位於倫敦的千禧橋，將泰晤士河上的兩端連接，一頭是壯觀雄偉的聖保羅大教堂，南岸的另一頭，則是近年來全球最為炙手可熱的博物館「泰德現代館（Tate Modern）」，超高人氣從其官方 Instagram 上的220萬追隨者可略知一二，追蹤數可是超過如巴黎羅浮宮、紐約MoMA及大英博物館等全球十大館院呢！

成立於1897年的泰德美術館，由利物浦糖商亨利泰德（Henry Tate）爵士創立，從早年國家藝廊的定位持續發展，至今在英國已有四座美術館建築的規模，分別為極具聲望與代表性的泰德現代館（Tate Modern）、歷史最為悠久的泰德英國館（Tate Britain），以及1988年北向發展的泰德利物浦美術館（Tate Liverpool），與深耕在地文化藝術研究的泰德聖艾芙思美術館（Tate St Ives），這四個有著不同的定位與發展策略的藝術機構，正全面性地對全球藝術展現英式遠景與企圖心，早已是國際藝術圈舉足輕重的博物館。

英國藝術500年的精華

如果喜歡古典藝術作品，建於米爾班（Millbank）舊監獄遺址上的泰德英國館或許會是最佳選擇。作為泰德美術館發展的源頭，自19世紀末便收藏展示英國著名風景藝術家威廉透納，以及前拉斐爾派的眾多作品，就連藝術家John Everett Millais的知名作品《奧菲立亞》也是館藏。除此之外，如畢卡索、雷諾瓦、羅丹、馬諦斯、莫內等舉世聞名的近代藝術家之作也羅列其中，涵蓋500年的古典藝術盡搜，是英國國家級藝術博物館中，享有承先啟後之地位的藝術機構。

 

Tate（@tate）分享的貼文 於 PDT 2017 年 6月 月 24 日 上午 6:28 張貼

北方推廣文化教育，南方深耕在地藝術

隨著時續的推演，泰德美術館第一步的擴張選定北方的文化之都利物浦，同樣選址倉庫碼頭等老建築，為凋零的重要地標開啟新的路。泰德利物浦美術館不只典藏當代藝術，同時更扛起當地的文化教育責任，讓藝術殿堂更加親民，軟化藝術與生活的藩籬。

 

Tate Liverpool（@tateliverpool）分享的貼文 於 PDT 2018 年 5月 月 24 日 上午 8:20 張貼

而遠在英格蘭國境之南的泰德聖艾芙思館則接續著於1993年開張，改建一處能望見大西洋的老煤廠，為這個眾多藝術家宜居的城市寫下一筆藝術重鎮的證明。以旅居此地的藝術家為展覽主軸，深耕在地，策展也同時深掘城市的歷史，2018年初的吳爾芙特展便是發源於她和聖艾芙思親切的地緣關係。

 

Tate St Ives（@tatestives）分享的貼文 於 PDT 2018 年 5月 月 2 日 上午 7:07 張貼

首屈一指的全球當代藝術推進器 

2000年千禧年風光開幕的泰德現代館，改造活化二戰後火力發電廠的舊建築，由瑞士建築團隊HERZOG & DE MEURON操刀設計，不僅以「渦輪大廳」最為人所記憶，2016年完成擴建10層樓高的金字塔新館Switch House後，更是迎來前所未有的參觀人次。主司挖掘與典藏全球當代藝術作品的泰德現代館，不僅館藏擁有前瞻性，甚至策展概念與手法也顛覆慣常。泰德現代館常設展一開始便拒絕依時序、畫派陳列重要藝術作品，一改「歷史輸送帶」的敘事方式，透過主題設定，讓展示上有了新的實驗，也使得藝術藏品有多種詮釋的可能。曾經是倫敦能源動力核心的原址，如今成為推動英國、或者說全球當代藝術發展的所在，兩者可說是有了巧妙的呼應。

 

Tate（@tate）分享的貼文 於 PDT 2016 年 6月 月 19 日 上午 9:26 張貼

藝術的英式前衛與古典於台灣併行

目前已於高雄市立美術館展出的《裸：泰德美術館典藏大展》，便是以上述策展概念呈現的展覽，集結自泰德英國館、泰德現代館、泰德利物浦與泰德聖艾芙思的經典藏品，共計超過60位藝術家、123件油畫、雕塑、攝影等藝術作品，時間跨度橫亙近代的200年，回溯1790年代至2000年代，身體在西洋藝術史上的演化過程，也將爭議性不斷的「裸體」議題歸納出隨著時代轉變的美學觀點與批判。

耗費4年的時間籌備，由澳洲雪梨最重要的美術館「新南威爾斯美術館」開始巡迴亞太地區，走過紐西蘭、韓國、日本，巡展過程中，高雄市立美術館主動爭取，將泰德美術館的跨館收藏視野引介給台灣人。作為巡展最終站，花費1年的時間策劃，讓世界級的藝術品走進台灣高雄，前瞻性的策展創作激發更多在地火花，也使高雄市立美術館接軌全球博物館網絡。

本次《裸：泰德美術館典藏大展》豐富的藏品中以八大主題詮釋，其中更包含許多未曾於台灣展出的藝術家大作，如心理學家佛洛伊德之孫盧西安佛洛伊德（Lucian Freud）、英國最重要的普普藝術家之一大衛霍克尼（David Hockney）、以巨型蜘蛛雕塑聞名的露易絲布爾喬亞(Louise Bourgeois)等。特別的是，台灣最終站將獨家展出法國藝術家皮耶波納爾（Pierre Bonnard）描繪如同秘密戀情氛圍的畫作，實屬難得。

兩大藝術殿堂的跨國鉅獻

藉由探討真實軀體在藝術上的呈現，超越藝術流派與重新揀選並詮釋，《裸：泰德美術館典藏大展》為高雄市立美術館於行政法人化後的新頁，首展便與國際重量級博物館泰德美術館合作，深耕高雄、擁抱國際的做法，不僅有著「越在地，越國際」之感，也讓泰德美術館成功觸及更多有潛力踏進其4座場館的台灣觀眾，可說是讓高雄的城市文化高度跨出更大的一步，藝術迷可絕對要把握機會了！

Info | 《裸：泰德美術館典藏大展》

日期：2018/07/14（六）-2018/10/28（日）

地點：高雄市立美術館（高雄市鼓山區美術館路80號）

開放時間：每日09:30-17:30（週一不休館）

網站：展覽資訊

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Text / Diane Tang

via / 高雄市立美術館、泰德美術館群

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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