha｜2023

生於西非獅子山裔移民家庭，英國非裔音樂人Sampha第2張專輯冠以祖父之名，揉合電子與靈魂樂，探索自己成為父親後的內省與溫暖。

❸ 《Enjoy the Silence》

Naima Joris｜2025

這位疫情期間因社群翻唱而備受注目的比利時爵士歌手，回歸初心重新詮釋曾療癒她的歌曲。

❹《Go》

Jónsi｜2010

這是Sigur Rós主唱Jónsi的首張個人專輯與個人的華麗冒險，夢幻假音飄盪， 在後搖與更流行的樂種間嬉玩。

同場加映：《I Hear You》

Peggie Gou｜2024

因藝術收藏而相識，Olafur為活躍柏林的韓國DJ Peggy Gou首張完整專輯《I Hear You》設計專輯封面，她穿戴的作品便是〈Psychoacoustic empathy amp〉（2023）；Olafur也執導單曲〈1+1=11〉MV，並將場景設定在他的柏林工作室，親自獻上一舞。

Olafur書單×6：餵養你的靈感

❶ 《Is a River Alive?》

Robert Macfarlane｜2025

土地是否能擁有人格權？Olafur觀察到台灣也正處理這議題，賦予河流或山脈人格權，自然界便也有了自我保護的法理基礎。

❷ 《Conflict Is Not Abuse》

Sarah Schulman｜2016

資深酷兒運動者直面當代痛點：我們太快將不適貼上受害標籤？這部挑釁之作解構二元對立思維，呼籲重新思考責任與修復。

❸《山之生》

Nan Shepherd｜1977（中譯版－新經典文化｜2019）

手稿沉睡30年後，這位蘇格蘭女作家畢生的登山札記才問世。她以詩人之眼凝視高地荒原，成為自然書寫的經典。

❹ 《The Discovery of Slowness》

Sten Nadolny｜1983

海軍傳奇在冰天雪地中尋找西北航道，天生行事緩慢卻屢建奇功，挑戰效率至上的現代迷思。

❺ 《心靈的傷，身體會記住》

Bessel van der Kolk｜2014（中譯版－大家出版｜2017 ）

這本書顛覆創傷研究的既有認知， 認為痛苦不只存在腦海，更銘刻在 身體之上，重新思考療癒的定義。

❻ 《The End of Nature》

Bill McKibben｜1989

在氣候變遷尚未被關注之時，McKibben便已提出獨立於人類之外的「自然」已不存在，我們需要重新審視與環境的關係。

奧拉弗．埃利亞松 Olafur Eliasson

冰島－丹麥藝術家，1967生於丹麥哥本哈根，工作室位於柏林。作品探索藝術與世界的廣泛連結。自1997年起，他的個展陸續於世界各大美術館展出，創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影，以其挑戰感知並強調環境共創的展覽與公共裝置，在國際藝壇享有盛譽。2003年，他在倫敦泰德現代美術館的渦輪大廳創作《The weather project》，以迷霧籠罩的巨大發光「太陽」創造沉浸式體驗。2008年，他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布，呈現於《The New York City Waterfalls》計畫中。埃利亞松亦透過藝術探索氣候變遷的議題，例如2014年，他將格陵蘭冰川的碎冰帶至哥本哈根市中心，隨後2015年在巴黎、2018年於倫敦再次展出此《Ice Watch》計畫，讓路過的民眾得以親手觸摸來自格陵蘭的冰川碎片，見證冰川融化消逝的脆弱過程。2012年，創立社會企業「小太陽」（Little Sun），並持續參與其發展至2024年。2014年，他與Sebastian Behmann共同成立Studio Other Spaces，這是一間專注於藝術與建築的創作機構。

_{更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》}