從2008年《哥德風：黑色絢麗》（Gothic: Dark Glamour）時尚展覽點燃黑色時尚、2011年V&A博物館AlexanderMaQueen回顧展《野蠻之美》（SavageBeauty）引爆排隊熱潮，到2015年紐約大都會藝術博物館《中國：鏡花水月》（China: Through The Looking Glass）展覽搶佔媒體版面，時尚展覽不只是當代策展必選題，更是博物館的吸金保證。

究竟時尚展覽有何魅力？我們又真的需要一座時尚博物館嗎？藉著輔仁大學織品服裝學院博物館研究所舉辦《時尚策展2.0：遇見台灣》講座，我們邀請有時尚界佛洛伊德之稱的紐約流行設計學院博物館（The Museum at the Fashion Institute ofTechnology,MFIT）館長史提爾（Valerie Steele）作客解答 : 

我發現，人們喜歡學習時尚知識

有鑑於近年時尚展覽熱潮，我們首先問的問題，便是「究竟時尚展覽魅力何在？」擔任紐約流行設計學院博物館館長長達15年的她，不假思索地答道：「因為人們認為，他們可以理解時尚。」不如純藝術給人的距離感，史提爾表示，對大眾而言，時尚展覽是一種具有教育性的娛樂。「我發現人們喜歡學習時尚知識，他們喜歡跟朋友說：『你知道香奈兒並沒有發明小黑裙嗎？小黑裙早就已經存在了⋯⋯。』」史提爾笑道，「除此之外，時尚展覽也可以啟發設計師、時尚學院的學生，甚至是一般大眾。看著裡頭的展品，他們可能會想穿出某種態度。」娛樂性、教育性和啟發性，是史提爾眼中的時尚展覽三要素；然而，一座時尚博物館，似乎不是滿足三要素的唯一解答。

我們需要一座時尚博物館嗎？

「我追溯到最早關於時尚博物館的記錄，是18世紀的英國報紙上，有人開玩笑地建議，『正如大家需要圖書館和博物館，我們或許也需要一座時尚博物館。』」史提爾回答。當我們以為她要引經據典地捍衛時尚博物館的正當性時，她卻說道：「但是，直至今日，我不知道人們是否需要一座時尚博物 她眼中的時尚展館，畢竟藝術、歷史、設計博物館也同樣收藏時尚作品。然而，時尚博物館的有趣之處，在於我們不必證明時尚是藝術，也不用把時尚和城市的某段歷史綁在一起。時尚本身就是母題。我們可以談時尚為何改變、過去的時尚又如何影響了現在的時尚。」

除了賦予時尚自主發語權，史提爾也認為，將時尚搬進博物館可以改變大眾對時尚的看法。「他們會覺得，時尚跟藝術一樣是有價值的。」儘管對於時尚博物館的必要性不置可否，史提爾卻讓我們看到，時尚博物館如何賦予時尚詮釋的自由，讓時尚說出自己的故事，讓存在的理由不假外求。

PROFILE

史提爾（ValerieSteele）美國知名時尚歷史學家與策展人，擅長從文化史和人類學的角度剖析時尚。從2003年擔任紐約流行設計學院博物館館長至今，策劃《哥德風：黑色絢麗》（Gothic：Dark Glamour）、《酷兒演變史：走出櫃子，走上伸展台》（A Queer History：From theCloset to the Catwalk）等展覽，並著有《時尚設計師A-Z》（Fashion Designers A-Z: The Collection of The Museum at FIT）等著作。

她眼中的時尚展

Q :近年許多時尚品牌紛紛開設品牌博物館。你認為時尚品牌博物館與公共時尚博物館的差別是什麼？

V : 品牌博物館的目的在於宣傳，公共時尚博物館則說出事實。品牌博物館可能會說：「某位設計師是最重要的時尚設計師之一。」我們則會寫：「某位設計師是1970年代很重要的設計師，但之後就還好而已。」

Q 時尚策展最具挑戰性的部分是什麼？

V : 籌錢。我愛我的工作，但不是每個部分都很好玩。

Q 一位好的時尚策展人，需要具備哪些特質？

V : 他必須是優秀的研究者，又有創意和想像力。要受過學術訓練，也知道業界的真實狀況並熟悉設計師。很多人只具備其一。

Q 特別推薦的時尚博物館？

V : 比利時的安特衛普時尚博物館（ModeMuseum ProvincieAntwerpen，MoMu）。照理講，時尚策展專注於單一國家的設計師，不是一件很有趣的事。他們卻將這件事情做得很出色。

