勞力士化身新一代藝術巨匠的推手!電影、建築等各領域大師與門生的藝術傳承對談

有什麼比勞力士創藝推薦資助計劃更令年輕藝術家嚮往?來自建築、文學、電影、音樂、視覺藝術、戲劇和舞蹈的新銳藝術家們,須經歷嚴格的評選制度,才能獲得此資助計畫,不但能與大師貼身學習,也能將自己的藝術創作推向國際舞台!

 

「我想要導出奧斯卡最佳導演得主艾方索·柯朗(Alfonso Cuaron)那般的影片⋯」、「如果可以跟菲利普·葛拉斯(Philip Glass)一起在台上演奏的話⋯」、「若能與大師大衛 基帕菲特(David Chipperfieldd)來一場城市建築探索⋯」

 

這樣的開場映照著每一位年輕藝術家、表演者或是設計師的內心世界,習藝於師並將其知識傳承,儘管世界快速變動,科技日新月異,藝術存在的價值與意義未曾改變。勞力士創藝推薦資助計劃(Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative)深知世代傳承藝術知識的重要性,因此早在15年前即推動此項計劃,透過導師與門徒的切磋互動,不斷延續藝術價值與展現個人成就。

 

勞力士公益慈善部主管麗蓓嘉.艾爾文(Rebecca Irvin)表示:「我們希望此計畫可以為藝術服務,更希望它是廣泛的,而不是單一的藝術,我們也想鼓勵不同藝術學科之間的互動。」在此資助計畫中,將藝術分為建築、文學、電影、音樂、視覺藝術、戲劇和舞蹈,並邀請各領域的大師擔任導師,經由推薦人推舉的名單中找尋適合的門生,再請導師決定最後的門生人選。此計畫為期兩年,而門徒與導師實際貼身學習的時間為一年,並將這一年時間所累積的成果於勞力士藝術週末(Rolex Art Weekend)發表。

 

自2002年首屆創立以來,目前已有50位導師參加此計畫,期間來自250位不同的專家提名了1,100多名年輕藝術家,同時也有120位藝術家和創意領袖作為該計劃的藝術顧問。其中雲門舞集的創辦人、藝術總監林懷民就曾擔任2012∼2013年的導師,指導來自巴西的青年舞蹈家Eduardo Fukushima,當年年輕門徒特地從聖保羅搬來台北習藝,不僅探索身體肢體的限度,同時浸潤在林懷民老師的舞蹈哲學之中。

 

本年度的勞力士藝術週末選擇在柏林舉辦,這座城市有著年輕不羈的藝術氣息,同時也擁有深厚的文化底蘊。在為期兩天的勞力士藝術週末,不間斷的藝術表演、展覽與論壇接連展開,不僅展現過去一年的創造成果,更透過藝術的價值與知識延續著導師與門生深厚情誼。

 

Movie電影

Mentor ∣ 艾方索 柯朗(Alfonso Cuarón)
Protégé ∣ 查譚雅亞 塔姆哈尼(Chaitanya Tamhane)

電影人生

熱愛電影藝術的Chaitanya Tamhane來自印度,年紀輕輕的他所執導的首部電影《等待判決的日子》(Court)更代表印度角逐2016年奧斯卡最佳外語片獎。導師與門生的指導期間,他遠赴墨西哥並參與導演Alfonso Cuarón新片《Roma》拍攝,對於Alfonso來說:「經驗就是,每當分享知識,雙方也會受益。」。

 

為求故事情節保密,Alfonso Cuaróny在拍攝《Roma》時,其劇本為每天向演員和拍攝團隊發放,貼心的他也為了不熟悉西語的Chaitanya Tamhane,特意把劇本譯成英文,讓他能夠了解整個劇情,並在拍攝期間不時向他徵詢意見。Tamhane表示自己只曾參與「微預算」的作品,這次見到如《Roma》般大型的製作,強調影像和光暗運用,與寶萊塢(Bollywood)著重敘事手法形成鮮明對比。

 

