從2008年《哥德風：黑色絢麗》（Gothic: Dark Glamour）時尚展覽點燃黑色時尚、2011年V&A博物館AlexanderMaQueen回顧展《野蠻之美》（SavageBeauty）引爆排隊熱潮，到2015年紐約大都會藝術博物館《中國：鏡花水月》（China: Through The Looking Glass）展覽搶佔媒體版面，時尚展覽不只是當代策展必選題，更是博物館的吸金保證。

究竟時尚展覽有何魅力？我們又真的需要一座時尚博物館嗎？藉著輔仁大學織品服裝學院博物館研究所舉辦《時尚策展2.0：遇見台灣》講座，我們邀請有時尚界佛洛伊德之稱的紐約流行設計學院博物館（The Museum at the Fashion Institute ofTechnology,MFIT）館長史提爾（Valerie Steele）作客解答 : 

我發現，人們喜歡學習時尚知識

有鑑於近年時尚展覽熱潮，我們首先問的問題，便是「究竟時尚展覽魅力何在？」擔任紐約流行設計學院博物館館長長達15年的她，不假思索地答道：「因為人們認為，他們可以理解時尚。」不如純藝術給人的距離感，史提爾表示，對大眾而言，時尚展覽是一種具有教育性的娛樂。「我發現人們喜歡學習時尚知識，他們喜歡跟朋友說：『你知道香奈兒並沒有發明小黑裙嗎？小黑裙早就已經存在了⋯⋯。』」史提爾笑道，「除此之外，時尚展覽也可以啟發設計師、時尚學院的學生，甚至是一般大眾。看著裡頭的展品，他們可能會想穿出某種態度。」娛樂性、教育性和啟發性，是史提爾眼中的時尚展覽三要素；然而，一座時尚博物館，似乎不是滿足三要素的唯一解答。

我們需要一座時尚博物館嗎？

「我追溯到最早關於時尚博物館的記錄，是18世紀的英國報紙上，有人開玩笑地建議，『正如大家需要圖書館和博物館，我們或許也需要一座時尚博物館。』」史提爾回答。當我們以為她要引經據典地捍衛時尚博物館的正當性時，她卻說道：「但是，直至今日，我不知道人們是否需要一座時尚博物 她眼中的時尚展館，畢竟藝術、歷史、設計博物館也同樣收藏時尚作品。然而，時尚博物館的有趣之處，在於我們不必證明時尚是藝術，也不用把時尚和城市的某段歷史綁在一起。時尚本身就是母題。我們可以談時尚為何改變、過去的時尚又如何影響了現在的時尚。」

除了賦予時尚自主發語權，史提爾也認為，將時尚搬進博物館可以改變大眾對時尚的看法。「他們會覺得，時尚跟藝術一樣是有價值的。」儘管對於時尚博物館的必要性不置可否，史提爾卻讓我們看到，時尚博物館如何賦予時尚詮釋的自由，讓時尚說出自己的故事，讓存在的理由不假外求。

PROFILE

史提爾（ValerieSteele）美國知名時尚歷史學家與策展人，擅長從文化史和人類學的角度剖析時尚。從2003年擔任紐約流行設計學院博物館館長至今，策劃《哥德風：黑色絢麗》（Gothic：Dark Glamour）、《酷兒演變史：走出櫃子，走上伸展台》（A Queer History：From theCloset to the Catwalk）等展覽，並著有《時尚設計師A-Z》（Fashion Designers A-Z: The Collection of The Museum at FIT）等著作。

她眼中的時尚展

Q :近年許多時尚品牌紛紛開設品牌博物館。你認為時尚品牌博物館與公共時尚博物館的差別是什麼？

V : 品牌博物館的目的在於宣傳，公共時尚博物館則說出事實。品牌博物館可能會說：「某位設計師是最重要的時尚設計師之一。」我們則會寫：「某位設計師是1970年代很重要的設計師，但之後就還好而已。」

Q 時尚策展最具挑戰性的部分是什麼？

V : 籌錢。我愛我的工作，但不是每個部分都很好玩。

Q 一位好的時尚策展人，需要具備哪些特質？

V : 他必須是優秀的研究者，又有創意和想像力。要受過學術訓練，也知道業界的真實狀況並熟悉設計師。很多人只具備其一。

Q 特別推薦的時尚博物館？

V : 比利時的安特衛普時尚博物館（ModeMuseum ProvincieAntwerpen，MoMu）。照理講，時尚策展專注於單一國家的設計師，不是一件很有趣的事。他們卻將這件事情做得很出色。

Q 有哪些時尚展覽令你印象深刻？

V : 2011年布德爾博物館（Musee Bourdelle）展出的《格蕾夫人：職場時裝》（Madame Grès: Couture at Work）。格蕾夫人新古典主義的服裝，與博物館藏品相互呼應，表現出驚人的美麗；麥昆回顧展《野蠻之美》（Savage Beauty）則在展出設計師作品之外，表現出麥坤時尚秀給人的興奮感。品牌展覽方面，YSL巴黎博物館（Musée Yves Saint Laurent Paris）的展覽秀出了草稿、影片、相片、實物等多元素材，影片中還訪問了聖羅蘭的員工、客戶，相當有趣。而裝飾藝術博物館（Musée des Artsdécoratifs）展出的《克里斯汀·迪奧，夢之設計師》（Christian Dior， Designer of Dreams）則展出曾為Dior工作的設計師作品，而不只是迪奧先生的作品，非常精采。