Q 有哪些時尚展覽令你印象深刻？

V : 2011年布德爾博物館（Musee Bourdelle）展出的《格蕾夫人：職場時裝》（Madame Grès: Couture at Work）。格蕾夫人新古典主義的服裝，與博物館藏品相互呼應，表現出驚人的美麗；麥昆回顧展《野蠻之美》（Savage Beauty）則在展出設計師作品之外，表現出麥坤時尚秀給人的興奮感。品牌展覽方面，YSL巴黎博物館（Musée Yves Saint Laurent Paris）的展覽秀出了草稿、影片、相片、實物等多元素材，影片中還訪問了聖羅蘭的員工、客戶，相當有趣。而裝飾藝術博物館（Musée des Artsdécoratifs）展出的《克里斯汀·迪奧，夢之設計師》（Christian Dior， Designer of Dreams）則展出曾為Dior工作的設計師作品，而不只是迪奧先生的作品，非常精采。

文  / 郭慧

圖片提供 / MFIT（The Museum at the Fashion Institute of Technology）

【更多精彩內容請見 2018《La Vie》雜誌 5 月號】

「對我而言，創作不會總是有很強烈的意圖。」一開口，陳姝里如此輕描淡寫，卻正好道出她在藝術創作之路上「自然而然」轉向陶藝的關鍵。過去十餘年，她穿梭在插畫與平面設計之間，也因此在插畫界中闖出一番成績。只是，日復一日，面對形形色色的客戶需求，她漸漸無法沉浸在「純創作」的心流之中。「會去捏陶，就像是一種自然轉換的過程，因為當時的我，很需要自己的空間，不僅是實體的空間，心理也是……」

創作的起點

日光穿過半掀的調光簾透進屋內，落在工作桌上散落的色紙碎片。這些看似「無用」的東西，偶然被陳姝里收了起來，並衍生出她的創作系列：《拾獲物》（found object）。

「這些色紙碎片是剪紙過程中剩餘的材料，本來應該要被丟進垃圾桶的，但我覺得這些造型不一的圖形，其實更吸引我。於是我就把喜歡的碎片變成新的創作素材，拼貼出《組合》這系列作品。」

偶然出現的碎紙片，意外帶給陳姝里更純粹、單純的創造樂趣。平時面對繁雜的平面設計與插畫工作，容易使她陷入過度的計畫與目的性。然而在這些碎紙片面前，心思卻能回到最初的空白。「這些剪紙碎片構成的創作，我叫它們『小雕塑』。某一天，我突然有個想法，如果把這些平面的紙片，變成立體的作品，可以怎麼呈現？」

可以說是記憶使然，陳姝里立刻想到一種既熟悉又陌生的創作手法：陶作。原來，陳姝里的舅舅是陶藝家，小時候陳姝里在過年時會去舅舅的工作室玩陶。大學也修過一學年的陶藝課，所以捏陶對陳姝里來說並不陌生。

捏陶，也是在捏塑自己的心

捏陶看似閒適，但她苦笑說自己其實沒什麼時間可以閒下來，大部分時間被工作填得密不透風。後來有了小孩，時間又被分割得零零碎碎。「以前我可以每天工作十個小時，但自從女兒出生，人生又多了一種角色和責任。生活一直處在停不下來，不斷忙碌、擔心的狀態。」

漸漸地，她感覺快被外界的人事物塞滿，內心沒有了自己的位置⋯⋯「我喜歡創作，但成為媽媽之後，時間變得很破碎，加上疫情嚴重的那年，我24小時育兒，一天也許只有30分鐘的空檔。但我還是想創作，我需要創作。我內心知道，若再不撥一點時間給自己，我會失控。」

在這個掙扎的時刻，陳姝里接觸到陶藝，摸到陶土的那一刻，她感到一股似曾相識的感覺。「我以為自己已經忘了，但觸覺帶我回到小時候，在家門口玩泥巴，把泥土捏成球。手中握著泥球，我好滿足。而捏陶的時候，我又感受到那種純粹的快樂。」

放下執念，享受不可控

對陳姝里而言，不論是紙片創作、插畫，或是後來的雕塑、捏陶，本質都相通。她喜歡組合與拼貼，就像剪紙的碎片可以重新拼出新的造型；陶土也是如此，需要一塊一塊地塑造、連結，再進窯燒製。

然而，創作不總是順利。偶爾作品會在燒製過程中出現意想不到的變化，或是不如預期。但她並不懊惱，反而樂於接受這種「不可控的成果」。「把錯誤留給媒材」是她打破完美、走向自由的一步。

一邊說，一邊拿出一樣作品。陳姝里試著把那個作品立起來，但隨即就倒下去：「這是一個立不起來的作品，我取名為《水平》。它也是我把剪紙碎片立體化的成果，本來想把陶土實心的部分挖除，讓作品平衡站起，沒想到作品還是無法站立。由垂直站立的狀態變成只能水平擺放。似乎是要我放下執念，接受它最後的狀態。」

她笑笑地繼續說：「所以這是一個失敗的作品嗎？我不這麼認為。或許對有些人來說，這是失敗品。但我卻因此看到，它有其他呈現方式。不只《水平》，我也有其他作品燒完後乍看不喜歡，但時間一久卻慢慢能夠欣賞它美的地方。」