拍攝現場Chaitanya也提供許多拍攝上的想法相互切磋,同時他也深刻體認到對於一個已經獲得奧斯卡導演獎肯定的資深導演來說,即便可動用很多資源,拍攝一部電影也不會變得輕易簡單,唯有做喜歡的事,抱持理想和信念,才能應付自如。

 

 

Dance舞蹈

Mentor ∣ 歐漢 納哈林(Ohad Naharin)
Protégé ∣ 朗迪薇 柯莎(Londiwe Khoza)

沒有鏡子的練習室

來自南非的專業古典芭蕾舞者Londiwe的第一堂震撼教育就是不再對著鏡子練習舞步,過往專業舞者培訓過程中總是專注的凝視鏡中的自己,就為了調校出一個完美的肢體動作,而導師Ohad所創的「嘎嘎」(Gaga)則是一種即興舞蹈表演,沒有標準動作,讓舞者從新學習與自己的身體相處,隨著節奏直覺性的綻放軀體,Londiwe在沒有鏡子的練習室中排練舞蹈,促使她重新思索對舞蹈的理解。

 

 

Literature文學

Mentor ∣ 米雅 柯托(Mia Couto)
Protégé ∣ 胡利安 福克斯(Julián Fuks)

學習大師的失誤

導師與門生皆是葡萄牙語系的小說作家,當Mia第一次見到Julián時便覺得他是一位優秀、風格鮮明的作家。一向寫作用字非常嚴謹的Julián希望可以學習更自由、更具想像力,甚至混亂的寫作風格,但卻又害怕錯誤。Mia希望擺脫垂直的師徒學習方式,而採取水平的互動方式,將他自身面臨的寫作困惑與Julián分享,同時希望Julián提供他的想法與建議,而Julián也在這過程中學習到即便大師也會有靈感枯竭無助的時候,因此更能放手去面對錯誤。

 

 

Architecture建築

Mentor ∣ 大衛 奇普菲爵士(Sir David Chipperfield)
Protégé ∣ 西蒙 克雷茲(Simon Kretz)

 

都市的未來性

建築是一門深奧的課題。一部小說、一檔展覽或是一部戲劇的存在,是關乎創作者與觀者之間;但建築是存在於城市,關乎一座城市的面容與天際線,更聯繫著城市的發展與未來生活的想像。

 

在勞力士創藝推薦資助計劃中,最複雜的課題應屬於建築學門,由來自英國的建築導師David Chipperfield爵士及其瑞士門生Simon Kretz並未攜手打造一棟建築或是完成一項計畫,確實一年的師徒期間不可能讓一座建築從無到有,同時這也不是計畫的主要本質。很有趣的,他們選擇了東倫敦Shoreditch區域一塊待重新整頓的基地—主教門貨場區(Bishopsgate Goodsyard)作為研究討論的計劃,分別比較英國與瑞士的規劃過程與方式,在討論過程中,藉以發現都市規劃對於社會、社區型態與自然之間等問題,建築並非只是圍籬內的事情,而是對於環境與生活產生更深遠的影響。


兩位建築師在公開論壇中探討都市化(urbanization)與都市生活(urbanity),都市化是基礎建設的產物,屬於硬體的部分,而都市生活則是軟體的部分,每座城市有屬於自己的生活形式,即便選擇歐洲與亞洲一線城市相比較,在都市化的發展建設中,完善的交通、商業與住宅全能性開發,對於都市生活的定義也有極大的差別。若建築師能將理想的都市生活與都市化結合,便能產生相當好的結果。

 

Simon自小對於很多不同的事物感到興趣,畫圖、數學,還有哲學等等⋯。因此他思考著哪一種職業或學科可以同時擁有這些內容,而建築應該是其中之一!他認為建築是一種結合工藝、卻有兼具實務的面向,同時也包含很多哲學。身為建築師需要整合龐大的構想與執行面,然後把它們綜合成一個複雜的架構,這個架構往往是計畫的基礎,從這個寶貴的師徒經驗來說,他從David身上學習到在設計過程中試著以簡單卻深入的概念為開端,有助於讓整體計畫更為牢固與明確。「他非常有一致性,思考事情非常透徹,他不常改變主意,不會每天都有新的想法,思考也有持續性,所以這一年我們可以持續討論同樣的概念、同樣的主題。」此次對於Bishopsgate Goodsyard的研究結果將於2018年輯錄成書。

