2018臺灣文博會文創趨勢國際論壇自4月19日至20日，邀請來自泰國、日本以及臺灣多位專業講者，從文創趨勢、音樂文化、時尚潮流、工藝設計、社會設計至創意授權，引領所有參與者從文化脈絡裡激發思考的可能性。除了文創各界領軍人士的講題分享外，更於各場規劃綜合對談，提供聽眾深入淺出的趨勢分析與文化見解，從對話、溝通到思考，逐步感受華人文化的獨特色彩。今年的文創趨勢國際論壇又有哪些精采的論點與交鋒，趕快一起來看看吧！
第一場–解構文博年度主題
【從設計改善生活，到文化思考設計】
王耀邦 / 格式設計展策總監、2018 臺灣文博會文化概念館策展人
博覽會如何引導大眾去思考複雜的議題，這種功能其來有自。從十六世紀還未全球化時歐洲上層者及富有實業家對各地珍寶的獵奇開始，隨著越來越多東西被蒐羅，歐洲開始使用博物學來了解事物。博物學的核心概念為「分類」及「配置」，它是視覺導向的、統治者用其展現支配的力量。起源於十九世紀的萬國博覽會便主導了大眾看待事物的形式，使人民接受了其預先設計好的視覺霸權。然而，人民雖是被被動吸引，卻也都成為表演者，且工業化不僅伴隨國家主義，也讓群眾開始懂得欣賞身體之美。到了現代，博覽會更已不是國家爭霸的副產物，諸多民間力量抬頭，讓我們可從自身身體之美、社會生活、周遭建築…等方面來探索展覽與美學的可能。
【從身體創造-台灣產業的全新課題】
詹偉雄 / 《數位時代》及《Shopping Design》雜誌創辦人
台灣文創產業高掛的理想和實際產出間有巨大差異，這是因為無法從傳統工業心態中蛻變、理性掛帥而缺乏用以平衡的浪漫主義——這種浪漫（根據尼采）源自於我們的身體，因其是人類精神的依歸。從經濟學視之，「創造（Creation）」、「創新（Innovation）」都能為社會帶來價值，但前者是無中生有、後者是以新易舊，完全不同的風險使創造成為稀有、創新可以是生活日常。雖然它們相輔相成、不必要擇一捨一，例如蘋果屬於創造型、富士康則是創新型，兩家公司都是 iPhone 價值鏈中不可或缺，但能獲利的比例卻天差地別。台灣產業現有思維只適合做創新，只有當主事者評定事物「合理」才願投入，無法達到創造者不惜風險的「自我完成」。台灣的創新型經濟中甚至帶有對「自我實現」的排斥，要能勇於創造、免於僵化滅亡，就要從打破這種壓抑開始。本次文博會希望喚醒大眾重視身體每分每秒的感受，從行動、解決危機的感官經歷中認識個人「每一天的英雄主義」，成為創造者。
對談節選
Q：這麼多的議題中，為何最後選擇這個策展方向呢？
王：我們發現以身體為中心出發的話，能將各個展場的設計概念串連起來。尤其是「從身體創造」這個主題，用在展覽這種具有現場性、能操作空間手法的媒介，特別適合去帶觀展者了解如何透過文化感知身體。
詹：依我過往跟政府商談的經驗，他們不能認同蘋果可以歸類為文創公司，不能接受一些比較直白的身體語言作為策展主題，這顯示出上層主導者還不大理解「身體」這樣的概念，身體與現代生活及大自然的互動關係，早已成為全球工業國家中的主流議題，例如許多國際大牌的新品系列都跟身體有關。
第二場–談台灣獨立音樂與文化影響力
【從獨立音樂創作人觀察台灣流行音樂的發展及其對庶民文化食衣住行育樂各面向產生的蝴蝶效應】
奇哥 / 音樂創作人
兩千年前後我剛開始做音樂時，表演的場地非常少，現在已不只是各種城市舞台、音樂祭，連咖啡廳都成為音樂場域的一環，牽動著獨立音樂的發展。在政府補助方面，文化部這類主要輔助者也越來越具備較相應的文化背景。在內容方面，以前談到樂團，大多是硬核（Hardcore）搖滾，但現在隨著網路、數位化，除了有更多電子元素外，也開拓了更能反映民眾不同喜好的多元音樂類型。內容的宣傳過往則常是音樂人頭痛的問題，現在年輕一輩做音樂都很完整、行銷進步很多，只是當然也該確保現場表演的品質、不能讓文案等宣傳內容給人超出表演本身的期待。但最重要我們該考慮現在音樂的意義是什麼——它可以單純作為作品獨立存在嗎？還是其價值也來自於所帶給大眾的娛樂體驗。做獨立音樂就是要有這樣的獨立思考。
【從獨立搖滾到嘻哈浪潮—— 一個愛樂者的在地思考】
李明璁 / 作家、台大社會學系助理教授