陳姝里在大眾認知的「失敗」與「錯誤」中找到了另一種未曾想像的美。特別是當陶藝作品最後出窯時，會帶來無預期的驚喜或驚訝。她脈脈望著層架上的陶盤說道：「我好像也能更坦然面對生活中的不可控了呢！」

文字 / 洪孟樊

攝影 / 林家賢

Olafur Eliasson熱愛音樂。他認為音樂如同鏡子一樣映照出他的心情，承接並映照出他日常中忽視、未被滿足的情緒與需求。他也持續進修、閱讀，避免自己陷入知識的盲區——他永遠好奇還有什麼自己不知道的事物。在這裡，Olafur親身分享他私藏的歌單與書單。

➤ 延伸閱讀：深度專訪藝術家奧拉弗．埃利亞松Olafur Eliasson：世界沒有理所當然，唯有展開你的好奇心

Olafur歌單4+1：承接你的心緒

❶ 《In Waves》

Jamie xx｜2024

睽違9年，相較前張個人專輯的繽紛，這英國電音鬼才交出的作品更顯憂鬱複雜，卻眼望舞池的純真快樂。

❷ 《Lahai》

Sampha｜2023

生於西非獅子山裔移民家庭，英國非裔音樂人Sampha第2張專輯冠以祖父之名，揉合電子與靈魂樂，探索自己成為父親後的內省與溫暖。

❸ 《Enjoy the Silence》

Naima Joris｜2025

這位疫情期間因社群翻唱而備受注目的比利時爵士歌手，回歸初心重新詮釋曾療癒她的歌曲。

❹《Go》

Jónsi｜2010

這是Sigur Rós主唱Jónsi的首張個人專輯與個人的華麗冒險，夢幻假音飄盪， 在後搖與更流行的樂種間嬉玩。

同場加映：《I Hear You》

Peggie Gou｜2024

因藝術收藏而相識，Olafur為活躍柏林的韓國DJ Peggy Gou首張完整專輯《I Hear You》設計專輯封面，她穿戴的作品便是〈Psychoacoustic empathy amp〉（2023）；Olafur也執導單曲〈1+1=11〉MV，並將場景設定在他的柏林工作室，親自獻上一舞。

Olafur書單×6：餵養你的靈感

❶ 《Is a River Alive?》

Robert Macfarlane｜2025

土地是否能擁有人格權？Olafur觀察到台灣也正處理這議題，賦予河流或山脈人格權，自然界便也有了自我保護的法理基礎。

❷ 《Conflict Is Not Abuse》

Sarah Schulman｜2016

資深酷兒運動者直面當代痛點：我們太快將不適貼上受害標籤？這部挑釁之作解構二元對立思維，呼籲重新思考責任與修復。

❸《山之生》

Nan Shepherd｜1977（中譯版－新經典文化｜2019）

手稿沉睡30年後，這位蘇格蘭女作家畢生的登山札記才問世。她以詩人之眼凝視高地荒原，成為自然書寫的經典。

❹ 《The Discovery of Slowness》

Sten Nadolny｜1983

海軍傳奇在冰天雪地中尋找西北航道，天生行事緩慢卻屢建奇功，挑戰效率至上的現代迷思。

❺ 《心靈的傷，身體會記住》

Bessel van der Kolk｜2014（中譯版－大家出版｜2017 ）

這本書顛覆創傷研究的既有認知， 認為痛苦不只存在腦海，更銘刻在 身體之上，重新思考療癒的定義。

❻ 《The End of Nature》

Bill McKibben｜1989

在氣候變遷尚未被關注之時，McKibben便已提出獨立於人類之外的「自然」已不存在，我們需要重新審視與環境的關係。

奧拉弗．埃利亞松 Olafur Eliasson

冰島－丹麥藝術家，1967生於丹麥哥本哈根，工作室位於柏林。作品探索藝術與世界的廣泛連結。自1997年起，他的個展陸續於世界各大美術館展出，創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影，以其挑戰感知並強調環境共創的展覽與公共裝置，在國際藝壇享有盛譽。2003年，他在倫敦泰德現代美術館的渦輪大廳創作《The weather project》，以迷霧籠罩的巨大發光「太陽」創造沉浸式體驗。2008年，他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布，呈現於《The New York City Waterfalls》計畫中。埃利亞松亦透過藝術探索氣候變遷的議題，例如2014年，他將格陵蘭冰川的碎冰帶至哥本哈根市中心，隨後2015年在巴黎、2018年於倫敦再次展出此《Ice Watch》計畫，讓路過的民眾得以親手觸摸來自格陵蘭的冰川碎片，見證冰川融化消逝的脆弱過程。2012年，創立社會企業「小太陽」（Little Sun），並持續參與其發展至2024年。2014年，他與Sebastian Behmann共同成立Studio Other Spaces，這是一間專注於藝術與建築的創作機構。

_{更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》}