 

 

Text /  林佳育

圖片提供 / Rolex 勞力士

【更多精彩內容請見 2018《La Vie》雜誌 4 月號】

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史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會(Fondation Louis Vuitton),匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品,從加州時期以泳池為題的一系列作品,到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫,展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置,並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作,也同時回顧David Hockney早期的代表性作品,帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示:「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽,連我現在正在創作的畫作也會展出,我想這一定會非常精彩。」

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
《David Hockney 25》展覽現場(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來,David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年,他的創作生涯豐富且多產,無論媒材或技法皆持續創新,從未停下腳步。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
David Hockney(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言,並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕,像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯,以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像(泳池與兩個人像)》等作品,以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Christopher Isherwood and Don Bachardy(圖片來源:David Hockney)

1980至1990年代,David Hockney轉而描繪自然景觀,並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分,則聚焦David Hockney近25年回到英國,於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期,他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主,像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》,以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等,都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
May Blossom on the Roman Road(圖片來源:David Hockney)

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間,他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色,透過科技筆觸描繪生活的希望,持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時,他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像,並以傳統畫框裝裱數位畫作,產生時空交錯的視覺效果。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Full Bloom, 27th March 2020, No. 1(圖片來源:David Hockney)

來到展覽的尾聲,則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品,其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發,畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外,David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像,為這場規模空前的回顧之旅收尾。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
After Munch: Less is Known than People Think(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique(圖片來源:David Hockney)

David Hockney 25

展覽日期|2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點|Fondation Louis Vuitton

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讓自我如幻夢般流動!Ana Karkar個展《Pipe Dream》登台:以變形女體,挑戰對情色和親密的既定想像

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊(Galerie Marguo)攜手合作,推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡(Ana Karkar)在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識,幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中,她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世,情緒張力飽滿,洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力,帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境,穿越現實與幻想的邊界。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)
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(圖片提供:TAO ART)

狂想般的視覺語言,包裹對「自我」的見解

東西方神話、實驗電影、克林姆等維也納分離派畫家……滋養著卡卡的創作養分,引領她發展出近似「狂想」的視覺語言。她用極具流動性的筆觸描繪女體、勾勒女性意識,像是種反叛,挑戰人們對情色與親密的既定想像;也是份宣言——自我沒有固定的形式、沒有清晰的邊界,而是如花般層層綻放,在關係中不斷展開、變形與再生。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

在卡卡的藝術宇宙裡,身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器,神聖又脆弱,蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚,引領觀者在幻象與現實之間,重新凝視身體與存在的關係,想像蛻變的可能。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品,持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence畫中濃綠與青藍色調,喚起水與生命誕生的意象,與火的元素形成對比,象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象,神秘而無法被定義;她內心彷彿燃燒著渴望,只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

另一邊,〈Scales畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞,形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇,白與紫的色彩對比空靈而神秘,營造近乎神話般的場景。

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(圖片提供:TAO ART)

藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響,也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中,糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象,強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒(Egon Schiele);激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙,則呼應了克林姆(Gustav Klimt)的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演,從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪(Brian De Palma)到達利歐·阿基多(Dario Argento),以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

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(圖片提供:TAO ART)

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂,都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」,延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格,根植於卡卡的生活背景,她出生並成長於舊金山,從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後,曾進入Louis Vuitton總部工作,於影像製作和數位媒體部門任職7年,現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷,皆深深影響她的創作。

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(圖片提供:TAO ART)

在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為,「卡卡畫的不是單純的身體,而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變,還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角,創造了一個心理空間,在那裡,身體不再是固定的,而是不斷變化、彼此交織,充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream

展期|2025.05.0707.12

開放時間|週二至週六 11:0019:00

地點|TAO ART(台北市內湖區洲子街79-18樓)