文  / 郭慧

圖片提供 / MFIT（The Museum at the Fashion Institute of Technology）

【更多精彩內容請見 2018《La Vie》雜誌 5 月號】

探向內心深處，那份難以言明的「思慕」（yearning）指向何方？2025台北雙年展《地平線上的低吟》由此概念開展，將疑問拋擲向歷史、身分認同、集體與私我的記憶，最後再回到自己。而在開展之際，我們直擊Ivana Bašić、Jacopo Benassi兩位藝術家的布展現場，看見他們如何構築所想，也相談他們的創作與心中所渴慕。

▶ 延伸閱讀：專訪2025台北雙年展藝術家Jacopo Benassi：這世界不配，於是〈花都罷工了〉

初見Ivana Bašić的作品，你或許難以明確形容眼前所見：是超脫現實的外星異形生命體？似人非人，像某種來自地球的生命形式也不全似？對她來說，創作是對現實世界的超越。她形容整個過程是場「有序的混亂」，她的工作環境總是鬆散而開放，以迎接任何不可預知的可能。一件雕塑的創作過程非常漫長，甚至可長達15個月。她分享，等待想法成形如同冥想。「我常獨自一人在工作室裡，連續播放同一首歌好幾個月，嘗試創造某種淨空的狀態、抹去來自這世界的影響。如此，我便能繞過現實，進入另一維度。」

走過童年戰火，雕塑超越生命的哲學

「我祖母總告訴我：『兄弟、鄰居反目成仇，然後突然開始互相殘殺。』一切都是超越理性的。」

現居紐約的Ivana，童年經歷過1990年代扯裂南斯拉夫土地的戰爭。她說，她們的記憶常停留在戰前的美好，聽到前南斯拉夫音樂總不自覺含淚。現實的不確定，令她感覺一切可能隨時崩潰，消亡的結果終將會降臨己身。她以物質隱喻對生命的看法，像容易消亡的蠟經常用來隱涉短暫的肉體；看似吹彈可破的玻璃則代表生物的呼吸；青銅堅韌如盔甲；而不易氧化和腐蝕的不鏽鋼，則象徵超越時間、作用於生命的不可抗力，甚至是暴力。

Ivana參考了神聖建築的視覺語言，以及「聖母無玷之心」等宗教概念，打造〈氣動激情〉（Passion of Pneumatics）。「我用一塊雪花石膏取代了太陽或心臟的概念，太陽射線則由氣動錘取代，慢慢將石塊敲擊成塵埃。而錘子的節奏與我的呼吸同步，整個過程也如同身體緩慢消減的過程。」生命在呼吸的代謝中新生與垂敗，礦石回歸塵土又將被大地重塑，萬物在她眼中是不斷的輪迴。

探尋生命無限的精神潛質

這次北美館委製的新作〈靈變〉（Metanoia）同樣是氣動雕塑，造型如蓮花向天綻放；霧氣透過植物萌發般外延的管道，由周圍散落種子般的口器噴湧而出。她解釋，作品靈感來自南斯拉夫未來主義的「Spomenik」紀念碑。這些碑體是建構南斯拉夫國族神話的一環，象徵接納過往的失落與創傷，並共同構築一個國家的未來嚮往。那些混凝土碑體欲要對抗時間卻終將敗毀的徒勞嘗試，尤其令她動容。

「那種想要離開地面、脫離束縛、向上飛升，向更偉大的力量敞開自己，將自己的人性、痛苦和創傷都獻祭出去，藉此獲得救贖或治癒的渴望，正接近我的作品所想呈現的姿態。」

「我覺得台灣和中國的歷史，與南斯拉夫的境遇非常相似。我們都經歷過分裂，在這裡展出是很完美的，可以將這些共通的經驗和歷史帶入對話。」談到「思慕」的概念，Ivana分享她心中那股強烈想要超越現實世界的想望。她提到，人們經常會因觸及到生命的藩籬而感到失落。「但這說明了一件事：我們怎會知道『失落』的感受？除非我們潛意識深處本就知道，有一個無限、永恆、沒有限制的世界存在，而我們曾身處其中，知道那是怎樣的感受，而不是我們所處的這種生命形式。」她相信，我們只是忘了原有的可能，因此身體的消亡或許也代表自由的一刻。而藉由創作，她想繼續探知人的存在，以及我們真正的潛能究竟是什麼。

Ivana Bašić

1986年生於南斯拉夫貝爾格勒，2010年起於紐約生活與工作。擅長雕塑創作，以蠟、玻璃、不鏽鋼、 雪花石膏等材質，探索身體的脆弱與變形，深受她 童年經歷南斯拉夫內戰的創傷記憶影響。近期展覽 包括柏林Schinkel Pavillon（2023、2024）、巴黎 Lafayette Anticipations（2023）、布拉格國立美術 館（2021）等。

2025台北雙年展《地平線上的低吟》

展期｜2025.11.01－2026.03.29

地點｜臺北市立美術館

_{文｜吳哲夫　攝影｜林科呈　攝影助理｜李易蓁　圖片提供｜各單位}

更多精彩內容請見La Vie 2025/11月號《懷舊新潮》

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/10月號《韓國設計特搜》