隨身聽、耳機的出現讓音樂能被切割、帶著走，使音樂進入私有化時代。這是革命式的改變，重新定義了公與私空間。透過沉浸在私有化的遙遠的想像空間，我們能超越時空與本該陌生的群體成為一種全新的「想像共同體」。串流音樂的出現更倍速擴大了想像世界的邊界，在這過程中我們可能對音樂、以音樂定義自我產生迷失，若用社會學的思維重新理解音樂，建構「個人的（individual）——人際的（interpersonal）——公眾的（public）」彼此連接的三角形關係，例如羅大佑的歌曲就對台灣社會的發展深有反映。無論是新台語搖滾、嘻哈、英搖，甚至是近年的韓流，背後都必有能與其每個樂迷、每種社會風潮共鳴之處，這種流行並不會和獨立音樂相牴觸。我們一生中會不斷透過音樂去定義自我並想像世界，即使它不能總像六零年代的搖滾樂那樣成功改變世界，至少能免於我們被世界改變。
對談節選
Q：怎麼看現在越來越多音樂祭或音樂活動的發展？
李：小型音樂祭雖然不見得能包山包海、設備有時也不是很頂級，但現在年輕人更願意花錢在自己喜歡的音樂上，如果能辦出風格獨特、氣氛很呼應目標群眾需求的音樂祭，我想這也是很好的方向。
奇：不論是種種小型的音樂祭、特色 live house，或是網路上很多的音樂頻道，都是有心人很自發性推動了大眾對不同內容的探索，這可以去抗衡現在數位時代下社會的焦慮——彷彿什麼東西都要掌握、（尤其在台灣）活動也要先整理成冊，比較少對現場、原生性的包容與好奇。
第三場–流行有理：台灣時尚你怎麼看
【時尚是門好生意：鉅變創新與機會】
孫正華 / 臺灣時尚設計協會理事長
一直很想去反駁「台灣有時尚嗎？」這種質疑，在《時尚台灣》一書中我決定探索台灣時尚的脈絡。從 1960 年代遠東百貨創立開始；到許多 1970~1980 年代創辦的品牌，如今大多都在各百貨中有一席之地；而自 1990 年代起，雖然能看到像吳季剛、賈雯蘭等台裔在美國發展，享有更完善的產業鏈及廣大市場，但也有夏姿這樣在台灣發跡、而後成為華人時尚之光的品牌。放眼全球，從生產面看，在時尚產業市值高漲的潮流中，品牌更必須靠獨特的設計來驅動、維持成長。從消費面看，特別是在亞洲，通路數位化的比重顯著高於歐美、且銷售潛力早已超越歐美，標記著「東方崛起」。時尚界雖面臨社群力量、快時尚、AI 趨勢等種種衝擊，但同時迎來了跨界合作、優化供應鏈、精準行銷…等機會。其中台灣的優勢在於：保留完整的華人文化、紡織業基礎、優異的設計新生代，但產業鏈、國際形象，及把握海外大市場的聚合能力必須加強
【明日的台灣時尚：通過永續思考，給你嶄新的設計視野！】
張倞菱 / Picupi 挑品新聞創辦人
時尚品牌及其設計師必須負起社會責任。從原創設計是否真的滿足群眾需求開始；到原物料的取得及製程是否環保；再到生產及交易是否不損害他人，整個產業鏈都要問心無愧，才能說它有經濟價值而非製造垃圾。如何為下一代設計而不是浪費下一代的資源？應從實踐循環經濟著手。要做到物料再利用，從部件拆解性、版型開始整個設計思維就會大不相同，若從希望消費者能更長久使用出發，服務流程及行銷手法也會改變。然而循環生產模式並不能解決快時尚及消費者心理造成的問題，它只是緩解既有的垃圾製造，透過在消費端推廣二手、依需求訂製、公平貿易⋯⋯等才能真正達到完全封閉式的循環時尚鏈。另外，科技創造了更多永續時尚的可能性，例如 3D 列印生產不需要血汗工廠、不會浪費多餘的角料布，菌絲可成為製衣的生物材料。
對談節選
Q：台灣設計師、時尚品牌該如何從資金、行銷等困局中找到生機？
張：以韓流為例，他們的時尚產業便能透過影視娛樂來帶動，這其中當然有政府的一些影響在、而且也耕耘了十幾年才能發酵。另外，台灣現在時尚產業鏈中的各部位業者比較各玩各的，整合優勢還有待發揮。但資金部分，不得不說國內的創投並不了解時尚產業，無論是品牌端或投資者，都要重新思考到底要面對什麼市場規模。畢竟若總是抱怨台灣沒有人口紅利，那豈不是所有產業都玩不下去？很多品牌都必須在誕生之初就有全球化的思維。
孫：其實台灣創投不全然是錢不夠或不願投資，但品牌端即使從小、從低處做起，也要努力先做出第一桶金，才能證明有值得被投資擴大的潛力。從家鄉做起也是很多歐美品牌的作法。對尚無把握的品牌而言，國際參展只能先作為對國內行銷的手段、幫品牌添加光環，而不是一躍登台就想獲得國外訂單。
張：補充一個重點，不能總是依靠政府。如果一個品牌、設計師不能獨立找出自己的商業模式，就表示他的作品賺不了錢、群眾沒有需求。而且若要走向國際，很多國際採購同樣不會第一年就投資你，你可能必須先連續燒錢好幾年證明自己能活下來，因此還是如正華所言，要妥善規畫自己的既有資源。
品牌贊助 / 有情門、P&P FOOD東遠國際
更多完整論壇內容請至臺灣文博會臉書觀看。
編輯整理 / Ivy Tu
via / 臺灣文博會
